Je vais continuer mon show du British Museum, arrachant pour vous ses meilleures expositions... La prochaine représentation est mon art égyptien préféré. Alors....
Salle №4-Sculpture égyptienne
Les plus visitées et les plus populaires sont les salles de l'Égypte ancienne. Il y a toujours foule de monde ici. Et ce n'est pas surprenant - si vous êtes déjà arrivé au British Museum, comment rater l'occasion de voir de vos propres yeux les momies des pharaons et leurs sarcophages ? Il est également intéressant de voir des peintures murales de 1350 av. J.-C. illustrant la vie des riches Égyptiens de cette époque, une collection d'amulettes et de bijoux, des momies de chats et d'autres animaux.
Il y a toujours du monde ici, c'est bien que les sculptures soient assez grandes et regardent endormies les foules de touristes du fond des siècles. Je ne parlerai pas beaucoup, je me concentrerai sur certaines expositions ... significatives
La collection égyptienne antique du musée est l'une des plus importantes au monde (plus de 66 000 pièces). Couvre chronologiquement la période IV-III millénaire av. jusqu'au 7ème siècle La section la plus riche est la sculpture monumentale du Nouvel Empire (XVI-XI siècles avant JC): Tête en granit de Thoutmès III, deux figures d'Amenhotep III en granit noir, une énorme tête de sa statue (vers 1400 avant JC), Sculpture de Pharaon Ramsès II (vers 1250 av. J.-C.), sarcophages en pierre, statues de dieux.
Une centaine de sarcophages en bois, des momies bien conservées, dont des momies d'animaux sacrés, des tissus coptes et des "portraits du Fayoum" (I-IV siècles) y sont également exposés. La collection contient 31 portraits : Sarcophage avec un portrait d'Artémidore du Fayoum (début du IIe siècle), "Portrait d'une jeune femme d'Er-Rubaiyat" (IIe siècle), "Portrait d'un homme de Khawara" (début du 2ème siècle).
À l'entrée de l'une des salles, la pierre de Rosette (vers 196 av. J.-C.) est exposée, avec le texte d'un décret en l'honneur du roi Ptolémée V. Une dalle de basalte noir a été trouvée en 1799 par des soldats français près de la ville de Rosette. Grâce à l'inscription, répéter le texte deux fois divers systèmes Ecriture égyptienne et traduction en grec, Jean-François Champollion (1790-1832) déchiffre les hiéroglyphes égyptiens en 1822.
La collection égyptienne du musée contient des papyrus (environ 800 documents), faisant connaître au monde des œuvres littéraires, des œuvres théologiques, des hymnes et des mythes religieux, des traités scientifiques, des archives d'événements historiques, ainsi que de la correspondance commerciale et personnelle, des documents juridiques. Le musée conserve les soi-disant "Livres des morts" - un ensemble de sorts magiques, qui comprenait plus de 180 chapitres. Les meilleurs échantillons étaient décorés de dessins, de coiffes, de miniatures : "Le Livre des morts" de la prêtresse Ankhai (vers 1100 avant JC), "Le Livre des morts" de Hunefer (vers 1300 avant JC).
Cette section présente des objets artisanaux, des céramiques, des vases en verre et en faïence, des bijoux, des scarabées, des peintures prélevées sur les murs des tombes thébaines et réalisées selon la technique de la détrempe (XVe siècle avant JC): "Paysans aux oies", "Chasse aux oiseaux aquatiques", " Chanteurs et danseurs", etc. - tous remontent à 1425-1379 av.
Rois, reines, leurs enfants de différents royaumes et aussi bas-reliefs et peintures murales de tombes
Ahmenotep et le vizir de Memphis
Et ces oiseaux sont le prototype de la divinité Horus
Liste des rois d'Abydos
Pierre de Rosette Egypte ancienne. 196 avant JC e. Basalte (?). 11 2.3x75.7x28.4
Sur la célèbre pierre de Rosette, il y a des inscriptions en trois langues, le contenu du texte est le décret de Ptolémée V Épiphane, qui exemptait les prêtres égyptiens du paiement d'une des taxes et instituait le culte du roi dans le temple de Memphis. La répétition du décret dans la langue des rois de l'Égypte hellénistique (grec), folklorique familière (démotique) et hiéroglyphique (la langue des prêtres) était nécessaire, car le décret s'appliquait à tout le monde. La partie supérieure de la dalle n'a pas été conservée et plusieurs lignes hiéroglyphiques ont également disparu.
Les inscriptions, inscrites sur une dalle supposée de basalte sombre, ont été découvertes en 1799 par l'ingénieur Pierre-François Bouchard, qui, pendant la campagne d'Égypte de Napoléon Bonaparte, creusait des tranchées près de la ville de Rosette. Après la défaite du corps expéditionnaire français sur le Nil et la reddition d'Alexandrie, la pierre de Rosette, conformément à l'article XVI du traité d'Alexandrie, est allée en Angleterre et s'est retrouvée à la place du Louvre au British Museum.
L'égyptologie commence par le déchiffrement de ces inscriptions. La comparaison d'un même texte, écrit dans différentes langues, a permis aux spécialistes de comprendre les hiéroglyphes égyptiens antiques jusqu'alors illisibles. Il n'a été possible de trouver la clé des écrits que 20 ans après la découverte de la pierre de Rosette par deux scientifiques à la fois - l'Anglais Thomas Jung (1819) et, indépendamment de lui, le Français Jean-François Champollion (1822), qui a réussi à établir la prononciation de chaque hiéroglyphe dans le cartouche (un contour oblong avec une ligne horizontale en bas, indiquant que le texte qui y est écrit est le nom royal) "Ptolémée" et à le lire dans les trois langues. Puis, s'appuyant sur la connaissance des langues copte et grecque, il déchiffra les signes inconnus restants de l'inscription.
Sarcophage
Homme avec une houe L'Égypte ancienne. VIe dynastie, vers 2250 av. e. Bois, peintures minérales. Hauteur 33
Des figurines en bois d'agriculteurs, de boulangers, de potiers, de tisserands ont été trouvées dans de nombreuses tombes de l'Ancien et du Moyen Empire. Les anciens Egyptiens croyaient que la vie d'une personne après la mort serait similaire à la vie terrestre - il faudrait boire, manger et s'habiller. Par conséquent, le pharaon se rendant au "pays des bienheureux" avait besoin de nombreux serviteurs. Dans d'autres pays (par exemple, en Mésopotamie), à des fins similaires, les esclaves du souverain décédé ont été tués. Dans l'Egypte ancienne, ils agissaient avec beaucoup plus de miséricorde : au lieu de vraies personnes, leurs images étaient laissées dans la "maison éternelle" du roi. Les Égyptiens croyaient qu'après la mort, une personne, comme dans la vie, aura surtout besoin de pain, respectivement, le travail des agriculteurs et des boulangers deviendra le plus important.
Des figurines représentant ces types de travaux ont été trouvées dans les tombes de nombreux pharaons. La sculpture miniature représente un homme avec une houe dans les mains. Briser les mottes qui restaient après la culture de la terre avec une charrue est une tâche très difficile, mais nécessaire, car elle a fourni une récolte abondante. Le sculpteur a représenté avec précision et réalisme l'outil et la posture du fermier, tout en le représentant lui-même selon les règles conventionnelles du canon: une petite taille et un physique faible sont la preuve d'un statut social bas, et la couleur de la peau rouge-brun est un signe d'appartenance à la sexe masculin.
Groupe sculptural illustrant le travail des boulangers dans l'Égypte ancienne. XIIe dynastie, vers 1900 av. e. Bois, peintures minérales. Hauteur 23, longueur 42,5
L'art égyptien, accomplissant des tâches magiques, était appelé à ne conserver que ce qui comptait pour l'éternité. Une personne occupée par le travail intéresse peu l'artiste, car ce n'est pas lui qui est important, mais son travail, dont dépend le bien-être de l'au-delà du pharaon. Par conséquent, la fiabilité ne se manifeste que dans la représentation des attributs du métier et des gestes des "serviteurs du roi". Le style de ces figurines jusqu'à l'ère du Nouvel Empire a peu changé: chacune d'elles, symbole d'un certain métier, était dotée de traits typiques et mémorables. Parfois, les figurines étaient combinées en groupes représentant des scènes de genre en direct et en direct.
Le travail des boulangers, dont le travail consistant à fournir du pain sur la table du roi, était considéré comme sacré, est représenté de manière très plausible dans une composition sculpturale miniature. Deux employés de la cuisine de la cour s'occupent chacun de leurs propres affaires. L'un pétrit la pâte avec tant de diligence que des rides se forment sur son front à cause de la tension, l'autre, accroupi et protégeant son visage du feu avec sa main, sort les pains finis du four. Le maître a également montré le résultat du travail des boulangers - toute une montagne de pain prêt à l'emploi, conçu pour offrir au propriétaire de la tombe une vie bien nourrie pendant longtemps.
Tête de la statue culte de la déesse Hathor L'Égypte ancienne, Deir el-Bahri. XVIII Dynastie, vers 1450 av. e. Albâtre. Hauteur 34,8, largeur 16,5
Hathor, dont le nom se traduit par "Maison d'Horus", était vénérée par les Égyptiens comme une déesse mère qui portait la divinité suprême dans son ventre. Son image était associée à des idées mythologiques sur la création du monde et le patronage s'étendait à toutes les sphères de la vie terrestre et de l'au-delà. La bienveillance d'Hathor était la garantie d'une vitalité toujours renouvelée. Parmi la population générale, elle était considérée comme une assistante dans les affaires courantes. Dans la sculpture et la peinture de l'Égypte ancienne, la déesse pouvait apparaître comme une belle jeune femme couronnée de cornes de vache avec un disque solaire entre elles. De mon temps ancien royaume(2613-2160 av. J.-C.) Hathor était représentée comme une vache nourrissant le roi. L'animal divin a toujours été doté de symboles solaires : un disque d'or brillait entre les cornes dorées, et les yeux étaient bleu ciel.
