Renașterea este cea mai mare etapă în dezvoltarea culturii umane. Termenul „Renaștere” a fost folosit pentru prima dată de artistul și criticul de artă Giorgio Vasari, autorul cărții „Viețile celor mai faimoși pictori, sculptori și arhitecți” (1500), unde a definit dezvoltarea artei în Italia în perioada 15-16. secole. ca o renaștere după mulți ani de declin în Evul Mediu. Ulterior, acest termen a început să fie folosit într-un sens mai larg, devenind o denumire și o caracteristică a unei întregi ere în dezvoltarea culturii Europei de Vest.

Cultura Renașterii (Rinascimento - în italiană, Renaissance - în franceză) a început să prindă contur în Italia de la mijlocul secolului al XIV-lea. Esența acestei culturi a fost lupta împotriva canoanelor feudale și manifestarea lor în religie, filozofie și artă. În efortul de a crea o nouă cultură bazată pe principiul dezvoltării libere a omului, figurile Renașterii s-au îndreptat către principiile umaniste ale culturii antice. O revoluție grandioasă a avut loc în viziunea asupra lumii a oamenilor și, mai presus de toate - oameni de știință, pictori, arhitecți, poeți, care au fost ghiduri. cultura noua, care a întruchipat idealul umanității, dând naștere în oameni o mare dragoste pentru frumusețea lumii și o dorință persistentă de a înțelege această lume.

Spre deosebire de cultura Evului Mediu, cultura umanistă a Renașterii care afirmă viața era laică. O sete pasionată de cunoaștere a lumii reale și admirația pentru aceasta au dus la apariția științei, la reflectarea în artă a celor mai diverse aspecte ale realității și a transmis patos maiestuos și perspectivă profundă celor mai semnificative creații ale artiștilor. Idealul unei personalități titanice a fost afirmat în artă, care a fost întruchipată în literatură, sculptură și pictură, care au cunoscut o înflorire fără precedent înainte de acea vreme. Idealurile umanismului s-au exprimat și în arhitectură, în aspectul clar armonios al clădirilor, în proporțiile și scarile lor legate de om.

Etapele dezvoltării artei renascentiste:

Pre-Renaștere sau Proto-Renaștere (secolele XIII - XIV),

Renașterea timpurie (secolul al XV-lea),

Înalta Renaștere (anii 90 ai secolului al XV-lea - prima treime a secolului al XVI-lea),

Renașterea târzie (a doua jumătate a secolului al XVI-lea).

În diferite țări, procesele Renașterii s-au dezvoltat diferit. De exemplu, în Țările de Jos nu a existat o Înaltă Renaștere. În Italia, pictura și sculptura au fost cele mai dezvoltate în Germania și Țările de Jos, odată cu pictura, gravura etc., s-au răspândit.

Italia a fost locul de naștere și țara clasică a Renașterii europene.

PRERENAȘTERE

Fenomene Proto-Renaștere si devreme Renaştere manifestat cel mai clar în republicile italiene avansate, în special în Florența. Pe pământul florentin s-a format opera marelui poet Dante, ultimul poet al Evului Mediu și primul poet al timpurilor moderne, și pionierul picturii renascentiste, artistul Giotto.

Dante Alighieri(1265 – 1321) s-a născut și a crescut în Florența, unde s-a format sub influența personajului politic remarcabil și umanist Brunetto Latini. Dante însuși, un participant la viața politică a orașului, a fost expulzat din Florența; În perioada de douăzeci de ani de exil, el a scris creația sa genială - „Comedia”, căreia cititorii admiratori i-au dat definiția „ divin ".

Intriga poeziei se întoarce la tradiția religios-fantastică a descrierilor medievale ale mersului în viața de apoi și viziunile destinelor umane postume. Dar conținutul poeziei reflectă realități specifice, de viață, asociate cu soarta personală a poetului și circumstanțele socio-politice ale realității. Mergând în viața de apoi în căutarea iubitei sale Beatrice, Dante recunoaște dreptul omului la sentimente libere și gloriifică „dragostea care mișcă sorii și luminarii”, înțelesul „Divinei Comedie”, conținutul ei universal constă în personalitatea lui Dante însuşi, primul poet care a reuşit să se ridice deasupra schemelor gândirii scolastice.

Giotto di Bondone(1266/67 – 1337) s-a remarcat prin versatilitatea ei de interese (arhitect, sculptor, poet, artist), care era o caracteristică personală a figurilor renascentiste. El și-a adus cea mai semnificativă contribuție la dezvoltarea picturii.

Arta lui Giotto afirmă valoarea unei persoane reale și se distinge prin puterea sa enormă de impact emoțional, profunzime morală și etică, dramatism și epopee. Cea mai semnificativă creație a sa este un ciclu de fresce pe tema vieții Mariei și a lui Hristos în Capelle del Arena V Padova.

Artistul interpretează legenda religioasă ca pe un eveniment real. Cu o forță fără precedent, Giotto transmite personajele personajelor, relevate în acțiunile lor, în mișcări lente, în gesturi. Scena este percepută ca o poveste dramatică despre trădare, ca o ciocnire a două personaje contrastante.” Sărutul lui Iuda", grandoarea epică și dramatismul disting fresca „Doliu lui Hristos”. Abandonând detalii minore, generalizând, Giotto creează imagini de mare profunzime. Culorile luminoase, reci - galben, roz, albastru, verde - alcătuiesc o armonie sonoră, ușor de perceput, de picturile.

Arta lui Giotto, cu sinceritatea și simplitatea ei, ușoară în gândire, plină de credință în om, a marcat începutul picturii renascentiste.

RENAȘTEREA TIMPURIE

La sfârșitul secolului al XIV-lea, puterea din Florența era concentrată în mâinile casei bancare Medici. În 1434, Cosimo de' Medici a devenit conducătorul neoficial al Florenței. Se străduiește să câștige statutul de patron al artelor și științelor.

În această perioadă, la Florența a fost înființată Academia Platonică și a fost fondată Biblioteca Laurențiană. La curtea Medici lucrează oameni de știință, scriitori și arhitecți. Orașul este în curs de construcție și dezvoltare extinsă arhitectură(clădirea centrală a templului de scăldat și palatul orașului al burgheziei și aristocrației bogate).

Fondatorul arhitecturii renascentiste a fost Philippe Brunelleschi(1377 – 1446), originar din Florența (cupola octogonală deasupra Catedralei Santa Maria del Fiore, Orfelinatul din Piazza Annunziata, Capela Pizzi și altele). Un practicant și teoretician remarcabil a fost Leon Battista Alberti(1404 – 1472), autor al tratatului „Zece cărți de arhitectură”.

Renașterea timpurie a fost marcată de dezvoltare literatură, asociat cu numele lui Petrarh și Boccaccio.

Francesco Petrarca(1304 - 1374), al cărui tată era prieten cu Dante și cunoștea și amărăciunea exilului, a fost favorizat de guvern, a câștigat faima de mare poet și a fost încununat cu o cunună de laur. Petrarh este fondatorul genului sonet în poezia europeană. Două cărți din sonetele sale sunt dedicate Laurei, a cărei dragoste este întruchipată în poezie ca un sentiment real, pământesc. Petrarh a eliberat poezia de misticism și abstracție. Versurile sale au fost întruchiparea aspirațiilor umaniste ale autorului.

Giovanni Boccaccio(1313 – 1375) – scriitor, artist și om de știință – filolog. El a dezvoltat genul povesti scurte, apelând la rădăcinile populare ale artei italiene.

Marea lucrare a lui Boccaccio este " Decameron" este o carte care a dat o lovitură zdrobitoare viziunii religioase-ascetice asupra lumii din Evul Mediu. Nuvelele lui Boccaccio sunt scrise într-un limbaj strălucitor, plin de proverbe populare, zicători și jocuri de cuvinte.

Scriitori italieni din secolele XIV – XVI. - G. Florentino, F. Sacchetti, M. Guardi, M. Bandello și alții - au dezvoltat tradițiile lui Boccaccio. Nuvelele italiene au influențat literatura europeană ulterioară.

În timpul Renașterii timpurii, a dobândit propriul său sens independent. sculptură, care era subordonată arhitecturii în Evul Mediu.

Un adevărat reformator al sculpturii italiene a fost Donatello(aproximativ 1386 – 1466, Numele complet– Donato di Niccolo di Betto Bardi). El creează imagini de sfinți și profeți (Catedrala din Florența și altele), distingându-se prin caracteristici individuale. Punctul culminant al creativității sale este sculptura" David„(1430 – 1440), marcând triumful idealurilor Renașterii. Îndemânarea de a înfățișa corpul gol se bazează pe tradiții antice. Imaginea unui tânăr cioban, câștigătorul lui Goliat, a fost un imn la isprava din numele poporului Prima statuie ecvestră a Renașterii a fost creată și de Donatello - imaginea unui condotier Gattamelata.

În ultima treime a secolului al XV-lea, în timpul domniei Lorenzo Medici, supranumit Magnificul, s-a format o cultură sofisticată, remarcată prin interesul pentru mitologia antică și goticul cavaleresc. Pictura atinge un nivel înalt.

Trăsăturile poeziei sublime, rafinamentul, rafinamentul sunt întruchipate în creativitate Sandro Botticelli(1445 – 1510). Cele mai mature lucrări ale artistului sunt celebrele picturi " Arc" (circa 1485) și „Nașterea lui Venus" (circa 1484). Subiectele lor sunt inspirate din poezie A. Poliziano, sunt atrași de mituri străvechi, dar sunt inspirați de viziunea poetică personală a artistului. Multe dintre picturile lui Botticelli sunt dedicate imaginii madone, a creat fresce pe subiecte biblice. Picturile sale se disting prin cele mai complexe ritmuri liniare în armonia liniilor se aude armonia muzicii.

Botticelli a fost primul ilustrator al „Divinei Comedie” a lui Dante (1492 - 1497), desenele sale sunt pline de dramatism profund și lirism subtil.

Alături de Botticelli, exponentul ideilor Renașterii în cultura florentină a fost sculptorul și pictorul Verrocchio, în centrul și nordul Italiei - Piero della Francesca, Mantegna, la Veneția - G. Bellini și alții.

ÎNALTA RENAȘTERE

La sfârșitul secolului al XV-lea - mijlocul secolului al XVI-lea. Odată cu Florența, Roma și Veneția devin centre de artă.

La Roma se formează un nou stil arhitectural, al cărui exponent este Donato d'Angelo Bramante(1444 – 1514), care a conferit clădirilor sale un aspect maiestuos și monumental. Principala creație a lui Bramante este designul Catedralei Sf. Petru la Roma (1506), întruchipând ideea unei clădiri cu cupolă centrală ideală, cu o compoziție simetrică.

Adevăratul fondator al stilului Înaltei Renașteri a fost Leonardo da Vinci(1452 – 1519). Activitățile sale au fost cuprinzătoare; Are perspective strălucitoare în diverse domenii ale științei și tehnologiei.

Deja picturile timpurii ale lui Leonardo se disting prin naturalețe și plasticitate, prin regularitatea internă a compoziției („Madona cu floare”, 1478).

Cele mai semnificative dintre picturile monumentale ale lui Leonardo - " ultima cina„, realizată în 1495 - 1497 pentru mănăstirea Santa Maria della Grazie din Milano.

Una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Leonardo da Vinci este portretul Mona Lisa ("Gioconda", în jurul anului 1503). Artistul a fost un inovator în dezvoltarea portretului renascentist. Figura maiestuoasă a unei tinere femei este prezentată pe fundalul unui peisaj semi-fantastic complex, care se armonizează subtil cu caracterul modelului. priceperea picturală este uimitoare Cea mai fină ceață a clarobscurului (așa-numitul sfumato) învăluie figura, nu există o singură contur ascuțit sau un contur unghiular în imagine.

Realizările grafice ale lui Leonardo includ cartonul pentru fresce” Bătălia de la Anghiari„. ÎN anul trecut De-a lungul vieții sale, artistul s-a angajat în principal în cercetarea științifică, în care a fost și înaintea timpului său.

Contemporanul mai tânăr al lui Leonardo a fost Rafael Santi(1483 - 1520), care a întruchipat în înfățișarea, caracterul și în operele sale ideea celor mai strălucitoare și mai sublime idealuri ale umanismului renascentist. Și-a creat idealul de persoană frumoasă, dezvoltată armonios.

Lucrările sale dedicate imaginii Madonei se remarcă prin lirismul lor spiritual ("Madonna Connestabile" - 1502, "Madonna in Greenery" - 1505, "Madonna with Goldfinch" - 1507, "The Beautiful Gardener" - 1507 și altele) .

În perioada 1509-1517. Rafael realizează picturi murale ale sălilor de stat (așa-numitele strofe) ale Palatului Vatican. Conținutul frescelor a fost stabilit chiar de Papa Iulius al II-lea. Rafael a introdus în scenele biblice portretele contemporanilor săi și ale oamenilor celebri din trecut. Există patru teme dezvoltate în fresce: „ scoala din Atena", "Parnas", "Disputa", "Justiţie".

Perioada romană a operei lui Rafael este marcată de crearea „ Madonna Sixtina„(1515 – 1519), destinată Bisericii Sfântul Sixt din Piacenza. Artistul a creat o imagine care ne șochează astăzi prin profunzimea și puterea ei.

Punctul culminant al Înaltei Renașteri a fost creativitatea Michelangelo Buonarroti(1475 – 1564). În fiecare domeniu al creativității artistice, a lăsat lucrări remarcabile de sculptură, pictură, grafică, arhitectură și poezie. Întreaga viață a lui Michelangelo este o luptă pentru afirmarea dreptului omului la creativitate liberă.

Primul original lucrare sculpturală– grup de marmură „Pieta”, întruchipând idealurile umaniste ale Renașterii.

Cea mai mare creație a maestrului a fost statuia David(1501 – 1504), instalat în centrul Florenței în fața clădirii Palazzo Vecchio și exprimând ideea de ispravă civică, un apel pentru apărarea patriei.

Talentul puternic al artistului a fost dezvăluit în pictura tavanului Capela Sixtină(1508 – 1512), unde sunt plasate nouă compoziții pe subiecte biblice și o frescă pe peretele altarului " Judecata de Apoi".

Michelangelo deține sculpturi precum imaginea profetului Moise, pietrele funerare Medici din capela de la Biserica San Lorenzo (figuri alegorice „Dimineața”, „Seara”, „Ziua” și „Noaptea”). Înaltele principii umaniste triumfă în arhitectura Catedralei Sf. Petru din Roma. Iar în anii de reacție publică, ofensiva Bisericii Catolice, Michelangelo nu și-a pierdut încrederea în om, în triumful rațiunii.

În anii 1520-1530. În Italia se răspândeau fenomene străine culturii Renașterii, care mai târziu a primit numele de „manierism”. Acest fenomen a reflectat discordia internă și sentimentul de neputință al artiștilor în fața contradicțiilor insolubile ale vieții. Idealurile unei personalități armonioase au fost înlocuite de pesimism, ruptură și gol. Deformarea, proporțiile alungite ale figurilor și liniile bizare caracterizează lucrările artiștilor Pontormo (1494 - 1557), Parmigianino (1503 - 1540) și alții.

În aceeași perioadă, în nordul Italiei, la Veneția, au fost create minunate opere de artă ale Înaltei Renașteri. Acestea sunt creațiile creative ale arhitectului Jacopo Sansovino (Biblioteca San Marco și altele), acestea sunt picturile lui Giorgione (George Barbarelli da Castelfranco).

Unul dintre vârfurile Înaltei Renașteri a fost creativitatea Titian(1485/90 – 1576), în care s-au manifestat clar tendințele umaniste și originalitatea realismului școlii venețiene.

Dorința autorului pentru caracteristicile psihologice ale personajelor s-a manifestat în picturile „Iubire cerească și pământească”, „ dinarul lui Cezar„(chipul lui Hristos și a fariseului), „Înălțarea Mariei”, în numeroase portrete. Idealul frumuseții umane pline de sânge este întruchipat în creații precum „Venus în fața oglinzii”, „ Danae”, în „Autoportret” artistul apare ca un gânditor, marcând triumful minții umane.

