Era obișnuit să controlezi corul folosind așa-numita cheironomie (din greaca veche. χείρ - mână și νόμος - legea, pravila), care a trecut apoi în practica spectacolului bisericesc în Europa medievală; acest tip de dirijat presupunea un sistem de mișcări condiționate ale mâinilor și degetelor, cu ajutorul cărora dirijorul indica cântăreților tempo, metrul, ritmul, reproducea contururile melodiei - mișcarea ei în sus sau în jos etc.

Battuta a fost inițial un baston destul de masiv; directorul orchestrei a bătut ritmul, lovindu-l pe podea - o astfel de conducere era și zgomotoasă și nesigură: J. B. Lully, în timp ce dirija cu vârful bastonului, și-a provocat o rană, care s-a dovedit a fi fatală. Cu toate acestea, deja în secolul al XVII-lea existau metode mai puțin zgomotoase de conducere; Astfel, într-un ansamblu, spectacolul putea fi condus de unul dintre membrii săi, cel mai adesea un violonist, care număra timpul lovind arcul sau dând din cap.

Odată cu apariția sistemului general de bas în secolul al XVII-lea, îndatoririle dirijorului au trecut la muzicianul care a interpretat partea generală de bas la clavecin sau orgă; determina tempo-ul printr-o serie de acorduri, dar putea să dea instrucțiuni și cu ochii, încuviințarea din cap, gesturi sau chiar, ca de exemplu J. S. Bach, fredonând o melodie sau batând ritmul cu piciorul. În secolul al XVIII-lea, basul general era din ce în ce mai asistat de primul violonist - acompanitorul, care dădea tonul cu cântatul său la vioară și putea, după ce a încetat să cânte, să folosească arcul ca trambulină. În secolul al XVIII-lea s-a răspândit practica dublei și triplelor dirijat atunci când interpretau lucrări vocale și instrumentale complexe: de exemplu, în operă, clavecinul controla cântăreții, iar acompanitorul controla orchestra; al treilea lider ar putea fi primul violoncelist, care cânta vocea de bas în recitative de operă, sau directorul de cor; în unele cazuri numărul de conductori ar putea ajunge până la cinci.

Pe măsură ce sistemul general de bas s-a stins (în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea), importanța violonistului-acompaniament a crescut; iar în secolul al XIX-lea, această metodă de dirijat a fost păstrată la executarea unor lucrări simple, în special în orchestrele de bal și de grădină; este adesea folosit astăzi în interpretarea muzicii antice.

al XIX-lea în istoria dirijatului

Timp de secole, compozitorii, de regulă, și-au interpretat singuri lucrările: compunerea muzicii era responsabilitatea directorului de formație, a cantorului și, în alte cazuri, a organistului; Transformarea treptată a dirijorului într-o profesie a început în ultimele decenii ale secolului al XVIII-lea, când au apărut compozitori care interpretau în mod regulat lucrările altora. Astfel, la Viena, din 1771, în concertele publice de caritate ale Societății Muzicale, care au fost conduse mai întâi de Florian Leopold Gassmann, iar apoi mulți ani de Antonio Salieri, au fost interpretate adesea lucrări ale compozitorilor plecați sau ale contemporanilor, care dintr-un singur motiv sau altul nu a putut participa personal la concerte. Practica interpretării operelor altor oameni în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea s-a răspândit și în teatrele de operă: operele străine erau adesea conduse de K. V. Gluck, Giovanni Paisiello și Josef Mysliveček, care au promovat, în special, opera lui K. V. Gluck.

Dacă în secolul al XVIII-lea compozitorii-dirijori cântau în principal cu orchestrele lor (capele), singura excepție era compozitori de operă, care și-au pus în scenă și și-au interpretat lucrările în diferite oraseși țări, apoi în secolul al XIX-lea, pe scena concertelor au apărut interpreți invitați, interpretând atât compoziții proprii, cât și ale altora, dirijând orchestre ale altor oameni, precum Hector Berlioz și Felix Mendelssohn, iar mai târziu R. Wagner.

Nu s-a stabilit cu certitudine cine a fost primul, nesocotind decența, care a întors spatele publicului, cu fața cu orchestra, G. Berlioz sau R. Wagner, dar în arta managementului orchestrei aceasta a fost o întorsătură istorică care a asigurat deplin contact creativ între dirijor și artiștii orchestrei. Treptat, dirijorul s-a transformat într-o profesie independentă, fără legătură cu compunerea: conducerea unei orchestre în creștere și interpretarea unor compoziții din ce în ce mai complexe necesită abilități speciale și un talent deosebit, care era, de asemenea, diferit de talentul unui muzician instrumental. „Dirijorul”, a scris Felix Weingartner, „necesită nu numai capacitatea de a înțelege și de a simți pe deplin muzical. creație artistică, dar și o lapidă tehnică specială, este greu de descris și cu greu poate fi învățată... Această abilitate specifică nu este adesea în niciun fel legată de talentul muzical general. Se întâmplă ca vreun geniu să fie lipsit de această abilitate și un muzician mediocru să fie înzestrat cu ea.” Printre primii dirijori profesioniști care au obținut recunoaștere internațională se numără Hans von Bülow și Hermann Levy; Bülow a devenit primul dirijor din istorie care a făcut turnee cu orchestre, inclusiv cu Filarmonica din Berlin.

Dirijarea artei în Rusia

Până în secolul al XVIII-lea, conducerea în Rusia a fost asociată în principal cu interpretarea corală și în primul rând cu muzica bisericească. Pentru conducătorii corurilor bisericești, regenți, au fost dezvoltate anumite tehnici de dirijat, care sunt discutate, în special, în „Gramatica muzicală” a lui N. P. Diletsky, datând din a doua jumătate a secolului al XVII-lea.

Primii dirijori de orchestra au fost muzicieni iobagi care au condus capele private; Astfel, cel mai faimos dintre ei, Stepan Degtyarev, a condus orchestra Sheremetev. De-a lungul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea în Rusia, ca și în Europa de Vest, dirijorul, de regulă, a fost asociat cu munca compozitorilor: dirijori celebri la vremea lor au fost Ivan Khandoshkin și Vasily Pashkevich, în secolul al XIX-lea - Mily Balakirev și Anton Rubinstein.

Primul dirijor profesionist (care nu a fost compozitor) poate fi considerat Nikolai Rubinstein, care de la începutul anilor 60 ai secolului al XIX-lea a fost dirijor permanent de concerte simfonice la Moscova, a făcut turnee ca dirijor la Sankt Petersburg și în alte orașe și a fost primul interpret din Rusia a multor lucrări ca rusă (în primul rând P.I. Ceaikovski) și compozitori străini. Dar dacă Rubinstein era cunoscut în străinătate în primul rând ca un pianist remarcabil, atunci Vasily Safonov a devenit primul muzician rus care a primit recunoaștere internațională, deja la începutul secolului al XX-lea, tocmai ca dirijor.

