venäläinen ooppera- arvokkain panos maailman musiikkiteatterin kassaan. Syntynyt italialaisen, ranskalaisen ja saksalaisen oopperan klassisen kukoistuskauden aikakaudella, venäläinen ooppera 1800-luvulla. ei vain saavuttanut muita kansallisia oopperakouluja, vaan myös ohittanut ne. Venäläisen oopperateatterin kehityksen monenkeskinen luonne 1800-luvulla. auttoi rikastuttamaan maailman realistista taidetta. Venäläisten säveltäjien teokset avasivat uuden alueen operatiiviselle luovuudelle, toivat siihen uutta sisältöä, uusia periaatteita musiikillisen dramaturgian rakentamiseen, tuoden oopperataidetta lähemmäksi muunlaista musiikillista luovuutta, ensisijaisesti sinfoniaa.

Kuva 11

Venäläisen klassisen oopperan historia liittyy erottamattomasti Venäjän sosiaalisen elämän kehitykseen, kehittyneen venäläisen ajattelun kehitykseen. Näillä yhteyksillä ooppera erottui jo 1700-luvulla, kun se nousi kansalliseksi ilmiöksi 70-luvulla, venäläisen valistuksen kehityksen aikakaudella. Venäläisen oopperakoulun muodostumiseen vaikuttivat valistusajat, jotka ilmaisivat halun kuvata totuudenmukaisesti ihmisten elämää. Neyasova, I.Yu. Venäjän historiallinen ooppera 1800-luvulta. P.85.

Siten venäläinen ooppera muotoutuu ensimmäisistä askeleistaan ​​demokraattisena taiteena. Ensimmäisten venäläisten oopperoiden juonit esittivät usein maaorjuuden vastaisia ​​ajatuksia, jotka olivat tyypillisiä myös venäläiselle draamateatterille ja venäläiselle kirjallisuudelle 1700-luvun lopulla. Nämä taipumukset eivät kuitenkaan olleet vielä kehittyneet yhtenäiseksi järjestelmäksi, vaan ne ilmenivät empiirisesti talonpoikien elämän kohtauksissa, tilanherrojen sorron osoittamisessa, aateliston satiirisessa kuvauksessa. Nämä ovat ensimmäisten venäläisten oopperoiden juonet: V. A. Pashkevichin "Epäonnistuminen vaunuista", E. I. Fominin "Valmentajat asennuksella". Oopperassa "Mylly - velho, pettäjä ja matchmaker" A. O. Ablesimovin tekstillä ja M. M. Sokolovskyn musiikilla (toisessa versiossa - E. I. Fomina), ajatus maanviljelijän työn jaloudesta ilmaistaan ​​ja jaloa ylimielisyyttä pilkataan. M. A. Matinskyn - V. A. Paškevitšin oopperassa "Pietarin Gostiny Dvor" koronnakija ja lahjonta on kuvattu satiirisessa muodossa.

Ensimmäiset venäläiset oopperat olivat näytelmiä, joissa oli musiikillisia jaksoja. Keskustelukohtaukset olivat niissä erittäin tärkeitä. Ensimmäisten oopperoiden musiikki oli läheisesti sidoksissa venäläiseen kansanlauluun: säveltäjät käyttivät laajasti olemassa olevien kansanlaulujen melodioita, työskentelivät niitä uudelleen tehden niistä oopperan perustan. Esimerkiksi "Melnikissä" kaikki hahmojen ominaisuudet annetaan erilaisten kansanlaulujen avulla. Oopperassa "St. Petersburg Gostiny Dvor" toistetaan kansanmusiikki hääseremonia erittäin tarkasti. "Valmentajat kehyksissä" Fomin loi ensimmäisen esimerkin kansankuorooopperasta ja loi siten yhden myöhemmän venäläisen oopperan tyypillisistä perinteistä.

Venäläinen ooppera kehittyi taistelussa kansallisesta identiteetistään. Kuninkaallisen hovin ja aatelisen yhteiskunnan huipun politiikka, holhoava ulkomaisia ​​ryhmiä, oli suunnattu venäläisen taiteen demokratiaa vastaan. Venäläisen oopperan hahmot joutuivat opettelemaan oopperataitoja Länsi-Euroopan oopperan mallien mukaisesti ja samalla puolustamaan kansallisen suuntauksensa itsenäisyyttä. Tästä monien vuosien kamppailusta tuli ehto venäläisen oopperan olemassaololle, ja se sai uusia muotoja uusissa vaiheissa.