RENAȘTEREA Târzie

Până la sfârșitul secolului al XVI-lea. Cultura Renașterii se descompune sub atacul tendinței feudal-catolice, care începe o respingere cruntă a liber-gândirii umaniste, științei și culturii. În 1600, marele umanist a urcat la focul Inchiziției Giordano Bruno, astronom, filozof natural, scriitor, care nu și-a schimbat convingerile nici în fața morții. Cu doi ani mai devreme, pe rug, iezuiții l-au declarat nebun pe marele filozof utopic și l-au condamnat la închisoare pe viață. Tommaso Campanella, creatorul romanului satiric „Orașul soarelui”, scris sub influența „Republica” lui Platon și făcând ecoul „Utopiei” a lui Thomas More. Fizician, mecanic și astronom strălucit, scriitor remarcabil Galileo Galilei a fost supus unei persecuții severe, Inchiziția l-a obligat să renunțe la învățăturile lui Copernic.

În acest mediu s-a dezvoltat activitatea ultimului mare poet al Renașterii italiene. Torquato Tasso(1544 – 1595), a cărei opera a reflectat prăbușirea umanismului în condițiile istorice ale acelei epoci. Opera centrală a lui Tasso este poemul " Ierusalimul eliberat„(1575), a cărei temă este asediul și capturarea Ierusalimului de către cruciați. Poetul arată puterea credinței creștine prin ciocnirea a două culturi – păgână și creștină.

Idealurile Renașterii târzii s-au reflectat și în artă Veronese(pictorul Paolo Cagliari, 1528 – 1588), Tintoretto(artist Jacopo Robusti, 1518 – 1594) ş.a.

REVIEREA DE NORD

Acest termen este de obicei folosit pentru a desemna cultura secolelor XV-XVI. în ţările europene situate la nord de Italie: Olanda, Germania, Franţa, Anglia, arta acestor ţări s-a dezvoltat ca o continuare directă a goticului, ca evoluţia acestuia în direcţia artei laice. Aspectul comun cu Renașterea italiană se manifestă în tendințele procesului sociocultural: creșterea și formarea umanismului burghez, slăbirea viziunii feudale asupra lumii, creșterea conștiinței de sine a individului.

OLANDA

În secolul al XV-lea Olanda a devenit cel mai strălucit centru al artei europene după Italia, care a căpătat aici un caracter mai democratic. În această perioadă, oamenii de știință umaniști s-au orientat către antichitate, lucrări de autori antici, poezia științifică apare pe latinși dramă școlară latină.

Cel mai mare om de știință umanist de la începutul secolului al XVI-lea. a fost Erasmus din Rotterdam(1466 - 1536), celebru pentru traducerile sale ale tragediei grecești, lucrări în latină, atât științifice, cât și artistice, de exemplu, satira” Lauda pentru prostie„Viciile sunt ridiculizate și criticate societate modernă, prezentate ca diverse tipuri de prostie umană.

Pentru arta olandeză din secolele XV-XVI. caracterizat printr-o viziune nouă, realistă asupra lumii, o afirmare a valorii artistice a realității, o expresie a legăturii organice dintre om și mediu. Acest lucru s-a manifestat în pictură și grafică, în genul de zi cu zi, portrete, interioare și peisaje.

Arhitectura si sculptura pana in secolul al XVI-lea. dezvoltat în stilul gotic. Un punct de cotitură a avut loc în pictură în legătură cu apariția picturii de șevalet.

Hubert și Jan van Eyck- fondatorii realismului în Olanda. Există puține informații despre Hubert, Jan van Eyck (aproximativ 1390 - 1441) este un inovator curajos, un artist cu o înțelegere filozofică a vieții, care s-a orientat spre studiul naturii. O nouă percepție veselă a vieții s-a manifestat în Retarul Gent, interpretat pentru Capela Wade (1426 - 1432, Gent, Biserica Sf. Bavo). În lucrările „Madona cancelarului Rolin” (c. 1434), „Madonna of Canon van der Paele” (1436) are loc formarea unui gen portret, ale cărui trăsături sunt întruchipate în portretele cardinalului Albergati (c. 1431), cuplul Arnolfini (1434) și alții

Un nou concept despre lume și om se reflectă în creativitate Rogier van der Weyden(aproximativ 1400 – 1464), Hugo van der Goes(1440 – 1482). Dorința de satiră socială, îmbrăcată într-o formă alegorică, religioasă sau fantastică întunecată, a fost întruchipată în lucrare. Hieronymus Bosch(c. 1450 – 1516), care a castigat viciile omenirii slabe de vointa infundate in pacate („Corabia nebunilor” si altele).

În secolul al XVI-lea - o nouă ascensiune a picturii în Olanda. Artiștii s-au orientat spre studiul descoperirilor Renașterii italiene (mișcarea „romanism”). Dintre „romancieri” se remarcă Luca de Leyden (Van Leyden, 1489/94 – 1533). Pe la mijlocul secolului al XVI-lea. un monumental gen de zi cu zi, natură moartă (P. Aartsen, I. Beikelar), portret individual și de grup.

Ultima etapă în evoluția artei olandeze, a determinat umanismul ei tragic Pieter Bruegel cel Bătrân(c. 1525/30 – 1569), supranumit Muzhitsky („Căderea lui Icar”). Sărbătorile populare sunt descrise în picturile „Bătălia de la Maslenița și Postul” (1559), „Jocurile copiilor” (1560), viața țăranilor și a naturii - în ciclul pictural „Lunile” („Vânătorii în zăpadă” și altele), în lucrarea „Dansul țărănesc” . Pictura are un profund sens social și filosofic. ORB„(1568) – pilda Evangheliei este folosită pentru a personifica orbirea umanității miope, care nu-i cunoaște soarta.

GERMANIA

Cultura artistică a Germaniei a reflectat particularitățile dezvoltării sale istorice (reforma, războiul țărănesc și altele). Ideile de umanism și învățăturile lui Luther se răspândesc. Münzer predică munca activă în rândul oamenilor. Principiile realismului sunt afirmate în art. Marele artist-gânditor a fost Albrecht Durer(1471 –1528). Activitățile sale au fost multiple: a pictat portrete, peisaje, scene tradiționale biblice și evanghelice, a studiat matematica, anatomia și perspectiva. Durer a fost atras mai ales gravare, mai întâi o gravură în lemn și apoi o gravură pe cupru. Cea mai mare realizare este o serie de gravuri în lemn pe temă Apocalipsa(1498). Artistul a descris scene teribile de moarte și pedeapsă, corelându-le cu evenimentele moderne („Cei patru călăreți”, „Bătălia Arhanghelului Mihail cu Dragonul” și altele). Remarcabile au fost și realizările lui Dürer în gravurile pe cupru („Cavalerul, Moartea și Diavolul”, „Sfântul Ieronim”, „Melancolie”).

Concomitent cu Dürer și după el, a apărut o galaxie de artiști importanți: Lucas Cranach cel Bătrân, Matthias Grünwald, Holbein.

Franţa

Formarea Renașterii franceze a fost influențată semnificativ de procesele Renașterii italiene. În Franța, Leonardo da Vinci, Andrea del Sarto, Benvenuto Cellini creează lucrări, sunt traduse lucrările lui Dante, Petrarh, Boccaccio și se studiază antichitatea. Universitatea seculară, Collège de France, devine centrul cunoștințelor umaniste. Dar de la mijlocul anilor 1530. Există o întorsătură bruscă în politica lui Francisc I. Încep execuțiile protestanților și umaniștilor cu gândire liberă. Toate acestea se reflectă în art. Cel mai proeminent reprezentant al Renașterii franceze a fost Francois Rabelais(1494 – 1553) – medic, naturalist, arheolog, avocat, poet, filolog și genial satiric. Romanul său „Gargantua și Pantagruel” exemplu minunat cultura umanistă a Renașterii. Pe baza cărții populare, Rabelais creează mai multe lucrări despre bunul gigant Gargantua și fiul său Pantagruel. Folosind schema romanelor cavalerești, autorul parodiază și ridiculizează în mod satiric sistemul de învățământ școlar, discursurile expertilor medievali, războaiele feudale, viața și obiceiurile curții regale și ale regilor înșiși. În imaginea călugărului Jean Rabelais afirmă principiile poporului, bunul simț, curajul nestăpânit și dragostea de viață.

Poeții au adus contribuții remarcabile la literatura Renașterii Pierre de Ronsard, unul dintre cei mai mari cântăreți ai dragostei, Michel de Montaigne, autor al cărții „Experimente”, care a afirmat capacitatea omului de dezvoltare nelimitată și, în același timp, posibilitatea de amăgire și o cădere scăzută. Baza cunoașterii și criteriul adevărului pentru Montaigne a fost experiența, cel mai înalt standard moral a fost moderația și apropierea de natură.

SPANIA

ÎN Renașterea spaniolă problemele sociale au fost transferate în principal pe un plan moral abstract. Tendințele umaniste au fost întruchipate nu în teorii filozofice, dar aproape exclusiv în imagini poetice. Ideologia religioasă se reflectă pe scară largă în literatură. Mari dramaturgi: Lope de Vega, Calderon– împreună cu piese seculare, au creat piese religioase și au adaptat pentru scenă legende și vieți de sfinți.

Genul romanului, care a reînviat concepte precum onoarea cavalerească și vitejia militară, a devenit deosebit de răspândit. La sfârșitul secolului al XVI-lea, când politica de cucerire a Spaniei a început să eșueze, a existat o dezamăgire în optimismul naiv al romanțelor cavalerești. Declinul autoritatii lor a fost facilitat de satira geniala a lui Cervantes, in care erau exprimate ideile umaniste ale epocii.

Miguel de Cervantes Saavedra(1547 – 1616) și-a conceput romanul „Hidalgo viclean Don Quijote din La Mancha” în primul rând ca o parodie a romanțelor cavalerești. Autorul, prin imaginea Cavalerului Imaginii Îndurerate și a „exploatărilor” sale, îndepărtează vălul din însăși ideea de cavalerism și își arată atitudinea negativă față de spiritul de expansiune și aventurism al Spaniei contemporane. Dar imaginea lui Don Quijote este ambiguă. Autorul vede în el înalt calități morale: altruism, generozitate, onestitate, dorinta sincera de a beneficia de oameni. Personajul eroului conține o contradicție foarte importantă: este un nebun și în același timp un înțelept. El este un exponent al spiritului Renașterii, al ideii de umanism și al credinței în om.

Creandu-si romanul in timpul crizei umanismului, Cervantes reflecta in el ciocnirea aspiratiilor ideale ale mintii umane cu lumea interesului propriu, a mercantilismului, a idealului cu „realitatea de baza”.

ANGLIA

Secolul al XIV-lea în Anglia este perioada formării unei culturi naționale unificate și a unei limbi naționale. scriitori englezi sunt direct influențate de Renașterea italiană,

A fost contemporan cu Petrarh și Boccaccio Geoffrey Chaucer(1340 – 1400), care a exprimat o viziune asupra lumii care afirmă viața, o viziune umană asupra vieții umane. Opera sa principală este Poveștile Canterbury.

Marele exponent al ideilor timpului său și în același timp conținutul umanist universal al artei a fost William Shakespeare(1564 – 1616). Întreaga viață a marelui dramaturg a fost dedicată teatrului. Dar talentul său s-a manifestat în diverse domenii. Shakespeare a fost un poet semnificativ. Deține poeziile „Venus și Adonis” și „Lucreția”. Cele mai profunde și semnificative lucrări poetice au fost sonete(total 154).

De-a lungul carierei sale, Shakespeare s-a orientat către drama. Acestea sunt comediile „Visul unei nopți de vară”, „Comerciantul de la Veneția”, „Îmblânzirea scorpiei”, „Mult zgomot pentru nimic”, „A douăsprezecea noapte”, cronicile istorice „Richard al II-lea”, Richard al III-lea”, Henric. IV” și altele. Dar principala sa realizare sunt tragediile: „Romeo și Julieta”, „Othello”, „Regele Lear”, „Macbeth”, „Antony și Cleopatra”, etc.

Conținutul cel mai profund umanist al operei lui Shakespeare a fost întruchipat în tragedie”. Cătun„De-a lungul întregii tragedii, Hamlet este un acuzator pasionat, indignat. Puterea lui Hamlet nu este aceea că a rezolvat, ci a pus problema nedreptății lumii din jurul său, pe care el o numește închisoare.

Descriind evenimentele care au avut loc în Danemarca în secolul al XI-lea, Shakespeare s-a gândit la timpul său, la contradicțiile sale. Deja pe vremea lui Shakespeare, tragedia „Hamlet” a depășit cu mult zidurile teatrelor profesionale. În 1604, contemporanul lui Shakespeare, Anthony Skoloker, scria că tragediile lui Shakespeare „ating inimile oamenilor de rând”.

Astfel, Renașterea de mai târziu în Spania, Franța și Anglia a dat naștere celor mai bogate și mai mature fructe din literatură - în ele a înflorit realismul, plin de tragedie internă.

Informații conexe.

Arta Renașterii în Italia (secolele XIII-XVI).

ÎN COMPILAREA PAGINII, MATERIALELE SUNT UTILIZATE DIN RESURSA http://artclassic.edu.ru

Caracteristicile artei renascentiste din Italia.

Arta Renașterii a apărut pe baza umanismului (din latinescul humanus - „uman”) - o mișcare de gândire socială care a luat naștere în secolul al XIV-lea. în Italia, iar apoi în a doua jumătate a secolelor al XV-lea și al XVI-lea. răspândit în alte țări europene. Umanismul a proclamat pe om și binele lui drept cea mai înaltă valoare. Adepții acestei mișcări credeau că fiecare persoană are dreptul de a se dezvolta liber ca individ, realizându-și abilitățile. Ideile umanismului au fost întruchipate cel mai pe deplin și viu în artă, a cărei temă principală era o persoană frumoasă, dezvoltată armonios, cu un potențial spiritual și creativ nelimitat. Umaniștii s-au inspirat din antichitate, care le-a servit drept sursă de cunoaștere și model de creativitate artistică. Marele trecut al Italiei, amintindu-se constant, era perceput la acea vreme ca cea mai înaltă perfecțiune, în timp ce arta Evului Mediu părea ineptă și barbară. Termenul de „renaștere”, care a apărut în secolul al XVI-lea, a însemnat nașterea unei noi arte care a reînviat cultura antică clasică. Cu toate acestea, arta Renașterii datorează mult tradiției artistice din Evul Mediu. Vechiul și noul erau în legătură și confruntare indisolubilă. Cu toată diversitatea contradictorie a originilor sale, arta Renașterii este marcată de noutate profundă și fundamentală. Ea a pus bazele culturii europene a New Age. Toate tipurile majore de artă - pictură și grafică, sculptură, arhitectură - s-au schimbat enorm.
În arhitectură, au fost stabilite principii reelaborate creativ ale arhitecturii antice. sistem de ordine , au apărut noi tipuri de clădiri publice. Pictura a fost îmbogățită prin perspectiva liniară și aeriană, cunoașterea anatomiei și proporțiilor corpului uman. Conținutul pământesc a pătruns în temele religioase tradiționale ale operelor de artă. Interesul pentru mitologia antică, istorie, scenele de zi cu zi, peisaje și portrete a crescut. Alături de picturile murale monumentale care au decorat structuri arhitecturale, a apărut o poză; A apărut pictura în ulei.
Arta nu a încetat încă să fie un meșteșug, dar individualitatea creatoare a artistului, a cărui activitate la acea vreme era foarte diversă, a ieșit deja în prim-plan. Talentul universal al maeștrilor Renașterii este uimitor - aceștia au lucrat adesea simultan în domeniile arhitecturii, sculpturii și picturii, combinând pasiunea pentru literatură, poezie și filozofie cu studiul științelor exacte. Conceptul de personalitate bogată din punct de vedere creativ sau „Renaștere” a devenit ulterior un cuvânt de uz casnic.
În arta Renașterii, căile de înțelegere științifică și artistică a lumii și a omului erau strâns împletite. Sensul său cognitiv era indisolubil legat de frumusețea poetică sublimă în dorința sa de naturalețe, nu s-a aplecat la viața de zi cu zi; Arta a devenit o nevoie spirituală universală.
Formarea culturii renascentiste în Italia a avut loc în orașe independente din punct de vedere economic. În ascensiunea și înflorirea artei renascentiste, un rol important l-au jucat Biserica și curțile magnifice ale suveranilor neîncoronați - familiile bogate conducătoare care erau cei mai mari patroni și clienți ai lucrărilor de pictură, sculptură și arhitectură. Principalele centre ale culturii renascentiste au fost mai intai orasele Florenta, Siena, Pisa, apoi Padova, Ferrara, Genova, Milano, iar mai tarziu, in a doua jumatate a secolului al XV-lea, bogatul comerciant Venetia. În secolul al XVI-lea Roma a devenit capitala Renașterii italiene. Din acest moment, toate celelalte centre culturale, cu excepția Veneției, și-au pierdut importanța anterioară.
În epoca Renașterii italiene, se obișnuiește să se distingă mai multe perioade:

Proto-Renaștere (a doua jumătate a secolelor XIII-XIV),

Renașterea timpurie (secolul al XV-lea),

Înalta Renaștere (sfârșitul secolului al XV-lea - prima treime a secolului al XVI-lea)

Renașterea târzie (ultimele două treimi ale secolului al XVI-lea).