Dirijor în secolul XX

„Big Five”: Bruno Walter, Arturo Toscanini, Erich Kleiber, Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler

Prestigiul profesiei de dirijor a crescut mai ales la începutul secolului al XX-lea; admirația larg răspândită pentru bărbatul din spatele consolei i-a oferit lui Theodor Adorno posibilitatea de a scrie: „... autoritatea socială a dirijorilor în majoritatea cazurilor depășește cu mult contribuția efectivă a celor mai mulți dintre ei la interpretarea muzicii”. Aceleași considerații în anii 20 au dat naștere la încercări de a crea orchestre fără dirijor, iar prima astfel de orchestră, Persimfans, a fost creată la Moscova în 1922. Cu toate acestea, ideea nu s-a justificat: atât Persimfans însuși, cât și alte orchestre create pe modelul său s-au dovedit a fi de scurtă durată.

Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea secolul în Europa, a dominat școala germano-austriacă de dirijat, ceea ce s-a datorat nu în ultimul rând predominanței germano-austriacă. muzica simfonicaîn repertoriul concertelor; la începutul secolului a fost reprezentat în primul rând de așa-numiții „cinci post-Wagner”: Hans Richter, Felix Mötl, Gustav Mahler, Arthur Nikisch, Felix Weingartner, iar mai târziu de către dirijorii generației următoare: Bruno Walter, Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler, Erich Kleiber și dirijorul olandez al școlii germane Willem Mengelberg. Formată în epoca romantismului, această școală până la mijlocul secolului al XX-lea a păstrat anumite trăsături inerente mișcării romantice în interpretarea muzicală.

Simțindu-se un co-creator al operei interpretate, dirijorul romantic nu s-a oprit uneori înainte de a face anumite modificări ale partiturii, în primul rând în ceea ce privește instrumentația (unele corecții făcute de romantici la lucrările târzii ale lui L. van Beethoven sunt încă acceptate de către dirijori), mai ales că nu vedea prea mult păcat în abaterea, la discreția cuiva, de la tempourile indicate în partitură etc. Acest lucru a fost considerat justificat, deoarece nu toți marii compozitori ai trecutului erau fluenți în orchestrație, iar Beethoven, se presupunea, era surd și împiedicat să-și imagineze clar combinații de sunet. De foarte multe ori, compozitorii înșiși, după prima ascultare, făceau corecții la orchestrarea lucrărilor lor, dar nu toată lumea a avut ocazia să le audă.

Libertățile pe care le-au luat Wagner și apoi Hans von Bülow cu partitura lor au fost adesea condamnate de contemporanii lor. Astfel, Felix Weingartner a dedicat o parte semnificativă a cărții sale „Despre dirijat” unei polemici cu Bülow. Intruziunile dirijorilor în partituri au devenit treptat un lucru al trecutului (în prima jumătate a secolului al XX-lea, Willem Mengelberg și Leopold Stokowski au fost criticați pentru astfel de intruziuni), dar multă vreme a rămas dorința de a adapta lucrările. ale compozitorilor demult dispăruți la percepția publicului modern: să „romantizeze” lucrările epocii preromantice, să interpreteze muzică din secolul al XVIII-lea personal complet orchestra simfonică a secolului al XX-lea... Toate acestea la începutul secolului al XX-lea au provocat o reacție „antiromantică” în cercurile muzicale și aproape muzicale). Un fenomen semnificativ în interpretarea muzicală din a doua jumătate a secolului al XX-lea a fost mișcarea „autentică”. Meritul incontestabil al acestei mișcări, reprezentat de Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt și o serie de alți muzicieni, este stăpânirea trăsăturilor stilistice ale muzicii din secolele XVI-XVIII - acele trăsături pe care dirijorii romantici, într-o măsură mai mare sau mai mică, tindea să neglijeze.

Modernitatea

Deoarece nu toate realizările „autentiștilor” sunt incontestabile, majoritatea dirijorilor moderni, când se referă la muzica XVIII de secole (ne-autentiștii interpretează rareori lucrări din vremuri mai îndepărtate) își caută mijlocul de aur între romantism și „autenticism”, imitând adesea metodele de conducere din acea vreme - controlează orchestra stând la pian sau cu o vioară în mână.

În prezent, mulți dirijori refuză să folosească bagheta - în general sau în părți lente ale lucrărilor; Vasily Safonov (de la începutul anilor 20) și Leopold Stokowski au dirijat fără ștafetă în prima jumătate a secolului al XX-lea. Leo Ginzburg a notat că în literatura stiintifica de-a lungul anilor, se acordă din ce în ce mai puțină atenție tehnicii manuale: este foarte individuală și în practică infirmă adesea orice teorie. Aici putem contura doar contururi generale: cea mai puternică (prima) bătaie a barei este indicată de mișcarea mâinii drepte în jos, cea mai slabă (ultima) - prin mișcarea mâinii drepte în sus, restul (dacă există) sunt distribuite între ele, formând așa-numitele grila metrica. Pe lângă această determinare a tempo-ului și a ritmului, cu mișcări suplimentare ale mâinilor, capului, întregului corp, precum și expresii faciale, dirijorul indică natura interpretării muzicale atât pentru ansamblu în ansamblu, cât și pentru grupurile sale individuale și participanții. La un moment dat, Richard Wagner a provocat indignarea publicului pentru că a dirijat lucrări simfonice pe de rost; în secolul al XX-lea, spectacolele în concerte fără partitură pe consolă și chiar fără consolă au devenit norma: „Un dirijor bun”, spunea Hans von Bülow, „ține partitura în cap, iar un dirijor rău își ține capul. scorul." Dacă un dirijor nu se poate smulge de la partitură, scria F. Weingartner, el nu este altceva decât un beat beater și nu are dreptul să revendice titlul de artist. Pentru Wagner și Bülow și numeroșii lor adepți, contactul vizual cu orchestra a fost important; pe de altă parte, Weingartner a reamintit la un moment dat că publicul „ar trebui să asculte muzica și să nu fie surprins de memoria bună a dirijorului” și poți observa adesea cum dirijorul răsfoiește partitura, aproape fără să o privești - fără să-și ia ochii de la orchestră; mulți, în orice caz, au considerat și consideră că conducerea demonstrativă pe de rost este într-o formă proastă.

Domeniul de aplicare al artei dirijorale s-a extins deja semnificativ în secolul al XX-lea: până la scena de concert și teatru muzical S-au adăugat cinema, radio, televiziune și un studio de înregistrări. În același timp, în cinema, ca și în teatrul dramatic, dirijorarea este de natură aplicată, iar la radio, televiziune și în studio se pierde contactul direct cu ascultătorii: „Ceea ce se creează”, scrie Leo Ginzburg, „este un produs unic de ordin industrial.”

Profesia de dirijor rămâne preponderent masculină până astăzi, dar în secolul al XX-lea au început să apară și dirijori de sex feminin: la începutul secolului, Elfriede Andree a dirijat concerte deschise la Göteborg; un dirijor de succes a fost Nadia Boulanger; Jeanne Evrard a condus propria ei orchestră de femei din Paris în 1930. În URSS, prima femeie dirijor a fost Veronica Dudarova, care a luat prima tribună în 1944.

