Dominând scena artistică încă din anii 1990.
În anii 1980, Goldsmith College era considerat inovator: spre deosebire de alte școli care acceptau studenți care nu puteau intra într-un colegiu adevărat, Goldsmith School a atras mulți studenți talentați și profesori inventivi. Goldsmith a introdus un program inovator care nu necesita elevilor să deseneze sau să picteze. În ultimii 30 de ani, acest model de educație a devenit larg răspândit în întreaga lume.
În calitate de elev la școală, Hirst vizita regulat morgă. Mai târziu va observa că multe dintre temele lucrărilor sale își au originea acolo.
Carieră
În iulie 1988, Hirst a fost curatoriu a apreciatei expoziții Freeze in clădirea goală a Autorității Port of London din London Docks; Expoziția a prezentat lucrările a 17 elevi ai școlii și propria sa creație - o compoziție de cutii de carton pictate cu vopsele latex. Expoziția în sine Îngheţa a fost și rodul creativității lui Hirst. El a selectat el însuși lucrările, a comandat catalogul și a planificat ceremonia de deschidere.
Îngheţa a devenit punctul de plecare pentru mai mulți artiști ai asociației YBA; în plus, i-am dat atenție lui Hirst colecționar celebruși patronul artelor Charles Saatchi.
Hirst a absolvit Goldsmiths College în 1989. În 1990, împreună cu prietenul său Karl Friedman, a organizat o altă expoziție, Joc de noroc, într-un hangar, într-o clădire goală a fabricii Bermondsey. Saatchi a vizitat această expoziție: Friedman își amintește cum a stat cu gura deschisă în fața instalației lui Hirst numită A Thousand Years - o demonstrație vizuală a vieții și a morții. Saatchi a achiziționat această creație și i-a oferit lui Hirst bani pentru a crea lucrări viitoare.
Astfel, cu banii lui Saatchi, în 1991 a fost creată Imposibilitatea fizică a morții în conștiința unei persoane vii, care era un acvariu cu un rechin tigru, a cărui lungime ajungea la 4,3 metri. Lucrarea l-a costat pe Saatchi 50.000 de lire sterline. Rechinul a fost prins de un pescar autorizat din Australia și avea un preț de 6.000 de lire sterline. Drept urmare, Hirst a fost nominalizat la Turner Prize, care a fost acordat lui Greenville Davey. Rechinul în sine a fost vândut în decembrie 2004 colecționarului Steve Cohen pentru 12 milioane de dolari (6,5 milioane de lire sterline).
Prima recunoaștere internațională a lui Hirst a venit artistului în 1993, la Bienala de la Veneția. Lucrarea sa „Mama și copilul împărțiți” a prezentat părți ale unei vaci și ale unui vițel plasate în acvarii separate care conțineau formaldehidă. În 1997, a fost publicată autobiografia artistului „Vreau să-mi petrec restul vieții peste tot, cu toată lumea, unu la unu, întotdeauna, pentru totdeauna, acum”.
Cel mai recent proiect al lui Hirst, care a provocat mult zgomot, este o imagine în mărime naturală a unui craniu uman; craniul în sine este copiat de pe craniul unui european, în vârstă de aproximativ 35 de ani, care a murit cândva între 1720 și 1910; dinți adevărați sunt introduși în craniu. Creația este încrustată cu 8.601 de diamante industriale cu o greutate totală de 1.100 de carate; o acoperă complet, ca pavajul. În centrul frunții craniului se află un diamant mare roz pal de 52,4 carate cu tăietură strălucitoare standard. Sculptura se numește Pentru dragostea lui Dumnezeu și este cea mai scumpă sculptură a unui autor în viață - 50 de milioane de lire sterline.
În 2011, Hirst a conceput coperta albumului grup muzical Red Hot Chili Peppers „Sunt cu tine”.
Lucrări
Spre deosebire de sculpturile și instalațiile care practic nu se abat de la tema morții, picturile lui Damien Hirst la prima vedere arată vesele, elegante și afirmând viața. Principalele serii de picturi ale artistului sunt:
Pictura
| Cănile colorate au devenit marca comercială a lui Hirst, un antidot pentru operele sale a căror temă era moartea și decăderea; Deoarece nu există două pete care se potrivesc exact la culoare, aceste picturi sunt lipsite de armonie, de echilibrul culorilor și de orice alte preocupări estetice, toate, ca și afișele publicitare, radiază o strălucire veselă și atrăgătoare. |
Astăzi, în secțiunea „Artă în cinci minute” vom vorbi despre cel mai mult artist faimos modernitate - Damien Stephen Hirst. Ne vom ocupa de un rechin în formaldehidă folosind o bandă Mobius, vom afla cum rezonează arta medievală cu un craniu de diamant și vom începe o transgresiune pentru a afla dacă există viață în moarte.