Proto-Renaștere

În cultura italiană a secolelor XIII-XIV. Pe fundalul tradițiilor încă puternice bizantine și gotice, au început să apară trăsături ale unei noi arte, care mai târziu va fi numită arta Renașterii. Prin urmare, această perioadă a istoriei sale a fost numită Proto-Renaștere(din grecescul „protos” - „primul”, adică a pregătit ofensiva Renașterii). Nu a existat o perioadă de tranziție similară în niciuna dintre țările europene. În Italia însăși, arta proto-Renașterii a apărut și s-a dezvoltat doar în Toscana și Roma.
Cultura italiană a împletit trăsături vechi și noi. Ultimul poet al Evului Mediu și primul poet nouă eră Dante Alighieri (1265-1321) a creat limba literară italiană. Ceea ce a început Dante a fost continuat de alți mari florentini ai secolului al XIV-lea - Francesco Petrarca (1304-1374), fondatorul liricii europene și Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatorul genului de novelă (nuvela) în lume. literatură. Mândria epocii sunt arhitecții și sculptorii Niccolo și Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio și pictorul Giotto di Bondone .
Arhitectură
Arhitectura italiană a urmat multă vreme tradițiile medievale, care s-au exprimat în principal în utilizare cantitate mare motive gotice. În același timp, goticul italian în sine era foarte diferit de arhitectura gotică din nordul Europei: gravita spre forme mari calme, chiar luminoase, diviziuni orizontale și suprafețe largi de pereți. În 1296, construcția a început la Florența Catedrala Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio a vrut să încununeze partea de altar a catedralei cu o cupolă imensă. Cu toate acestea, după moartea arhitectului în 1310, construcția a fost finalizată deja în perioada Renașterii timpurii. În 1334, după proiectul lui Giotto, a început construcția turnului clopotniță al catedralei, așa-numitul campanil - un turn dreptunghiular subțire, cu diviziuni orizontale etaj cu etaj și ferestre gotice grațioase, a căror formă arcuită ascuțită a rămas în arhitectura italiană pentru o perioadă lungă de timp.
Printre cele mai cunoscute palate ale orașului se numără Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) din Florența. Se crede că a fost construit de Arnolfo di Cambio. Este un cub greu cu un turn înalt, căptușit cu piatră dură rusticată. Fațada cu trei etaje este decorată cu ferestre pereche așezate în arcade semicirculare, ceea ce conferă întregii clădiri o impresie de severitate restrânsă. Clădirea definește aspectul centrului vechi al orașului, pătrunzând în piață cu volumul ei aspru.
Sculptură
Mai devreme decât în ​​arhitectură și pictură, căutările artistice au apărut în sculptură, și mai ales în școala pizană, al cărei fondator a fost Niccolò Pisano (în jurul anilor 1220 - între 1278 și 1284). Niccolò Pisano s-a născut în Puglia, sudul Italiei. Se crede că a studiat sculptura în școlile sudice, unde a înflorit spiritul de renaștere al tradițiilor clasice din antichitate. Fără îndoială, Niccolo a studiat designul sculptural al sarcofagelor romane târzii și creștine timpurii. Cea mai veche lucrare cunoscută a sculptorului este un hexagonal amvon de marmură, realizată de el pentru baptisteriul din Pisa (1260), a devenit o lucrare remarcabilă a sculpturii renascentiste și a avut o influență imensă asupra dezvoltării sale ulterioare. Principala realizare a sculptorului este că a reușit să dea volum și expresivitate formelor, iar fiecare imagine are putere corporală.
Din atelierul lui Niccolò Pisano au venit maeștri remarcabili ai sculpturii proto-renascentiste - fiul său Giovanni Pisano și Arnolfo di Cambio, cunoscut și ca arhitect. Arnolfo di Cambio (circa 1245 - după 1310) a gravitat către sculptura monumentală, în care și-a folosit observațiile vieții. Una dintre cele mai bune lucrări pe care le-a finalizat împreună cu tatăl și fiul Pisano este fântână din Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, decorată cu numeroase statui și reliefuri, a devenit mândria orașului. Era interzis să se dea apă animalelor din el, să se ducă apă în butoaie de vin sau în vase nespălate. Muzeul orașului păstrează fragmente de figuri înclinate realizate de Arnolfo di Cambio pentru fântână. În aceste figuri, sculptorul a fost capabil să transmită toată bogăția mișcărilor corpului uman.
Pictura
În arta Renașterii italiene, pictura murală a ocupat un loc dominant. A fost realizată folosind tehnica frescei. Folosind vopsele preparate în apă, au pictat fie pe tencuială umedă (frescoa în sine), fie pe tencuială uscată - această tehnică se numește „a secco” (tradus din italiană ca „pe uscat”). Liantul principal al tencuielii este var. Deoarece A fost nevoie de puțin timp pentru ca varul să se usuce; Din a doua jumătate a secolului al XV-lea. tehnica frescei a început să fie completată cu o pictură secco; acesta din urmă a permis o muncă mai lentă și a permis finisarea pieselor. Lucrările la picturi au fost precedate de realizarea unor sinopii - desene auxiliare aplicate sub frescă pe primul strat de ipsos. Aceste desene au fost realizate cu ocru roșu, care a fost extras din lut lângă orașul Sinop, situat pe litoralul Mării Negre. Pe baza numelui orașului, vopseaua a fost numită Sinope, sau sinopia, iar mai târziu desenele au început să se numească la fel. Sinopia a fost folosită în pictura italiană din secolul al XIII-lea până la mijlocul secolului al XV-lea. Cu toate acestea, nu toți pictorii au recurs la sinopie - de exemplu, Giotto di Bondone, cel mai de seamă reprezentant al epocii proto-renascentiste, s-a făcut fără ele. Treptat, sinopia a fost abandonată. De la mijlocul secolului al XV-lea. Cartonurile - desene pregătitoare realizate pe hârtie sau țesătură de dimensiunea lucrărilor viitoare - au devenit larg răspândite în pictură. Contururile designului au fost transferate pe tencuială udă folosind praf de cărbune. A fost suflat prin găuri perforate în contur și presat în ipsos cu un instrument ascuțit. Uneori, sinopiile dintr-o schiță s-au transformat într-un desen monumental terminat, iar cartoanele au căpătat semnificație lucrări independente pictura.

Cimabue (de fapt Cenni di Pepo, c. 1240 - c. 1302) este considerat fondatorul noului stil italian de pictură. Cimabue a fost faimos în Florența ca maestru al picturilor de altar solemne și al icoanelor. Imaginile sale sunt caracterizate de abstractizare și staticitate. Și deși Cimabue a urmat tradițiile bizantine în opera sa, în lucrările sale a încercat să exprime sentimentele pământești și să înmoaie rigiditatea canonului bizantin.
Piero Cavallini (între 1240 și 1250 - în jurul anului 1330) a trăit și a lucrat la Roma. Este autorul mozaicurilor bisericii Santa Maria in Trastevere (1291), precum și al frescelor bisericii Santa Cecilia in Trastevere (circa 1293). În lucrările sale, Cavallini a dat formelor volum și tangibilitate.
Realizările lui Cavallini au fost adoptate și continuate Giotto di Bondone(1266 sau 1267 - 1337), cel mai mare artist al Proto-Renașterii. Numele de Giotto este asociat cu o întorsătură în dezvoltarea picturii italiene, ruperea acesteia cu canoanele artistice medievale și tradițiile artei italo-bizantine din secolul al XIII-lea. Cel mai lucrări celebre Giotto - picturi ale Capelei Arena din Padova (1304-06). Frescele se disting prin claritatea lor, povestirea necomplicată și prezența detaliilor cotidiene care adaugă vitalitate și naturalețe scenelor descrise. Respingând canonul bisericesc care domina arta din acea vreme, Giotto își înfățișează personajele ca fiind asemănătoare cu oamenii reali: cu corpuri proporționale, ghemuite, fețe rotunde (mai degrabă decât alungite), formă regulată a ochilor etc. Sfinții lui nu plutesc deasupra pământului, ci stau ferm pe el cu ambele picioare. Ei se gândesc mai mult la lucrurile pământești decât la cele cerești, trăind sentimente și emoții complet umane. Pentru prima dată în istoria picturii italiene, starea de spirit a eroilor unui tablou este transmisă prin expresii faciale, gesturi și postură. În loc de fundalul tradițional auriu, frescele lui Giotto înfățișează un peisaj, un interior sau grupuri sculpturale pe fațadele bazilicilor.
În a doua jumătate a secolului al XIV-lea. Școala picturală din Siena este pe primul loc. Cel mai mare și mai rafinat maestru al picturii siene din secolul al XIV-lea. a fost Simone Martini (c. 1284-1344). Pensula Simonei Martini este prima din istoria artei care înfățișează un eveniment istoric specific cu portretul unui contemporan. Imaginea asta " Condotiera Guidoriccio da Fogliano„în Sala Mappamondo (Harta Lumii) din Palazzo Publico (Siena), care a devenit prototipul pentru numeroase portrete ecvestre viitoare. Retabloul „Vestirea” de Simone Martini, păstrat acum în Galeria Uffizi din Florența, se bucură de faima binemeritată.

Caracteristici ale Renașterii. Proto-Renaștere

Caracteristici ale Renașterii

Renașterea timpurie

În secolul al XV-lea Arta italiană a ocupat o poziție dominantă în viața artistică a Europei. Bazele culturii umaniste seculare (adică non-ecleziastice) au fost puse la Florența, ceea ce a împins Siena și Pisa în plan secund. Puterea politică de aici aparținea negustorilor și artizanilor mai multe familii bogate, aflate în competiție constantă între ele, au avut cea mai puternică influență asupra afacerilor orașului. Această luptă s-a încheiat la sfârșitul secolului al XIV-lea. victoria casei bancare Medici. Capul său, Cosimo de' Medici, a devenit conducătorul neoficial al Florenței. Scriitori, poeți, oameni de știință, arhitecți și artiști s-au înghesuit la curtea lui Cosimo de' Medici. Cultura renascentista din Florenta a atins apogeul sub Lorenzo de' Medici, supranumit Magnificul. Lorenzo a fost un mare mecenat al artelor și științelor, creatorul Academiei lui Platon, unde s-au adunat mințile remarcabile ale Italiei, poeții și filozofii, unde s-au ținut dezbateri rafinate, înălțând spiritul și mintea.

Arhitectură

Sub Cosimo și Lorenzo de' Medici, a avut loc o adevărată revoluție în arhitectura Florenței: aici a avut loc o amplă construcție, schimbând semnificativ aspectul orașului. Fondatorul arhitecturii renascentiste în Italia a fost Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arhitect, sculptor și om de știință, unul dintre creatorii teoriei științifice a perspectivei. Cea mai mare realizare inginerească a lui Brunelleschi a fost construcția cupolei Catedrala Santa Maria del Fioreîn Florenţa. Datorită geniului său matematic și tehnic, Brunelleschi a reușit să rezolve cea mai dificilă problemă a vremii sale. Principala dificultate cu care s-a confruntat maestrul a fost cauzată de dimensiunea gigantică a travei crucii din mijloc (42 m), care a necesitat eforturi deosebite pentru a facilita extinderea. Brunelleschi a rezolvat problema folosind un design ingenios: o cupolă ușoară goală formată din două cochilii, un sistem de cadru de opt nervuri portante conectate prin inele încercuitoare, un luminator care închide și încarcă bolta. Domul Catedralei Santa Maria del Fiore a devenit predecesorul a numeroase biserici cu cupolă din Italia și din alte țări europene.

Brunelleschi a fost unul dintre primii din arhitectura italiană care a înțeles creativ și a interpretat inițial sistemul de ordine antică ( Ospedale degli Innocenti (adăpost pentru gătirea), 1421-44), a pus bazele creării bisericilor cu cupolă bazate pe ordinea antică ( Biserica San Lorenzo ). O adevărată perlă a Renașterii timpurii a fost creată de Brunelleschi la cererea unei familii florentine bogate. Capela Pazzi(început în 1429). Umanismul și poezia creativității lui Brunelleschi, proporționalitatea armonioasă, lejeritatea și grația clădirilor sale, care păstrează legături cu tradițiile gotice, libertatea creatoare și valabilitatea științifică a planurilor sale au determinat marea influență a lui Brunelleschi asupra dezvoltării ulterioare a arhitecturii renascentiste.

Una dintre principalele realizări Arhitectura italiana Secolul XV a fost crearea unui nou tip de palate-palate ale orașului, care a servit drept model pentru clădirile publice din vremurile ulterioare. Caracteristicile palatului din secolul al XV-lea sunt o împărțire clară a volumului închis al clădirii în trei etaje, o curte deschisă cu arcade de vară etaj cu etaj, utilizarea rusticului (piatră cu suprafața frontală aproximativ rotunjită sau convexă) pentru fațada, precum și o cornișă decorativă puternic extinsă. Un exemplu izbitor al acestui stil este construcția capitală a studentului lui Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), arhitect de curte al familiei Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), care a servit drept model pentru construirea multor palate florentine. Aproape de creația lui Michelozzo Palazzo Strozzi(fondat în 1481), care este asociat cu numele arhitectului și sculptorului Benedetto da Maiano (1442-97).

Un loc special în istoria arhitecturii italiene îl ocupă Leon Battista Alberti(1404-72). Un om dotat și educat pe scară largă, a fost unul dintre cei mai străluciți umaniști ai timpului său. Gama lui de interese era neobișnuit de diversă. A acoperit moralitate și drept, matematică, mecanică, economie, filozofie, poezie, muzică, pictură, sculptură și arhitectură. Un stilist genial, Alberti a lăsat numeroase lucrări în latină și italiană. În Italia și în străinătate, Alberti și-a câștigat faima ca un remarcabil teoretician al artei. Celebrele tratate „Zece cărți de arhitectură” (1449-52), „Despre pictură”, „Despre statuie” (1435-36) aparțin stiloului său. Dar principala vocație a lui Alberti a fost arhitectura. În munca sa de arhitectură, Alberti a gravitat către soluții îndrăznețe, experimentale, folosind în mod inovator moștenirea artistică antică. Alberti a creat un nou tip de palat al orașului ( Palazzo Rucellai ). În arhitectura religioasă, luptă spre grandoare și simplitate, Alberti a folosit motive de arcade de triumf și arcade romane în proiectarea fațadelor ( Biserica Sant'Andreaîn Mantua, 1472-94). Numele Alberti este considerat pe drept unul dintre primii dintre marii creatori culturali ai Renașterii italiene.