Cet aspect ancien du culte d'Hathor a été restauré et renforcé sous le règne d'Hatchepsout. Le seul dans Histoire égyptienne la femme pharaon, qui n'avait officiellement pas droit au trône, ayant déclaré son origine divine, chercha à solliciter l'intercession d'Hathor sous les traits de la «nourricière des rois».
La belle tête de la statue culte de la déesse en forme de vache provient d'un sanctuaire construit à côté du temple funéraire d'Hatchepsout à Deir el-Bahri. La sculpture est faite d'albâtre blanc translucide, symbolisant la pureté et la sainteté de la déesse mère, ainsi que le lait d'une vache céleste, qui donne de l'énergie aux dieux et aux pharaons. Les yeux de la statue, incrustés de lapis-lazuli et de cristal de roche, ainsi que les cornes dorées auxquelles est attaché un disque d'or, n'ont pas été conservés. Cependant, même sans ces précieux attributs, l'image fait une impression vive. L'image semblable à la nature est pleine de gentillesse douce, de calme et de grandeur solennelle. En gardant les traits réalistes, le sculpteur ennoblit l'animal, le transformant en un être supérieur.
Salle 61. Vie et mort en Egypte.
Fresques murales des tombes de Nebamun
Chasse aux oiseaux aquatiques Peinture de la tombe à Thèbes Égypte ancienne. XVIII Dynastie, vers 1350 av. e. Calcaire, peintures minérales. 98x115
La peinture de la tombe de Nebamun, "le scribe qui compte le grain", comprenait plusieurs scènes merveilleuses qui ont capturé pour l'éternité les moments les plus joyeux de sa vie terrestre.
Un des les meilleures compositions représente la chasse aux oiseaux aquatiques dans les fourrés du Nil : le jeune noble Nebamun, debout sur une barque entourée de fleurs et tenant l'appât - trois hérons bleus - s'apprête à lancer un boomerang sur une volée de faisans s'envolant des buissons. Le scribe est accompagné de sa femme et de sa fille. Une belle femme élégamment vêtue, représentée légèrement derrière son mari, tient un grand bouquet de lotus blancs dans ses mains, et une petite fille nue, assise dans un bateau et tenant la jambe de son père, tire une énorme fleur hors de l'eau . Pour souligner la position élevée de Nebamun, l'artiste a considérablement augmenté la taille de sa silhouette.
Les images de personnes sont strictement soumises au canon: les visages et les jambes sont représentés de côté, les yeux et les épaules sont frontaux et les corps ont un conditionnel couleur symbolique. Mais l'image même de la chasse, pleine de couleurs vives et de nombreux détails amusants glanés à partir d'observations de la vie, pleines de joie et de mouvement. Des papillons voltigent dans l'air, parmi les oiseaux dérangés on distingue des oies, des canards, des bergeronnettes et un héron assis sur un nid. Le chat sauvage gourmand s'est arrangé et dans un saut a attrapé trois oiseaux à la fois. L'artiste montre même ce qu'une personne ne peut pas voir, par exemple, d'énormes carassins flottant sous l'eau.
Habités par toutes les créatures vivantes, les fourrés du Nil se transforment en un paradis fécond immergé dans les fleurs, où la vie tremble partout et la beauté règne. Les couleurs sonores bleu, or et blanc de la peinture rappellent également la rivière céleste dans la «terre des bienheureux», où les gens peuvent profiter pour toujours, en contemplant le beau. scène de genre est plein de symbolisme profond. La chasse réussie de Nebamun est un signe de sa victoire sur les éléments naturels et la mort, un gage de renaissance dans l'éternité. Un chat rouge, réprimant habilement ses proies, est l'incarnation d'une divinité solaire qui chasse les ténèbres.
Célébration en l'honneur de Nebamun. Chanteurs et danseurs Peinture de la tombe à Thèbes L'Égypte ancienne. XVIII Dynastie, vers 1350 av. e. Calcaire, peintures minérales. 69x30
Dans les peintures décorant les tombes des anciens nobles égyptiens du Nouvel Empire, on trouve souvent des images de fêtes, de dates et de détente dans le jardin. Ces scènes lumineuses de passe-temps oisif remplies de beauté sensuelle devaient être préservées pour toujours, continuant à plaire au défunt.
Dans la tombe de Nebamun, l'artiste a capturé une magnifique célébration. Des invités élégants s'assoient par paires, donnent des instructions aux serviteurs et profitent de la vie. De belles chanteuses chantent pour eux en battant la mesure de leurs paumes, un flûtiste joue, de jeunes danseuses nues dansent. Robes fluides dorées, boucles de perruques luxueuses, colliers précieux et boucles d'oreilles massives, bracelets sur des mains gracieuses et cônes de substances aromatiques couronnant les coiffures, fondant sous les rayons du soleil - le maître capture tous les détails de l'apparence, pas un seul détail de ceux qui créent la beauté échappent à son regard attentif.
Pour souligner la subtilité de la toile de lin, épousant les corps souples, l'artiste rend les tenues translucides. Des lignes chantantes dessinent les figures dansantes, les contours et les visages ciselés. Représentant des filles, l'auteur utilise parfois des angles inhabituels pour l'art égyptien et qui dépassent le canon. La gamme colorée améliore l'ambiance lumineuse de la scène, qui est dominée par le blanc, le jaune et couleurs bleues. L'inscription hiéroglyphique transmet les paroles de la chanson interprétée : « Les fleurs douces sont parfumées, les dons de Ptah, cultivés par Geb, sa beauté se répand partout, Ptah l'a créée pour plaire à son cœur. Les étangs sont à nouveau pleins d'eau, la terre déborde d'amour pour lui.
Salles 62-63
Jugement d'Osiris Dessin du Livre des Morts par Hunifer L'Égypte ancienne. 19e dynastie, vers 1300 av. e. Papyrus. Hauteur 38,5
Le nom provisoire du Livre des Morts a été donné à une vaste collection de textes magiques connus de l'ère du Nouvel Empire. Ils, servant en quelque sorte de guide vers l'au-delà, étaient censés aider une personne à faire face à des créatures démoniaques et, après une issue favorable du jugement d'Osiris, à atteindre le «pays des bienheureux».
Un rouleau de Khunifer a été retrouvé dans sa tombe, à l'intérieur d'une statuette creuse en forme de momie avec les attributs des dieux Osiris et Ptah. Parmi les illustrations les plus intéressantes de ce papyrus figure la scène du jugement dans le royaume des morts. Il montre comment le défunt, accompagné du dieu Anubis, entre dans la salle d'audience et prononce une "confession négative" face aux dieux, arguant qu'il "n'a pas commis de mal, ne s'est pas souillé de mensonges, de vol, de brigandage ou de meurtre". , n'a pas empiété sur les trésors du temple et n'a pas détourné l'eau des champs, ne s'est pas rebellé contre le pharaon, n'a pas offensé les dieux.
La véracité des mots devait être vérifiée, et l'artiste représente des écailles, sur un bol desquelles se trouve le cœur de Hunifer, sur l'autre - une plume, personnifiant la déesse de la vérité, Maat. Anubis surveille les lectures de la balance : si le bol est équilibré, alors le défunt a dit la vérité et a passé le test devant les juges (ses chiffres sont présentés en registre supérieur). Debout à droite de la balance, le dieu à tête d'ibis, Thot, écrit les décisions de la cour. Un monstre à tête de crocodile, Ammamat, le regarde la gueule ouverte, prêt à dévorer celui qui a menti. Mais Hunifer s'est avéré honnête et Horus l'amène sur le trône de son père Osiris, qui est assis sur le trône. Les déesses Isis et Nephthys bénissent celui qui arrive dans le "pays des bienheureux", et le lotus qui pousse de l'eau symbolise sa pureté.
Les dessins, représentant successivement toutes les étapes de la cour de l'au-delà, sont réalisés avec une précision calligraphique et colorés avec de riches couleurs locales, leurs compositions rythmiquement organisées se distinguent par la rigueur et le laconisme.
Ushabti Seti I La partie supérieure de la figurine de la tombe de Seti I L'Égypte ancienne, la Vallée des Rois. 19e dynastie, vers 1290 av. e. Faïence. Hauteur 22,8
Selon les idées des anciens Égyptiens, les ushebti, petites figurines représentant une personne décédée, devaient jouer un rôle important pour assurer son bien-être dans l'au-delà. Ils auraient dû faire le travail le plus dur et le plus sale dans les champs de canne à la place du défunt. On croyait que chaque habitant de l'Egypte après la mort devrait travailler par terre.
Même le pharaon lui-même ne pouvait négliger ce devoir sacré. Pour sauver le souverain d'un destin difficile, plusieurs ouchebtis ont été placés dans sa tombe. Les rites magiques de la cérémonie funéraire étaient censés raviver les figurines et les doter de vitalité. Puisque dans le royaume des morts, les ushebti sont devenus les jumeaux d'une personne, ils ont été faits pour lui ressembler. Les figurines pouvaient représenter le défunt sous la forme d'une momie ou en vêtements ordinaires. Pour renforcer l'efficacité des rituels, chaque figurine doit être inscrite avec un chapitre du Livre des Morts, qui parle de son objectif. Les premiers ushebti remontent au 21ème siècle avant JC. e.
Au début du Nouvel Empire (1550-1070 av. J.-C.), leur nombre augmenta considérablement. Dans une seule tombe de Toutankhamon, plusieurs centaines d'ouchebtis ont été retrouvés. Puis, pour une raison inconnue, les figurines d'ouvriers adjoints ont disparu des sépultures royales, et ce n'est que dans la tombe de Seti I qu'elles ont réapparu.