Referinţă: Damien Hirst este un artist englez, antreprenor, colecționar de artă și cea mai celebră figură a grupului Young British Artists, care domină scena artistică încă din anii 1990. Născut pe 7 iunie 1965 în Bristol, Marea Britanie.
Care este tema centrală a lucrărilor lui Hirst?
Mic de statura: Moarte.
Mai multe detalii: Confruntarea fundamentală dintre negarea morții și conștientizarea inevitabilității acesteia este tema centrală a artistului. Hirst nu se plimbă, el intră în interiorul morții însăși. Pentru a explora temeinic subiectul, în tinerețe artistul a mers la teatrul de anatomie pentru a face schițe și a lucrat cu jumătate de normă într-o morgă.
Deoarece Hirst are multe lucrări legate de moarte, ne vom uita la o instalație specifică „O mie de ani” din 1990 - una dintre cele mai semnificative lucrări ale autorului. Este o cutie dublă combinată: în primul incintă se află un cap de vacă și un zburător electric de muște, în al doilea sunt larve și muște. Există 4 găuri tăiate în compartimentul dintre aceste cuburi. Muștele, zburând în primul cub, s-au împărțit imediat în 2 grupuri diferite: primul a zburat direct la lămpi și, atingându-le, a murit imediat, iar a doua parte a muștelor a încercat să aibă loc pe capul vacii moarte.
Artistul vorbește despre asta: „Îmi amintesc că am stat cu Gary Hume odată, când lucram la această instalație, el a întrebat: — La ce lucrezi acum? I-am răspuns: „Ei bine, am o cutie de sticlă, un cap de vacă, viermi și muște. Tot ce trebuie să fac este să găsesc un ștergător de muște care să-i omoare pe toți”. S-a uitat la mine de parcă aș fi nebun. Și m-am gândit: „Genial. Acesta este o modalitate grozavă de a explica asta ca fiind ceva nebunesc - doar îi explici cuiva, astfel încât să aibă deja o părere. Și asta în ciuda faptului că nu au idee despre ce este de fapt, așa că că nu pot fi pregătiți pentru ceea ce văd”.
Această instalație ne trimite la Donald Judd, părintele minimalismului. Artistul refuză frumusețea tradițională, figurativitatea și orice conținut sentimental.
În această lucrare, Hirst a capturat ciclu de viață, a arătat cât de ordonat este haosul vieții și al morții.
Trebuie spus că uneori Hirst se lasă dus de cap: britanicul a numit odată atacurile teroriste din New York din 11 septembrie 2001 o operă de artă, pentru care ulterior a trebuit să-și ceară scuze.
Voi muri - și vreau să trăiesc pentru totdeauna. Nu pot scăpa de moarte și nu pot scăpa de dorința de a trăi. Vreau să văd măcar o privire despre cum este să mori.
Ești cel mai bogat artist din lume?
Pe scurt: D A.
Citește mai mult: P cel puțin asta spun toate publicațiile occidentale. Averea totală a artistului este estimată la un miliard de dolari. Hirst a vândut colecția completă „Beautiful Inside My Head Forever” la Sotheby's pentru 111 milioane de lire sterline (198 de milioane de dolari), doborând recordul pentru o licitație cu un singur artist. Pe lista celor mai bogați artiști se află și Takashi Murakami, Jeff Koons, Jasper Johns. Apropo, salariul aproximativ al asistenților lui Hirst este de 32.000 de dolari.
Cum se numește stilul în care lucrează artistul?
Mic de statura: Neoconceptualismul.
Mai multe detalii: Neoconceptualismul sau postconceptualismul este o mișcare care reprezintă stadiul modern de dezvoltare a conceptualismului din anii 60 și 70. Neo-conceptualismul a apărut în Statele Unite și Europa la sfârșitul anilor 1970. Neoconceptualismul, ca și arta conceptuală, este în primul rând o artă a întrebărilor. Arta conceptuală astăzi continuă să ridice întrebări fundamentale nu numai despre definiția artei în sine, ci și despre politică, mass-media și societate. Neoconceptualismul este asociat în principal cu activitățile tinerilor artiști britanici, care s-au declarat cu voce tare în anii 1990.
Evenimente majore
1991: Charles Saatchi îl finanțează pe Damien Hirst și anul urmator Galeria Saatchi își expune lucrarea „Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește” – un rechin în formaldehidă.
1993: Vanessa Beecroft susține prima sa reprezentație la Milano.
1999: Tracey Emin a fost nominalizată la Turner Prize. O parte a expoziției sale este instalația „Patul meu”.
2001: Martin Creed câștigă premiul Turner pentru „The Lights Going On and Off”, o cameră goală în care luminile se aprind și se sting.