Sculptură

În secolul al XV-lea Sculptura italiană, care a căpătat un sens independent independent de arhitectură, este înfloritoare. Practica vieții artistice începe să includă comenzi pentru decorarea clădirilor publice; se organizează concursuri de artă. Unul dintre aceste concursuri - pentru fabricarea bronzului celei de-a doua uși nordice ale Baptisteriului Florentin (1401) - este considerat un eveniment semnificativ care a deschis pagina nouaîn istoria sculpturii renascentiste italiene. Victoria a fost câștigată de Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Unul dintre cei mai educați oameni ai timpului său, primul istoric al artei italiene, un desenator strălucit, Ghiberti și-a dedicat viața unui tip de sculptură - relieful. Ghiberti considera că principiul principal al artei sale este echilibrul și armonia tuturor elementelor imaginii. Apogeul creativității lui Ghiberti a fost ușile de est ale Baptisteriului Florentin (1425-52), imortalizând numele maestrului. Decorul ușilor include zece compoziții pătrate din bronz aurit („ Creația lui Adam și a Evei"), cu expresivitatea lor extraordinară care amintește de picturi. Artistul a reușit să transmită adâncimea spațiului, saturat cu imagini ale naturii, figuri umane și structuri arhitecturale. Cu mâna ușoară a lui Michelangelo, ușile estice ale Baptisteriului Florentin au început să se numească „Porțile Raiului”

Atelierul lui Ghiberti a devenit o școală pentru o întreagă generație de artiști, în special acolo a lucrat faimosul Donatello, marele reformator al sculpturii italiene. Opera lui Donatello (c. 1386-1466), care a absorbit tradițiile democratice ale culturii Florenței în secolul al XIV-lea, reprezintă unul dintre vârfurile dezvoltării artei Renașterii timpurii. Ea a întruchipat căutarea unor mijloace noi, realiste de a descrie realitatea, caracteristică artei renascentiste și o atenție deosebită acordată omului și lumii sale spirituale. Influența operei lui Donatello asupra dezvoltării artei renascentiste italiene a fost enormă.

A doua generație de sculptori florentini a gravitat către o artă mai lirică, mai pașnică, mai laică. Rolul principal în ea a aparținut familiei de sculptori della Robbia. Capul familiei, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), a devenit faimos pentru utilizarea tehnicilor de glazură în sculptura circulară și relief. Tehnica glazurării (majolica), cunoscută din cele mai vechi timpuri popoarelor din Asia de Vest, a fost adusă în Peninsula Iberică și insula Mallorca (de unde provine numele) în Evul Mediu, iar apoi răspândită pe scară largă în Italia. Lucca della Robbia a creat medalioane cu reliefuri pe un fundal albastru profund pentru clădiri și altare, ghirlande de flori și fructe, busturi de majolica ale Maicii Domnului, ale lui Hristos și ale sfinților. Arta vesela, eleganta, amabila a acestui maestru a primit recunoastere binemeritata din partea contemporanilor sai. Nepotul său Andrea della Robbia (1435-1525) a atins și el o mare perfecțiune în tehnica majolicii ( reliefuri de pe faţada Ospedale degli Innocenti).

Pictura

Rolul imens pe care l-a jucat Brunelleschi în arhitectura Renașterii timpurii, iar Donatello în sculptură, i-a aparținut lui Masaccio (1401-1428) în pictură. Masaccio a murit tânăr, fără să împlinească vârsta de 27 de ani, și totuși a reușit să realizeze multe în pictură. Celebrul istoric de artă Whipper spunea: „Masaccio este unul dintre cele mai independente și mai consistente genii din istoria picturii europene, fondatorul noului realism...” Continuând căutarea lui Giotto, Masaccio rupe cu îndrăzneală tradițiile artistice medievale. În frescă „Trinitate”(1426-27), creat pentru biserica Santa Maria Novella din Florența, Masaccio a folosit perspectiva completă pentru prima dată în pictura murală. În picturile Capelei Brancacci a Bisericii Santa Maria del Carmine din Florența (1425-28) - principala creație a scurtei sale vieți - Masaccio oferă imaginilor o persuasivitate reală fără precedent, subliniază fizicitatea și monumentalitatea personajelor sale, transmite cu măiestrie starea emoțională și profunzimea psihologică a imaginilor. În frescă „Expulzarea din Paradis” artistul rezolvă cea mai dificilă sarcină pentru timpul său de a înfățișa o figură umană goală. Arta severă și curajoasă a lui Masaccio a avut un impact uriaș asupra culturii artistice a Renașterii.

Dezvoltarea picturii Renașterii timpurii a fost ambiguă: artiștii și-au urmat propriile căi, uneori diferite. Principiul secular, dorința unei narațiuni fascinante și un sentiment liric pământesc și-au găsit o expresie vie în lucrările lui Fra Filippo Lippi (1406-69), un călugăr al Ordinului Carmelitilor. Un maestru fermecător, autorul multor compoziții de altar, dintre care pictura este considerată cea mai bună « Adorarea Copilului » , creat pentru capela din Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi a reușit să transmită în ei căldură umană și dragoste poetică pentru natură.

La mijlocul secolului al XV-lea. pictura din centrul Italiei a cunoscut o înflorire rapidă, un exemplu izbitor al căruia este creativitatea Piero della Francesca(1420-92), cel mai mare artist și teoretician al artei al Renașterii. Cea mai minunată creație a lui Piero della Francesca - ciclu de fresce din Biserica San Francesco din Arezzo, care se bazează pe legenda Arborelui Dătător de Viață al Crucii. Frescele, dispuse pe trei niveluri, urmăresc istoria crucii dătătoare de viață încă de la început, când arborele sacru crește din sămânța arborelui paradisului cunoașterii binelui și răului pe mormântul lui Adam. ("Moartea lui Adam") și până la final, când împărat bizantin Heraclius returnează solemn o relicvă creștină la Ierusalim (« Bătălia dintre Heraclius și Khosroes » ). Opera lui Piero della Francesca a depășit școlile locale de pictură și a determinat dezvoltarea artei italiene în ansamblu.

În a doua jumătate a secolului al XV-lea, mulți meșteri talentați au lucrat în nordul Italiei în orașele Verona, Ferrara și Veneția. Dintre pictorii din acest timp, cel mai cunoscut este Andrea Mantegna (1431-1506), maestru al picturii de șevalet și monumentale, desenator și gravor, sculptor și arhitect. Stilul pictural al artistului se remarcă prin urmărirea formelor și a desenelor, rigoarea și veridicitatea imaginilor generalizate. Datorită profunzimii spațiale și naturii sculpturale a figurilor, Mantegna obține impresia de a fi înghețat pentru o clipă. scena reala- personajele lui arată atât de tridimensional și natural. Mantegna și-a trăit cea mai mare parte a vieții în Mantua, unde și-a creat cea mai faimoasă lucrare - Pictura „Camera degli Sposi”. in castelul de tara al marchizului L. Gonzaga. Folosind doar mijloacele picturii, el a creat aici un interior luxos renascentist, un loc pentru recepții ceremoniale și sărbători. Arta lui Mantegna, care era extrem de faimoasă, a influențat întreaga pictură din nordul Italiei.

Un loc special în pictura Renașterii timpurii îi aparține Sandro Botticelli(de fapt Alessandro di Mariano Filipepi), care s-a născut în 1445 la Florența în familia unui tăbăbar de piele bogat. În 1459-64. tânărul studiază pictura de la celebrul maestru florentin Filippo Lippi. În 1470 și-a deschis propriul atelier la Florența, iar în 1472 a devenit membru al Breslei Sf. Luca.

Prima creație a lui Botticelli a fost compoziția „Force”, pe care a finalizat-o pentru tribunalul comercial din Florența. Tânărul artist a câștigat rapid încrederea clienților și a câștigat faima, ceea ce a atras atenția lui Lorenzo Magnificul, noul conducător al Florenței, și a devenit maestrul și favoritul său de curte. Botticelli și-a finalizat majoritatea picturilor pentru casele ducelui și ale altor familii nobile florentine, precum și pentru biserici, mănăstiri și clădiri publice din Florența.

A doua jumătate a anilor 1470 și 1480. a devenit o perioadă de înflorire creativă pentru Botticelli. Pentru fațada principală a Bisericii Santa Maria Novella scrie compoziția „ Adorarea Magilor„ – un fel de portret de grup mitologizat al familiei Medici. Câțiva ani mai târziu, artistul creează celebra sa alegorie mitologică „Primăvara”.

În 1481, Papa Sixtus al IV-lea a ordonat unui grup de pictori, printre care se număra Botticelli, să-și decoreze capela cu fresce, care mai târziu au primit numele de „Sistine”. Botticelli a pictat fresce în Capela Sixtină " Ispita lui Hristos », « Scene din viața lui Moise », « Pedeapsa lui Core, Datan și Abiron" În următorii câțiva ani, Botticelli a finalizat o serie de 4 fresce bazate pe nuvele din Decameronul lui Boccaccio și a creat cele mai faimoase lucrări mitologice ale sale („Nașterea lui Venus”, „ Pallas și Centaur"), precum și mai multe compoziții de altar pentru bisericile florentine (" Încoronarea Fecioarei Maria », « Altarul San Barnaba"). De multe ori a apelat la imaginea Madonei („ Madonna del Magnificat », « Madonna cu rodie », « Madonna cu o carte"), a lucrat și în genul portretului (" Portretul lui Giuliano Medici”, „Portretul unei tinere”, „Portretul unui tânăr”).

În anii 1490, în perioada mișcărilor sociale și a predicilor mistice ale călugărului Savonarola care a zguduit Florența, în arta lui Botticelli au apărut note moralizatoare și dramă („Călmuire”, „ Plângerea lui Hristos », « Crăciun mistic"). Sub influența Savonarolei, într-un acces de exaltare religioasă, artistul chiar și-a distrus unele dintre lucrările sale. La mijlocul anilor 1490, odată cu moartea lui Lorenzo Magnificul și expulzarea fiului său Pietro din Florența, Botticelli și-a pierdut faima de mare artist. Uitat, își trăiește în liniște viața în casa fratelui său Simon. În 1510 artistul a murit.

Arta rafinată a lui Botticelli cu elemente de stilizare (adică generalizarea imaginilor folosind tehnici convenționale - simplificarea culorii, formei și volumului) este considerată unul dintre vârfurile dezvoltării picturii. Arta lui Botticelli, spre deosebire de majoritatea maeștrilor Renașterii timpurii, se baza pe experiența personală. Excepțional de sensibil și sincer, Botticelli a parcurs un drum dificil și tragic de căutare creativă - de la o percepție poetică a lumii în tinerețe la misticism și exaltare religioasă la vârsta adultă.

RENAȘTEREA TIMPURIE

RENAȘTEREA TIMPURIE

Înalta Renaștere

Înalta Renaștere, care a dat omenirii atât de mari maeștri ca Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, acoperă o perioadă relativ scurtă de timp - sfârșitul secolului al XV-lea și prima treime a secolului al XVI-lea. Numai la Veneția înflorirea artei a continuat până la mijlocul secolului.

Schimbările fundamentale asociate cu evenimentele decisive ale istoriei lumii și succesele gândirii științifice avansate au extins la nesfârșit ideile oamenilor despre lume - nu numai despre pământ, ci și despre spațiu. Percepția asupra lumii și asupra personalității umane pare să fi devenit mai mare; în creativitatea artistică, acest lucru s-a reflectat nu numai în scara maiestuoasă a structurilor arhitecturale, a monumentelor, a ciclurilor solemne de frescă și a picturilor, ci și în conținutul și expresivitatea imaginilor. Arta Înaltei Renașteri este un proces artistic viu și complex, cu revolte uluitor de strălucitoare și crize ulterioare.

Donato Bramante.

Centrul arhitecturii Înaltei Renașteri a fost Roma, unde, pe baza descoperirilor și succeselor anterioare, a apărut un singur stil clasic. Maeștrii au folosit în mod creativ sistemul de ordine antică, creând structuri a căror monumentalitate maiestuoasă era în ton cu epoca. Cel mai mare reprezentant al arhitecturii Înaltei Renașteri a fost Donato Bramante (1444-1514). Clădirile lui Bramante se disting prin monumentalitate și grandoare, perfecțiunea armonioasă a proporțiilor, integritatea și claritatea soluțiilor compoziționale și spațiale și utilizarea liberă și creativă a formelor clasice. Cea mai mare realizare creativă a lui Bramante este reconstrucția Vaticanului (arhitectul a creat de fapt o nouă clădire, încorporând organic clădiri vechi împrăștiate în ea). Bramante este, de asemenea, autorul designului Catedralei Sf. Petru din Roma. Cu opera sa, Bramante a determinat dezvoltarea arhitecturii în secolul al XVI-lea.

Leonardo da Vinci.

În istoria omenirii nu este ușor să găsești o altă persoană la fel de strălucitoare precum fondatorul artei Înaltei Renașteri. Leonardo da Vinci(1452-1519). Natura cuprinzătoare a operei acestui mare artist, sculptor, arhitect, om de știință și inginer a devenit clară abia atunci când au fost examinate manuscrisele împrăștiate din moștenirea sa, numărând peste șapte mii de foi conținând proiecte științifice și arhitecturale, invenții și schițe. Este dificil să numești un domeniu de cunoaștere pe care geniul său nu l-ar atinge. Universalismul lui Leonardo este atât de de neînțeles încât celebrul biograf al personajelor renascentiste Giorgio Vasari nu a putut explica acest fenomen decât prin intervenția cerului: „Orice s-a îndreptat acest om, fiecare acțiune a lui purta pecetea divinității”.

În celebrul său „Tratat de pictură” (1498) și în alte note, Leonardo a acordat o mare atenție studiului corpului uman, informațiilor despre anatomie, proporții, relația dintre mișcări, expresii faciale și stare emotionala persoană. Leonardo a fost interesat și de problemele clarobscurului, modelării volumetrice, perspectivei liniare și aeriene. Leonardo a adus un omagiu nu numai teoriei artei. A creat o serie de imagini magnifice de altar și portrete. Pensula lui Leonardo aparține uneia dintre cele mai faimoase lucrări ale picturii mondiale - „Mona Lisa” („La Gioconda”). Leonardo a creat imagini sculpturale monumentale, a proiectat și construit structuri arhitecturale. Leonardo rămâne până astăzi una dintre cele mai carismatice personalități ale Renașterii. Lui i-au fost dedicate un număr imens de cărți, viața lui a fost studiată în detaliu. Și totuși, multe din munca lui rămâne un mister și continuă să emoționeze mințile oamenilor.

Rafael Santi.

Arta lui Raphael Santi (1483-1520) aparține și ea vârfurilor Renașterii italiene. În istoria artei mondiale, opera lui Rafael este asociată cu ideea de frumusețe și armonie sublimă. Este general acceptat că, în constelația maeștrilor străluciți ai Înaltei Renașteri, Rafael a fost principalul purtător al armoniei. Efortul neobosit pentru un început luminos și perfect pătrunde în toată opera lui Rafael și constituie sensul ei interior. Lucrările sale sunt neobișnuit de atractive prin grația lor naturală („ Madonna Sixtina"). Poate de aceea maestrul a câștigat o popularitate atât de extraordinară în rândul publicului și a avut în orice moment mulți adepți printre artiști. Rafael nu a fost doar un pictor uimitor și pictor portretist, ci și un monumentalist care a lucrat în tehnici de frescă, un arhitect și un maestru al decorului. Toate aceste talente s-au manifestat cu o forță deosebită în picturile sale din apartamentele Papei Iulius al II-lea din Vatican („Școala din Atena”). În arta artistului genial s-a născut o nouă imagine a omului renascentist - frumos, armonios, perfect fizic și spiritual.

Michelangelo Buonarotti.

Contemporan Leonardo da Vinci iar Rafael era rivalul lor etern - Michelangelo Buonarroti, cel mai mare maestru al Înaltei Renașteri - sculptor, pictor, arhitect și poet. A mea calea creativă acest titan al Renașterii a început cu sculptura. Statuile sale colosale au devenit simbolul unui om nou - un erou și un luptător ("David"). Maestrul a ridicat multe structuri arhitecturale și sculpturale, dintre care cea mai faimoasă este Capela Medici din Florența. Splendoarea acestor lucrări este construită pe tensiunea colosală a sentimentelor personajelor ( Sarcofagul lui Giuliano Medici). Dar picturile lui Michelangelo din Vatican, din Capela Sixtină, sunt deosebit de renumite, în care s-a dovedit a fi un pictor strălucit. Poate că nimeni în arta lumii, nici înainte, nici după Michelangelo, nu a creat personaje atât de puternice în trup și în spirit („ Crearea lui Adam"). Fresca uriașă, incredibil de complexă de pe tavan a fost pictată de artist singur, fără asistenți; rămâne până astăzi o operă monumentală neîntrecută a picturii italiene. Dar, pe lângă pictarea tavanului Capelei Sixtine, maestrul, deja la bătrânețe, a creat „Judecata de Apoi” cu inspirație feroce - un simbol al prăbușirii idealurilor marii sale epoci.

Michelangelo a lucrat mult și fructuos în arhitectură, în special, a supravegheat construcția Catedralei Sf. Petru și a ansamblului Piața Capitoliuluiîn Roma. Opera marelui Michelangelo a constituit o întreagă epocă și a fost cu mult înaintea timpului său, a jucat un rol colosal în arta mondială, în special, a influențat formarea principiilor barocului.