La plupart des ouchebti de ce pharaon de la 19e dynastie provenant de sa tombe, découverte par Giovanni Belzoni en 1817, furent bientôt fendus. Les visiteurs de la tombe ont mis le feu à des figurines en bois, les utilisant comme lampes. De nombreuses figurines, souvent faites de matériaux bon marché, n'étaient apparemment pas très appréciées. Seuls quelques ouchebtis royaux réussirent à échapper à la destruction barbare, dont ce remarquable spécimen. Il s'agit d'une élégante figurine en faïence, recouverte d'émail bleu brillant et magistralement peinte à la peinture noire. Ushabti a reçu une apparence canonique (c'est ainsi que le pharaon était représenté sur les sarcophages): un masque de portrait est encadré par une coiffe royale avec un cobra uraeus, les bras sont croisés sur sa poitrine. Cependant, au lieu d'attributs de pouvoir, ils contiennent des houes ; l'inscription sur la partie inférieure de la figurine, emmaillotée comme une momie, rappelle également la nécessité de travailler dans les "Champs de roseaux".
Buste de Ramsès II L'Égypte ancienne. 19e dynastie, vers 1280 av. e. Granit. Hauteur 158
Ramsès II (1304-1237), l'arrière-arrière-petit-fils du fondateur de la 19e dynastie, Ramsès Ier, qui rendit à l'Égypte d'anciennes possessions et conclut un traité de paix bénéfique pour le pays après une longue guerre avec les Hittites, restauré et renforcé la gloire et la puissance de l'État, qu'il a dirigé avec succès pendant 67 ans. Il a non seulement combattu, mais aussi beaucoup construit: des temples majestueux ont été érigés à Thèbes, les rochers d'Abou Simbel, Karnak, où partout - sur des stèles, des colonnes de salles hypostyles et des statues du roi - de nombreuses inscriptions proclamaient le pouvoir de Ramsès: "Il est comme le feu, il avance et il n'y a pas d'eau pour l'éteindre. Il fait avaler aux rebelles les cris d'indignation qui sortent de leur bouche lorsqu'il les fait prisonniers." La doxologie a fait écho à la perpétuation dans la pierre - des milliers de sculptures du pharaon ont été érigées dans tout le pays. Parmi eux se trouve un buste en granit de Ramsès II de l'île Éléphantine, offert au British Museum en 1838 par Lord Hamilton.
Le grand souverain de l'Égypte est présenté sous la forme d'un "dieu bon", "qui a supprimé le sud et conquis le nord, combattant avec son épée". Les traits du visage du célèbre pharaon, bien connu par ses nombreuses images, sont ici adoucis et dotés de jeunesse éternelle. Sur un jeune visage - une longue barbe avec une boucle en dessous - symbole origine surnaturelle et un attribut des dieux. Pas un seul habitant de l'Égypte ancienne, à l'exception du roi lui-même, n'a osé porter cette forme de barbe.
Sur la tête du pharaon, l'unificateur du pays, il y a deux couronnes à la fois : Basse et Haute Egypte. Dans ses bras croisés sur sa poitrine, il tient un bâton et un fouet - symboles de pouvoir et de contrôle sur un immense pouvoir. Le cobra sacré uraeus sur le front de Ramsès préparé pour un jet mortel sur tout ennemi qui ose empiéter sur ses droits divins. Le nom du grand roi gravé sur l'épaule d'un buste de granit renforce sa puissance et sa gloire sur terre et dans l'éternité.
Figurine d'un chat L'Égypte ancienne. I-III siècles av. e. Bronze. Hauteur 33
Les chats, profondément vénérés dans l'Égypte ancienne, étaient considérés comme des animaux sacrés par la déesse de l'amour, Bastet. Les animaux étaient gardés dans les temples; dans la propriété privée, un chat était d'une grande valeur pour ses propriétaires. À la mort d'un animal de compagnie bien-aimé, les serviteurs du temple et les habitants de la maison, en signe de deuil, devaient se raser les sourcils, pleurer inconsolablement, momifier le corps de l'animal et l'enterrer dans un cimetière spécial.
Cette sculpture d'un chat peut avoir participé à un rite funéraire similaire. L'image est réalisée en taille réelle, elle est extrêmement concise dans sa simplicité totale.
La figurine est un chef-d'œuvre de la sculpture animalière de l'Égypte ancienne. Le maître talentueux a transmis dans le bronze la force et la grâce retenues d'un chat maigre et flexible, la vivacité de sa posture et l'élasticité d'un corps gracieux et ciselé. Le sculpteur a correctement capturé les principales caractéristiques de l'animal représenté : il s'agit d'un véritable chat sauvage qui est assis, groupé et concentré avant le saut, fier et confiant dans sa dextérité.
Mais en même temps, une bête royale est devant le spectateur, sa posture est majestueuse et son regard attentif intemporel est calme. Sur l'animal - un manteau d'argent avec l'image de symboles sacrés vie éternelle, dans les oreilles et le nez - boucles d'oreilles en or. De précieuses décorations se détachent clairement sur la surface en bronze poli de la figurine. Cette image sculpturale, malgré sa taille miniature, paraît monumentale par le laconisme des détails, la généralisation des formes plastiques et le dessin précis de la silhouette.
Aménhonatep III
Portrait d'une jeune femme Egypte, oasis du Fayoum, Hawara. Début du IIe siècle après JC e. Bois, encaustique. Hauteur 38,2
Portraits pittoresques des Ier-IVe siècles après JC. e., découvert dans fin XIX- au début du XXe siècle, lors des fouilles des nécropoles romaines de l'oasis du Fayoum et donc appelées Fayoum, elles présentent une galerie de personnages variés : hommes, femmes, enfants et vieillards. Ces seuls exemples survivants de peinture de chevalet ancienne étaient associés au culte funéraire. En Égypte, ils ont remplacé les masques de momie traditionnels. Sous l'influence des traditions de la peinture réaliste grecque et du portrait sculptural romain, les artistes du Fayoum ont amélioré leurs compétences et ont appris à reproduire l'apparence des personnes décédées avec une vérité extraordinaire, en préservant non seulement les traits de leurs visages, mais également les particularités de leurs personnages.
Le portrait d'une jeune femme brune vêtue d'un chiton lilas est étonnamment vif et direct. Le regard de ses immenses yeux brillants est dirigé vers le spectateur, l'apparence poétique respire la vie: les ombres tremblent sur la peau délicate, les bijoux en or et la couleur sonore des vêtements soulignent la beauté du visage. Dans cette charmante image, il n'y a aucune trace de détachement, caractéristique des anciens portraits funéraires égyptiens. La technique de l'encaustique, qui était principalement utilisée par les artistes du Fayoum, a grandement contribué à la création d'images expressives et réalistes. Les artisans faisaient bouillir de la cire d'abeille dans de l'eau de mer, y ajoutaient de la résine et la mélangeaient avec des peintures minérales en poudre, puis les appliquaient avec une tige de métal et un pinceau sur des planches de cyprès apprêtées. Cette méthode a permis, en utilisant le jeu du clair-obscur, de donner au visage un volume presque sculptural. Les peintures de la peinture à la cire, tout en restant transparentes, ont conservé leur éclat et leur saturation des couleurs.
Sarcophage avec un portrait d'Artemidor Egypte, oasis du Fayoum, Khawara. Début du IIe siècle après JC e. Bois, encaustique. 43x23, longueur sarcophage 127
Les meilleurs exemples de peinture du Fayoum comprennent un portrait sur un sarcophage de Khavara, collé à partir de plusieurs couches de toile et de feuilles de papyrus, recouvert de plâtre rose sur le dessus. Son couvercle montre des scènes liées à l'ancien culte funéraire égyptien. Les figurines en relief des dieux, ainsi que les lettres en relief de l'inscription contenant le nom du défunt, Artemidor, sont recouvertes d'or. La couronne dorée représentée sur la coiffure d'un jeune homme est un symbole de son avenir heureux dans l'au-delà. Le portrait a été réalisé par un artiste doué. L'apparence d'un jeune homme - un visage raffiné aux traits expressifs et un regard attentif de grands yeux noirs - donne l'impression d'une personne au caractère fort et au monde intérieur riche. Dans le regard ouvert d'Artemidor, on peut lire la conscience de sa dignité, sa forte volonté et sa passion de la nature.
Les portraits du Fayoum étaient souvent peints du vivant d'une personne et, comme le pensent certains chercheurs, pouvaient décorer sa maison pendant longtemps, ils dépeignent donc le défunt comme très jeune. L'image d'Artémidore est unique à cet égard - elle a permis de vérifier cette version, car la momie elle-même a été conservée. Après analyse spectrale, il a été constaté que l'âge du portrait correspond exactement à l'heure du décès du jeune homme, qui au moment du décès avait environ 20 ans. Un tel nombre de jeunes visages dans les portraits du Fayoum reflétait apparemment la situation démographique réelle : beaucoup en ces temps lointains ont quitté ce monde très tôt.
Art de l'Égypte ancienne. Portrait sculpture de l'Ancien Empire.
Comme déjà mentionné, le culte funéraire a largement déterminé l'apparition de la sculpture du portrait. Mais il a aussi limité son développement à certaines limites. La monotonie des poses calmes et immobiles (assises ou debout) des statues dotées des mêmes attributs, la coloration conditionnelle de leurs corps (hommes - peinture rouge-brun, femmes - jaune, cheveux - noir, vêtements - blanc) - tout cela était dicté par les exigences du culte, qui voulait que ces statues soient destinées à la vie "éternelle" de l'âme du défunt.
Les yeux des statues étaient souvent incrustés d'autres matériaux, ce qui obtenait une plus grande expressivité et vitalité.