2005: Simon Starling primește premiul Turner pentru Shedboatshed, o structură de lemn pe care a navigat pe Rin.
Hirst are tablouri?
Mic de statura: Da.
Mai multe detalii: Hirst nu s-a concentrat niciodată pe pictură, chiar și la începuturile sale, în anii 1980, la Colegiul Goldsmiths. Spre deosebire de alte școli, care au atras elevi care nu puteau intra într-o facultate adevărată, Goldsmith School a atras mulți studenți talentați și profesori inventivi. Goldsmith a introdus un program inovator care nu necesita elevilor să deseneze sau să picteze.
Dar Hirst are încă trei utilizări ale vopselei.
Primul- acestea sunt picturi spot, cercuri colorate care cresc de la Jeff Koons. Acest proiect este încă în derulare. Într-o zi, un artist a deschis exact aceleași expoziții în mai multe orașe din lume, întregul spațiu al cărora era agățat cu tablouri cu cercuri multicolore.
Al doilea- aceasta este o pictură rotativă, care implică un cerc rotativ pe care se toarnă vopsea, astfel încât vopseaua în sine pictează o pânză dinamică. Cea mai faimoasă creație în acest stil a fost întreg Stadionul Olimpic. Hirst a fost însărcinat să decoreze arena și a turnat vopsea în forma drapelului britanic pentru a sărbători deschiderea Jocurilor Olimpice. Dar după cum vedem, nici primul, nici al doilea nu este pictura, este folosirea vopselelor fără desen.
Oamenii care critică arta modernă uită că toată arta a fost cândva modernă.
Al treilea- acestea sunt lucrări în stilul lui Francis Bacon. Începând, Hirst însuși a spus că nu va picta, pentru că picturile sale vor fi absolut secundare; era conștient de propriul său epigonism. Dar, dintr-un motiv oarecare, s-a răzgândit și și-a adus pictura la expoziția personală „Requiem”, care a fost prezentată aici la Centrul de Artă Pinchuk în 2009. Pe lângă lucrările vechi, artistul a expus o nouă serie de picturi numită „Picturi cu cranii”. Au devenit ținta principală a invectivei sarcastice din partea criticilor. „Se pare că ceea ce vede privitorul este o stilizare Bacon făcută de un student.”– remarcă unul dintre ei. Mulți dintre critici artă contemporană Se crede că odată, la începutul anilor '90, Hirst a fost liderul incontestabil al noii arte britanice și, în general, a stat la avangarda artei moderne, dar acele vremuri au trecut de mult, iar acum artistul de avangardă de ieri s-a transformat într-un furnizor de Kitsch-ul ultra-scump - doar pe gustul și pe gustul minții oligarhilor din Europa de Est și Asia, iar picturile lui Hirst sunt pur și simplu neajutorate.
Hirst are și un tablou „Pentru mama”. Înfățișează fructe și flori, fără aluzii, reminiscențe sau ghicitori. Doar fructe și flori. Pentru că, de când a devenit artist, mama lui i-a reproșat mereu că fiul său nu poate să deseneze nimic „normal”. Așa că a scris, într-adevăr, ce poate fi mai normal decât fructele și florile?
Recent a apărut că Hirst se încuie în șopronul lui de grădină și pictează în secret acolo. „Animalele în formaldehidă nu mai șochează publicul; sunt mult mai surprinși când îți ridici pensulele și pânza și te întorci la elementele de bază.”– comentă el despre rușinosul lui artist contemporan clase.
Geniu sau ficțiune?
Pe scurt: K După cum se spune în Sfânta Scriptură, „dacă moare, vom afla”.
Mai multe detalii: Hirst este inimaginabil de bogat și de succes și este, de asemenea, un contemporan - asta formula perfecta, dând naștere multor discuții în jurul lucrărilor britanicului.
Unii critici consideră artistul un fenomen creat artificial cu o pungă de bani în loc de cap. Alții, așa cum am spus deja, îi insultă pictura, arătând spre imitația lui Bacon. Dar Julian Spalding a mers cel mai departe, îl consideră pe Hirst o ficțiune și pur și simplu un non-artist, numindu-l în mod ironic un escroc, care, pe de o parte, vorbește despre înșelăciune, deoarece „con” în engleză înseamnă „a păcăli”, iar pe de altă parte. pe de altă parte, este o abreviere de la cuvântul „conceptualism”, care este amuzant. Apropo, „con” în Limba englezăînseamnă un alt sens obscen, ceva de genul „membru”, așa se numea Bill Gates la școală, așa că dacă încerci să creezi un folder pe desktop cu acest nume, nu vei reuși. Încearcă acum.