Note

1. , Cu. 252.
2. Beaussant P. Lully sau Le Musicien du Soleil. - Paris: Gallimard/Théâtre des Champs-Élysées, 1992. - P. 789.
3. , Cu. 252-253.
4. , Cu. 253.
5. Parshin A. A. Autentic: întrebări și răspunsuri // Artă muzicală stil baroc. Culegere 37. - M.: MGK, 2003. - P. 221-233.
6. Steinpress B.S. Antonio Salieri în legendă și realitate // Eseuri și studii. - M.: Compozitor sovietic, 1979. - P. 137.
7. Kirillina L.V. Beethoveni şi Salieri // Muzică antică: revistă. - 2000. - Nr. 2 (8). - pp. 15-16.
8. Rytsarev S. Christoph Willibald Gluck. - M.: Muzică, 1987. - P. 67.
9. Belza I. F. Myslivechek // Marea Enciclopedie Sovietică. - M.: Enciclopedia Sovietică, 1974. - T. 17.
10. , Cu. 99.
11. , Cu. 614-615.
12. , Cu. 184.
13. , Cu. 187.
14. , Cu. 254.
15. Korabelnikova L.Z. Rubinshtein N. G. // Enciclopedia muzicală(editat de Yu. V. Keldysh). - M.: Enciclopedia Sovietică, 1978. - T. 4.
16. , Cu. 164.
17. Korabelnikova L.Z. Safonov V.I. // Enciclopedie muzicală (editat de Yu. V. Keldysh). - M.: Enciclopedia Sovietică, 1978. - T. 4.
18. , Cu. 95.

Echipajul Škola este bine cunoscut. Artiștii preced întotdeauna interpretarea compozițiilor clasice cu o scurtă prelegere, în timpul căreia explică cum să asculte ceea ce urmează să fie auzit.

site-ul continuă o serie de materiale în care pianista și membru al echipajului Škola Alexandra Stefanova ajută la înțelegerea clasicilor și a tot ceea ce are legătură cu interpretarea lor.

Poate o orchestră să cânte fără dirijor?

— Dirijorul are o responsabilitate extraordinară. Are nevoie de toți cei 80-90 de oameni din orchestră (și pot fi mai mulți) să cânte în ritmul corect, să înțeleagă cine trebuie să intervină și când.

Dacă orchestra este mare, atunci muzicianul care, de exemplu, stă în colțul din dreapta, cel mai probabil nu aude ce cântă colegul său din stânga. Este pur și simplu imposibil din punct de vedere fizic să recunoști când a început să sune un instrument îndepărtat. Muzicianul îi aude doar pe cei mai apropiați vecini. Fără un dirijor, ar fi ușor să faci o greșeală - ai nevoie de o persoană care să-ți spună când să începi să cânți.

A existat însă și o orchestră fără dirijor - Persimfans (Ansamblul Simfonic I). A existat în URSS între 1922 și 1932. Muzicienii s-au așezat într-un cerc ca să se poată vedea și au convenit cine ar trebui să cânte la repetiții. Această orchestră, de altfel, și-a reluat existența datorită eforturilor lui Peter Aidu. El admite că aceasta nu este o copie exactă a acelei orchestre - muzicienii continuă tradițiile care s-au dezvoltat în anii 20 ai secolului XX. Aproximativ o dată sau de două ori pe an, orchestra prezintă publicului diverse programe. Pe 25 noiembrie va concerta la Sala de concerte Zaryadye.

Toate instrumentele sunt incluse în partitura dirijorului?

- Da. Cu ajutorul lui, dirijorul vede totul. Conține toate instrumentele, întreaga schiță a lucrării. Dacă un pianist, de exemplu, își exprimă ideea pe sine și a compozitorului numai prin pian, atunci dirijorul, s-ar putea spune, cântă la toate instrumentele orchestrei deodată.

De ce pot dirijorii să sune diferit aceeași piesă?

— Dirijorul trebuie să transmită privitorului ideea pe care compozitorul a pus-o în muzică. În acest caz, dirijorul ține cont de ce epocă îi aparține opera. De exemplu, dacă este baroc, vioara ar trebui să sune mai înăbușit (odinioară avea corzi diferite). Dar dacă să urmezi sau nu acest lucru este, desigur, alegerea personală a fiecăruia. Acesta este motivul pentru care dirijorii produc interpretări diferite ale acelorași simfonii. Uneori chiar sună la viteze diferite. Dirijorul poate privi munca altfel decât colegii săi, folosind experiența sa personală, care afectează muzica.

Cum te descurcai fără dirijor înainte?

— Profesia de dirijor a apărut relativ recent, în începutul XIX secol. Anterior, orchestra era controlată de unul dintre muzicieni, cel mai adesea violonist (a fost ales cel mai experimentat). A păstrat timpul lovind cu arcul sau pur și simplu dând din cap. Uneori rolul principal a fost jucat de un clavecinist sau violoncelist. Dar muzica s-a dezvoltat, materialul a devenit mai complex, iar persoana pur și simplu nu a avut timp să dirijeze și să cânte în același timp.

Dacă te uiți într-un trecut și mai îndepărtat, atunci, de exemplu, în teatrul antic grecesc, corul era condus de un luminator. Pe picioare aveau sandale cu talpă de fier, cu ajutorul cărora putea să bată confortabil ritmul.

Dirijorii au folosit întotdeauna o baghetă?

- Nu. Bagheta dirijorului în forma în care o cunoaștem astăzi a apărut în secolul al XIX-lea. Cu ceva timp înainte, a fost folosită battuta. Ar putea fi o baghetă sau un baston care servea să bată timpul. Apropo, battuta a fost cea care a provocat moartea lui Jean-Baptiste Lully, creatorul operei franceze și compozitorul de curte al regelui Ludovic al XIV-lea. În timp ce batea ritmul în timpul spectacolului Te Deum, scris cu ocazia recuperării regelui după o boală gravă în 1687, Lully și-a străpuns piciorul cu vârful ascuțit al battutei. A început otrăvirea cu sânge, iar compozitorul a murit curând.

De asemenea, au folosit partituri rulate într-un tub, alte obiecte și conduse cu mâinile lor.

Dar dacă să folosiți sau nu bagheta astăzi este o chestiune personală pentru fiecare dirijor. Valery Gergiev, de exemplu, preferă să țină o scobitoare în mâini.

Publicații în secțiunea Muzică

Cu un semn al mâinii

Valeri Gergiev. Foto: Michal Dolezal / TASS

Top 5 dirijori ruși.

Valeri Gergiev

Angajații unei reviste de renume despre muzica clasica s-a pornit odată să afle când doarme maestrul Gergiev. Am comparat programele pentru tururi, repetiții, zboruri, conferințe de presă și recepții. Și s-a dovedit: niciodată. Se pare că nici el nu mănâncă, nu bea, nu își vede familia și, firește, nu se odihnește. Ei bine, eficiența este cheia succesului. Acesta este singurul mod de a deveni unul dintre cei mai căutați și mai populari dirijori din lume - precum Valery Gergiev.