Yhdessä ooppera-komedian kanssa XVIII vuosisadalla. myös muita oopperagenrejä ilmestyi. Vuonna 1790 hovissa pidettiin esitys otsikolla "Oleg's Initial Administration", jonka tekstin on kirjoittanut keisarinna Katariina II, ja musiikin sävelsivät yhdessä säveltäjät K. Canobbio, J. Sarti ja V. A. Pashkevich. esitys ei ollut luonteeltaan niinkään oopperaa kuin oratoriota, ja sitä voidaan jossain määrin pitää ensimmäisenä esimerkkinä 1800-luvulla laajalle levinneestä musiikkihistoriallisesta genrestä. Erinomaisen venäläissäveltäjän D. S. Bortnyanskyn teoksessa oopperagenreä edustavat lyyriset oopperat Haukka ja Kilpailijapoika, joiden musiikki on oopperamuotojen ja taitojen kehittymisen ja nykyisten esimerkkien tasoa. Länsi-Euroopan oopperasta.

Oopperataloa käytettiin 1700-luvulla. suurta suosiota. Vähitellen pääkaupungin ooppera tunkeutui kartanoteattereihin. Linnoitusteatteri 1700- ja 1800-luvun vaihteessa. antaa yksittäisiä erittäin taiteellisia esimerkkejä oopperoiden ja yksittäisten roolien esittämisestä. Ehdolle on asetettu lahjakkaita venäläisiä laulajia ja näyttelijöitä, kuten esimerkiksi pääkaupungin näyttämöllä esiintynyt laulaja E. Sandunova tai Sheremetev-teatterin maaorjanäyttelijä P. Žemtšugova.

1700-luvun venäläisen oopperan taiteelliset saavutukset. antoi sysäyksen musiikkiteatterin nopealle kehitykselle Venäjällä 1800-luvun ensimmäisellä neljänneksellä.

Venäläisen musiikkiteatterin yhteydet aikakauden henkistä elämää määrittäviin ideoihin vahvistuivat erityisesti vuoden 1812 isänmaallisen sodan ja dekabristiliikkeen vuosina. Isänmaallisuuden teema, joka heijastuu historiallisiin ja nykyaikaisiin juoniin, muodostaa perustan monille dramaattisille ja musiikillisille esityksille. Humanismin ideat, protesti yhteiskunnallista eriarvoisuutta vastaan ​​inspiroivat ja hedelmöittävät teatteritaidetta.

XIX vuosisadan alussa. oopperasta ei voi vielä puhua sanan täydessä merkityksessä. Sekatyypeillä on tärkeä rooli venäläisessä musiikkiteatterissa: tragedia musiikin kanssa, vaudeville, koominen ooppera, ooppera-baletti. Ennen Glinkaa venäläinen ooppera ei tuntenut teoksia, joiden dramaturgia perustuisi vain musiikkiin ilman puhuttuja jaksoja.

Mussorgskin musiikkidraama "Khovanshchina" (kuva 12) on omistettu 1600-luvun lopun jousiammuntakapinaille. Kansanliikkeen elementti kaikessa ylenpalttisessa voimassaan ilmentyy merkittävästi oopperan musiikissa, joka perustuu kansanlaulutaiteen luovaan uudelleenajatteluun. "Khovanshchinan" musiikille, kuten "Boris Godunovin" musiikille, on ominaista korkea tragedia. Molempien oopperoiden melodisen mailin perustana on laulun ja deklamatorisen alun synteesi. Mussorgskin ideansa uutuudesta syntynyt innovaatio ja syvästi omaperäinen ratkaisu musiikillisen dramaturgian ongelmiin saavat meidät luokittelemaan molemmat hänen oopperansa musiikkiteatterin korkeimpien saavutusten joukkoon.