Criticii de pe malul unde iarba este mai verde îl găsesc pe Hirst un geniu care distilează spiritul pur al artei din amestecul vieții de zi cu zi cu ajutorul ingeniozității și tehnologiei avansate. Există multe argumente pentru aceasta, dintre care cel mai semnificativ (referindu-se la discursul istoric) este că el a putut încă din temă antică„moartea” pentru a crea o artă complet nouă. Pe de altă parte, în timpul expoziției retrospective a lui Hirst la MOMA, prezența a crescut cu 20 la sută, ce alte argumente mai sunt necesare?
Britanicul este atât de popular și controversat încât alți artiști creează artă din el. Sculptorul spaniol Eugenio Merino a realizat un obiect care înfățișează sinuciderea lui Damien Hirst: într-o cutie de sticlă, o păpușă asemănătoare artistului britanic îngenunchează cu un pistol lipit de tâmpla lui însângerată. Obiectul, după cum scrie The Daily Telegraph, se numește „4 dragostea lui Go(l)d”. Astfel, se joacă pe numele unuia dintre cei mai mulți lucrări celebre Hirst - un craniu încrustat cu diamante („Pentru dragostea lui Dumnezeu”), iar cuvântul „aur” – „aur”: britanicul este considerat unul dintre cei mai scumpi artiști din lume. Merino susține că este un fan al lucrării lui Hirst. El spune asta despre obiectul său: „Desigur, aceasta este o glumă, dar acesta este paradoxul: dacă [Hirst] se sinucide, atunci lucrările lui vor deveni și mai scumpe.”
Indiferent ce ar spune criticii acestei lumi, corespondentul The Guardian a spus cel mai bine: „Într-o epocă a creației, într-o lume guvernată de eclectism și bani, Hirst este „artista pe care îl merităm”.
Întrebare de la managerul de PR Anastasia Kosyreva
Care este diferența dintre un rechin în formaldehidă Hurst și un animal în formaldehidă la lecțiile de biologie? De ce prima este artă și a doua nu?
Mic de statura:„Pentru că primul este în galerie, iar al doilea nu” (c) Hirst
Mai multe detalii: Hirst, desigur, glume, este în general o persoană foarte amuzantă, asta se vede în toate interviurile sale. Dar vom vorbi serios.
Instalația „Rechinul tigru în fomaldehidă” se numește „Imposibilitatea fizică a morții în mintea celor vii”. Rechinul a fost prins de un pescar australian și vândut artistului pentru 9.500 de dolari. Iar instalația a fost vândută în 2004 colecționarului Steve Cohen pentru 12 milioane de dolari. Fiind lângă acest rechin, îmi amintesc titlul romanului lui Jonathan Foer „Extremely Close, Incredibly Loud”. Gura urâtă a rechinului este larg deschisă, acest lucru creează efectul unui mârâit, al unui țipăt, ca simbol al durerii de a muri. Gura căscată a rechinului se referă la picturile artistului preferat al lui Hirst, Francis Bacon. În general, Hirst ar fi putut lua orice animal, dar a ales un rechin pentru a nu șoca societatea; un rechin este o sursă de pericol și un simbol al morții. Rechinul dublează moartea: el însuși este mort și, în același timp, purtător de moarte. Cel mai neobișnuit fenomen în rândul rechinilor este canibalismul intrauterin. Aproximativ 70% dintre rechini mor în lupte brutale chiar în pântece.
Dar cel mai important lucru în această lucrare nu este rechinul sau formaldehida. Important este că această instalație este amplasată într-un spațiu steril, minimalist, continuând din nou tradiția Judd. O schemă construită de contrast între forma abstractă și durabilă a demonstrației și conținutul ei obiectiv tranzitoriu. Arta, „în numele” căreia acționează forma vitrinei, își îndeplinește aici funcția tradițională - oprirea timpului.
În această lucrare există și o piesă conceptuală, în care obiectul imaginii este același cu imaginea însăși. Mai simplu spus, moartea reprezintă moartea. O astfel de bandă semantică Mobius, când sensul unei opere se închide pe sine, când lucrarea vorbește despre ea însăși.
Hirst spune despre munca sa: „Încerc să dezleg moartea. Este greu pentru oameni să-și înțeleagă propria mortalitate și multe dintre lucrările mele sunt despre asta. Rechinul meu este o încercare de a descrie acest sentiment, sentimentul de frică irațională de moarte. De aceea am folosit un rechin adevărat, atât de mare încât ar putea înghiți o persoană în întregime. Și l-am pus într-un recipient cu lichid de o asemenea dimensiune încât să-i dea pielea de găină privitorului. Și aceasta nu este o vedere sumbră a lumii. Dimpotrivă, Am sperat că moartea va servi drept inspirație și sursă de energie pentru public. Îi va ajuta să realizeze celebrarea vieții."
Întrebare de la redactorul șef Evgenia Lipskaya:
De ce a ales fluturii ca material principal? I-a ucis sau i-a adunat morți?