Les statues ne sont pas conçues pour être vues sous différents angles, elles semblent s'adosser au plan du bloc de pierre qui leur sert de décor. Les téléspectateurs ne les voient que de face, ils sont entièrement frontaux. Les statues se caractérisent également par une symétrie absolue, l'équilibre le plus strict des moitiés droite et gauche du corps. Cette règle est strictement observée non seulement dans la représentation d'un personnage debout, mais aussi dans le transfert de toutes les autres poses caractéristiques de la sculpture égyptienne de tous les temps.
L'artiste égyptien commençait généralement son travail en appliquant sur un bloc de pierre rectangulaire dans lequel la statue devait être sculptée, selon une grille pré-dessinée, un dessin de l'image qu'il voulait recevoir. Puis, en sculptant, il a enlevé l'excédent de pierre, traité les détails, poli et poli la statue. Mais même dans une œuvre d'art finie, on pouvait toujours sentir les bords rectangulaires du bloc dont il était "libéré" par l'artiste. Ceci explique le "géométrisme" de la sculpture égyptienne, qui est son trait le plus caractéristique.
Parallèlement aux statues de rois et de nobles, se développe un type de scribe assis au travail, généralement avec un rouleau de papyrus sur les genoux. La variété des compositions était faible. La pose du pharaon Khafré, assis sur un trône, est caractéristique de toutes les figures assises de l'Ancien Empire et de la plupart des statues des temps ultérieurs. Dans une figure d'homme debout, la jambe gauche est toujours poussée vers l'avant, les bras sont soit abaissés le long du corps, soit l'un d'eux repose sur un bâton. La figure féminine se tient généralement les jambes fermées, la main droite est abaissée le long du corps, la gauche se trouve devant à la taille. Le cou est presque absent, la tête repose parfois presque directement sur les épaules, les espaces entre les bras et le corps, entre les jambes ne sont presque toujours pas percés, et ces parties de la pierre restante sont conditionnellement peintes dans le soi-disant couleurs du vide, noir ou couleur blanche. Il était impossible, en raison des tâches particulières du culte funéraire, de transmettre des humeurs instantanées, des postures aléatoires.
La force physique était soulignée dans les figures de pharaons et de personnes nobles. Tout en conservant certaines caractéristiques sans aucun doute du portrait, les auteurs ont écarté des détails mineurs, conféré à leurs visages une expression impassible et généralisé des formes monumentales puissantes et majestueuses du corps.
Mais les sculpteurs les plus talentueux, même dans le cadre restrictif du canon, ont réussi à créer un certain nombre d'œuvres de portrait merveilleuses et vives. Des exemples de telles statues individualisées sont les sculptures de la 4ème dynastie - les statues des nobles Rahotep et Nofret (Musée du Caire) et le buste du fils royal Ankhhaf (Boston, Musée des Beaux-Arts), l'architecte Hemiun (Musée du Caire), ainsi que la tête d'une statue masculine de la collection Salt (Paris, Louvre) et des statues de la Ve dynastie - les nobles Ranofer (Musée du Caire), le scribe Kai (Paris, Louvre) et le Prince Kaaper (Musée du Caire).
Ces portraits ne se contentent pas de répéter l'apparence d'une personne en particulier. Ce sont des images créées en sélectionnant les traits les plus caractéristiques de la personne représentée.
Les sculpteurs des Ve-VIe dynasties commencèrent à recourir de plus en plus souvent au bois coûteux, ce qui permit de résoudre de tels problèmes qui semblaient insolubles dans le plastique rond, malgré tout l'éclat des réalisations de la sculpture sur pierre des IIIe et IVe dynasties. Les mouvements des statues deviennent plus libres, bien que le canon principal reste en vigueur lors du transfert de la figure humaine.
Devant nous, le visage d'un scribe du Louvre, puis le visage souriant et débonnaire d'un vieux dignitaire corpulent de la Ve dynastie, Kaaper, que les fellahs qui l'ont retrouvé appelaient le « chef de village » en raison de sa ressemblance frappante avec le chef qu'ils connaissaient. Pas étonnant que le sculpteur égyptien ait été appelé "sankh", ce qui signifie "créateur de vie". En créant une forme, l'artiste l'a, pour ainsi dire, magiquement appelé à la vie.
Des dizaines de figurines représentant des serviteurs et des esclaves ont également été placées dans les tombes, qui différaient des portraits de pharaons et de nobles en ne véhiculant en eux que des traits ethniques typiques des Égyptiens, sans aucune trace de portrait. Leur but est de servir leurs maîtres dans l'au-delà. Fabriqués en bois et en pierre peints de couleurs vives, ils transmettent de manière réaliste les caractéristiques de l'apparence des paysans, des cuisiniers, des porteurs, etc.
L'état de l'Égypte ancienne était riche et puissant. C'est en Égypte que sont nés l'architecture monumentale, un portrait sculptural réaliste et véridique et des œuvres d'artisanat d'art.
L'une des réalisations des Égyptiens a été la création d'une image humaine avec d'autres personnes. Dans l'art de l'Egypte ancienne, un intérêt pour la personnalité et les caractéristiques individuelles d'une personne a été établi.
Tout l'art égyptien antique était soumis à des canons cultuels. Le relief et la sculpture ne faisaient pas exception. Les maîtres ont laissé des descendants exceptionnels monuments sculpturaux: statues de dieux et de personnes, figures d'animaux.
L'homme a été sculpté dans une pose statique mais majestueuse, debout ou assis. En même temps, la jambe gauche était poussée vers l'avant et les bras soit repliés sur la poitrine, soit pressés contre le corps.
Certains sculpteurs ont dû créer des figures de travailleurs. Dans le même temps, il existait un canon strict pour la représentation d'une profession particulière - le choix d'un moment caractéristique de ce type de travail particulier.
But religieux des statues
Chez les anciens Égyptiens, les statues ne pouvaient exister séparément des lieux de culte. Ils ont d'abord été utilisés pour décorer la suite du pharaon décédé et ont été placés dans la tombe située dans la pyramide. Il s'agissait de chiffres relativement petits. Lorsque les rois ont commencé à être enterrés près des temples, les routes menant à ces lieux étaient faites de nombreuses statues énormes. Ils étaient si grands que personne n'a prêté attention aux détails de l'image. Les statues étaient placées sur les pylônes, dans les cours et avaient déjà une signification artistique.
Aux yeux des Égyptiens, une personne avait plusieurs entités. Les combiner en un tout lui a donné l'espoir de gagner la vie éternelle. Par conséquent, en relief et en sculpture, ils ont créé non pas les images qu'ils ont vues de leurs propres yeux, mais ce qu'ils ont voulu voir ou trouvé le plus approprié au bonheur et à la paix éternelle dans l'autre monde.
Au cours de l'Ancien Empire, une forme ronde s'est imposée dans la sculpture égyptienne et les principaux types de composition sont apparus. Par exemple, la statue de Mycerinus représente un homme debout qui avançait sa jambe gauche et pressait ses mains contre son corps. Ou encore la statue de Rahotep et de sa femme Nofret représente un personnage assis les mains sur les genoux.
Dans la sculpture égyptienne, on peut voir non seulement une seule image d'une personne, mais aussi des compositions de groupe, où des figures humaines sont situées sur la même ligne. La figure principale est 2 à 3 fois plus grande que les autres. Règle générale- pour créer une statue exagérée du roi - a également été observée dans les images planes.
À partir de quels matériaux les sculpteurs ont-ils fabriqué leurs sculptures ? Pierre, bois, bronze, argile, ivoire. De nombreuses statues gigantesques ont été sculptées dans du granit, du basalte ou de la diorite. Des statues grandeur nature ont été moulées dans du grès et du calcaire et recouvertes de peinture.
Il doit son apparition et son développement aux croyances religieuses. Les exigences de la foi cultuelle ont été à la base de l'émergence de l'un ou l'autre type de statues. Les enseignements religieux ont déterminé l'iconographie des sculptures, ainsi que leurs lieux d'installation.
La sculpture de l'Égypte ancienne, dont les règles de base pour la création ont finalement été formées à l'époque du Premier Empire, avait une figure frontale et symétrique, la clarté et le calme des lignes. Toutes ces caractéristiques correspondaient à sa destination directe, et étaient également dues à son emplacement, qui étaient principalement des niches dans les murs.
La sculpture se distingue par la prédominance de certaines poses. Ceux-ci inclus:
Assis - tandis que les mains reposent sur leurs genoux;
Debout - jambe gauche tendue vers l'avant ;
La pose d'un scribe assis en tailleur.
Pour toutes les sculptures, un certain nombre de règles s'imposaient :
Réglage direct de la tête ;
La présence d'attributs d'une profession ou d'un pouvoir :
Un certain type de coloration pour les corps féminins et masculins (respectivement jaune et marron);
Yeux incrustés de pierres ou de bronze;
Une exagération de la puissance et du développement du corps, qui a contribué au message d'exaltation solennelle à la figure;
Transfert des morts individuels (on croyait que les statues surveillaient la vie des gens à travers des trous spéciaux pratiqués au niveau des yeux).
La sculpture de l'Egypte ancienne est devenue l'un des moyens de maîtriser l'art du portrait. À l'aide de gypse, ils ont essayé de sauver le cadavre de la décomposition en obtenant un semblant de masque. Cependant, pour l'image d'une personne vivante, il fallait que les yeux de la sculpture soient ouverts. Pour ce faire, le masque a été traité ultérieurement.
Des sculptures de l'Egypte antique se retrouvent lors de l'ouverture des tombes. Leur objectif principal était de montrer divers aspects du culte funéraire. Dans certaines tombes, les chercheurs ont trouvé des statues en bois. Au-dessus d'eux, selon toute vraisemblance, certains rites de culte ont été accomplis. Parfois, des figurines d'ouvriers étaient également placées dans les tombes. Leur but était de subvenir aux besoins du défunt. Dans le même temps, les sculpteurs ont représenté des personnes au moment de se livrer à une grande variété d'activités.