Kuva 12

1800-luku on venäläisten oopperaklassikoiden aikakautta. Venäläiset säveltäjät ovat luoneet mestariteoksia eri oopperan tyylilajeissa: draama, eepos, sankarillinen tragedia, komedia. He loivat innovatiivisen musiikkidraaman, joka syntyi läheisessä yhteydessä oopperoiden innovatiiviseen sisältöön. Kansanmassakohtausten tärkeä, määrittävä rooli, hahmojen monipuolinen luonnehdinta, perinteisten oopperamuotojen uusi tulkinta ja koko teoksen musiikillisen yhtenäisyyden uusien periaatteiden luominen ovat venäläisille oopperaklassikoille tunnusomaisia ​​piirteitä. Neyasova, I.Yu. Venäjän historiallinen ooppera 1800-luvulta. P.63.

Venäläisestä klassisesta oopperasta, joka kehittyi progressiivisen filosofisen ja esteettisen ajattelun vaikutuksesta julkisen elämän tapahtumien vaikutuksesta, tuli yksi 1800-luvun venäläisen kansallisen kulttuurin merkittävistä puolista. Koko venäläisen oopperan kehityspolku viime vuosisadalla kulki rinnakkain Venäjän kansan suuren vapautusliikkeen kanssa; säveltäjiä inspiroivat korkeat humanismin ja demokraattisen valistuksen ideat, ja heidän teoksensa ovat meille loistavia esimerkkejä todella realistisesta taiteesta.

3.1 Modest Petrovitš Mussorgski

Modest Petrovich Mussorgsky - yksi 1800-luvun loistavimmista venäläisistä säveltäjistä, "Mighty Handful" -ryhmän jäsen. Mussorgskin innovatiivinen työ oli paljon aikaansa edellä.

Syntynyt Pihkovan maakunnassa. Kuten monet lahjakkaat ihmiset, hän osoitti lapsuudesta asti lahjakkuutta musiikissa, opiskeli Pietarissa, oli perheen perinteen mukaan sotilas. Ratkaiseva tapahtuma, joka päätti, että Mussorgski ei syntynyt asepalvelukseen, vaan musiikkiin, oli hänen tapaamisensa M.A. Balakirevin kanssa ja liittyminen "Mighty Handful" -ryhmään. Mussorgski on suuri siinä mielessä, että suurenmoisissa teoksissaan - oopperoissa "Boris Godunov" ja "Khovanshchina" (kuva 13) hän vangitsi musiikkiin Venäjän historian dramaattiset virstanpylväät radikaalilla uutuudella, jota venäläinen musiikki ei tiennyt ennen häntä, esitellen ne ovat yhdistelmä kansanmusiikkikohtauksia ja erilaisia ​​tyyppejä, venäläisten ainutlaatuista luonnetta. Nämä oopperat, sekä kirjailijan että muiden säveltäjien lukuisissa painoksissa, ovat maailman suosituimpia venäläisiä oopperoita. Danilova, G.I. Taide. P.96.

3.2 Mussorgskin oopperan "Khovanshchina" ominaisuudet

"Khovamshchina"(kansanmusiikkidraama) - venäläisen säveltäjän M. P. Mussorgskin viidestä näytöksestä koostuva ooppera, joka on luotu hänen oman libretonsa mukaan useiden vuosien aikana ja jota kirjailija ei ole koskaan valmistunut; työn viimeisteli N. A. Rimsky-Korsakov.

Khovanshchina on enemmän kuin ooppera. Mussorgskia kiinnostivat Venäjän historian traagiset lait, ikuinen hajoaminen, kärsimyksen ja veren lähde, sisällissodan ikuinen ennakkoedustaja, ikuinen polviltaan nousu ja yhtä vaistomainen halu palata tavanomaiseen asentoonsa.

Mussorgski hautoo idean "Khovanshchina" ja alkaa pian kerätä materiaaleja. Kaikki tämä toteutettiin V. Stasovin aktiivisella osallistumisella, joka 70-luvulla. tuli läheiseksi Mussorgskiin ja oli yksi harvoista, jotka todella ymmärsivät säveltäjän luovien aikomusten vakavuuden. V. V. Stasovista tuli Mussorgskin innoittaja ja lähin avustaja tämän oopperan luomisessa, jonka parissa hän työskenteli vuodesta 1872 lähes elämänsä loppuun. "Omistan sinulle koko elämäni ajanjakson, jolloin Khovanshchina luodaan... sinä annoit sille alun", Mussorgski kirjoitti Stasoville 15.7.1872.