La vârsta de 7 ani, părinții Valerei au dus-o la școala de muzică. Băiatul părea foarte îngrijorat și continua să privească pe fereastră. Bineînțeles că a fost distras de la fotbal, iar apoi ai noștri pierd! După ce a ascultat, profesorul s-a întors către mama sa: „Mi se pare că nu are auz. Poate că va deveni Pele...” Dar nu poți păcăli inima unei mame. Ea a știut întotdeauna că Valera ei este un geniu și l-a făcut acceptat la o școală de muzică. O lună mai târziu, profesorul și-a luat înapoi cuvintele. Triumful tânărului muzician, care a părăsit Vladikavkaz la Leningrad, la conservator, a fost victoria la Concursul Herbert von Karajan - cel mai prestigios dintre toate. De atunci, Gergiev cunoaște valoarea victoriilor - și, cât poate el mai bine, are grijă de muzicienii tineri și talentați care se întâmplă să se afle în apropiere.

La 35 de ani - este director artistic Teatrul Mariinsky! Este de neconceput: un colos imens cu două trupe - o operă și un balet - și o excelentă orchestră simfonică, moștenită de la Yuri Temirkanov, vă stă la dispoziție. Și puteți reda orice muzică doriți. Chiar și Wagner, atât de iubit de Gergiev. Valery Abisalovich va pune în scenă „Inelul Nibelungului” în teatrul său - toate cele patru opere, rulând patru seri la rând. Astăzi, doar Teatrul Mariinsky poate face acest lucru.

Dar există încă o competiție nespusă cu Moscova. A fost construită o nouă scenă pentru Bolșoi, care a fost închisă pentru reconstrucție - iar Gergiev construiește o nouă sală de concerte la Sankt Petersburg, fără nici un ban de stat (Mariinsky-3), apoi - luxoasa Noua Scenă a Mariinsky-2 .

Gergiev a cucerit Moscova serios și pentru o lungă perioadă de timp la începutul anilor 2000, când a fondat aici festivalul de Paște și, desigur, a condus-o. Ce se întâmpla în capitală în Duminica Paștelui! Bolshaya Nikitskaya a fost blocată de poliție, la apropierea de Sala Mare a Conservatorului erau mulți oameni din presă, nu doar au cerut un bilet în plus, ci l-au smuls din mâini pentru orice bani. Moscoviții tânjeau atât de mult după orchestre bune încât erau gata să se roage lui Gergiev, care cu orchestra lui le dădea nu doar calitate - uneori existau revelații. Și așa, în general, continuă până în zilele noastre. Numai că acum acestea nu mai sunt câteva concerte, ca în 2001, ci 150 - în toată Rusia și chiar dincolo de granițele ei. Un om de mare amploare!

Vladimir Spivakov. Foto: Sergey Fadeichev / TASS

Vladimir Spivakov

Profesorul Iankelevici i-a oferit talentatului elev al Școlii Centrale de Muzică Volodya Spivakov tocmai vioara cu care își va face cariera muzicala. Instrument al maestrului venețian Gobetti. Ea a avut un „atac de cord” - o incrustație de lemn pe piept, iar producătorii de viori au crezut că, de fapt, nu ar trebui să sune. Dar nu cu Spivakov. „Vovochka, este bine să vinzi viori cu tine: orice tigaie începe să sune în trei minute”, i-a spus odată un bătrân producător de viori. Mult mai târziu, prin eforturile soției sale Sati, Vladimir Teodorovich îl va avea pe prețuitul Stradivarius. Violonistul Vladimir Spivakov a cucerit lumea cu Gobetti: a câștigat mai multe concursuri prestigioase și a făcut turnee pe toate cele mai bune scene de pe planetă, fără a disprețui, însă, interiorul, inclusiv cel rusesc - acolo aștepta și un public.

Genialul violonist a cucerit întreaga lume. Dar la mijlocul anilor '70, la apogeul carierei, a început să studieze profesia de dirijor. Bătrânul școlii de dirijor, Lorin Maazel, a întrebat dacă a luat-o razna. De ce are nevoie de asta dacă joacă atât de divin? Dar Spivakov a fost neclintit. A lui mare profesor Leonard Bernstein a fost atât de captivat de perseverența și talentul elevului său, încât i-a dat ștafeta. Dar una este să înveți cum să conduci și alta este să găsești o echipă pentru asta. Spivakov nu a căutat-o, el a creat-o: în primăvara anului 1979, a apărut orchestra de cameră „Virtuosii din Moscova”. Orchestra a devenit rapid faimoasă, dar înainte de recunoașterea oficială, muzicienii au trebuit să repete noaptea - în casele de pompieri, birouri de locuințe și în clubul Academiei Militare Frunze. Potrivit lui Spivakov, o dată la Tomsk, orchestra a susținut trei concerte într-o singură zi: la ora cinci, șapte și nouă. Iar ascultătorii le-au adus muzicienilor mâncare - cartofi, plăcinte, găluște.

Călătoria la Sala Mare a Conservatorului pentru Virtuozii din Moscova a fost de scurtă durată: a spune că orchestra a fost populară nu este suficient, doar superlativele sunt potrivite aici. Urmând exemplul festivalului său de la Colmar, Franța, a organizat un festival la Moscova, unde invită vedete mondiale. Pe lângă forțele creative, a apărut o altă linie - caritatea; Fundația Spivakov știe să găsească și să susțină talentul, iar burserii concurează doar cu ei înșiși (unul dintre primii a fost Evgeniy Kissin).

În anii 2000, Vladimir Teodorovich a creat un alt grup - Orchestra Filarmonică Națională a Rusiei. Are sediul la Casa Internațională de Muzică din Moscova, al cărei președinte este Vladimir Spivakov.

Yuri Bashmet. Foto: Valentin Baranovsky / TASS

Yuri Bashmet

Iată un bărbat cu un destin fericit. El, la fel ca Yuri Gagarin, este primul. Bineînțeles, nu este condus cu o limuzină deschisă pe străzile capitalei noastre și pe toate celelalte capitale ale lumii, iar străzile și piețele nu poartă numele lui. Cu toate acestea... Școlile de muzică poartă numele lui, iar fanii entuziaști din întreaga lume au pus probabil un milion la picioarele lui trandafiri rosii- sau chiar mai mult.

Știa când era în centrul Lvivului scoala de Muzica transferat de la vioară la violă, ce va glorifica acest instrument considerat până acum nepretențios? Și totul este vina Beatles-ului. Putem spune că au dat lumii atât viola, cât și Bashmet. Ca orice adolescent, s-a lăsat dus de cap – atât de mult încât și-a pus propriul grup și a cântat în vacanțe în secret de la părinți. Și apoi nu știa cum să recunoască că avea ascunse un teanc de bancnote mari, în timp ce mama cheltuia una într-o lună.

După Școala Centrală de Muzică din Lviv, a intrat la Conservatorul din Moscova, a mers la prima competiție străină - a vizat direct prestigiosul ARD din München (și nu au existat altele la violă) și a câștigat! Crezi că aici a început cariera lui? Doar nu acasă. A cântat solo în Sala Mare a Conservatorului când viola lui fusese deja interpretată la New York, Tokyo și pe scenele europene. La Moscova au respectat lanțul de comandă: „Cum vă putem oferi o sală când avem oameni onorați și populari în personalul nostru?” (Nu conta că erau membri ai orchestrei.)