Giorgione și Titian.

Veneția, unde pictura a înflorit, a adăugat o pagină strălucitoare istoriei artei Înaltei Renașteri. Giorgione este considerat primul maestru al Înaltei Renașteri din Veneția. Arta lui este cu totul specială. Spiritul de armonie clară și o contemplație intimă specială și visare domnește în el. A pictat adesea frumuseți încântătoare, adevărate zeițe. De obicei, aceasta este o ficțiune poetică - întruchiparea unui vis irealizabil, admirație pentru un sentiment romantic și o femeie frumoasă. Picturile sale conțin o notă de pasiune senzuală, plăcere dulce, fericire nepământeană. Odată cu arta lui Giorgione, pictura venețiană a căpătat semnificație panitaliană, stabilindu-și caracteristicile artistice.

Tizian în a intrat în istoria artei italiene ca un titan și șef al școlii venețiane, ca simbol al epocii sale de glorie. Suflarea unei noi ere – furtunoasă, tragică, senzuală – s-a manifestat cu o forță deosebită în opera acestui artist. Opera lui Tizian se remarcă prin acoperirea sa excepțional de largă și variată a tipurilor și genurilor de pictură. Titian a fost unul dintre fondatorii picturii de altar monumentale, peisajului ca gen independent și diferitelor tipuri de portrete, inclusiv cele ceremoniale. În opera sa imagini ideale coexistă cu personaje strălucitoare, conflicte tragice cu scene de bucurie jubilatoare, compoziții religioase cu picturi mitologice și istorice.

Titian a dezvoltat o nouă tehnică de pictură care a avut o influență excepțională asupra dezvoltării ulterioare a artei plastice mondiale până în secolul al XX-lea. Titian aparține celor mai mari colorişti ai picturii mondiale. Picturile sale strălucesc cu auriu și cu o gamă complexă de nuanțe vibrante și luminoase de culoare. Tizian, care a trăit aproape un secol, a experimentat prăbușirea idealurilor renascentiste pe jumătate lucrarea maestrului aparține Renașterii târzii; Eroul său, intrând în lupta împotriva forțelor ostile, moare, dar își păstrează măreția. Influența marelui atelier al lui Tițian a afectat toată arta venețiană.

ÎNALTA RENAȘTERE

ÎNALTA RENAȘTERE

Renașterea târzie

În a doua jumătate a secolului al XVI-lea. În Italia, declinul economiei și comerțului era în creștere, catolicismul a intrat într-o luptă cu cultura umanistă, arta trecea printr-o criză profundă. A întărit tendințele antirenascentiste, întruchipate în manierism. Cu toate acestea, manierismul aproape că nu a afectat Veneția, care în a doua jumătate a secolului al XVI-lea a devenit principalul centru al artei Renașterii târzii. În concordanță cu înalta tradiție umanistă a Renașterii, în condiții istorice noi, opera marilor maeștri ai Renașterii târzii, îmbogățită cu noi forme, s-a dezvoltat la Veneția - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Lucrarea arhitectului italian de nord Andrea Palladio (1508-80), bazată pe un studiu profund al arhitecturii antice și renascentiste, reprezintă unul dintre vârfurile artei Renașterii târzii. Palladio a dezvoltat principiile arhitecturii care au fost dezvoltate în arhitectura clasicismului european din secolele XVII-XVIII. și a primit numele de Palladianism. Arhitectul și-a conturat ideile în lucrarea teoretică „Patru cărți despre arhitectură” (1570). Clădirile lui Palladio (în principal palate și vile ale orașului) sunt pline de frumusețe și naturalețe grațioasă, completitate armonioasă și ordine strictă, se disting prin claritatea și oportunitatea planificării și conexiunea organică cu mediul ( Palazzo Chiericati). Capacitatea de a conecta armonios arhitectura cu peisajul înconjurător a fost demonstrată cu o forță deosebită în vilele lui Palladio, impregnate de un simț elegiac al naturii și marcate de claritatea clasică și simplitatea formei și compoziției ( Vila Capra (Rotunda)). Palladio a creat prima clădire monumentală a teatrului din Italia, Teatrul Olimpico. Influența lui Palladio asupra dezvoltării arhitecturii în secolele următoare a fost enormă.

Veronese și Tintoretto...

Caracter festiv, care afirmă viața Renașterea venețiană manifestat cel mai clar în opera lui Paolo Veronese. Muralist, a creat ansambluri decorative magnifice de picturi pe perete și tavan cu multe personaje și detalii interesante. Veronese și-a creat propriul stil: picturile sale spectaculoase, spectaculoase, sunt pline de emoție, pasiune și viață, iar eroii, nobilimea venețiană, se află de obicei în palate patriciene sau pe fundalul naturii luxoase. Sunt purtați de sărbători grandioase sau de sărbători încântătoare („Căsătoria la Cana”). Veronese a fost stăpânul Veneției vesele, al triumfurilor ei, poetul splendorii sale de aur. Veronese a avut un dar excepțional ca colorist. Culorile sale sunt pătrunse de lumină, intense și nu numai că dau culoare obiectelor, ci se transformă ele însele într-un obiect, transformându-se în nori, țesătură, corp uman. Din această cauză, frumusețea reală a figurilor și obiectelor este înmulțită de frumusețea culorii și texturii, care produce un puternic impact emoțional asupra privitorului.

Complet opusul lui Veronese a fost contemporanul său Tintoretto (1518-94), ultimul maestru major al Renașterii italiene. Abundența influențelor artistice externe s-a dizolvat în individualitatea creativă unică a lui Tintoretto. În opera sa a fost o figură gigantică, creatorul unui temperament vulcanic, al pasiunilor violente și al unei intensități eroice. Opera sa a avut un mare succes în rândul contemporanilor săi și al generațiilor ulterioare. Tintoretto s-a remarcat printr-o capacitate de muncă cu adevărat inumană și o căutare neobosită. A simțit tragedia timpului său mai acut și mai profund decât majoritatea contemporanilor săi. Maestrul s-a răzvrătit împotriva tradițiilor consacrate în artele plastice - aderarea la simetrie, echilibru strict, staticitate; a extins granițele spațiului, l-a umplut cu dinamică, acțiune dramatică și a început să exprime sentimentele umane mai clar. 1590 g . Arta manierismului se îndepărtează de idealurile renascentiste ale unei percepții armonioase a lumii. O persoană se află la mila forțelor supranaturale. Lumea pare instabilă, tremurătoare, într-o stare de decădere. Imaginile manieriste sunt pline de anxietate, neliniște și tensiune. Artistul se îndepărtează de natură, se străduiește să o depășească, urmând în opera sa o „idee interioară” subiectivă, a cărei bază nu este lumea reală, ci imaginația creatoare; mijlocul de executare este „maniera frumoasă” ca suma anumitor tehnici. Printre acestea se numără alungirea arbitrară a figurilor, un ritm serpentin complex, irealitatea spațiului fantastic și a luminii și, uneori, culorile reci, pătrunzătoare.

Cel mai mare și mai talentat maestru al manierismului, un pictor cu o soartă creativă complexă, a fost Jacopo Pontormo (1494-1556). În a lui tablou faimos « Pogorârea de pe Cruce„Compoziția este instabilă, figurile sunt rupte pretențios, culorile deschise sunt dure. Francesco Mazzola, supranumit Parmigianino (1503-40), îi plăcea să uimească privitorul: de exemplu, el a scris „ Autoportret într-o oglindă convexă" Deliberarea deliberată distinge faimoasa sa pictură „ Madonna cu gâtul lung ».

Pictorul de la curtea Medici Agnolo Bronzino (1503-72) este renumit pentru portretele sale ceremoniale. Ei au făcut ecou epocii atrocităților sângeroase și a declinului moral care a cuprins cele mai înalte cercuri ale societății italiene. Clienții nobili ai lui Bronzino par să fie separați de privitor printr-o distanță invizibilă; rigiditatea ipostazei lor, impasibilitatea fețelor lor, bogăția hainelor lor, gesturile frumoaselor lor mâini ceremoniale - toate acestea sunt ca o înveliș exterioară care ascunde o viață interioară defecte. În portretul lui Eleanor de Toledo cu fiul ei (c. 1545), inaccesibilitatea imaginii reci și îndepărtate este sporită de faptul că atenția privitorului este complet absorbită de modelul plat mare al magnificului îmbrăcăminte din brocart a ducesei. Tipul de portret de curte creat de manierişti a influenţat arta portretului din secolele XVI-XVII. în multe alte ţări europene.

Arta manierismului era de tranziție: Renașterea trecea, venea timpul pentru o nouă pan-europeană. stil artistic- baroc.

Arta Renașterii de Nord.

Țările din nordul Europei nu au avut propriul lor trecut antic, dar perioada Renașterii se remarcă în istoria lor: de la rândul lor.XV – XVIprin a doua jumătateXVIIsecol. Acest timp se distinge prin pătrunderea idealurilor renascentiste în diverse sfere ale culturii și schimbarea treptată a stilului său. Ca și în locul de naștere al Renașterii, în arta Renașterii de Nord, interesul pentru lumea reala a schimbat formele creativității artistice. Cu toate acestea, arta țărilor nordice nu a fost caracterizată de patosul picturii italiene, gloriind puterea omului titan. Burgerii (cum erau numiți orășenii bogați) prețuiau integritatea, loialitatea față de datorie și cuvânt și sfințenia jurământului și căminului conjugal. În cercurile burghere, s-a format propriul lor ideal de persoană - clar, sobru, evlavios și de afaceri. Arta burgherilor poetizează omul obișnuit și lumea lui - lumea vieții de zi cu zi și a lucrurilor simple.

Maeștri ai Renașterii în Țările de Jos.

Noi trăsături ale artei renascentiste au apărut în primul rând în Țările de Jos, care era una dintre cele mai bogate și mai industrializate țări din Europa. Datorită legăturilor sale internaționale extinse, Țările de Jos au absorbit noi descoperiri mult mai repede decât alte țări nordice.

S-a deschis stilul renascentist în Țările de Jos Jan Van Eyck(1390-1441). Cea mai faimoasă lucrare a lui este Retarul Gent, la care artistul a început să lucreze împreună cu fratele său și a continuat să lucreze independent după moartea sa încă 6 ani. Retabloul din Gent, creat pentru catedrala orașului, este un pliu cu două niveluri, pe 12 scânduri din care există imagini ale vieții cotidiene, de zi cu zi (pe scândurile exterioare, care erau vizibile la închiderea pliului) și festivă, jubilatoare, viața transformată (pe ușile interioare, care apăreau deschise în timpul sărbătorilor bisericești). Acesta este un monument de artă care glorifica frumusețea vieții pământești. Sentimentul emoțional al lui Van Eyck - „lumea este ca paradisul”, fiecare particulă a căruia este frumoasă – este exprimat clar și clar. Artistul s-a bazat pe multe observații din natură. Toate figurile și obiectele au volum și greutate tridimensionale. Frații Van Eyck au fost printre primii care au descoperit posibilitățile picturii în ulei; din acest moment, începe să înlocuiască treptat tempera.

În a doua jumătate a lui XVsecol, plin de lupte politice și religioase, arta complexă, unică iese în evidență în arta Olandei Hieronymus Bosch(1450?-1516). Acesta este un artist foarte curios, cu o imaginație extraordinară. A trăit în lumea lui proprie și teribilă. În picturile lui Bosch există o condensare de idei folclorice medievale, montaje grotești ale viului și mecanicului, teribilului și comic. În compozițiile sale, care nu aveau centru, nu există un personaj principal. Spațiul în mai multe straturi este umplut cu numeroase grupuri de figuri și obiecte: reptile monstruos de exagerate, broaște râioase, păianjeni, creaturi teribile în care sunt combinate părți ale diferitelor creaturi și obiecte. Scopul compozițiilor lui Bosch este edificarea morală. Bosch nu găsește armonie și perfecțiune în natură, imaginile sale demonice amintesc de vitalitatea și omniprezența răului lumii, de ciclul vieții și al morții.

Omul din tablourile lui Bosch este jalnic și slab. Astfel, în tripticul " Un cărucior cu fân„Artistul dezvăluie istoria umanității. Aripa stângă spune povestea căderii lui Adam și Eva, cea dreaptă înfățișează Iadul și toate ororile care îi așteaptă pe păcătoși aici. Partea centrală a imaginii ilustrează proverbul popular „Lumea este un car de fân, fiecare ia din ea ceea ce reușește să apuce”. Bosch arată cum oamenii se luptă pentru o bucată de fân, mor sub roțile unui cărucior și încearcă să se urce pe ea. Pe vârful căruței, renunțând la lume, îndrăgostiții cântă și se sărută. Există un înger pe o parte a lor și un diavol pe cealaltă: cine va câștiga? Creaturi înfiorătoare trag căruciorul în lumea interlopă. Dumnezeu privește toate acțiunile oamenilor cu nedumerire. Pictura este impregnată de o dispoziție și mai sumbră. Purtând crucea„: Hristos își poartă crucea grea înconjurat de oameni dezgustători, cu ochii bombați și cu gurile căscate. De dragul lor, Domnul se jertfește, dar moartea lui pe cruce îi va lăsa indiferenți.

Bosch murise deja când s-a născut un alt artist celebru olandez - Pieter Bruegel cel Bătrân(1525-1569), supranumit Muzhitsky pentru numeroasele sale picturi care descriu viața țăranilor. Bruegel a luat ca bază multe dintre subiectele sale. proverbe populare, grijile cotidiene ale oamenilor obișnuiți. Completitudinea imaginilor picturilor " Nunta taraneasca" Și " Dansul țărănesc„poartă puterea elementului popular. Chiar și picturile lui Bruegel cu scene biblice sunt populate de Țările de Jos, iar evenimentele din îndepărtata Iudee au loc pe fundalul străzilor acoperite de zăpadă sub cerul întunecat al țării sale natale („ Predica lui Ioan Botezătorul"). Arătând aparent neimportant, secundar, artistul vorbește despre lucrul principal din viața oamenilor, recreează spiritul timpului său.

pânză mică" Vânători în zăpadă„(ianuarie) din seria „Anotimpuri” este considerată una dintre capodoperele de neîntrecut ale picturii mondiale. Vânătorii obosiți cu câini se întorc acasă. Împreună cu ei, privitorul intră pe deal, din care se deschide o panoramă a unui orășel. Maluri acoperite de zăpadă ale râului, copaci spinoși înghețați în aerul limpede și geros, păsările zboară, stau pe ramurile copacilor și pe acoperișurile caselor, oamenii sunt ocupați cu treburile lor zilnice. Toate aceste lucruri aparent mici, împreună cu cerul albastru, copacii negri și zăpada albă, creează în imagine o panoramă a lumii pe care artistul o iubește cu pasiune.

Cel mai tragic tablou al lui Bruegel" Pilda orbilor„Scris de artist cu puțin timp înainte de moartea sa. Ea ilustrează povestea Evangheliei: „Dacă un orb îl conduce pe un orb, amândoi vor cădea în groapă”. Poate că aceasta este o imagine a umanității, orbită de dorințele sale, îndreptându-se spre distrugerea ei. Cu toate acestea, Bruegel nu judecă, ci, cuprinzând legile relațiilor dintre oameni între ei, cu mediu inconjurator, pătrunzând în esența naturii umane, dezvăluie oamenilor înșiși locul lor în lume.

Pictură a Germaniei în timpul Renașterii.

Trăsăturile Renașterii în arta Germaniei apar mai târziu decât în ​​Țările de Jos. Înflorirea umanismului german, științelor seculare și culturii cade în primii aniXVIV. Era perioadă scurtă, timp în care cultura germană a oferit lumii cele mai înalte valori artistice. Acestea includ, în primul rând, munca Albrecht Durer(1471-1528) - cel mai important artist al Renașterii germane.

Durer – reprezentant tipic Renaștere, a fost pictor, gravor, matematician și inginer și a scris tratate despre fortificații și teoria artei. Pe autoportrete el pare inteligent, nobil, concentrat, plin de gânduri filosofice profunde. În picturile sale, Dürer nu se mulțumește cu frumusețea formală, ci se străduiește să ofere o expresie simbolică a gândurilor abstracte.