Kuva 13

Säveltäjä veti jälleen puoleensa Venäjän kansan kohtalo Venäjän historian käännekohdassa. 1600-luvun lopun kapinalliset tapahtumat, vanhan bojaari-Russin ja Pietari I:n uuden nuoren Venäjän välinen jyrkkä taistelu, jousimiesten mellakat ja skismaatikoiden liike antoi Mussorgskille mahdollisuuden luoda uusi kansanmusiikkidraama. Kirjoittaja omisti "Khovanshchinan" V. V. Stasoville. Danilova, G.I. Taide. P.100.

"Khovanshchinan" työskentely oli vaikeaa - Mussorgski kääntyi materiaaliin, joka ylitti oopperaesityksen. Hän kirjoitti kuitenkin intensiivisesti ("Työ on täydessä vauhdissa!"), vaikkakin pitkillä tauoilla monista syistä. Tällä hetkellä Mussorgsky kävi läpi Balakirevin ympyrän hajoamista, suhteiden jäähtymistä Cuin ja Rimski-Korsakovin kanssa, Balakirevin poistumista musiikillisesta ja sosiaalisesta toiminnasta. Hän koki, että jokaisesta heistä oli tullut itsenäinen taiteilija ja hän oli jo kulkenut oman tiensä. Byrokraattinen palvelu jätti musiikin säveltämiseen vain ilta- ja yötunnit, mikä johti vakavaan ylityöhön ja yhä pitkittyneempiin masennukseen. Kaikesta huolimatta säveltäjän luova voima tänä aikana on kuitenkin silmiinpistävää vahvuudessaan ja taiteellisten ideoiden rikkaudessa.

"Khovanshchina on monimutkainen venäläinen ooppera, yhtä monimutkainen kuin venäläinen sielu. Mutta Mussorgski on niin hämmästyttävä säveltäjä, että kaksi hänen oopperastaan ​​esitetään eri oopperoissa ympäri maailmaa lähes joka vuosi. Abdrazakov, RIA Novosti.

Ooppera paljastaa kansanelämän kokonaisia ​​kerroksia ja näyttää Venäjän kansan hengellisen tragedian perinteisen historian ja elämäntavan käännekohdassa.

3.3 Ooppera Mussorgski "Khovanshchina" teatterissa

Eepoksen suurenmoinen mittakaava - juuri tässä muodossa Aleksanteri Titel puhuu mieluummin viime vuosina, Sergei Prokofjevin "Sota ja rauha", Mussorgskin "Boris Godunov" ja lopuksi valtava historiallinen kangas - "Khovanshchina" . Ei tarvitse muistuttaa tämän Mussorgskin luomuksen nykypäivän merkityksestä, joka imee kaikki "venäläisen" traagiset törmäykset - vallan ja kansan murtuminen, uskonnollinen jakautuminen, poliittiset juonit, fanaattinen idealismi, jatkuva etsintä polku", euraasian haara. Relevanssi on pinnalla, eikä ole sattumaa, että "Khovanshchina" viime kauden "akselilla" on Euroopan lavalla - Wienissä, Stuttgartissa, Antwerpenissä, Birminghamissa. Titelin esitys lähes tuskalla palauttaa maanmiehensä näihin Mussorgskin teemoihin.