La conception architecturale a été réalisée à l'aide de statues. Des sculptures se dressaient le long des routes qui y menaient, dans les cours et les espaces intérieurs. Ces statues, dont la charge principale était la conception architecturale et décorative, différaient des statues cultes. Leurs figures étaient grandes et il n'y avait aucun détail dans les contours.
Les statues qui véhiculaient les images des rois contenaient des prières dans lesquelles ils demandaient à Dieu la santé et le bien-être, et parfois une assistance dans les affaires politiques. La période qui a duré après la chute de l'Ancien Empire a été caractérisée par des changements fondamentaux dans le domaine idéologique. Les pharaons, cherchant à se glorifier eux-mêmes et leur pouvoir, ont ordonné de placer leurs statues dans les temples, à côté des figures de diverses divinités. Le but principal de ces sculptures était la glorification du souverain vivant. A cet égard, ces statues devaient se rapprocher le plus possible du portrait du pharaon.
Art de l'Ancien Empire (3200 - 2400 avant JC)
L'Egypte de l'Ancien Empire était une société primitive esclavagiste, dans laquelle, à côté de l'exploitation des esclaves, il y avait aussi l'exploitation du travail de la population agricole libre, unie en communautés. Avec le développement des forces productives, l'utilisation de la main-d'œuvre esclave a également augmenté. À la tête de l'État se trouvait le pharaon, qui gouvernait despotiquement le pays et s'appuyait sur le sommet de la noblesse esclavagiste. L'unification de l'Égypte, dictée par les besoins du développement de l'agriculture irriguée, fut néanmoins assez instable en raison de contradictions dans les intérêts de la noblesse locale, ce qui conduisit à une lutte entre les nomes (régions) et entre la noblesse nome et les pharaons. . Ainsi, tout au long de l'histoire de l'Ancien Empire (comme d'ailleurs tout au long de l'histoire de l'Égypte), le degré de centralisation de l'État n'a pas été le même.
La période de l'Ancien Empire a été l'époque de l'addition de toutes les formes principales de la culture égyptienne.
Dès les premiers temps, l'architecture occupait une place prépondérante dans l'art égyptien et, depuis l'Antiquité, les principales structures étaient les tombeaux monumentaux des rois et de la noblesse. Cela s'explique par la signification particulière que les cultes funéraires avaient en Égypte, étroitement associés aux cultes largement développés (comme dans tout ancien pays agricole) des divinités de la nature mourantes et ressuscitées. Naturellement, le roi et la noblesse esclavagiste, qui jouaient le rôle principal dans ces cultes, accordèrent une attention particulière à la sécurisation de leur « vie éternelle » posthume, et, par conséquent, à la construction de tombes durables ; déjà très tôt pour leur construction, le matériau le plus durable à la disposition des architectes antiques - la pierre - a commencé à être utilisé. Et tandis que la brique et le bois continuent d'être utilisés pour les habitations destinées aux vivants, les tombeaux - "maisons d'éternité" - sont les premiers édifices en pierre. Les bâtiments laïques ont à peine survécu; on ne peut juger de l'aspect des palais que par les images de leurs façades sur des stèles et des sarcophages, tandis que les "maisons pour l'âme" en argile placées dans les tombes donnent une idée des maisons.
Selon les idées de l'homme primitif qui vivait dans la vallée du Nil, l'au-delà était un semblant de vie terrestre, et un mort avait autant besoin d'un logement et de nourriture qu'un vivant ; la tombe était considérée comme la maison du défunt, ce qui déterminait sa forme originale. De là est né le désir de conserver le corps du défunt, ou du moins la tête. Le climat de l'Egypte, avec sa sécheresse exceptionnelle, a surtout contribué au développement de telles aspirations. Ici, ils ne se limitaient plus à conserver des crânes ou à embaumer les têtes d'ancêtres décédés, mais peu à peu, à la suite de longues recherches, ils développèrent des techniques complexes de momification. Comme au début les méthodes d'embaumement étaient encore imparfaites, des statues des défunts étaient placées dans les tombes en remplacement du corps en cas de dommage. On croyait que l'âme, en l'absence de corps, pouvait entrer dans la statue et la faire revivre, grâce à quoi la vie posthume d'une personne continuerait. Par conséquent, le tombeau - la maison du défunt était censé servir de telle pièce où la momie serait en toute sécurité, où la statue du défunt serait placée et où ses proches pourraient apporter tout le nécessaire à sa nourriture. Ces exigences ont déterminé la structure des tombes de l'Ancien Empire.
Les tombeaux de la noblesse, les soi-disant « mastaba » ( "Mastaba" en arabe signifie "banc". C'est le nom donné aux tombeaux de la noblesse de l'Ancien Empire par les Égyptiens modernes. Ce nom a également été retenu dans la science.), se composait d'une partie souterraine, où un cercueil avec une momie était placé, et d'un bâtiment massif hors sol. Des bâtiments similaires de la 1ère dynastie ressemblaient à une maison avec deux fausses portes et une cour où l'on faisait des sacrifices. Cette "maison" était un monticule bordé de briques de fragments de sable et de pierre. Ensuite, ils ont commencé à attacher une chapelle en brique avec un autel à un tel bâtiment. Le calcaire était déjà utilisé pour les tombes de la plus haute noblesse sous la 1ère dynastie. Petit à petit, le mastaba s'est compliqué ; des chapelles et des salles pour la statue étaient déjà aménagées à l'intérieur de la partie hors-sol, entièrement construite en pierre. Au fur et à mesure que les habitations de la noblesse se développaient, le nombre de pièces dans le mastaba augmentait également, où des couloirs, des halls et des réserves sont apparus à la fin de l'Ancien Empire.
Pour l'histoire de l'architecture égyptienne grande importance a eu la construction de tombeaux royaux, dont la construction a consacré d'énormes fonds, des inventions techniques, de nouvelles idées d'architectes. Une grande importance était attachée à la construction des tombeaux royaux car ils étaient le lieu du culte du pharaon décédé.Ce culte jouait un rôle prépondérant dans la religion égyptienne, remplaçant le culte du chef de la tribu de la période pré-classe. Dans le même temps, les vestiges de l'idée que le chef de la tribu est le centre magique du bien-être de la tribu, et l'esprit du chef décédé, soumis aux rites appropriés, continueront de garder sa flamme, ont été transférés au culte du pharaon. Il est caractéristique, par exemple, que la pyramide de Sésostris Ier s'appelait « Sésostris regardant l'Égypte », et des yeux étaient représentés au sommet de certaines pyramides.
Dans la grandeur croissante des tombes royales, le désir d'établir une monarchie despotique se reflétait clairement, et en même temps, la possibilité illimitée d'exploiter le travail des masses par cette monarchie se manifestait.
Pour la construction de telles structures, d'énormes efforts ont été nécessaires, car la pierre devait être amenée de loin et traînée à l'aide de remblais à une grande hauteur. Ce n'est que par un effort extrême des forces des esclaves et des agriculteurs communaux libres que de telles structures gigantesques ont pu être construites.
L'idée des architectes et l'amélioration des méthodes techniques vont dans le sens d'une augmentation de la masse hors-sol du bâtiment, mais l'augmentation horizontale de ce dernier, au final, ne peut plus produire l'impression requise de monumentalité écrasante. L'étape la plus importante dans l'aménagement des tombeaux royaux fut donc l'idée d'augmenter verticalement l'édifice. Apparemment, cette idée est apparue pour la première fois lors de la construction du célèbre tombeau du pharaon de la IIIe dynastie de Djoser (environ 3000 avant JC), la soi-disant "pyramide à degrés". Le nom de son constructeur, l'architecte Imhotep, a survécu jusqu'à la fin de l'histoire de l'Égypte, comme le nom d'un des sages les plus célèbres, le premier constructeur de bâtiments en pierre, un savant astronome et médecin. Par la suite, Imhotep fut même déifié comme le fils du dieu Ptah, et les Grecs le comparèrent à leur dieu guérisseur Asclépios.
La pyramide de Djoser était le centre d'un ensemble complexe de chapelles et de cours. L'ensemble, qui ne différait pas encore par l'harmonie de l'agencement général, était implanté sur une terrasse artificielle et occupait une surface de 544,9 X 277,6 m.La terrasse était entourée d'un mur en pierre de 14,8 m d'épaisseur et 9,6 mètres de haut. La pyramide elle-même atteignait une hauteur de plus de 60 litres et se composait, pour ainsi dire, de sept mastabas, placés les uns sur les autres. La tombe de Djoser est remarquable non seulement pour sa forme pyramidale, mais aussi pour le fait que la pierre était largement utilisée comme matériau de construction principal dans ses chapelles. Certes, la pierre n'a pas encore eu partout une valeur constructive ici. On ne verra pas encore de colonnes autoportantes, elles sont reliées aux murs, dont l'architecte n'ose pas les séparer. La pierre reprend les formes caractéristiques des constructions en bois et en brique : les plafonds sont taillés sous forme de plafonds en rondins, les colonnes et pilastres sont conçus dans les proportions développées pour les constructions en bois. Le tombeau de Djoser est également très important pour sa décoration, riche et variée. Les formes des colonnes et des pilastres sont intéressantes : claires, majestueuses dans leur simplicité, troncs cannelés avec dalles plates en abaque à la place des chapiteaux, ou pilastres réalisés en pierre pour la première fois sous forme de papyrus ajourés et de fleurs de lotus. Les murs des salles étaient tapissés de dalles d'albâtre et, dans un certain nombre de chambres souterraines, de carreaux de faïence vert brillant, reproduisant le tissage des roseaux. Ainsi, la tombe de Djoser dans son ensemble était un monument extrêmement important pour son époque, un monument qui combinait une idée d'une grande nouveauté et importance avec des capacités techniques et artistiques qui n'étaient pas encore assez mûres pour donner un design équivalent à cette idée. .