Un loc special în moștenirea creativă a lui Dürer aparține seriei „Apocalipsa”, care include 15 gravuri mari în lemn. Dürer ilustrează predicții din „Apocalipsa lui Ioan Evanghelistul”, de exemplu, frunza „ Patru Călăreți„simbolizează dezastre teribile - război, ciumă, foamete, judecată nedreaptă. Premoniția schimbării, încercărilor grele și dezastrelor exprimate în gravuri s-au dovedit a fi profetice (în curând au început Reforma și războaiele țărănești și religioase care au urmat).

Un alt artist remarcabil al vremii a fost Lucas Cranach cel Bătrân(1472-1553). Picturile sale sunt păstrate la Schit” Madona cu Pruncul sub măr" Și " Portret feminin" În ele vedem chipul unei femei, înfățișat în multe dintre picturile maestrului (chiar se numește „Cranach’s”): o bărbie mică, ochi îngusti, păr auriu. Artistul proiectează cu grijă bijuterii și îmbrăcăminte, picturile sale sunt o sărbătoare pentru ochi. Puritatea și naivitatea imaginilor te fac din nou să te uiți la aceste tablouri. Cranach a fost un minunat portretist, a creat imagini ale multor contemporani celebri - Martin Luther (care i-a fost prieten), Ducele Henric de Saxonia și mulți alții.

Dar cel mai faimos portretist al Renașterii de Nord, fără îndoială, poate fi recunoscut ca un alt pictor german Hans Holbein cel Tânăr(1497-1543). Multă vreme a fost artistul de curte al regelui englez HenricVIII. În portretul său, Holbein transmite perfect natura imperioasă a regelui, care nu este familiarizat cu îndoiala. Ochii mici și inteligenți pe o față cărnoasă îl dezvăluie ca pe un tiran. Portretul lui Henry VIII era atât de de încredere încât îi speria pe cei care îl cunoșteau pe rege. Holbein a pictat portrete ale multor oameni celebri din acea vreme, în special ale omului de stat și scriitorului Thomas More, filosofului Erasmus din Rotterdam și mulți alții.

Dezvoltarea culturii Renașterii în Germania, Țările de Jos și în alte țări europene a fost întreruptă de Reformă și de războaiele religioase care au urmat-o. În urma acesteia, a venit momentul formării unor noi principii în artă, care au intrat în următoarea etapă a dezvoltării ei.

Lumea culturii artistice a Renașterii

Obiective: să caracterizeze tendințele de dezvoltare a artei europene în secolele XVI-XVII; determinați asemănările și diferențele în metoda creativă a creatorilor artei înaltei Renașteri; formează și dezvoltă capacitatea de a lucra cu diverse surse istorice, le folosește în pregătirea mesajelor și prezentărilor.

Rezultate planificate: se familiarizează cu realizările culturale ale Renașterii; fă-ți o idee despre operele de artă ale epocii studiate; evaluează influența ideilor umaniste asupra operei personalităților culturale ale Renașterii; dați caracteristici detaliate ale personalităților istorice; învață să-ți justifice judecățile; lucrează cu surse suplimentare de informații, creează prezentări; dezvolta legături interdisciplinare cu cursul literaturii și culturii artistice mondiale.

Relaţie , valorile , setari interne: evaluează activitățile creatorilor artei renascentiste și valorile morale care i-au ghidat; exprimă-ți atitudinea față de operele de artă ale Renașterii.

Echipament: harta „Europa în secolele XVI-XVII”, echipamente multimedia, portrete ale personalităților culturale ale Renașterii, reproduceri de picturi, un pachet cu sarcini de testare.

Tip de lecție: lectie de orientare metodologica generala.

În timpul orelor

Organizarea timpului

Actualizarea cunoștințelor de referință

Mesaje de la studenți despre viața și părerile umaniștilor moderni.

(Discuție colectivă a mesajelor. Finalizarea sarcinilor de testare.)

Erasmus din Rotterdam a scris următorul eseu:

„Lauda înțelepciunii” 3) „Lauda proștilor”

„Lauda prostiei” 4) „Lauda proștilor”

F. Rabelais 3) M. Montaigne

T. Mai mult 4) G. Morelli

Romanul „Gargantua și Pantagruel” scria:

M. Cervantes 3) T. Mai mult

M. Montaigne 4) F. Rabelais

Traducerea literală a cuvântului „utopia”:

cel mai bun loc 3) pământul viitorului

loc nou 4) un loc care nu există

Pictura Capelei Sixtine din Vatican a fost comandată de:

Michelangelo

Leonardo da Vinci

Rafael

Hans Holbein cel Tânăr

Lordul Cancelar al Regatului Angliei a fost:

Erasmus din Rotterdam 3) F. Rabelais

T. Mai mult 4) M. Montaigne

Termenul „utopie” a fost introdus de:

T. Mai mult 3) F. Campanella

F. Rabelais 4) N. Machiavelli

Thomas More a locuit în:

Germania 3) Olanda

Franta 4) Anglia

(Verificarea îndeplinirii sarcinilor.)

Stadiul motivațional-țintă

secolele XVI-XVII au fost epoca umanismului. Idealurile oamenilor de știință umaniști s-au reflectat și în lucrările de cultură artistică ale Renașterii. Această perioadă a fost numită epoca titanilor. Ce contribuție au adus creatorii Renașterii culturii artistice mondiale? Vom afla asta în timpul lecției noastre. Tema lecției: „Lumea culturii artistice a Renașterii”. Planul lecției

Epoca Titanilor.

Renașterea de Nord. „Pictorul țăran”

Leonardo da Vinci din Germania.

Pe calea nemuririi Lucrați la tema lecției

„Ce miracol al naturii omul!”

Prezentarea elevilor despre personalități culturale ale Renașterii (W. Shakespeare și M. Cervantes).

Lucrând cu § 8-9 din manual (p. 75-77), completați tabelul.

Actor

O tara

Lucrări

Conținutul creativității

William

Shakespeare

(1564-1616)

Anglia

„Romeo și Julieta”, „Hamlet”, „Othello”, „Regele Lear”, etc.

Comediile lui Shakespeare uimesc prin vivacitatea și spiritul lor strălucitor. Există mulți oameni frumoși, înțelepți și mândri în tragediile sale. Eroii iubesc și suferă, greșesc, sunt dezamăgiți, luptă pentru fericirea lor și de cele mai multe ori pierd în această luptă

Miguel

Cervantes

(1547-1616)

Ispa

nia

„Don Quijote”

În spatele acțiunilor în exterior amuzante ale nebunului Don Quijote se află înțelepciunea, noblețea și umanitatea; ultimul cavaler al binelui într-o lume a nedreptății îi ajută pe oameni să devină puțin mai buni

Epoca Titanilor

Leonardo da Vinci

Adevăratul monument a ceea ce Leonardo a reprezentat ca artist, ca om de știință, ca inventator, ca inginer sunt notele sale. Aceste înregistrări conțin un număr mare de schițe, desene și schițe, conțin o cantitate inepuizabilă de idei științifice și concepte tehnice.

Se poate spune fără exagerare că nu există o singură ramură a științei în care Leonardo să nu fi conturat noi căi. Mintea lui cercetătoare a pătruns peste tot. În toate ramurile științei, el a încercat să transforme ceea ce fusese făcut înaintea lui pe o nouă cale. Dar omenirea a beneficiat de o cotă minimă din ceea ce a gândit Leonardo, pentru că tot ceea ce a scris a rămas îngropat în notițele sale.

Moștenirea sa literară, sub forma unui număr imens de codice și folii, a trecut după moartea sa elevului său Francesco Melzi, care a ales din ceea ce a scris Leonardo o parte din ceea ce ține de pictură și a făcut din ele cartea care este cunoscută acum sub titlul „Tratate de pictură”. După moartea lui Francesco, volumele prețioase ale lui Leonardo au stat mult timp abandonate în podul vilei Vaprio, unde Leonardo a petrecut atât de multe zile fericite în 1506-1512. Apoi au fost jefuiti. Timp de secole, aceste manuscrise, coduri întregi și foi individuale, au circulat în întreaga lume. Acum sunt concentrate în diferite depozite europene. Unele dintre ele au fost deja publicate și toate sunt studiate cu atenție. Dar, în timp ce au rămas ascunse, gândirea științifică a continuat să funcționeze, iar majoritatea descoperirilor și invențiilor lui Leonardo i-au glorificat pe alți oameni de știință.

Contribuția directă la știință a fost doar o mică parte din moștenirea sa, care a căzut accidental în mâinile oameni cunoscătoriîn anii imediat următori morţii sale. Vesalius cunoștea înregistrările anatomice ale lui Leonardo, dacă nu toate, atunci unele dintre ele. La fel, celebrul matematician Girolamo Cardano a putut profita de unele dintre ideile matematice ale lui Leonardo.

Leonardo a respins tot felul de autorități. El a respins cu desăvârșire criteriile religioase care încă dominau la acea vreme domeniul științific. El a insistat că fiecare poziție științifică trebuie verificată prin experiență, iar aceasta a fost principala lui teză metodologică. În ochii lui, experiența era singurul test decisiv al adevărului științific. Prin urmare, știința îl onorează pe bună dreptate în Leonardo nu numai pe unul dintre cei mai mari pictori, ci și pe unul dintre primii pionieri ai adevăratelor metode științifice.

(Dzhivelegov A. „Leonardo da Vinci”)

Despre David lui Michelangelo Buonarotti

Michelangelo a sculptat un model de ceară, plănuind să-l înfățișeze ca emblemă de palat pe tânărul David cu o praștie în mână, astfel încât, așa cum David să-și protejeze poporul și să-i conducă corect, conducătorii acestui oraș [Florența! au apărat-o cu curaj și au reușit-o corect... Marmura era deja deteriorată și mutilată de maestrul Simone, iar în unele locuri nu era suficientă pentru ca Michelangelo să facă ceea ce intenționa. A trebuit să lase primele tăieturi ale maestrului Simone pe suprafața marmurei, astfel încât și acum unele dintre ele să fie vizibile și, desigur, Michelangelo a făcut un adevărat miracol, reînviind ceea ce era mort.

Între timp, s-a întâmplat ca Pier Soderini, ridicând privirea spre statuia, care îi plăcea foarte mult, să-i spună lui Michelangelo, care la vremea aceea o termina pe ici pe colo, că, după părerea lui, are un nas mare: Michelangelo, observând că gonfalonierul stă chiar sub uriașul și punctul lui de vedere l-a înșelat, s-a urcat, ca să-i facă pe plac, pe schela de la umerii statuii și, folosind dalta pe care o ținea în mâna stângă, a ridicat niște praf de marmură. de pe platforma schelei, a început să stropească treptat praful în jos, lucrând parcă cu alte dalte, dar fără să-ți atingă nasul. Apoi, aplecându-se spre gonfalonier, care îl privea, spuse: „Hai, uită-te la el acum”. „Acum îmi place mai mult”, a spus Gonfalonierul, „l-ai reînviat”. Michelangelo a coborât apoi de pe pod, râzând în tăcere de el și simțindu-se milă de oamenii care, dorind să se arate ca experți, spun lucruri pe care ei înșiși nu le înțeleg. Când statuia a fost în sfârșit instalată, el a deschis-o, și cu adevărat o creație, a eclipsat toate statuile cunoscute, noi și vechi, fie ele grecești sau romane... cu atâta proporționalitate și frumusețe, cu atâta calitate, Michelangelo a terminat-o.

Despre pictura Capelei Sixtine

Când lucrarea a fost pe jumătate terminată, Papa [Iulius al II-lea], care urcase de mai multe ori pe scări cu ajutorul lui Michelangelo pentru a-l privi, a cerut să fie deschisă, deoarece era prin fire grabit și nerăbdător și nu putea aștepta când este finalizată, adică, după cum se spune, ultima lovitură a pensulei.

Și, de îndată ce s-a dezvăluit, s-a adunat toată Roma să-l privească, și în primul rând papa, care abia aștepta să se așeze praful după scoaterea schelei. Văzând-o, Rafael de Urbino, care a imitat foarte admirabil, și-a schimbat imediat felul și a scris imediat, pentru a arăta de ce era în stare, profeții și sibilele din Santa Maria della Ritm; apoi Bramante a încercat să se asigure că a doua jumătate papa i-a predat capelele lui Rafael... Însă papa, devenind din ce în ce mai convins de abilitățile lui Michelangelo, îi dorea să continue lucrarea; căci, după ce a văzut lucrarea dezvăluită, a considerat că a doua jumătate ar fi putut ieși și mai bine de la Michelangelo: și într-adevăr, a terminat lucrarea la perfecțiune în numai douăzeci de luni, chiar și fără ajutorul celor care îi frecau vopselele. Totuși, Michelangelo a trebuit uneori să se plângă de modul în care tatăl lui l-a repezit cu cereri enervante pentru când va termina, nepermițându-i să termine în felul lui, așa cum dorea el. Iar la una dintre numeroasele sale cereri, el a răspuns odată că sfârșitul va fi atunci când el însuși va fi mulțumit de arta lui. [Michelangelo] a trebuit să scrie cu capul în sus și și-a stricat vederea atât de mult încât timp de câteva luni nu a putut să citească ce era scris sau să se uite la desene... La urma urmei, arzând cu fiecare zi din ce în ce mai mult de dorinta de a crea, de a acumula si de a imbunatati ceea ce a creat, nu a observat oboseala si nu i-a pasat de facilitati.

(Vasari G. „Biografii ale celor mai faimoși pictori, sculptori și arhitecți”)

„Madona Sixtina” de Rafael

Madona Sixtină a fost comandată lui Rafael ca altar pentru capela mănăstirii Sf. Sixtus din Piacenza. Acesta este cel mai faimos tablou al lui Rafael. Artistul a creat-o în 1515-1519. Se pare că cortina tocmai s-a despărțit și o viziune cerească a fost descoperită ochilor credincioșilor - Fecioara Maria mergând ușor pe un nor cu pruncul Isus în brațe. Măsura domnește în imagine. Echilibru și armonie. Se distinge prin linii netede și rotunjite, modele moi și melodice, bogăție și bogăție de culoare. Madonna însăși radiază energie și mișcare. Cu această lucrare, Rafael a creat cea mai sublimă și poetică imagine a Madonei în arta renascentist. Ea merge la oameni, tineri și maiestuosi, ascunzând ceva alarmant în sufletul ei; vântul scutură părul copilului, iar ochii lui se uită la noi, la lumea cu atâta putere și cu atâta perspicacitate, de parcă și-ar vedea propria soartă și soarta întregului neam uman. Privirea ei, îndreptată prin spectator, este plină de anticipare alarmantă a soartei tragice a fiului ei. Chipul Madonei este întruchiparea idealului antic de frumusețe combinat cu spiritualitatea idealului creștin. Aceasta nu este realitatea, ci un spectacol. Nu degeaba artistul însuși a desfășurat cortina grea în fața publicului din imagine. Un spectacol care transformă realitatea în măreția lucrurilor, înțelepciunea și frumusețea, un spectacol care înalță sufletul cu armonia sa absolută, cucerindu-ne și înnobilându-ne.

Rânduri entuziaste ale unor scriitori și critici atât de diferiți precum V.A. Jukovski, V.G. Belinsky, N.P. Ogarev. Doi mari scriitori ruși, L.N. Tolstoi și F.M. Dostoievski, avea reproduceri ale „Madonei Sixtine” în birourile lor. „Am vrut să fiu pentru totdeauna spectator al unei singure imagini...” - a spus Pușkin despre asta. Dostoievski a văzut în Madona Sixtină cea mai înaltă măsură a nobilimii umane, cea mai înaltă manifestare a geniului uman.

Actor

O tara

Lucrări

Conținutul creativității

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Italia

„Madonna Litta”, „La Gioconda”, „Cina cea de taină”, etc.

Leonardo a fost un pictor strălucit și un cercetător perspicace. Experimentele de lungă durată l-au învățat să descrie volumul cu cele mai fine nuanțe și jocuri de lumină. El a fost capabil să arate o lume inaccesibilă imaginației unui simplu muritor

Actor

O tara

Lucrări

Conținutul creativității

Mikel

angelo

Buonarroti

(1475-1564)

Italia

„David”, „Moise”, „Pieta”, pictura Capelei Sixtine, cupola Bisericii Sf. Petru din Roma IT. d.