Nu vrei să lansezi cu programe solo? Voi crea o orchestră. Fanii și fanii au călătorit în toată Rusia pentru a urmări Soliştii din Moscova; a fost una dintre cele mai bune orchestre de cameră din URSS. Și apoi sunetul violei a fost auzit de compozitori care, printr-un fericit accident (secolul XX!), căutau noi mijloace de exprimare. Au creat un idol pentru ei înșiși și pentru public și au început să scrie din ce în ce mai multe opere pentru violă. Astăzi, numărul lucrărilor dedicate lui se ridică la zeci, iar pasiunea compozitorului nu se oprește: toată lumea vrea să scrie pentru Bashmet.

Yuri Bashmet conduce astăzi două orchestre (Solisti din Moscova și Noua Rusie"), conduce mai multe festivaluri (cel mai faimos dintre ele este Festivalul de iarnă de la Soci), dedică mult timp lucrului cu copiii: organizând cursuri de master și lucrând cu o orchestră simfonică de tineret, unde, desigur, cel mai bun cel mai bun joc.

Yuri Temirkanov. Foto: Alexander Kurov / TASS

Yuri Temirkanov

Serghei Prokofiev a ghicit asta un baietel, fiul șefului Comitetului pentru Arte din Kabardino-Balkaria (a avut grijă de „petrecerea de aterizare” muzicală de la Moscova în timpul evacuării), va deveni unul dintre cei mai buni dirijori din lume? Și, în plus, un admirator pasionat al muzicii proprie a lui Prokofiev: Yuri Temirkanov nu numai că a interpretat celebrele partituri ale compozitorului, ci și a reînviat pe cele uitate. Interpretările sale ale simfoniilor lui Șostakovici sau ale operelor lui Ceaikovski sunt considerate standard și sunt orientate spre acestea. Orchestra sa - cu un nume lung, care în limbajul comun s-a transformat în „Meritul” (din ansamblul onorat al Rusiei - Orchestra Simfonică Academică a Filarmonicii din Sankt Petersburg numită după D. D. Şostakovici) - a fost inclusă în clasamentul celor mai bune orchestre. în lume.

La vârsta de 13 ani, Temirkanov a venit la Leningrad și și-a dat sorțul cu acest oraș. Școala Centrală de Muzică de la Conservator, conservatorul propriu-zis, mai întâi departamentul de orchestră, apoi departamentul de dirijor, cu legendarul Ilya Musin. Cariera sa s-a dezvoltat rapid: după conservator, a debutat la Maly operă(Mikhailovsky), pe anul urmator a câștigat competiția și a plecat în turneu - în America - cu Kirill Kondrashin și David Oistrakh. Apoi a condus Orchestra Filarmonicii din Leningrad și în 1976 a devenit dirijorul șef al Teatrului Kirov. Unde a creat acele interpretări standard ale operelor lui Ceaikovski și a pus în scenă una dintre ele - „Regina de pică” - el însuși. Valery Gergiev, apropo, a restaurat recent această producție și a returnat-o pe scena Mariinsky. În 1988, acesta este un subiect de mândrie specială pentru dirijor: a fost ales - și nu numit „de sus”! - dirijorul principal al acestui „Merit”, apoi director artistic al Filarmonicii din Sankt Petersburg.

Algis Juraitis. Foto: Kosinets Alexander / TASS

Algis Juraitis

Artistul popular al Rusiei, laureat al Premiului de Stat al URSS Algis Zhuraitis a trăit 70 de ani și a lucrat pentru 28 dintre ei cel mai bun teatru tara mare- Mare. Originar din Lituania, a absolvit Conservatorul din Vilnius (și mai târziu a primit o altă educație la Conservatorul din Moscova) și a debutat la Teatrul de Operă și Balet Lituanian. Dirijorul talentat a fost remarcat rapid în capitală - iar Zhuraitis a primit un loc la Moscova: mai întâi a fost dirijor asistent al Orchestrei Simfonice Bolșoi a Radio All-Union, apoi dirijor al Concertului Moscovei și, în cele din urmă, în 1960 a încheiat sus la Teatrul Bolshoi.

Zyuraitis a devenit celebru pentru munca sa cu Yuri Grigorovici: celebrul coregraf a produs majoritatea spectacolelor de la Bolshoi cu Zhiuraitis, inclusiv legendarul „Spartacus”.

Dirijorul și-a câștigat faima scandaloasă din articolul său din ziarul Pravda, dedicat spectacolului experimental de Alfred Schnittke și Yuri Lyubimov. dama de pică„: ca urmare a publicării, producția nu a primit premieră și a fost interzisă. Mult mai târziu, în interviurile sale, Schnittke a sugerat că secretarul Comitetului Central pentru ideologie al PCUS, Mihail Suslov, cunoscut pentru intrigile sale iscusite, a fost în spatele apariției acestei publicații.

În ultimii 20 de ani, dirijorul a fost căsătorit cu cântăreața Elena Obraztsova. „Într-o clipă m-am îndrăgostit de Algis Juraitis. Nu înțeleg cum s-a întâmplat asta - într-o secundă! Ne întorceam dintr-un turneu și am ajuns în același compartiment... Nu au fost provocări de nicio parte. Ne-am așezat și am vorbit. Și deodată o scânteie a izbucnit între noi! Și nu mai puteam trăi fără el.”

Orchestra simfonica. Conductor

Imaginați-vă că vii într-o sală de concerte. Pe scenă există o „societate” neobișnuită - suporturi de muzică, scaune și instrumente muzicale pe ele. Apoi au ieșit pe scenă oamenii îmbrăcați de parcă ar merge la bal: bărbați în frac negru, doamne în rochii frumoase. Ne-am așezat, ne-am luat instrumentele în mâini și deodată a început ceva de neimaginat!

Haos de sunete! Zgomot teribil! Aceștia sunt muzicienii care verifică acordarea instrumentelor lor. Și apoi un alt bărbat în frac cu o baghetă în mâini a intrat pe scenă, ne-a întors spatele, și-a fluturat bagheta magică și... s-a întâmplat un miracol - a început să sune MUZICA. Cântă o orchestră simfonică.

Auz: I. Strauss (fiu). Valsul „Poveștile Pădurilor Vienei”.

Minunatul poet Yuri Davydovich Levitansky are o poezie „Muzică”:

Există ceva atât de nepământesc în muzică,
Indiferent cât de tristețe se naște aici,
Care nici vioară, nici pian
Ei nu pot să-l cufunde până în jos.

Și coarda harpei care sună dulce
Sau țevile tremurătoare ale unei orgi
Sunt prea nepoliticoși pentru acea tristețe,
Pentru acea nemăsurată întristare nepământească.

Dar apoi au venit împreună, unindu-se
Pentru comunitatea puternică a orchestrei...

Aici vom întrerupe poezia, vom asculta tăcerea și vom încerca să auzim orchestra din interiorul nostru, culorile ei sonore, respirația sa puternică care ne poartă departe.

...Acolo, acolo, mai sus și mai repede,
unde fugă înstelată...
Sufla un viscol. Viscolul năvălește...

Ascultare: L. Beethoven. "Oda Bucuriei" Finala Simfoniei nr. 9.

Da, orchestra este cel mai puternic, cel mai magic „instrument” muzical. Și vom dezvălui puțin secretul acestei magii, aruncați o privire la „dispozitivul” care a evoluat de-a lungul secolelor din acest „instrument”.