Les formes inhérentes à la construction en pierre n'ont pas encore été trouvées, la planification de l'ensemble de l'ensemble n'a pas encore été correctement organisée, mais l'essentiel a déjà été réalisé et mis en œuvre - le bâtiment a commencé à grandir et la pierre a été identifiée comme le principal matériau de l'architecture égyptienne.
La pyramide de Djoser a ouvert la voie à la création d'un type de pyramide parfait et complet. La première de ces pyramides était la tombe du roi IV de la dynastie Snefru (environ 2900 avant JC) à Dashur, qui mesurait plus de 100 m de haut et était le prédécesseur des célèbres pyramides de Gizeh des 29e - 28e siècles. J.-C., classée dans l'Antiquité parmi les sept merveilles du monde. Ils ont été construits par les pharaons. IVe dynastie de Khufu (que les Grecs appelaient Cheops), Khafre (Chefren) et Menkaure (Mykerin).
La plus grandiose des trois, la pyramide de Khufu, probablement construite par l'architecte Hemiun, est la plus grande structure en pierre du monde. Sa hauteur est de 146,6 m et la longueur du côté de sa base est de 233 m.La pyramide de Khufu a été construite à partir de blocs de calcaire taillés avec précision et bien ajustés, pesant principalement environ 2,5 tonnes chacun; on estime que plus de 2 300 000 de ces blocs sont entrés dans la construction de la pyramide. Les blocs individuels pesaient 30 tonnes chacun. Du côté nord, il y avait une entrée, qui était reliée par de longs couloirs à la chambre funéraire située au centre de la pyramide, où se trouvait le sarcophage du roi. La chambre et une partie du couloir étaient recouvertes de granit, le reste des couloirs de calcaire de la meilleure qualité. A l'extérieur, la pyramide était également tapissée de dalles de bon calcaire. Son tableau se détachait clairement dans le ciel bleu, étant une incarnation vraiment monumentale de l'idée du repos éternel indestructible et en même temps une expression éloquente de l'énorme distance sociale qui séparait le pharaon du peuple de son pays.
Chacune des pyramides de Gizeh, comme la pyramide de Djéser, était entourée d'un ensemble architectural ; cependant, la disposition des bâtiments de Gizeh montre une capacité considérablement accrue des architectes à donner un plan clair de l'ensemble du complexe et à équilibrer ses parties. La pyramide se dresse désormais seule au centre de la cour, dont le mur souligne la position particulière de la pyramide et la sépare des bâtiments environnants. Cette impression n'est pas troublée par les petites pyramides de reines parfois situées à l'intérieur d'une même cour ; la différence de leur échelle par rapport à la pyramide du roi ne fait que renforcer l'impression de la taille exorbitante de cette dernière. Le temple funéraire royal jouxtait le côté est de la pyramide, relié par un passage couvert en pierre avec une porte monumentale dans la vallée. Ces portes ont été construites là où les eaux des inondations du Nil atteignaient, et comme les champs irrigués par le Nil étaient verts à l'est d'eux, et les sables sans vie du désert s'étendaient à l'ouest, la porte se tenait, pour ainsi dire, sur le bord de la vie et de la mort. Autour de la pyramide, dans un ordre clairement planifié, se trouvaient les mastabas des courtisans du pharaon, qui étaient aussi ses proches. L'idée la plus claire des temples mortuaires des pyramides de Gizeh est donnée par les vestiges du temple de la pyramide de Khafre, qui était un bâtiment rectangulaire à toit plat, construit en blocs de calcaire massifs. Au centre se trouvait une salle avec des piliers de granit monolithiques tétraédriques, sur les côtés desquels se trouvaient deux salles étroites pour les statues royales funéraires. Derrière la salle se trouvait une cour ouverte entourée de pilastres et de statues du roi sous la forme du dieu Osiris. Viennent ensuite les chapelles. L'entrée de l'ensemble du complexe pyramidal était la façade de la porte dans la vallée, atteignant 12 m de hauteur et ayant deux portes gardées par des sphinx placés sur leurs côtés ( Le Sphinx est une créature fantastique, un lion à tête humaine, personnification du pouvoir du pharaon.). À l'intérieur, cette porte avait également une salle avec des piliers quadrangulaires en granit, le long des murs desquels étaient placées des statues du pharaon, faites de différents types de pierre.
Une caractéristique distinctive de l'architecture des pyramides de Gizeh est la connaissance du rôle constructif de la pierre et de ses possibilités décoratives. Dans les temples des pyramides de Gizeh, pour la première fois en Égypte, on trouve des piliers autoportants. Toute la décoration des bâtiments repose sur une combinaison de plans polis de différentes pierres. Les facettes luisantes des colonnes du temple mortuaire étaient en parfaite harmonie avec les dalles de granit rose qui bordaient ses murs et avec les sols en albâtre, tout comme la décoration similaire de la porte d'entrée dans la vallée était un ensemble merveilleusement coloré avec des statues de vert. diorite, albâtre blanc crème et ardoise jaune.
La conception des tombes des pharaons des dynasties V et VI (environ 2700 - 2400 avant JC) est d'une nature différente. Bien que ces tombes conservent tous les éléments principaux des tombes des rois de la IVe dynastie, leurs pyramides diffèrent toutefois nettement des monuments grandioses de leurs prédécesseurs. Ils sont de taille bien inférieure à eux, ne dépassant pas 70 m de hauteur, et sont construits à partir de petits blocs, et même en partie de gravats. La construction des pyramides colossales de la 4e dynastie a imposé une charge trop lourde à l'économie du pays, arrachant la masse de la population aux travaux agricoles, et provoqué le mécontentement de la noblesse. Il est possible que le résultat de ce mécontentement soit ce qui s'est passé vers 2700 av. changement de dynastie. Les nouveaux pharaons durent compter avec la noblesse et ne purent forcer toutes les forces du pays à construire leurs tombeaux. Plus ils accordaient d'attention à la conception des temples, qui devaient désormais exprimer l'idée principale de la tombe du pharaon - la glorification pouvoir royal. Les murs de ces temples mortuaires et des salles aux portes ont commencé à être couverts de reliefs colorés glorifiant le pharaon comme le fils de Dieu et le puissant conquérant de tous les ennemis de l'Égypte. Les déesses l'allaitent, sous la forme d'un sphinx il piétine les ennemis, sa flotte arrive d'une campagne victorieuse. Les tailles des temples aux pyramides augmentent, leur décoration architecturale se complique. C'est ici qu'apparaissent pour la première fois des colonnes en forme de palmier et des colonnes en forme de faisceaux de papyrus non soufflés, qui deviendront plus tard si caractéristiques de l'architecture égyptienne.
L'attention particulière que les architectes de la fin de l'Ancien Empire portaient à la conception des temples s'est fructueusement reflétée dans développement général architecturale de cette époque. En particulier, un troisième type principal de colonne égyptienne est apparu - sous la forme d'un bouquet de bourgeons de lotus. Apparaît le nouveau genre bâtiments - les soi-disant temples solaires.L'élément le plus important d'un tel temple était un obélisque de pierre colossal, dont le sommet était recouvert de cuivre et brillait au soleil; il se tenait sur une estrade devant laquelle était dressé un immense autel. Comme la pyramide, le temple solaire était relié par un passage couvert à une porte dans la vallée.
Ci-dessus, nous avons parlé des statues qui faisaient partie intégrante des tombes des rois et de la noblesse, ainsi que des idées religieuses qui ont provoqué l'apparition de la sculpture dans les tombes. Les mêmes idées ont déterminé les exigences de la sculpture. Les statues mortuaires qui nous sont parvenues en nombre significatif ont des poses immobiles uniformes et une coloration conditionnelle. Placées dans les niches des chapelles des mastabas ou dans des petits espaces clos spéciaux derrière les chapelles, ces statues représentent les morts dans des poses strictement frontales, debout ou assis sur des trônes cubiques ou au sol, les jambes croisées. Toutes les statues ont les mêmes têtes droites, presque la même position des bras et des jambes, les mêmes attributs. Les corps des personnages masculins, lorsqu'ils sont en calcaire clair ou en bois, sont peints en brun rougeâtre, féminin - jaune, leurs cheveux sont tous noirs, leurs vêtements sont blancs. Les statues semblent être inextricablement liées au mur de la chapelle, et derrière le dos de beaucoup d'entre elles, une partie du bloc dans lequel elles ont été sculptées est conservée en arrière-plan. Et, malgré le fait que leur origine multitemporelle, la différence qualitative est clairement visible et leur caractère de portrait individuel est clairement exprimé, néanmoins, toutes ces sculptures produisent une impression générale de monumentalité solennelle et de calme strict.
L'unité des moyens figuratifs de la sculpture de l'Ancien Empire tient à la fois à sa finalité et aux conditions de son développement. La nécessité de transmettre la ressemblance avec la personne décédée, dont le corps la statue devait remplacer, était la raison de l'émergence précoce du portrait sculptural égyptien. L'exaltation solennelle de l'image a été causée par le désir de souligner la position sociale élevée du défunt. D'autre part, la monotonie des poses des statues, due en partie à leur dépendance à l'architecture de la tombe, était le résultat d'une longue reproduction des mêmes modèles, qui remontaient aux images de pierre les plus anciennes et devinrent canoniquement obligatoire. Le rôle inhibiteur du canon a empêché les artistes de surmonter l'approche établie pour transmettre l'image d'une personne, les forçant à maintenir invariablement la rigidité des poses, le calme impassible des visages, les muscles forts et forts des corps puissants. Cela se voit clairement, par exemple, sur la statue du noble Ranofer, il est représenté marchant les bras baissés le long du corps et la tête relevée ; tout dans cette sculpture est soutenu dans le cadre du canon - pose, tenue vestimentaire, coloration, muscles surdéveloppés d'un corps immobile (malgré la marche), un regard indifférent dirigé vers le lointain.