Mic de statura: 1. În scurta viață a unui fluture este mai ușor să arăți ciclul de viață, de asemenea moartea unui fluture este o demonstrație foarte clară atât a frumosului, cât și a teribilului.
2. Nu i-a ucis cu mâinile lui, dar nici nu i-a strâns. Fluturi au fost aduși de la „pepiniere speciale” și apoi au murit propria moarteîn galerie.
Mai multe detalii: Cea mai faimoasă instalație a artistului, în care personajele principale sunt fluturi, se numește „Falling in and Falling Out of Love”. Fluturii zburau în voie în galerie, care conținea și feluri de mâncare cu flori și fructe. Deoarece fluturii sunt creaturi cu viață scurtă, aceștia au căzut morți chiar în mijlocul expoziției. Au lovit tablourile și au mânjit, creând astfel lucrări abstracte. Imaginile s-au dovedit a fi frumoase și de rău augur, deoarece vorbim despre creaturi moarte. Apoi a mers atât de departe încât a folosit aripi reale de fluturi morți pentru a face vitralii pentru catedralele gotice. Inițial, vizitatorii nu știau că fluturii mureau pe parcursul expoziției; 400 de creaturi noi au fost introduse în fiecare săptămână. Când publicul a aflat că 9 mii de fluturi au murit în timpul expoziției, au început să-l atace pe Hirst. Adversarii artistului au subliniat în special faptul că în mediul natural habitat, fluturii ar putea trăi mult mai mult, până la nouă luni. Reprezentanții Tate au avut însă un singur răspuns la toate reproșurile: au fost create condiții pentru fluturi cât mai aproape de habitatul lor. Apropo, fluturii au fost aduși în coconi, s-au născut la expoziție și au murit acolo.
Inițial, acestea erau pupe împrăștiate în toată încăperea, dar după ce procesul de metamorfoză a fost finalizat, fluturii exotici care s-au născut au zburat direct către pânzele uriașe cu flori proaspete. Fluturii s-au lipit de pânze lipicioase și după un timp au murit, devenind parte din imagine. Mai mult, pe partea din spate Atașate de pânzele uriașe erau scrumiere uriașe pline până la refuz cu mucuri de țigară.
Există, de asemenea, seria „Fluturi” și „Caleidoscoape”, în care, în primul caz, fluturii morți sunt lipiți pe o pânză proaspăt pictată fără a folosi lipici, iar în al doilea, sunt lipiți strâns unul de celălalt, creând modele care amintesc de un caleidoscop.
Trebuie spus că fluturii nu sunt singura insectă pe care Hirst o transformă în artă. Are o meserie care este făcută în întregime din muște. Adică, pânza este acoperită cât mai dens posibil de muște, așa că artistul și-a creat propriul „pătrat negru”.
Întrebare de la editorul de frumusețe Christina Kilinskaya:
Cine a cumpărat acest craniu și cu cât?
Mic de statura: Un consorțiu care include însuși Hirst, managerul său Frank Dunphy, șeful galeriei White Cube și faimosul filantrop ucrainean Victor Pinchuk pentru 100 de milioane de dolari.
Mai multe detalii: Instalația se numește „Pentru dragostea lui Dumnezeu” și reprezintă un craniu uman realizat din platină și încrustat cu diamante. Potrivit lui Hirst, numele a fost inspirat din cuvintele mamei sale când i s-a adresat cu cuvintele: „Pentru dragostea lui Dumnezeu, ce tu esti vei face mai departe?” („Spune-mi, ce vei face mai departe?” Pentru dragostea lui Dumnezeu - literalmente, un citat din Prima Epistolă a lui Ioan: „Căci aceasta este dragostea lui Dumnezeu” (1 Ioan 5:3)). Craniul este realizat din platină, ca o versiune ușor redusă a craniului unui european de 35 de ani care a trăit între 1720 și 1810. Întreaga zonă a craniului, cu excepția dinților originali, este împânzită cu 8.601 de diamante cu o greutate totală de 1.106,18 carate. În centrul frunții se află elementul principal compozitie - diamant roz in forma de para. Lucrarea l-a costat pe Hirst 14 milioane de lire sterline.
În 2007, în scopuri de investiții, un grup de investitori, care includea însuși Hirst, managerul său Frank Dunphy, șeful galeriei White Cube și faimosul filantrop ucrainean Victor Pinchuk, au cumpărat craniul cu 50 de milioane de lire sterline (100 de milioane de dolari SUA). . Acesta este un preț record plătit pentru o lucrare a unui artist în viață.
„Pentru dragostea Domnului” – o sinteză de kitsch, artă pop, clasice și tema eternă de moarte. Craniul este o implementare extrem de vizuală tema clasica arta occidentala Vanitas vanitatum, - artista demonstrează că atât banii, cât și luxul sunt decădere și vanitate.