În Grecia Antică, verbul „orheo” însemna „dans”, iar grecii numeau orchestră o platformă semicirculară în fața scenei, pe care corul, participant la fiecare piesă antică, își cânta rolul, făcând mișcări ritmice.

Au trecut secole, o mare civilizație a pierit, dar acest cuvânt rămâne de trăit. Zeci de secole mai târziu, acesta a fost numele pentru camera din teatrul în care se aflau muzicienii, iar mai târziu pentru ansamblul însuși. instrumente muzicaleși interpreții de pe ele. Aceste ansambluri prezentau o mare varietate de instrumente.

Ascultare: Francesco da Milano. "Canzona"

Astăzi ne este greu să ne imaginăm că a fost o perioadă în care orchestra simfonică arăta cu totul diferit. El este de fapt destul de tânăr. În epoca în care trăiau marii artiști Michelangelo și Titian, nu exista deloc orchestră. Pe vremea lui Shakespeare era la început.

Ascultare: F. Liszt. „Vise de dragoste”

Desigur, s-ar putea să vă întrebați: oamenii nu s-au adunat la acel moment pentru a cânta muzică sau pentru a asculta muzică? Desigur, se adună din cele mai vechi timpuri.

Istoricul Josephus a descris un festival religios magnific în Palestina în secolul I. n. î.Hr., care a implicat douăzeci de mii de cântăreți, douăzeci de mii de trompetări, patruzeci de mii de harpiști și patruzeci de mii de cântători de sistru (un instrument asemănător unui zdrăngănitor). Ce orchestră colosală este asta.

Și un alt incident comic a fost descris de istoricul grec Polybius. În secolul al III-lea. î.Hr e. treisprezece flautişti greci au venit la Roma pentru a-şi arăta arta. Dar publicul roman nu avea experiență în acest gen de muzică, iar pentru a se distra, i-au obligat pe muzicieni... să se bată între ei. Dar să revenim la orchestra noastră.

Istoria orchestrei simfonice datează de la începutul secolelor XVI-XVII, când au apărut noi genuri de muzică, precum opera, oratoriul și altele. Orchestra a servit apoi drept acompaniament. Acesta includea adesea instrumente antice, cum ar fi lăuta și viola. Pentru a încânta urechile aristocraților, la curțile regale au început să se formeze orchestre, constând adesea doar din instrumente cu coarde. Numele lor au vorbit de la sine. De exemplu, în Franța o astfel de orchestră a fost numită „24 de viori ale regelui”.

Din prima jumătate a secolului XVIII V. Compoziția orchestrei depindea de locul unde era interpretată muzica și de ascultătorii acesteia. Cel mai adesea, aristocrații bogați dețineau orchestre. Numărul muzicienilor și compoziția instrumentelor depindeau de gustul și conținutul portofelului proprietarului. De obicei, compoziția unei orchestre clasice timpurii a fost redusă la doi oboi, două corni și coarde. Dacă numărul de coarde depășea douăsprezece instrumente, orchestra era considerată mare.

Ascultare: J. Haydn. "Serenadă".

LA sfârşitul secolului XVIII V. S-a format o așa-zisă orchestră mică: vreo treizeci de instrumente cu coarde, două flaute, doi oboi, două sau trei corni și timpani. J. Haydn și W. Mozart au scris pentru o astfel de compoziție. Și numai în opera lui Beethoven (1770-1827) a luat contur compoziția „clasică” a orchestrei. Dar era și diferit de cel modern. Abia în epoca romantismului, orchestra a inclus multe instrumente de suflat și secțiunea de coarde a fost extinsă.

De-a lungul mai multor secole, practica muzicală a dezvoltat mai multe tipuri de orchestră simfonică.

În primul rând, orchestra de concerte. Este situat pe o scenă înălțată din sală, iar noi, așezați pe locurile noastre, vedem constant atât orchestra, cât și dirijorul.

În al doilea rând, orchestra de operă. Este conceput pentru interpretarea muzicii de operă și balet. Pentru a nu bloca artiștii pe scenă, această orchestră este așezată într-o nișă specială - groapa orchestrei. Vedeți, orchestra de operă „stă în groapă”!

În zilele noastre există și orchestre de radio, televiziune și film. Cel mai adesea, ele nu ne sunt vizibile, deoarece sunt situate în studiouri speciale, uneori la mii de kilometri distanță.

Aranjamentul instrumentelor de orchestra

Oriunde lucrează orchestra, structura ei este aceeași.

Crezi că contează modul în care muzicienii sunt așezați într-o orchestră? Desigur, muzicienii nu stau așa cum și-au dorit, ci într-o ordine strictă. Din experiența a zeci de dirijori și orchestre, a devenit clar că muzicienii pot vedea clar bagheta dirijorului dacă sunt poziționați în formă de evantai și dirijorul este în centru.

Experiența a arătat că toate instrumentele omogene trebuie colectate împreună. Acest lucru le permite muzicienilor să se audă mai bine reciproc când cântă împreună. Sunetul uniform al întregii orchestre este foarte important. Ce s-ar întâmpla dacă ar fi trâmbițe și tromboane în față și viori în spatele scenei? Instrumentele de alamă ar îneca sunetul corzilor. Prin urmare, în față vedem instrumente cu o voce mai liniștită.

Așa că am spus din nou acest cuvânt - DIRIJOR. Cine este aceasta? Cu cât timp în urmă a apărut arta dirijorului, care sunt trăsăturile și secretele ei? Vom încerca acum să răspundem la aceste întrebări.

Să ne întoarcem la trecutul îndepărtat. Întregul trib s-a adunat în jurul focului pentru a sărbători o vânătoare reușită. Bărbații execută un dans ritual. În fruntea dansatorilor se află liderul tribului. Cu mișcările corpului său, el stabilește ritmul dansatorilor și muzicienilor care cântă la flaut, scoici și tobe. Fiecare gest al corpului liderului este de înțeles pentru toată lumea simbol, sugerând care ar trebui să fie continuarea dansului.

Probabil așa au arătat primele scene de dirijor. De la ei a venit tradiția: în fruntea unui grup de muzicieni sau cântăreți ar trebui să existe o persoană căreia îi raportează toată lumea - un dirijor.

Acum să încercăm să ne transportăm mental la Grecia antică, într-un uriaș teatru deschis unde s-au adunat zeci de mii de spectatori.

Figura principală în teatrul antic grec a fost luminatorul. El a condus corul - acesta era numele la acea vreme pentru un grup de actori care trebuiau să cânte, să danseze și să interpreteze pantomime. Muzicienii, care au însoțit spectacolul cântând la diverse instrumente, au ascultat și ei de gesturile luminatorului.

Deși luminarii au bătut ritmul cerut cu lovituri de talpă legată de fier, principalul instrument de conducere au fost mâinile lor. Atunci a apărut sistemul de conducere care a supraviețuit până în zilele noastre, numit cheironomie.