El a considerat sculptura „prima dintre arte”, care glorific cel mai bine omul și frumusețea lui. „David” trebuia să reamintească autorităților guvernarea corectă și apărarea curajoasă a orașului. Pictura de pe cupola Capelei Sixtine reprezintă mai multe scene din Cartea Genezei

Rafael

Santi

(1483-1520)

Italia

„Madonna Co.

instabil",

„Sistine

Madonna",

„Atenian

școală”, etc.

Lumea din picturile lui Rafael arată perfectă și frumoasă, armonioasă și calmă

Renașterea de Nord. „Pictor țărănesc”

Prezentarea elevilor despre personalități culturale ale Renașterii (Pieter Bruegel cel Bătrân).

Actor

O tara

Lucrări

Conținutul creativității

Pieter Bruegel cel Bătrân (Muzhitsky) (între 1525 și 1530-1569)

Nieder

terenuri

„Dansul țărănesc”, seria „Anotimpuri” („Recolta”, „Întoarcerea vânătorilor”)

Poreclit Muzhitsky pentru dragostea lui de a reprezenta oameni de rând și scene populare. În mișcările incomode și figurile stângace ale personajelor lui Bruegel cel Bătrân, chipurile lor rustice, se poate ghici puterea și puterea oamenilor.

4. Leonardo da Vinci din Germania

Prezentarea studenților despre personalități culturale ale Renașterii (Albrecht Durer).

- Lucrând cu§ 8-9 din manual (p. 83-85), completați tabelul.

Actor

O tara

Lucrări

Conținutul creativității

Albrecht

Durer

(1471-1528)

Germa

nia

Autoportret, seria „Apocalipsa”.

El a afirmat o înțelegere umanistă a personalității, a stimei de sine și a dorinței de a vedea artiștii nu ca artizani, ci ca gânditori.

Lucrând cu § 8-9 din manual (p. 81-83), completați tabelul Pe calea către nemurire

Conținutul aproximativ al răspunsului

Ca și în pictură și sculptură, lucrările din muzică au început să facă apel la sentimentele umane. Lucrările seculare sunt dezvoltate și diseminate pe scară largă. Regulile bunelor maniere impuneau tinerilor din familii bogate să poată cânta la instrumente muzicale.

Pictori ai adevărului

Prezentare de către studenți despre personalități culturale ale Renașterii (Hans Holbein cel Tânăr, Rembrant, Velazquez).

Lucrând cu § 8-9 din manual (pag. 87-90), completați tabelul.

Actor

O tara

Lucrări

Conținutul creativității

Hans

Holbein

Jr

(1497-1543)

Germa

nia

Portretele lui HenryVIII, Erasmus din Rotterdam, ilustrații pentru „În lauda prostiei”

În spatele impenetrabilității și echilibrului imaginilor oamenilor, iese în mod clar individualitatea, complexitatea și inconsecvența naturii umane.

Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669)

Nieder

terenuri

„Întoarcerea fiului risipitor”, „Portretul unui bătrân în roșu”, etc.

Rembrandt a încercat să transmită pe pânză starea de spirit a unei persoane, observând cu pricepere trăsături, gesturi și ipostaze caracteristice

Diego

Velazquez

(1599-1660)

Ispa

nia

Portrete

Spaniolă

aristocraţie,

"Mic dejun",

"Spinners"

Artistul reproduce cu acuratețe detaliile îmbrăcămintei, ipostazele nobilimii de curte și caracterul personajelor sale. Tablourile dedicate oamenilor de rând reflectă nobilimea muncitorilor

Consolidarea materialului învățat

Să verificăm cât de bine ai învățat noul material.

Numiți operele literare din perioada modernă timpurie.(„Romeo și Julieta”, „Hamlet”, „Othello”, „Regele Lear”, „Don Quijote” » si etc.)

De ce se numește Renașterea Epoca Titanilor? ( Natura a înzestrat cu generozitate mulți creatori de artă din această perioadă cu talente universale.)

Pentru ce era celebru Lorenzo Magnificul? (Lorenzo Magnificul a compus melodii de dans vesele pentru festivaluri populare. De ce a primit Pieter Bruegel cel Bătrân porecla „Pictorul Țăran”? (Din dragostea lui de a descrie oameni de rând și scene populare.)

Rezumând lecția

Renașterea a adus o contribuție uriașă la cultura artistică mondială. Lucrările marilor maeștri ai literaturii, picturii, sculpturii și muzicii au devenit modele și o sursă pentru creativitatea generațiilor următoare. Ele constituie vistieria umanității.

În dezvoltarea culturii artistice din perioada Renașterii, se disting în mod tradițional două etape, inegale în timp: Din timp(secolul al XV-lea) și Înalta Renaștere(sfârșitul secolului al XV-lea până în anii 30 ai secolului al XVI-lea pentru Italia Centrală și aproape întregul secol al XVI-lea pentru Veneția). Dar etapa Renașterii timpurii a fost precedată Pre-Renaștere(sfârșitul secolelor XIII - XIV) cu o durată de mai bine de un secol, timp în care a avut loc acumularea și testarea de noi elemente în artă.

În timpul Renașterii, statutul artistului s-a schimbat. Arta medievală era anonimă; artistul nu era autorul, ci traducătorul planului divin. Acum artistul este independent în căutările sale creative, el devine autorul creației sale. Statutul său social și prestigiul crește. El devine o persoană recunoscută și respectată în societate. Cererea crescută pentru opere de cultură artistică face ca munca sa să fie solicitată, ceea ce ajută la îmbunătățirea bunăstării sale materiale. Artistul renascentist se străduiește să devină o persoană „universală”, să-și încerce mâna la diferite tipuri de artă. Astfel, Michelangelo Buonarotti a fost pictor, sculptor, arhitect și poet.

Universalitatea a dus la estomparea granițelor dintre diferitele domenii ale cunoașterii umane. Un exemplu izbitor în acest sens este personalitatea lui Leonardo da Vinci, care și-a dedicat viața căutării adevărului și frumuseții în egală măsură. Cele mai înalte rezultate a obținut atât în ​​artă, devenind autorul celebrelor lucrări „La Gioconda”, „Cina cea de taină”, etc., cât și în știință, făcând numeroase descoperiri în matematică și mecanică.

Una dintre principalele caracteristici ale artei renascentiste este imitarea naturii. Dar imitația nu este superficială, ci precisă, posibilă doar cu ajutorul cunoștințelor științifice. Pentru a reflecta pe deplin și cu acuratețe formele naturale, artistul trebuie să cunoască legile naturii. I se cere să transmită trăsăturile omului și (într-o măsură mai mică) naturii în forma lor naturală (realistă). Pentru a obține efectul de naturalețe, artiștii se înarmează cu o busolă, riglă, lupă și studiază geometria, optica și anatomia. O fundamentare matematică a proporțiilor imaginii devine un element obligatoriu al lucrării inițiale a unui artist, sculptor sau arhitect.

Sursă

Leon Battista Alberti(„Trei cărți despre pictură.” Cartea a treia):

„Afirm că sarcina pictorului este următoarea: pe orice scândură sau perete dat acestuia, să contureze cu o linie și să picteze cu culori asemănările suprafețelor vizibile ale oricărui corp, astfel încât la o anumită distanță și la un anumită poziție a centrului ele par convexe și asemănătoare din toate punctele de vedere cu aceste corpuri. Scopul picturii este de a câștiga artistului recunoștința, favoarea și faima mult mai mult decât bogăția. Iar pictorii vor realiza acest lucru atunci când pictura lor va încânta ochii și sufletul tuturor celor care o privesc și cum se face acest lucru, am spus mai sus, când am discutat despre compoziție și iluminare. Dar mi-aș dori ca pictorul să fie un om bun și pregătit în științe utile; altfel nu va putea să înțeleagă corect toate acestea. La urma urmei, toată lumea știe că bunătatea unei persoane este mult mai capabilă să atragă favoarea cetățenilor decât orice abilitate sau artă și nimeni nu se îndoiește că favoarea multora contribuie foarte mult la faima, precum și la câștigurile artistului. .”

Scopul artistului renascentist a fost să imite nu doar natura, ci și natura ideală, care este cel mai înalt exemplu de frumusețe. Corpul uman devine întruchiparea acestui ideal. Dorința de a combina realul și idealul, frumusețea materială și spirituală este o altă caracteristică a artei renascentiste.

Pentru prima dată, în opera artistului pre-renascentist Giotto au apărut noi metode de reflectare artistică a lumii. El a fost primul care a decis să rupă cu tradițiile iconografice bizantine. În munca sa, el a pornit de la principiile dreptului optic. Am încercat să transmit adâncimea spațiului folosind diverse tehnici: design compozițional sub forma unei scene orientate spre privitor, introducerea elementelor arhitecturale, reprezentarea figurilor într-o manieră voluminoasă, corelarea proporțiilor lor cu corpul uman real. . Principala sa realizare a fost introducerea în practica picturii a tehnicii clarobscur.

Renașterea timpurie reprezentată de lucrările lui Brunelleschi, Masaccio, Donatello. Sculptorul și arhitectul Brunelleschi a reabilitat arhitectura seculară. Elemente ale ordinii antice au fost reinterpretate de el ca decor. Datorită lui, s-a răspândit utilizarea loggiilor cu arcade semicirculare și coloane subțiri în arhitectura palatelor interne renascentiste - palazzo. Masaccio a fost primul care a folosit tehnica perspectivă directă (liniară)., creând în picturile sale iluzia spațiului care se retrage în depărtare. Sculptorul Donatello este responsabil pentru renașterea genului statuie rotundă, nu are legătură cu arhitectura.

Arta Înaltei Renașteri cel mai pe deplin exprimat în lucrările lui Leonardo da Vinci, Rafael și Michelangelo, care au personificat inteligența, armonia și puterea. Descoperirea lui Leonardo da Vinci a fost sfumato- o ceață blândă de clarobscur, creând iluzia aerului tremurând peste un corp uman încălzit de soare. Peisajul său este adesea numit lunar din cauza contradicției aparente dintre realismul extrem al corpului uman în cele mai mici detalii ale sale și golul schematic al spațiilor stâncoase. Opera lui Raphael Santi este expresia maximă a aptitudinilor umblătorilor secolului al XVI-lea. în transmiterea psihologiei umane, a stării de spirit și a sentimentelor sale. În opera lui Michelangelo se poate observa deja distrugerea tragică a armoniei (în primul rând datorită compoziției „diagonale” pe care a folosit-o). Michelangelo este considerat precursorul noilor stiluri care au apărut în secolele al XVI-lea și al XVII-lea - manierismȘi stil baroc.

În experimentele lor artistice, manieriştii au încercat să creeze o nouă estetică care să distrugă normativitatea şi uniformitatea Renaşterii. Respingerea armoniei, rigoarei și monumentalității în favoarea dizarmoniei, strălucirii și exaltării (contrappostoul a fost înlocuit cu o figură serpentină, parcă s-ar zvârcoli într-o continuă mișcare în jurul axei sale) a fost o încercare de o importanță și o influență incomensurabilă de a se opune „Titanii Renașterii”.

Pentru dezvoltare artele teatrale Renașterea a fost foarte influențată de drama antică, cu tema principală a confruntării dintre om și soartă și cultura populară a râsului din Evul Mediu, cu interesul pentru viața și modul de viață al oamenilor de rând, istoricitatea și atracția față de estetica cuvântului dur. Cele mai interesante căutări sunt pentru teatrul italian al commedia dell'arte (secolul al XVI-lea) și teatrul englez al lui W. Shakespeare.

Cultura muzicală a Renașterii a fost puternic influențată muzica folk. În ea apar noi genuri: frottola, villanelle, madrigal în Italia, villancico în Spania, baladă în Anglia. Apărea şcoli naţionale muzica instrumentala (lauta, orga). La sfârșitul Renașterii, a apărut cântatul solo și oratoriul, care au dus ulterior la apariția operei.

În arta Renașterii nordice(Germania, Țările de Jos, Franța) componenta seculară a culturii asociată cu Antichitatea nu era răspândită. La baza acestui model cultural a fost o viziune religioasă asupra lumii, așa că artiștii nu au abandonat simbolismul și convențiile medievale, ci le-au regândit sub influența Renașterii italiene. Unul dintre elementele principale ale viziunii asupra lumii

Renașterea de Nord a devenit panteismul crestin,în care sunt identificate Bot și Nature.

Artiștii Renașterii italiene și nordice au înțeles altfel frumusețea. Dacă pentru italieni frumusețea este un ideal pentru care să lupți, atunci pentru germani este naturalețea și spiritualitatea. În Renașterea italiană, locul principal a fost ocupat de estetică,în nord - etică. Genurile principale ale Renașterii de Nord au fost peisajul și portretul. În lucrările artiștilor germani A. Dürer, L. Cranach, A. Altdorfer, peisajul a jucat un rol important, subliniind frumusețea naturii. În portretul german, artistul a căutat să transmită expresivitatea emoțională a imaginii. Genul de zi cu zi s-a dezvoltat și el, în primul rând în Țările de Jos (Pieter Bruegel cel Bătrân).

Renașterea italiană și cea de nord sunt două părți ale unui singur întreg - un model al noii culturi europene. Folosind diferite mijloace, au rezolvat probleme comune - emanciparea omului, dezvoltarea potențialului său creativ și crearea condițiilor de autoperfecționare.

rezumat

În secolele XIV-XVI. V cultura europeana apare un nou model. Formarea unei noi ere culturale a fost facilitată de un complex de premise economice, politice, sociale și spirituale, precum și de rezultatele geografice și descoperiri științifice. Viziunea asupra noului model cultural se bazează pe umanism bazat pe antropocentrism. Umanismul italian este numit „umanism civil”, iar în Renașterea de Nord a fost dezvoltat „umanismul religios”. Arta Renașterii a fost recunoscută ca principalul tip de spiritualitate activitate creativă. Scopul artistului renascentist a fost să imite natura ideală. Maeștrii Renașterii au îmbogățit practica artistică cu teoria perspectivei liniare, transferul cochiliei lumină-aer, realizând efectul tactilității cu ajutorul clarobscurului și gradațiilor de culoare. Căutați fonduri expresie artistică a caracterizat, de asemenea, literatura, teatrul și muzica. În ciuda idealurilor estetice diferite ale Renașterii italiene și nordice, acestea au devenit practici diferite pentru realizarea idealului artistic al noii culturi europene.

Întrebări pentru autocontrol

• 1. De ce, în opinia dumneavoastră, Italia a devenit leagănul Renașterii? Ce factori istorici, economici, politici și culturali au contribuit la aceasta?
• 2. Care a fost filosofia umanismului? Ce puncte ale umaniștilor Renașterii vi se par relevante astăzi și de ce?
• 3. Care sunt trăsăturile comune și speciale ale Renașterii italiene și nordice?
• 4. Cum ai formula tipul ideal de om renascentist?
• 5. Care sunt specificul percepției artistice a Renașterii?
• 6. Ce unește și ce distinge sculpturile „David” de Donatello și „David” M1 de Angelo?

Exercițiu

Consultați fragmentul din următoarea sursă: Paco della MiraidolaG.(1463-1494) „Un discurs despre demnitatea omului” [Omul este propriul său creator liber] și răspundeți la întrebările de mai jos.

„Am citit, dragi părinți, în scrierile arabilor, că atunci când l-au întrebat pe Abdullah Saracenul ce i s-a părut cel mai uimitor lucru din lume, el a răspuns că nu există nimic mai minunat decât omul. Cuvintele lui Mercur corespund acestui gând: „O, Asclepios, omul este o mare minune!” Când am reflectat asupra sensului acestor zicători, nu m-am mulțumit de numeroasele argumente în favoarea superiorității naturii umane pe care mulți le dau: omul este un mijlocitor între toate creaturile, apropiat de cel de sus și stăpân peste cel de jos, interpretul. a naturii datorită perspicacității minții, clarității gândirii și intelectului curios, intervalul dintre eternitatea neschimbată și timpul curent, legăturile lumii, așa cum spun perșii, Himenul, stând puțin mai jos decât îngerii, conform mărturia lui David.