Cependant, la vie était plus forte que les exigences de la religion, qui ne pouvaient pas complètement retarder la croissance créative de l'art égyptien. Les meilleurs sculpteurs ont réussi à créer un certain nombre d'œuvres vraiment remarquables, même dans les traditions séculaires. Parmi elles, il faut surtout souligner la statue de l'architecte Hemiun, le buste du fils royal Ankhhaf, les statues du scribe Kaya et du fils royal Kaaper, la tête d'une statue masculine de la collection Salt du Louvre, la tête d'une statue féminine de la collection Carnarvon.
Chacune de ces sculptures incarne une image inoubliablement vivante, pleine d'originalité individuelle unique et d'une véritable puissance artistique. Dans le portrait d'Hemiun, l'une des personnes les mieux placées de la société contemporaine est représentée - un parent royal, le chef de file de la construction d'un monument aussi merveilleux que la pyramide de Khéops. Un visage clairement portrait est interprété de manière généralisée et audacieuse. Des lignes nettes dessinent un nez large avec une bosse caractéristique, des paupières parfaitement placées dans les orbites des yeux, la ligne d'une bouche petite mais énergique. Les contours d'un menton légèrement saillant, malgré la plénitude excessive d'un corps déjà obèse, continuent de maintenir une autorité ferme, se terminant de manière expressive caractéristiques générales cet homme volontaire, peut-être même cruel. Le corps de Hemiun est également très bien représenté - plénitude des muscles, plis cutanés fidèlement transmis sur la poitrine, sur le ventre, en particulier sur les orteils et les mains.
Le portrait du scribe royal Kai n'est pas moins frappant d'individualité. Devant nous se trouve un visage aux contours assurés avec des lèvres minces caractéristiques et bien comprimées d'une grande bouche, des pommettes saillantes, un nez légèrement plat.Ce visage est animé par des yeux en divers matériaux: dans une coquille de bronze, correspondant en forme à l'orbite et en même temps formant les bords des paupières, des morceaux d'albâtre pour le blanc de l'œil et de cristal de roche pour la pupille sont insérés, et un petit morceau d'ébène poli est placé sous le cristal, grâce auquel ce point brillant est obtenu , ce qui donne une vivacité particulière à la pupille, et en même temps à tout l'œil. Un tel mode de représentation des yeux, généralement caractéristique des sculptures de l'Ancien Empire, donne une étonnante vitalité au visage de la statue. Les yeux du scribe Kai, pour ainsi dire, suivent inséparablement le spectateur, peu importe où il se trouve dans la salle ( Il est intéressant de noter que les fellahs, qui ont fouillé sous la direction de l'orchologue française Mariette à la fin du 19ème siècle. les tombes de l'Ancien Empire à Megum, étant entrées dans la tombe de Rahoten, jetèrent leurs pioches et leurs pelles et se précipitèrent avec horreur, voyant les yeux des deux statues debout dans la tombe scintillant de la lumière du soleil qui avait pénétré dans la tombe.). Comme la statue d'Hemiun, la statue du scribe Kai impressionne par la véracité de travailler non seulement le visage, mais aussi tout le corps des clavicules, des muscles gras et flasques de la poitrine et de l'abdomen, si caractéristiques d'une personne menant un mode de vie sédentaire. Le modelage des mains avec les doigts longs, les genoux, le dos est également magnifique.
Non moins remarquables que les statues d'Hémiun et du scribe Kai, et la célèbre statue en bois du fils du roi Kaaper. On revoit ici personne individuelle avec des lignes douces et imperceptiblement fluides, avec un menton rond, un nez relativement petit, une bouche bouffie et de petits yeux habilement représentés. Encore une fois, comme dans les deux monuments précédents, le corps avec gros ventre, épaules et bras pleins. La véracité vitale de cette statue est telle que ce n'est pas un hasard si les fellahs qui ont travaillé sur les fouilles près de Marietta, ayant découvert la statue de Kaaper dans sa tombe, ont crié "Pourquoi, c'est notre chef de village!" ( D'où le surnom de "chef de village" par lequel cette statue est connue en science.). Dans cette magnifique statue, avec toute l'importance solennelle de la pose, qui parle de la haute position sociale de la personne représentée, on est frappé par le réalisme avec lequel l'image d'une personne laide et d'âge moyen est incarnée ici.
Le buste du fils royal Ankhhaf est peut-être le portrait sculptural le plus remarquable de tous les chefs-d'œuvre mentionnés de l'Ancien Empire. C'est un visage saisissant, empreint d'un réalisme extrême non seulement pour les sculptures de l'époque considérée, mais, peut-être, pour tous les arts plastiques égyptiens ; il attire l'attention sur lui par son incroyable habileté à transférer les muscles du visage, les plis cutanés, les paupières en surplomb, les «poches» malsaines sous les yeux. Tout le modelage du visage n'a pas été fait de calcaire, à partir duquel le buste a été sculpté, mais de plâtre, qui recouvre la pierre d'une couche dense. Le réalisme du visage correspond également à l'interprétation des épaules, de la poitrine et de l'arrière de la tête, similaire au rendu du corps que nous avons vu dans la statue d'Hémiun.
La même netteté des caractéristiques individuelles est caractéristique de la tête du Louvre de la collection Salt et d'autres meilleures œuvres de la période de l'Ancien Empire. Dans la tête féminine de la collection Carnarvon, l'image d'une jeune femme dans la force de l'âge et de la beauté, typique de l'art de l'époque considérée, est parfaitement véhiculée.
Les sculptures énumérées ci-dessus sont parmi les plus beaux exemples de portraits réalistes de l'Égypte ancienne. Ce sont des monuments dans lesquels les recherches des artistes de l'Ancien Empire se sont le plus pleinement réalisées. Dans chacun d'eux, le sculpteur a réussi à transmettre l'apparence d'une certaine personne, avec toute l'originalité de ses traits de visage, de ses formes de tête et de ses figures. En même temps, ces statues ne sont en aucun cas une simple répétition de l'apparence extérieure d'une personne en particulier. Devant nous se trouvent des images créées en sélectionnant les traits les plus caractéristiques, à l'aide d'une certaine généralisation, certes loin d'une transmission passive de la réalité.
Le chemin qui a conduit les sculpteurs de l'Ancien Empire à la création de tels chefs-d'œuvre a été long et difficile. Pour la première fois, l'artiste a dû surmonter des difficultés techniques, maîtriser parfaitement le matériau et en même temps créer une importante image artistique. Les monuments qui ont survécu des siècles précédents nous montrent comment ces difficultés ont été progressivement surmontées. Une étape importante dans le parcours créatif des sculpteurs de l'Ancien Empire a été la fabrication de masques à partir des visages de personnes décédées. Cependant, les sculpteurs ne pouvaient se limiter à simplement répéter ces masques sur les visages des statues funéraires, car la statue devait représenter une personne vivante. D'où la nécessité de retravailler le moulage, auquel le sculpteur a apporté les modifications nécessaires.
Les succès obtenus grâce à l'application d'une telle méthode étaient si évidents qu'elle a été fixée et développée. Il servait notamment à la fabrication de têtes ou de bustes de morts, qui existaient à l'origine avec les statues. De telles têtes de portrait ont été trouvées dans un certain nombre de mastabas de Gizeh de la 4e dynastie ; ils ont été placés dans la partie souterraine de la tombe devant l'entrée de la chambre avec le sarcophage. Ces têtes de gizah sont importantes comme preuve d'un travail intensif pensée humaine et la croissance continue des activités artistiques. Chacun d'eux se distingue par son individualité, exprimée sous une forme réfléchie et claire, empreinte d'un sentiment rythmique strict. Cet ensemble de monuments est également précieux car il aide à tracer les voies de création d'œuvres aussi remarquables que la statue de l'architecte Hemiun. Ce n'est qu'après avoir comparé la statue d'Hémiun avec les têtes de Gizah qu'il devient clair que cette statue est une étape naturelle d'une longue recherche créative, un monument dans lequel l'image réaliste et véridique d'un noble égyptien, d'un grand propriétaire d'esclaves, d'un parent royal qui a confiance en son importance s'incarne au mieux pour l'art de l'Ancien Empire. , et en même temps un architecte hors pair à la cour d'un puissant pharaon. La certitude sociale de l'image, si clairement exprimée dans la statue d'Hémiun, qui combine la froide arrogance de l'apparence et l'immobilité solennelle de la pose avec le rendu précis et sobre du corps lourd et gras, est généralement l'une des plus éléments importants du style des sculptures de l'Ancien Empire. Après tout, ils devaient reproduire non seulement les images d'ancêtres décédés, mais les images de personnes appartenant au sommet de la société, qui tenait tout le gouvernement entre ses mains.
Souligner la position sociale élevée de la personne représentée était encore plus important pour les statues royales, où la tâche principale était de créer l'image du pharaon en tant que dirigeant illimité et fils de Dieu. Les pharaons étaient généralement représentés avec des corps d'une puissance surhumaine et des visages impassibles qui conservaient sans aucun doute des traits de portrait, mais en même temps étaient clairement idéalisés. Parfois, l'idée de la divinité du pharaon était véhiculée par des moyens purement externes: le roi était représenté avec les dieux, comme un égal à eux, ou le faucon sacré l'éclipsait de ses ailes, assis sur le dos de son trône . Un type particulier d'incarnation de l'idée de l'essence surhumaine du pharaon était l'image du sphinx - une créature fantastique avec le corps d'un lion et la tête de portrait du roi. Ce sont les sphinx qui ont été les premières statues royales à se dresser à l'extérieur des temples et, par conséquent, à être vues par les masses, à qui elles devaient donner l'impression d'une force surnaturelle et donc irrésistible.