În esență, această lucrare este o duplică destul de spirituală a lui Hirst cu privire la propriul său succes comercial: în loc să o degheze cu timiditate, artistul o etalează - investind în crearea unui obiect la un cost de 15 milioane de lire sterline. Iar faptul că acest obiect este un craniu nu face decât să sublinieze triumful religiei vițelului de aur în lumea modernă.
Cu toate acestea, comunitatea artistică nu a apreciat aspectul auto-revelator al noilor lucrări ale artistului englez. Într-o eră a artei preocupate din punct de vedere etic și politic, Damien Hirst a devenit o figură odioasă, iar reacția potrivită din interior la menționarea numelui său este o grimasă de ironie, iritare și plictiseală.
Hirst însuși spune asta „Acest obiect simbolizează bogăția și valoarea vieții” si adauga „Apropo, craniile de diamant sunt, de asemenea, despre modul în care decorarea morții este o modalitate excelentă de a ne împăca cu această idee.”
Credința mea în artă nu este cu mult diferită de fanatismul religios. Cu toții avem nevoie de ceva pentru a naviga în întuneric.
Damien Stephen Hirst (în engleză: Damien Hirst; 7 iunie 1965, Bristol, Marea Britanie) este un artist englez, antreprenor, colecționar de artă și cea mai faimoasă figură a grupului Young British Artists, dominând scena artistică încă din anii 1990.
Potrivit Sunday Times, Hirst este cel mai bogat artist în viață din lume, cu o avere estimată la 215 milioane de lire sterline în 2010. La începutul carierei, Damien a lucrat îndeaproape cu celebrul colectionar Charles Saatchi, dar diferențele tot mai mari au dus la o pauză în 2003.
Moartea este o temă centrală în lucrările sale. Cel mai faimos serial al artistului este Istoria naturală: animale moarte (inclusiv un rechin, o oaie și o vacă) în formaldehidă. O lucrare de reper este „Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește”: un rechin tigru într-un acvariu cu formaldehidă. acest lucru a devenit un simbol al operei grafice în arta britanică în anii 1990 și un simbol al Britart în întreaga lume.
Fluturii sunt unul dintre obiectele centrale pentru exprimarea creativității lui Hirst, el le folosește în toate formele posibile: imagini în tablouri, fotografii, instalații. Astfel, pentru una dintre instalațiile sale, „In and Out of Love”, care a avut loc la Tate Modern din aprilie până în septembrie 2012 la Londra, 9.000 de mii de fluturi vii, care au murit treptat pe parcursul acestui eveniment. După acest incident, reprezentanții Fundație caritabilă Artistul a fost aspru criticat de grupul pentru protecția animalelor RSPCA.
În septembrie 2008, Hirst a vândut colecția completă Beautiful Inside My Head Forever la Sotheby's pentru 111 milioane de lire sterline (198 de milioane de dolari), doborând recordul pentru o licitație cu un singur artist.
Damien Hirst s-a născut în Bristol și a crescut în Leeds. Tatăl său era mecanic și vânzător de mașini care a părăsit familia când Damien avea 12 ani. Mama lui, Mary, a fost o artistă amatoare. Ea a pierdut rapid controlul asupra fiului ei, care a fost arestat de două ori pentru furt. Damien a studiat mai întâi la școala de artă din Leeds, apoi, după doi ani de lucru pe șantiere din Londra, a încercat să se înscrie la Central Saint Martins College of Art and Design și la o facultate din Țara Galilor. În cele din urmă, a fost acceptat la Goldsmith College (1986-1989).
În anii 1980, Goldsmith College era considerat inovator: spre deosebire de alte școli care acceptau studenți care nu puteau intra într-un colegiu adevărat, Goldsmith School a atras mulți studenți talentați și profesori inventivi. Goldsmith a introdus un program inovator care nu necesita elevilor să deseneze sau să picteze. În ultimii 30 de ani, acest model de educație a devenit larg răspândit în întreaga lume.
În calitate de elev la școală, Hirst vizita regulat morgă. Mai târziu va observa că multe dintre temele lucrărilor sale își au originea acolo.
În iulie 1988, Hirst a fost curatoriu a apreciatei expoziții Freeze in clădirea goală a Autorității Port of London din London Docks; Expoziția a prezentat lucrările a 17 elevi ai școlii și propria sa creație - o compoziție de cutii de carton pictate cu vopsele latex. Expoziția Freeze în sine a fost și rodul creativității lui Hirst. El a selectat el însuși lucrările, a comandat catalogul și a planificat ceremonia de deschidere.
Freeze a devenit punctul de plecare pentru mai mulți artiști YBA; În plus, celebrul colecționar și curator de propagandă NATO Charles Saatchi a atras atenția asupra lui Hirst.