Toate acestea sunt semnificative, dar nu este principalul lucru care merită cea mai mare admirație. De ce nu admirăm mai mult îngerii și frumoasele coruri cerești? Până la urmă, mi s-a părut că am înțeles de ce omul este cea mai fericită dintre toate ființele vii și demnă de admirație universală și ce lot i s-a pregătit printre toate celelalte destine, de invidiat nu numai pentru animale, ci și pentru stele și alte lume. suflete. Incredibil și uimitor! Cum altfel? Până la urmă, de aceea omul este pe bună dreptate numit și considerat un mare miracol, o ființă vie cu adevărat demnă de admirație. Dar orice ar fi, ascultați, părinți, și iartați-mă cu bunăvoință acest discurs.

Tatăl Atotputernic, Dumnezeu Creatorul, a creat deja, după legile înțelepciunii, sălașul lumii, care ni se pare templul august al divinității. El a împodobit sfera cerească cu rațiune și a înviat corpurile cerești cu suflete veșnice. El a umplut părțile murdare și înfundate ale lumii inferioare cu o masă eterogenă de animale. Dar, după ce a finalizat creația, maestrul și-a dorit să existe cineva care să aprecieze semnificația unei lucrări atât de mari, să-i iubească frumusețea și să-i admire amploarea. Prin urmare, după ce și-a încheiat toată lucrarea, după cum mărturisesc Moise și Timeu, el a decis în cele din urmă să creeze omul. Dar nu era nimic în prototipurile din care Creatorul avea să producă noi urmași, nici în depozitele pe care le-ar da ca moștenire noului fiu și nici pe băncile firmamentului unde stătea însuși Contemplatorul universului. Totul era deja finalizat; totul a fost distribuit în sferele superioare, mijlocii și inferioare. Dar nu se cuvenea ca puterea tatălui să lipsească din ultimul urmaș, parcă epuizată, nu se cuvenea ca înțelepciunea lui într-o chestiune necesară să se clatine din lipsă de sfaturi, nu se cuvenea pentru iubirea lui binefăcătoare ca el. cine ar fi trebuit să laude bunătatea divină în alții ar trebui să fie forțat să o condamne în tine. Și în cele din urmă, cel mai bun Creator a stabilit că pentru cel căruia nu i-ar putea oferi nimic propriu, tot ceea ce era inerent creațiilor individuale va deveni comun. Atunci Dumnezeu l-a acceptat pe om ca pe o creație a unei imagini nedefinite și, punându-l în centrul lumii, a spus: „Nu-ți dăm, Adam, nici un loc anume, nici chipul tău, nici o datorie specială, pentru ca locul, și persoana și datoria pe care ai avut-o, dar din proprie voință, conform voinței și deciziei tale. Imaginea altor creații este determinată în limitele legilor pe care le-am stabilit. Tu, neconstrâns de nicio limită, îți vei determina imaginea conform deciziei tale, în puterea căreia te las. Te plasez în centrul lumii, astfel încât de acolo să-ți fie mai convenabil să vezi tot ce este în lume. Nu te-am făcut ceresc, nici pământesc, nici muritor, nici nemuritor, pentru ca tu însuți, un maestru liber și glorios, să te poți modela după chipul pe care îl preferi. Poți renaște în ființe inferioare, nerezonabile, dar poți renaște și în ființe divine superioare la porunca sufletului tău. O, cea mai înaltă generozitate a lui Dumnezeu Tatăl! O, cea mai înaltă și mai încântătoare fericire a unei persoane căreia i se dă darul de a deține ceea ce își dorește și de a fi ceea ce își dorește! Imediat ce animalele se nasc, ele primesc din pântecele mamei tot ce vor avea mai târziu, după cum spune Lucilius. Spiritele superioare fie mai întâi, fie puțin mai târziu devin ceea ce vor fi nemurirea eternă. Omul născut, Tatăl i-a dat semințe și embrioni de viață diversă, iar după cum le cultivă fiecare, ei vor crește și vor aduce roade în el. Și dacă embrionii sunt plante, atunci persoana va fi o plantă, dacă senzuală, atunci va deveni un animal, dacă este rațional, atunci va deveni o ființă cerească, iar dacă este intelectuală, atunci va deveni un înger și fiul lui. Dumnezeu. Și dacă nu este mulțumit de soarta vreuneia dintre făpturi, atunci să se întoarcă în centrul uniformității sale și, făcându-se una cu Dumnezeu duhul, să depășească pe toți în întunericul solitar al Tatălui, care stă deasupra. Tot..."

Întrebări:

• 1. Care vede Pico della Mirandola ca fiind principala diferență între om și alte creații ale lui Dumnezeu?
• 2. Care este, după filozof, privilegiul exclusiv al omului?
• 3. Citiți opinia unui cercetător modern și răspundeți la întrebarea de mai jos:

„...Cu cât civilizația devenea mai puternică, cu atât mai des s-a strecurat în mintea indivizilor bănuielile că o fac ei înșiși, cu sprijin minim din partea forțelor misterioase din exterior sau fără un astfel de ajutor. Dar era mai bine să tăcem despre asta - cultura nu era pregătită să accepte cu calm o astfel de erezie. Odată cu triumful monoteismului, cuvântul „Creator” a devenit titlul unei zeități și a fost scris cu majusculă. Din vremea lui Aristotel, ceea ce numim acum creativitate a fost numită „mimesis” - imitație. Nici Dante, nici Petrarh nu au îndrăznit și nu au știut să se numească creatori. A fost nevoie de o confluență a mai multor împrejurări pentru ca, în atmosfera exaltată a Florenței Reissian, Pico della Mirandola să poată decide să - lăsând actul de creație a lumii și a omului în spatele divinității - în numele zeității, să transfere orice altceva către persoana însuși: „Tu însuți îți vei determina natura în conformitate cu liberul tău arbitru”” (Glazychev V.L. Evoluția creativității în arhitectură. M.: Stroyizdat, 1986. P. 5).

Ce împrejurări i-au permis lui Pico della Mirandola să ajungă la această concluzie?

Subiecte pentru eseuri și proiecte

• 1. Problema omului în filosofia umaniștilor italieni.
• 2. Domnitorul ideal al lui Machiavelli.
• 3. Imaginea Renașterii în lucrările lui J. Burckhardt.
• 4. Criticii Renașterii (conceptele lui N. Berdyaev, 11. Florensky, M. Alpatov, A. Losev).
• 5. Renașterea de Nord: oameni și idei.

Literatură

• 1. Andreev, M.L. Cultura Renașterii / M. L. Andreev // Istoria culturii mondiale: moștenirea Occidentului: Antichitate, Evul Mediu, Renaștere / ed. S. D. Serebryany. - M.: Editura Universității de Stat pentru Științe Umaniste din Rusia, 1998.
• 2. Burkhardt, da. Cultura Italiei în Renaștere / J. Burckhardt: trad. cu el. si dupa. A. E. Makhova; științific ed., prefață si comentati. K. A. Chekalova. - M.: Iptrada, 2001.
• 3. Buletin de istorie, literatură, artă / RAS (Departamentul de Științe Istorice și Filologice). - T. 1. - M.: Nauka, 2005. - P. 84-97.
• 4. Dzhivelegov, A.K. Creatorii Renașterii italiene: în 2 cărți. / A.K. Dzhivelegov. - M.: Terra - Carte. club; Republica, 1998.
• 5. Kustodieva, T.K. Arta italiană a Renașterii secolelor XIII-XVI / T. K. Kustodieva. - L.: Art, 1985.
• 6. Tarnoe, R. Istoria gândirii occidentale: trad. din engleza / R. Tarnas. - M.: Kron-Press, 1995.

• Estetica Renașterii: în 2 volume T. 2 / comp. V. P. Shestakov. M.: Art. 1981. P. 333-
• Istoria esteticii. Monumente ale gândirii estetice mondiale: în 5 volume T. 1. M.: Editura Acad. Artele URSS, 1962. p. 506-514.

Renaştereîmpărțit cronologic în 4 etape: 1) Proto-Renaștere (Pre-Renaștere) - secolul XIII. (două sute de ani - Ducento)Și
secolul al XIV-lea (trei sute de ani - trecento); 2) Trezire timpurie - Secolul XV (quat-rocento); 3) Înaltă renaștere - anii 80 Secolul XV - 30 de ani
secolul al XVI-lea (cinquicento); 4) Reînvierea târzie - până la sfârşitul secolului al XVI-lea.

La sfârşitul secolului XIV - începutul secolului XV. în Europa și anume în Italia, Cultura burgheză timpurie a început să prindă contur, numită cultura Renașterii (Renaștere). Termenul „Renaștere” a indicat legătura dintre noua cultură și antichitatea. Renașterea a fost caracterizată de multe schimbări foarte semnificative în mentalitatea oamenilor față de Evul Mediu. Asociat cu distrugerea vechilor idei feudal-religioase și crearea unui nou sistem de valori corespunzător epocii burgheze emergente a fost antropocentrismul. Omul este declarat centrul universului, înțeles ca parte a naturii și a creației sale cele mai perfecte. Omul ca măsură a tuturor lucrurilor, ca personalitate eroică, independentă, dezvoltată cuprinzător, ca forță creatoare în lupta împotriva naturii și asuprirea constrângerii bisericești-feudale. Acest laitmotiv se reflectă clar în toate ramurile artei.

La originile Renașterii („Renașterea timpurie”) în Italia a stat marele Dante Alighieri, autor al „Comediei”, pe care urmașii, exprimându-și admirația, au numit-o „Divina Comedie”. Sonetele au câștigat faima mondială Francesca Petrarca(1304-1374) despre viața și moartea Madonei Laura. Adeptul lui Petrarh - Giovanni Boccaccio(1313-1375), autor al Decameronului, o colecție de nuvele realiste unite printr-un ideal umanist comun și reprezentând un singur întreg. Poeții renumiți ai Renașterii au creat italianul limbaj literar. În timpul vieții lor, operele lor au devenit cunoscute nu numai în Italia, ci și dincolo de granițele acesteia și au intrat în vistieria literaturii mondiale.

Caracteristic Renașterii cultul frumuseții, mai presus de orice frumusețe umană. Pictura italiană, care pentru un timp a devenit principala formă de artă, înfățișează oameni frumoși și perfecți. Pictura renascentista timpurie este reprezentata de operele lui Botticelli (1445-1510), Giotto (1266-1337), Masaccio (1401-1428). Una dintre cele mai sculptori celebri de atunci a fost Donatello (1386-1466), autorul unui număr de lucrări realiste de tip portret, care a prezentat pentru prima dată din antichitate corpul gol în sculptură. Cel mai mare arhitect al Renașterii timpurii a fost Brunelleschi (1377-1446). El a căutat să combine elemente ale romanului antic și stiluri gotice, a construit temple, palate, capele.

Pentru schimbare Renașterea timpurie a sosit Înalta Renaștere- timpul celei mai înalte înfloriri a culturii umaniste a Italiei. Atunci ideile despre onoarea și demnitatea omului, scopul său înalt pe Pământ, au fost exprimate cu cea mai mare deplinătate și putere. Au fost numiți Titanii Înaltei Renașteri Leonardo da Vinci (1456-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564).

Mișcarea umanistă este recunoscută ca un fenomen paneuropean.În secolul al XV-lea umanismul depășește granițele Italiei și se răspândește rapid în toate țările vest-europene. Fiecare țară a avut propriile caracteristici în dezvoltarea culturii Renașterii, propriile sale realizări naționale și propriii săi lideri.

În Germania ideile de umanism au devenit cunoscute la mijlocul secolului al XV-lea, exercitând o puternică influență asupra cercurilor universitare și a intelectualității progresiste. Un reprezentant remarcabil al literaturii umaniste germane a fost Johann Reuchlin (1455-1522), care a căutat să arate divinitatea în om însuși. El este autorul celebrei lucrări satirice „Scrisori ale oamenilor întunecați”, în care este tras un șir de oameni ignoranți și întunecați - maeștri și licențe, care, apropo, au diplome academice. În timpul Reformei s-a remarcat talentatul poet Hans Sachs (1494-1576), care a scris multe fabule edificatoare, cântece, schwanks etc.

Arta plastică a înflorit. În acest domeniu a lucrat faimosul pictor și gravor Albrecht Durer(1471-1528) - fondator și cel mai mare reprezentant al Renașterii germane, „nordul Leonardo da Vinci”, artiștii Hans Holbein cel Tânăr (1497-1543), Lucas Cranach cel Bătrân (1472-1553).

Cel mai mare reprezentant al culturii Renașterii în Olanda a fost Erasmus din Rotterdam(1496-1536). Semnificația lucrărilor acestui mare umanist și educator, inclusiv faimosul său „În lauda prostiei”, pentru educația liberei gândiri și a atitudinii critice față de scolastică și superstiție este cu adevărat neprețuită. Lucrările sale satirice au câștigat o mare popularitate în Germania, Franța, Spania și Anglia. Excelenți ca formă, adânci în conținut, își găsesc cititorii de secole.

În Anglia Universitatea Oxford era considerată centrul ideilor umaniste, unde oamenii de știință de seamă ai vremii - Grosin, Linacre, Colet - țineau prelegeri. Dezvoltarea viziunilor umaniste în domeniul filosofiei sociale este asociată cu numele Thomas More(1478-1535), autorul „Utopiei”, care a prezentat cititorului un ideal, în opinia sa, societate umană. Cea mai mare figură a Renașterii engleze - William Shakespeare(1564-1616), creatorul lumii tragedii celebre„Hamlet”, „Regele Lear”, „Othello”, piese istorice „Henric al IV-lea”, „Richard al III-lea”, sonete.

Renașterea în Spania a fost mai controversat decât în ​​alte țări europene: mulți umaniști de aici nu s-au opus catolicismului și Bisericii Catolice. Romanele cavalerești, precum și cele picaresc, s-au răspândit. Acest gen a fost interpretat pentru prima dată de Fernando de Rojas, autorul celebrei tragicomedii „Celestina” (scrisă c. 1492-1497). Această linie a fost continuată și dezvoltată de marele scriitor spaniol Miguel de Cervantes(1547-1616), autor al nemuritorului „Don Quijote”, satiristul Francisco de Quevedo (1580 - 1645), care a creat celebrul roman „Povestea vieții unui necinstit”. Fondatorul dramei naționale spaniole este marele Lope de Vega(1562-1635), autor a mai mult de 1800 de opere literare, printre care „Câinele la mandrie”, „Profesorul de dans”.

Pictura spaniolă a obținut un succes semnificativ. Un loc special în ea îl ocupă El Greco (1541-1614) și Diego Velazquez (1599-1660), a căror operă a avut o influență uriașă asupra dezvoltării picturii în țările europene.

În Franța Mișcarea umanistă începe să se răspândească abia la începutul secolului al XVI-lea. Un reprezentant remarcabil al umanismului francez - Francois Rabelais(1494-1553), autor al romanului satiric „Gargantua și Pantagruel”. În centrul temei poetice se află sentimentele romantice și incantarea dragostei. Sonetele sunt orientative în acest sens Pierre Ronsard(1524-1580), supranumit „prințul poeților”, care a avut o influență foarte puternică asupra dezvoltării poeziei în general. Cel mai mare reprezentant al culturii Franței în secolul al XVI-lea. a fost Michel de Montaigne(1533-1592). Lucrarea sa principală - „Experimente” - a fost reflecții asupra subiectelor filozofice, istorice și etice.

Astfel, Renașterea a dat culturii lumii o galaxie uriașă oameni de știință talentați, personaje literare și artistice. Printre ei: filozofi și oameni de știință - Nicolae din Cusa, Picodella Mirandola, Bruno, Galileo, Machiavelli, Campanella, Montaigne, Munzer, Kepler, Paracelsus, Copernic; scriitori și poeți - Dante, F. Petrarh, G. Boccaccio, E. Rotterdam, Rabelais, Cervantes, Shakespeare; arhitecți, sculptori, pictori remarcabili - N. Pisano, Donatello, A. Rossellino, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Titian, Michelangelo, X. Bosch, A. Durer și alții.

Cu toate acestea, în cultura Renașterii, alături de elemente progresive de umanism și realism, există rămășițe medievale. Este de ajuns să ne amintim rolul important pe care l-au jucat teologia și scolastica pe parcursul Renașterii. Pentru a pătrunde în esența culturii și artei acestei epoci, trebuie să ne imaginăm clar contradicțiile și contrastele din care este țesută - contradicțiile libertății și sclaviei, raționalismului și magiei, senzualității și ascezei.