Siitä, että teatteri lähestyi "historiallista" lausuntoaan erityisen intensiivisesti, todistaa ensi-iltaa varten valmisteltu kirjanen, jossa on leikkauksia dokumenteista ja todellisista Khovanshchinan prototyyppien elämäkerroista, sekä näyttely, joka on ajoitettu samaan aikaan esityksen julkaisun kanssa v. teatterin atrium, jossa on esillä arkeologisia löytöjä "Khovanshchinan" ajoilta - teatterirakennuksen alta löydettyjä aseiden fragmentteja. Ilmeisesti esityksen ilmapiirin tällaisen seurueen kanssa olisi pitänyt tulla vielä "autenttisemmaksi". Mutta yleisöä eivät tervehtineet tornit ja Kremlin tornit lavalla, vaan yksinkertainen latomainen lankkulaatikko, jossa venäläisen elämän synkkä eepos avautui yli kolmen tunnin ajan. Aleksanteri Lazarev asetti musiikillisen sävyn, valitessaan Dmitri Šostakovitšin orkestroinnin, joka oli täynnä metallisia ylisävyjä, katkeaa ikään kuin soinnien kuiluun, raskaisiin kelloihin, jotka kuulostivat hänen tulkinnassaan melkein lakkaamattomasta vahvuudesta, raskaan lyijymarcaton murskaus jopa piirrettynä. -lyyrisiä kappaleita. Välillä orkesteri hiipui ja sitten kuorot tulivat ulos "ulkopuolelta": kuuluisa "Isä, isä, tule meille!" kuulosti mestariteokselta, hiljaisista skismaattisista rukouksista. Masol, L.M., Aristova L.S. Musiikki taide. P.135.

Kuva 14

Kova orkesteritausta vastasi lavan synkkää kiihkeää toimintaa. Valtavat ekstrat - satoja ihmisiä pukeutuneena yhtenäisesti, helakanpunaiseen - streltsy-väriseen (kuva 14) tai valkoiseen - "folk". Prinsseillä on yksinkertaiset kaftaanit pienillä napeilla, ilman tavanomaisia ​​turkisia ja arvokkaita brodeerauksia. Nämä extrat osallistuvat aterioihin pitkän puupöydän ääressä, tulevat ulos väkijoukkoon ikonien kanssa, veljeilevät olkapäitään puristaen Bati Khovanskyn ympärillä. Mutta väkijoukko lavalla ei "elänyt", vaan kuvasi juonen.

Kuva 15

Mutta pääjuoni avautui "ylhäällä" - prinssien ja bojarien keskuudessa, jotka kutovat salaliittoja, sanelevat irtisanomisia, taistelevat vallasta. Ensin Shaklovity (Anton Zaraev) sanelee raivoissaan Podyachylle (Valeri Mikitski), pelotellen häntä kidutuksella ja ryöstöllä, raportin tsaarille Pietarille ja Ivanille Khovanskin isästä ja pojasta, sitten prinssi Golitsyn (Nazhmiddin Mavljanov) kutoo juonen vastaan. viranomaiset Khovanskyn (Dmitry Uljanov) ja Dosifein (Denis Makarov) kanssa - kiihkeästi, taistelun partaalla. Täällä nuorempi Khovansky (Nikolai Erokhin), täsmälleen samalla kiihkolla, jahtaa eroottisesti saksalaista naista Emmaa (Elena Guseva) ja skismaattinen Martha (Ksenia Dudnikova) - vetää kostonhimoisesti järkyttynyttä Andreita tekemään itsemurhan sketissä. Mussorgskin sankarit ovat näytelmässä ikään kuin heidän jokainen sanansa kääntäisi maailman ylösalaisin. He huutavat aarioissa, kunnes ovat käheitä, lyövät nyrkkiä pöytään. Marfa arvaa hirveästi, lyö nyrkkiä veteen ja ikäänkuin puristaisi jotain elävää sinkkiämpäristä. Jousimiehet laskevat päänsä helakanpunaisille kaftaaneille teloitusta varten, ja Khovansky Sr nostaa persialaisten hameita. Lavalla armenialainen duduk kuulostaa melankoliselta - esitykseen lisätty numero. Totta, miksi se on tärkeämpää kuin tavallinen persialainen tanssi, ei ole täysin selvää. Valitettavasti ei myöskään ole selvää, mihin esitykseen päädyttiin, ja se päättyi kuvaan seisovasta skismaattisesta väkijoukosta, joka syöksyi pimeyteen, josta sankarit väittelivät niin kiihkeästi, murtautuivat äänensä ja räjähtelivät hysteeriassa kolmen tunnin ajan. rivi, mitä he tarkalleen halusivat kertoa kokemuksestaan, paitsi kuva synkästä Venäjästä. Mukaan lukien, ja koska esityksen sanat ovat melkein erottamattomat. Juoksevan linjan kuvatekstit ovat englanninkielisiä, ja salissa on vähän libreton ulkoa tuntevia. Samaan aikaan ei ollut sattumaa, että Mussorgski itse kirjoitti joka sanan. Hän loi "Khovanshchinan" nykypoliittiseksi draamaksi ja luultavasti toivoi, että tämän tarinan kokemus auttaisi muuttamaan jotain nykyisyydessä.