Une place exceptionnelle non seulement parmi ces sculptures, mais aussi dans l'art égyptien en général, est occupée par le célèbre Grand Sphinx, situé à la porte monumentale et au passage couvert de la pyramide de Khéphren à Gizeh. Il est basé sur une roche calcaire naturelle, qui dans toute sa forme ressemblait à la figure d'un lion couché et était sculptée sous la forme d'un sphinx colossal, les parties manquantes étant ajoutées à partir de dalles de calcaire convenablement taillées. Les dimensions du Sphinx sont énormes : sa hauteur est de 20 m, sa longueur de 57 m, le visage de 5 m de haut, le nez de 1,70 m. Le serpent sacré qui, selon les croyances des Égyptiens, protège les pharaons et les dieux.), sous le menton se trouve une barbe artificielle portée par les rois et la noblesse égyptiens. Le visage était peint en rouge brique, les rayures du mouchoir étaient bleues et rouges. Malgré la taille gigantesque, le visage du Sphinx transmet toujours les principales caractéristiques du portrait du pharaon Khafre, comme on peut le voir en comparant le Sphinx de Gizah avec d'autres statues de ce roi. Dans les temps anciens, ce monstre colossal au visage de pharaon était censé laisser une impression inoubliable, inspirant, comme les pyramides, une idée de l'incompréhensibilité et de la puissance des souverains d'Égypte.
De caractère nettement opposé aux statues de rois et de nobles se trouvent les statuettes de serviteurs et d'esclaves, qui étaient placées dans les tombes de la noblesse pour servir les morts dans l'au-delà. Faits de pierre et parfois de bois et peints de couleurs vives, ils représentent des gens occupés travaux divers: nous trouverons ici un fermier avec une houe, et des tisserands, et des porteurs, et des rameurs, et des cuisiniers. Se distinguant par une grande expressivité, ces figurines sont réalisées par les moyens les plus simples, en dehors des normes canoniques.
Une grande place dans l'art de l'Ancien Empire était occupée par les reliefs et les peintures qui recouvraient les murs des tombes et des temples, et ici aussi, les principes de base pour tout le développement ultérieur de ces types d'art ont été élaborés. Ainsi, les deux types de techniques de relief égyptiens étaient déjà utilisés dans l'Ancien Empire: à la fois le bas-relief habituel et le relief incisé et en profondeur caractéristique uniquement de l'art égyptien, dans lequel la surface de la pierre, qui servait de fond, resté intact, et les contours des images ont été coupés, qui se sont donc avérés plutôt plats. Deux types de techniques de peintures murales étaient également connues : la plupart des peintures étaient réalisées selon la technique habituelle et ensuite pour l'Egypte à la détrempe sur une surface sèche ; dans certaines tombes de Medum, cette méthode était combinée avec l'insertion de pâtes colorées dans des pré- évidements préparés. Les peintures étaient minérales: la peinture blanche était extraite du calcaire, du rouge - de l'ocre rouge, du noir - de la suie, du vert - de la malachite râpée, du bleu - du cobalt, du cuivre, du lapis-lazuli râpé, du jaune - de l'ocre jaune.
Dans l'art de l'Ancien Empire, les principales caractéristiques du contenu des reliefs et des peintures et les principales règles de disposition des scènes sur les murs, ainsi que dans les compositions de scènes entières, d'épisodes individuels, de groupes et de personnages qui devinrent plus tard traditionnel, développé.
Le contenu des images dans les reliefs et les peintures était déterminé par leur objectif. Les reliefs qui couvraient les murs des temples royaux funéraires et couvraient les passages qui y menaient comprenaient, comme mentionné ci-dessus, des scènes glorifiant le roi sous la forme d'un puissant seigneur (batailles, captures de prisonniers et de butin, chasses réussies) et en tant que fils de un dieu (un roi parmi les dieux), ainsi que des images, dont le but était de délivrer le bonheur du roi dans l'au-delà. Les reliefs des tombes de la noblesse étaient également constitués de scènes glorifiant les activités du noble et de scènes destinées à assurer sa prospérité posthume. Par conséquent, les images du propriétaire de la tombe dans de tels reliefs ont été transformées en portraits pour la même raison que les statues funéraires. DANS les meilleurs exemples l'habileté du portrait atteint un très grand sommet. C'est ainsi, par exemple, que l'architecte Khesira, qui vivait à fois III dynasties: un nez aquilin, des sourcils épais, une bouche énergique expriment parfaitement l'image d'une personne forte et volontaire dans toute son individualité unique.
Les reliefs et les peintures des tombes sont la source la plus précieuse de l'histoire de la culture de l'Égypte ancienne. Ils représentent le travail rural et le travail des artisans, la pêche et la chasse dans les fourrés du Nil et dans le désert. Nous avons devant nous des images saisissantes de l'inégalité sociale - le fardeau insupportable du travail de la majeure partie du peuple et la vie riche et oisive de l'élite dirigeante. Le battement des non-payeurs d'impôts est remplacé par l'amusement de la noblesse, semant et récoltant sous le soleil brûlant - dansant des danseurs à la fête des nobles. Toutes ces images reposent sur une même volonté : exalter le propriétaire du tombeau, souligner sa noblesse et sa richesse, l'importance de sa position de son vivant et les faveurs dont il jouissait auprès du pharaon.
La même volonté se retrouve dans la construction des scènes, dans le rapport des personnages entre eux et dans l'approche de leur représentation. La place principale est partout occupée par la figure du roi ou du noble: elle dépasse de loin toutes les autres en taille et, contrairement aux groupes divers et émouvants de travailleurs, est complètement calme et immobile. Que le roi et le noble soient assis ou marchant, ils tiennent toujours un bâton et une verge - symboles de leur rang élevé - et dominent également toute la scène, ne se mêlant pas aux actions de ses autres participants, même dans les cas où un tel situation est complètement incroyable, comme, par exemple, dans une scène de chasse à l'hippopotame. Caractéristique est la différence dans la construction sur le plan des figures de personnes occupant différentes positions sociales. En règle générale, l'image de la figure humaine dans les reliefs et les peintures de l'Ancien Empire était fermement basée sur ce canon, dont la composition remonte à l'époque de la plaque de Narmer. Les écarts par rapport à ces normes se retrouvent le plus souvent dans les images d'agriculteurs, d'artisans et d'autres gens ordinaires.
Dans ces écarts par rapport au canon, ces changements de vie et de vision du monde qui ont eu lieu au cours du développement de la culture et de la croissance des connaissances et des découvertes techniques ont trouvé leur reflet dans l'art. Naturellement, les artistes voyaient déjà beaucoup de choses différemment et pouvaient transmettre par d'autres moyens ; la tâche de créer de nouvelles compositions de plus en plus complexes auxquelles ils étaient confrontés était une motivation efficace pour la croissance de leurs compétences et le dépassement des règles immuables du canon. L'observation aiguë et le désir de reproduire la vraie vie donnent un attrait particulier à de telles créations de maîtres égyptiens. Se sentant moins contraints par le canon lors de la représentation du travail du peuple et connaissant bien ce travail, ils ont pu montrer la vie du peuple et nous transmettre leur créativité artistique inépuisable, notamment dans les images fréquentes de chanteurs folkloriques, danseurs, musiciens ; ils nous ont même conservé les paroles des chansons folkloriques ouvrières.
Cependant, certaines déviations du canon ne pouvaient pas changer la nature conditionnelle générale du style des reliefs et des peintures murales de l'Ancien Empire. La disposition en ceinture des scènes et leur séquence strictement définie, ainsi que la nature planaire générale des images, restent conditionnelles ; le caractère sommaire de nombreuses compositions est également préservé, dans lequel l'uniformité des figures n'est parfois rompue que par un changement d'attributs ou de tours de tête et de mains. La conditionnalité de nombreuses techniques était également soutenue par la croyance persistante en l'efficacité magique de la représentation: par exemple, les ennemis de l'Égypte étaient invariablement montrés vaincus et les animaux - percés de flèches, car la conviction que tout représenté avait le même degré de la réalité comme n'a pas disparu. et la vraie vie.
Pendant la période de l'Ancien Empire, les métiers d'art ont pris une grande importance et se sont développés. Navires en divers types de pierre - albâtre, stéatite, porphyre, granit, jaspe; bijouxà partir d'or, de malachite, de turquoise, de cornaline et d'autres pierres semi-précieuses, ainsi qu'à partir de pâtes de faïence; meubles artistiques faits de précieuses races de dereya - fauteuils, brancards, tentes, parfois avec des incrustations d'or, parfois recouverts de feuilles d'or, des lits en bois avec des pieds en os travaillés artistiquement; produits en cuivre, bronze, argile - ce n'est qu'une courte liste de ces différents articles qui étaient déjà produits à l'époque de l'Ancien Empire. Comme dans d'autres formes d'art, les principales formes et techniques qui existaient dans le futur depuis très longtemps se sont également développées dans l'artisanat artistique de cette période. Les produits de l'artisanat artistique de l'Ancien Empire se caractérisent par les mêmes formes strictes et simples, complètes et claires qui distinguent tout l'art de cette période. Dans les détails décoratifs de ces choses, il y a beaucoup de reflets directs de phénomènes de la vie réelle : par exemple, les pieds du lit ont la forme de pattes de taureau puissantes, des perles et des pendentifs reproduisent des fleurs, etc. L'artisanat artistique était d'une grande importance pour le développement de tout l'art de l'Ancien Empire. D'une part, le traitement d'un certain nombre de matériaux a d'abord été développé et amélioré précisément lors de la création d'un métier d'art, ouvrant la voie à l'utilisation décorative de ces matériaux dans d'autres domaines de l'art ; Ainsi, la beauté des surfaces de pierre polie et de la faïence colorée a d'abord été découverte et comprise dans l'artisanat, puis déjà utilisée dans la sculpture et l'architecture. D'autre part, les artisans, étroitement liés à l'environnement folklorique, étaient des conducteurs constants de son influence vivifiante sur le travail des artistes professionnels.