Hirst a absolvit Goldsmiths College în 1989. În 1990, împreună cu prietenul Carl Friedman, a organizat o altă expoziție, Gamble, într-un hangar dintr-o clădire goală a fabricii Bermondsey. Saatchi a vizitat această expoziție: Friedman își amintește cum a stat cu gura deschisă în fața instalației lui Hirst numită A Thousand Years - o demonstrație vizuală a vieții și a morții. Saatchi a achiziționat această creație și i-a oferit lui Hirst bani pentru a crea lucrări viitoare.
Aceasta face parte dintr-un articol Wikipedia folosit sub licența CC-BY-SA. Textul integral al articolului aici →
Galeria Gary Tatintsian a deschis o expoziție a lui Damien Hirst, unul dintre cei mai scumpi și faimoși artiști contemporani. Nu este prima dată când Hirst este adus în Rusia: înainte a existat o retrospectivă la Muzeul Rus, o mică expoziție la Triumph Gallery, precum și o colecție a artistului însuși la MAMM. De această dată, vizitatorilor li se vor prezenta cele mai semnificative lucrări din 2008, vândute chiar de artist la licitația personală Sotheby's în același an.Buro 24/7 povestește de ce fluturii, cercurile multicolore și tăblițele sunt atât de importante pentru înțelegerea operei lui Hirst. .
Cum a devenit Hirst artist
Damien Hirst poate fi considerat pe deplin personificarea Tinerilor Artiști Britanici - o generație de artiști nu mai tineri, dar de mare succes, al căror vârf de prosperitate a fost în anii '90. Printre ei se numără Tracey Emin cu inscripții neon, Jake și Dinos Chapman cu dragoste pentru figurile mici și alți o duzină de artiști.
YBA sunt uniți nu numai prin studiile lor la prestigiosul Goldsmiths College, ci și prin prima lor expoziție comună, Freeze, care a avut loc în 1988 într-o clădire administrativă goală din zonele portuare din Londra. Hirst însuși a acționat ca curator - a selectat lucrările, a comandat catalogul și a planificat vernisajul expoziției. Freeze a atras atenția lui Charles Saatchi - magnat de publicitate, colecționar și viitor patron al Young British Artists. Doi ani mai târziu, Saatchi a achiziționat prima instalație a lui Hirst din colecția sa, A Thousand Years și i-a oferit, de asemenea, sponsorizare pentru viitoarele sale creații.
Damien Hirst, 1996. Foto: Catherine McGann/Getty Images
Tema morții, care mai târziu a devenit centrală pentru opera lui Hirst, apare deja în O mie de ani. Esența instalației a fost un ciclu constant: muștele au ieșit din ouăle larvelor, s-au târât până la capul de vacă putrezită și au murit pe firele unui ștergător electronic de muște. Un an mai târziu, Saatchi i-a împrumutat bani lui Hirst pentru a crea o altă lucrare despre cercul vieții - celebrul rechin împăiat pus în formaldehidă.
„Imposibilitatea fizică a morții în conștiința unei persoane vii”
În 1991, Charles Saatchi a cumpărat un rechin australian pentru Hirst cu șase mii de lire sterline. Astăzi, rechinul simbolizează balonul de săpun al artei moderne. Pentru oamenii din ziar, a devenit o bază obișnuită (de exemplu, articolul Sun intitulat „50.000 GBP pentru fish and chips”) și a devenit, de asemenea, unul dintre subiectele principale ale cărții economistului Don Thompson, „Cum să vinzi un umplut. rechin pentru 12 milioane: adevăr scandalos despre arta contemporana si casele de licitatie”.
În ciuda zgomotului, șeful fondului speculativ Steve Cohen a cumpărat lucrarea în 2006 pentru opt milioane de dolari. Printre cumpărătorii interesați s-a numărat Nicholas Serota, directorul galeriei Tate Modern, cel mai mare muzeu al Sovriska, alături de MoMA din New York și Centrul Pompidou din Paris. Atenția asupra instalației a fost atrasă nu numai de lista numelor cheie pentru arta contemporană, ci și de durata de existență a acesteia - 15 ani. De-a lungul anilor, corpul rechinului devenise putred, iar Hirst a fost nevoit să-l înlocuiască și să-l întindă pe un cadru de plastic. „Imposibilitatea fizică a morții în mintea unei persoane vii” a devenit prima lucrare din serie „ Istoria naturala- Ulterior, Hirst a pus și carcase de oi și vaci dezmembrate în formaldehidă.
Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește, 1991
Oaia Neagră, 2007
Paradoxul iubirii (Predare sau autonomie, separare ca o condiție prealabilă pentru conexiune.), 2007
The Tranquility of Solitude (pentru George Dyer), 2006
Rotații și caleidoscoape
Lucrările lui Hirst pot fi împărțite în mai multe genuri. Pe lângă acvariile menționate mai sus cu formaldehidă, există „rotații” și „pete” - acestea din urmă sunt efectuate de asistenții artistului în studioul său. Fluturii continuă tema vieții și a morții. Iată un caleidoscop, ca un vitraliu într-o catedrală gotică, și o instalație grandioasă „Falling in or Falling Out of Love” - camere pline complet cu aceste insecte. Pentru a crea pe acesta din urmă, Hirst a sacrificat aproximativ nouă mii de fluturi: 400 de insecte noi au fost aduse zilnic la Tate Gallery, unde a avut loc retrospectiva, pentru a înlocui morții.
Retrospectiva a devenit cea mai vizitată din istoria muzeului: în cinci luni a fost văzută de aproape jumătate de milion de spectatori. Pe lângă tema vieții și a morții, există și o „farmacie” logică - când se uită la picturile cu puncte ale artistului, asocierile apar în mod specific cu medicamentele. În 1997, Damien Hirst a deschis restaurantul Farmacie. S-a închis în 2003, iar vânzarea de obiecte decorative și de interior la licitație a adus o sumă uimitoare de 11,1 milioane de dolari. Hirst a dezvoltat și tema medicamentelor într-un mod mai vizual - o serie separată a artistului este dedicată dulapurilor cu pastile așezate manual. Cea mai de succes lucrare din punct de vedere financiar a fost „Spring Lullaby” - un raft de pastile i-a adus artistului 19 milioane de dolari.
Damien Hirst, Fără titlu, 1992; In Search of Nirvana, 2007 (fragment de instalare)
"Pentru Dumnezeu"
O alta lucrare celebră Hirst (și, de asemenea, scump în toate sensurile) - un craniu împânzit cu mai mult de opt mii de diamante. Lucrarea și-a primit numele din Prima Epistolă a lui Ioan - „Căci aceasta este dragostea lui Dumnezeu”. Aceasta ne trimite din nou la tema fragilității vieții, a inevitabilității morții și a discuțiilor despre esența existenței. În fruntea craniului este un diamant în valoare de patru milioane de lire sterline. Producția în sine l-a costat pe Hirst 12 milioane, iar prețul lucrării s-a ridicat până la urmă la aproximativ 50 de milioane de lire sterline (aproximativ 100 de milioane de dolari). Craniul a fost prezentat la Amsterdam muzeu de stat, și apoi vândut unui grup de investitori prin galeria White Cube a lui Jay Jopling, un alt dealer important care a colaborat cu Hirst.
Damien Hirst, „Căci aceasta este dragostea lui Dumnezeu”, 2007
Recorduri, falsuri și fenomenul faimei
Deși Hirst nu stabilește recorduri absolute, el este considerat unul dintre cei mai scumpi dintre artiștii în viață. Creșterea prețurilor pentru lucrările sale a atins un apogeu la sfârșitul anilor 2000, odată cu vânzarea unui rechin, a unui craniu și a altor lucrări. Un episod separat poate fi numit licitația Sotheby's în apogeul crizei economice din 2008: i-a adus 111 milioane de lire sterline, adică de 10 ori mai mult decât recordul anterior - o licitație similară a lui Picasso în 1993. Cel mai scump lot a fost cel „Vițel de aur” - carcasa unui taur în formaldehidă, vândută cu 10,3 milioane de lire sterline.
Povestea dezvoltării lui Hirst este un exemplu de scenariu ideal pentru orice artist modern, în care marketingul competent a jucat aproape un rol cheie. Chiar și povești ridicole precum curățătorul de galerii Eyestorm, care a pus instalația artistului într-un sac de gunoi, sau pastorul din Florida, condamnat pentru că a încercat să vândă falsuri Hirst în 2014, arată de neînțeles pe fundalul zgomotărilor zgomotoase ale artistului însuși. Declinul interesului pentru Hirst a devenit cel mai evident în ultimii cinci ani după următoarea expoziție de la White Cube- presiunea criticilor a devenit mai vizibilă, ingeniozitatea lui Hirst nu a mai uimit publicul obosit, iar recordurile de licitație au trecut altor jucători - Richter, Koons și Kapoor. Într-un fel sau altul, aureola de faimă a lui Hirst continuă să se răspândească în vechile sale lucrări, care astăzi pot fi văzute în Galeria Tatintsyan. Hirst are și noi proiecte în față - în ajunul Bienalei de la Veneția, artistul deschide o mare expoziție la Palazzo Grassi și Punta della Dogana. Potrivit comunicatului de presă, ele sunt „rodul unui deceniu de muncă” – este probabil ca toată lumea să vorbească din nou despre Damien Hirst.