Pentru a conduce un grup muzical mare, ai nevoie de un dirijor (director francez - a conduce, a regiza, a conduce). Dirijorii există în muzică de foarte mult timp. În Evul Mediu erau numiți diferit - maeștri, proctori, cantori. Un toiag greu, decorat cu pricepere, a servit drept simbol al poziției lor înalte. În timpul slujbei, dirijorul bisericii îl așeza de obicei în cel mai vizibil loc. La sfârșitul Evului Mediu, această baghetă s-a transformat într-un asistent important al dirijorului - o trambulină, un prototip al baghetei dirijorului. Adevărat, nu semăna prea mult cu un băț - era un băț uriaș, lung de aproximativ un metru.

La început, folosind o trambulină, așa cum făceau muzicienii primitivi, numărau ritmul cu lovituri. Dar o astfel de conducere „zgomotoasă” interfera adesea cu ascultarea muzicii. Timpul a trecut, iar unii dirijori, dorind să evite conducerea „zgomotoasă”, au început să folosească obiecte „liniștite” în locul trambulinelor: partituri rulate sau chiar o batistă.

A fost o vreme când dirijorul conducea orchestra în timp ce cânta la vioară sau la clavecin. Această metodă a fost preferată de I.S. Bach. A venit însă momentul în care componența orchestrei a crescut atât de mult încât, cântând singur, a devenit imposibil să conduci un grup atât de mare.

Și la începutul secolului al XIX-lea. a apărut un concept de dirijor apropiat de al nostru. Dar la vremea aceea încă se confrunta cu publicul, deoarece se considera indecent să-i întoarcă spatele. Prin urmare, a stat cu spatele la orchestră și a condus-o fără să-i vadă pe muzicieni. Acest lucru, desigur, era incomod. O revoluție în această chestiune a făcut-o F. Mendelssohn și R. Wagner, care pentru prima dată au decis să se întoarcă spre orchestra în timpul unui concert.

La începutul secolului al XIX-lea. compozitorii și dirijorii K. M. Weber și L. Spohr au fost primii care au folosit o baghetă mică pentru dirijat. De atunci, ea a devenit asistenta fidelă a dirijorului.

Într-o zi, compozitorul rus A. Glazunov a venit în Anglia, unde trebuia să conducă o orchestră. Nu a stiut în limba engleză, așa că am învățat o singură frază: „Domnilor, vă rog să jucați ceea ce desenez cu capătul bățului meu”.

Ascultare: W. Mozart. Simfonia nr. 40 (fragment).

Una dintre sarcinile principale ale dirijorului este de a forța întreaga orchestră să cânte strict ritmic și armonios. Este destul de dificil. Imaginați-vă că dirijorul le-a arătat muzicienilor prima bătaie a măsurii, adică și-a fluturat bagheta exact când muzica ar trebui să sune deja. Dar unii dintre orchestrei trebuie să ia aer în plămâni, unii trebuie să ridice arcul, adică toată lumea trebuie să se pregătească să înceapă împreună. Prin urmare, dirijorul dă o comandă în avans - „auftakt”. El este cel care sta la baza conducerii.

Dar dirijorul nu numai că se asigură că toată lumea cântă în armonie. El învață piesa împreună cu interpreții, arată introducerea tuturor instrumentelor, fie că ar trebui să cânte rapid sau încet, tare sau liniștit.

Sarcina principală a dirijorului este să transmită cât mai deplin posibil intenția autorului. Pentru a face acest lucru, el trebuie să aibă o ureche ascuțită și o imaginație creativă enormă și să fie o persoană bine educată. Numai dacă posedă aceste calități, dacă are dragoste pentru arta sa, va subjuga orchestra și, împreună cu aceasta, va oferi ascultătorilor marea bucurie pe care o aduce muzica.

Ascultare: P. Ceaikovski. Concertul pentru pian și orchestră nr. 1 (fragment).

Și din nou îmi amintesc cuvintele lui Yu. Bashmet: „Trebuie să fii om puternic pentru a nu avea nevoie de sprijin, pentru a nu depinde de alții. Conduce fără îndoială că te vor urma. Cu alte cuvinte, dirijorul trebuie să aibă carisma ( charisma - darul lui Dumnezeu, har, farmec; capacitatea de a conduce tu) atât pentru membrii orchestrei, cât și pentru ascultătorii lor.”

Rolul dirijorului în orchestră este descris foarte precis în poemul „Dirijor” de V. Soloukhin.

Am ascultat muzica, urmând dirijorul.
Muzicieni stăteau în jurul lui,
Fiecare are un instrument special
O sută de mii de sunete, un milion de nuanțe!

Și el este singur, falnic deasupra lor,
Cu mișcarea unui baston, sprâncenelor, buzelor și corpului,
Și cu o privire, acum implorând, acum crud,
Aceste sunete din tăcere au fost numite...

Apoi viorile încep să curgă brusc, apoi este alarmant
Violoncelul va începe să domine.
Acele piane sunt fântâni puternice
Ei vor lovi în sus, și vor urca și vor urca,

Și în înălțimile inaccesibile, instabile
Se vor sfărâma în stropi și bucăți de gheață,
Pentru a îngheța în liniște cu un sunet ușor...
Totul este corect. Păstrați elementele la picioare

Și există artă.
Bravo, dirijor!

Un dirijor este necesar în orice orchestră. Și fiecare dintre ei va răspunde în felul său la mișcarea dirijorului. " Orchestra de cameră, la fel ca o mașină Porsche, este capabilă să reacționeze rapid. Și o orchestră simfonică de primă clasă este ca un Rolls-Royce: nu se poate întoarce la fel de repede, dar este uimitor să conduci.” ( YU. Bashmet. Stația de vis).

Răspunde la întrebările:

1. Ce este o orchestră și când a apărut pentru prima dată acest cuvânt?
2. Când s-a născut orchestra simfonică și cu ce este legată?
3. Pentru ce compoziție au scris Haydn și Mozart?
4. În opera cărui compozitor a apărut compoziția clasică a orchestrei?
5. Cum sunt aranjate instrumentele unei orchestre simfonice?
6. Alegeți răspunsul corect la întrebarea: „Cine conduce orchestra?” - violonist, trompetist, organist, dirijor, contrabasist.

Prezentare

Inclus:
1. Prezentare - 21 diapozitive, ppsx;
2. Sunete ale muzicii:
Strauss (fiul). Valsul „Poveștile Pădurilor Vienei”
Beethoven. "Oda Bucuriei" Finala Simfoniei nr. 9
Francesco da Milano. "Canzona"
Foaie. „Vise de dragoste”
Haydn. "Serenadă"
Mozart. Simfonia nr. 40 (fragment)
Ceaikovski. Concertul pentru pian și orchestră nr. 1 (fragment)
3. Articol însoțitor, docx.

Referinte:
M. Shornikova. Literatura muzicala. Muzica, formele și genurile sale;
A. Frolov. Literatura muzicala. Secretele limbajului muzical.

Mulți oameni nu înțeleg de ce o orchestră are nevoie de un dirijor dacă toți muzicienii au partituri.

Când a avut orchestra dirijor?

Comunitățile de muzicieni care cântă cutare sau cutare muzică sunt cunoscute încă din cele mai vechi timpuri și, desigur, aceste ansambluri aveau adesea propriii lor lideri formali sau informali.

Pe basoreliefurile egiptene sunt imagini ale unui bărbat cu un toiag în mână, care conduce muzicienii, iar în Grecia Antică, conducătorii de cor (luminari) bateau ritmul folosind o sandală specială cu toc de fier.

Și cu cât orchestrele deveneau mai mari (în Evul Mediu și Renaștere erau numite capele, cuvântul „orchestră” s-a răspândit mai târziu), cu atât mai complexă practica jocului orchestral, cu atât figura unui controlor de trafic s-a dovedit a fi mai necesară. - o persoană care bate ritmul și se asigură că toată lumea joacă coordonat și intrat la timp. Anterior, acest lucru se făcea folosind un baston masiv „battuta”, care a fost lovit pe podea - cele mai vechi imagini ale acestui proces datează din secolul al XV-lea.

Aceasta a fost o chestiune destul de dificilă și nu întotdeauna sigură - marele compozitor francez Jean-Baptiste Lully (1632-1687) și-a rănit piciorul cu vârful unui astfel de baston și a murit de cangrenă.

Compozitorii care au interpretat propria lor muzică cu capele au fost adesea primii dirijori. Ar putea să bată un ritm cu picioarele sau să fluture o partitură ca Bach. Adesea această funcție era îndeplinită de clavecinisti sau primii violoniști, care dădeau semnale prin balansarea arcului.

S-a întâmplat să fie mai mulți dirijori - în operă, directorul de cor putea controla cântăreții, iar acompanitorul putea controla orchestra. Este important că aproape întotdeauna dirijorul a fost și muzician - cânta sau cânta.

Acompaniatorii cântau prima parte de vioară și dădeau semnale celorlalți muzicieni cu ochi și cap, sau, întrerupând jocul, băteau în ritm cu o plecăciune.

Cum au luat ștafeta în mână?

Chestiune de întâmplare. În esență, bastonul a fost un înlocuitor pentru arcul deja familiar sau pergamentul muzical.

Dirijorii au început să folosească bagheta la începutul secolului al XIX-lea și, judecând după descrieri, aceste bastoane au fost la început destul de grele. Secolul al XIX-lea a devenit secolul nașterii dirijorilor ca profesie separată - ei s-au despărțit în cele din urmă de orchestre, s-au ocupat exclusiv de dirijor, s-au ridicat pe înălțimi speciale și, ceea ce era deosebit de neobișnuit, au întors spatele publicului.

Primul care a făcut acest lucru a fost fie Hector Berlioz, fie Richard Wagner - nu se știe sigur cine a preluat conducerea. Pentru orchestra simfonică incredibil de extinsă și complicată a secolului al XIX-lea, numărul de participanți la care se putea număra sute, era vital un regulator uman special - nu mai avea ocazia să cânte ceva în paralel cu dirijorul.

Figura dirijorului, desigur, a fost, de asemenea, un produs al tradiției romantice - doar în ea ar putea exista organic silueta neagră a unui geniu singuratic deasupra mulțimii, care cu o singură mișcare a mâinii controlează incredibila masă a sunetului și emoțiile ascultătorilor.

Adică este nevoie de un dirijor în primul rând pentru a stabili ritmul corect?

Cel puțin, stabilirea unui ritm și semnalarea cine intervine în ce moment este cu adevărat importantă.

Muzicienii, desigur, pot urmări ei înșiși ceea ce se întâmplă din note, numără bare și ascultă colegii, dar acest lucru nu este întotdeauna ușor și în mare parte Orchestra simfonica muzicienii pur și simplu nu pot auzi toate părțile. Cu toate acestea, sarcinile dirijorului, desigur, nu se limitează la asta: el este responsabil pentru toți parametrii performanței, pentru a se asigura că totul este unit de un singur tempo și dispoziție.

Și pentru interpretare - la urma urmei, aceeași compoziție poate fi interpretată în moduri complet diferite. La viteze diferite, punând accente diferite, interpretând diferit stările de spirit ale unităților, acordând o atenție diferită petrecerilor.

Așa face dirijorul în timpul repetițiilor, analizând, uneori foarte meticulos, partiturile cu muzicienii până când se mulțumește cu sunetul și sensul general al compoziției.

Acest lucru este deosebit de important atunci când tradiția interpretării este întreruptă - lucrările multor mari compozitori din secolele al XVII-lea și al XVIII-lea nu au fost interpretate pentru o lungă perioadă de timp și putem doar ghici cum au sunat în timpul vieții lor.

Dacă un compozitor modern poate parcurge toată partitura împreună cu dirijorul, explicând exact cum ar trebui interpretată compoziția sa (deși și aici dirijorul are drept de vot și liber arbitru), și, să zicem, la Viena mai sunt în viață muzicieni care studiat cu oamenii care au cântat valsurile lui Johannes Strauss sub îndrumarea lui Strauss însuși, atunci nu există un răspuns clar la întrebarea „Cum să cântați corect lucrările lui Bach, Vivaldi sau Lully”.

Notele acelei vremuri sunt extrem de rare în explicațiile lor, iar multe detalii neindicate în note, dar evidente pentru muzicienii din acea vreme, pot fi pierdute pentru totdeauna. În acest caz, este imposibil să „cantezi notele” pur și simplu: problema descifrării unei partituri baroc este asemănătoare unei povești detective muzicologice complexe.

Este suficient să citești orice carte pentru a fi convins de acest lucru - de fapt, el spune că trebuie să studiezi toate sursele cunoscute din acea vreme și apoi, ținând cont și ignorând simultan ceea ce este scris în note, să încerci să înțelegi nu litera, ci spiritul lucrării.

„Numai cel care găsește intenția compozitorului în note și interpretează aceste note în conformitate cu aceasta va fi fidel operei în adevăratul sens al cuvântului. Dacă un compozitor scrie o notă întreagă, adică o notă a șaisprezecea, atunci cel care cântă nota a șaisprezecea, și nu cel care cântă întreaga notă, va rămâne fidel nu notelor, ci operei.”

Harnoncourt scrie.

Adică, sunetul aceleiași compoziții depinde de cine conduce?

Exact. Doi dirijori diferiți pot interpreta aceeași simfonie foarte similar (deși niciodată identic) sau o pot interpreta complet diferit.

Iată un videoclip foarte elocvent din proiectul Arzamas: ce se întâmplă cu faimosul „Ta-ta-ta-ta” al lui Beethoven în mâinile principalilor dirijori ai lumii.

Un alt exemplu: aceeași lucrare a lui Bach, dirijată de Karl Richter:

Și Nicolas Harnoncourt:

Dirijorii sunt întotdeauna tirani groaznici?

Nu este necesar. Dar această lucrare nu este ușoară și responsabilă și nu poate fi făcută fără o oarecare presiune și determinare, iar în relația dintre dirijor și orchestră nu este greu să vedem o metaforă a relației dintre domnitor și mulțime („Fellini „ Orchestra Rehearsal” este construit aproape în întregime pe ea).

În secolul al XX-lea, mulți dirijori nu au scăpat de tentația de a-și gestiona orchestrele bazându-se pe dictatură, presiune și o atmosferă de frică. Marii dirijori ai secolului - Herbert von Karajan, Wilhelm Furtwängler, Arturo Toscanini - au fost oameni cu care muzicienii își amintesc că au lucrat cu groază sacră.