7 maailmankuulua venäläistä oopperaa

Venäläinen taiteilija ja kirjailija Konstantin Korovin.
Boris Godunov. Kruunaus. 1934. Maisemapiirros M. P. Mussorgskin oopperaan "Boris Godunov"

Länsimaisten mallien jäljitelmänä syntynyt venäläinen ooppera on antanut arvokkaan panoksen koko maailman kulttuurin aarrekammioon. Ranskalaisen, saksalaisen ja italialaisen oopperan klassisen kukoistuskauden aikana esiintynyt venäläinen ooppera 1800-luvulla ei vain saavuttanut klassisia kansallisoopperakouluja, vaan myös ohittanut ne. On mielenkiintoista, että venäläiset säveltäjät valitsivat teoksiinsa perinteisesti puhtaasti kansanluonteisia aiheita.

1

"Elämä tsaarille" Glinka

Ooppera "Elämä tsaarille" tai "Ivan Susanin" kertoo vuoden 1612 tapahtumista - aateliston Puolan kampanjasta Moskovaa vastaan. Libreton kirjoittajaksi tuli paroni Jegor Rozen, mutta Neuvostoliiton aikana libreton editointi uskottiin ideologisista syistä Sergei Gorodetskylle. Oopperan ensi-ilta pidettiin Pietarin Bolshoi-teatterissa vuonna 1836. Susaninin osan suoritti pitkään Fjodor Chaliapin. Vallankumouksen jälkeen Life for the Tsar jätti Neuvostoliiton näyttämölle. Juoni yritettiin mukauttaa uuden ajan vaatimuksiin: näin Susanin hyväksyttiin komsomoliin, ja viimeiset rivit kuulostivat "Kunnia, kunnia, neuvostojärjestelmä". Gorodetskin ansiosta, kun ooppera esitettiin Bolshoi-teatterissa vuonna 1939, "neuvostojärjestelmä" korvattiin "venäläisillä". Vuodesta 1945 lähtien Bolshoi-teatteri on perinteisesti avannut kauden erilaisilla Glinkan Ivan Susaninin tuotannoilla. Oopperan laajin tuotanto ulkomailla toteutui kenties Milanon La Scalassa.

2

Mussorgski Boris Godunov

Oopperan, jossa tsaari ja kansa valitaan kahdeksi hahmoksi, aloitti Mussorgski lokakuussa 1868. Libreton kirjoittamiseen säveltäjä käytti Pushkinin samannimisen tragedian tekstiä ja materiaaleja Karamzinin Venäjän valtion historiasta. Oopperan teemana oli Boris Godunovin hallituskausi juuri ennen vaikeuksien aikaa. Mussorgski valmistui Boris Godunov-oopperan ensimmäinen painos vuonna 1869, joka esiteltiin Keisarillisten teatterien osaston teatterikomitealle. Arvostelijat kuitenkin hylkäsivät oopperan kieltäytyen näyttämästä sitä kirkkaan naisroolin puutteen vuoksi. Mussorgski esitteli oopperaan Marina Mniszekin ja False Dmitryn rakkauslinjan "puolalaisen" näytelmän. Hän lisäsi myös monumentaalisen kohtauksen kansannoususta, mikä teki finaalista näyttävämmän. Kaikista mukautuksista huolimatta ooppera hylättiin jälleen. Se esitettiin vain 2 vuotta myöhemmin, vuonna 1874, Mariinski-teatterin lavalla. Ulkomailla oopperan ensi-ilta pidettiin Bolshoi-teatterissa Pariisin suuressa oopperassa 19. toukokuuta 1908.

3

Tšaikovskin Patakuningatar

Ooppera valmistui Tšaikovskin toimesta alkukeväällä 1890 Firenzessä, ja ensimmäinen esitys tapahtui saman vuoden joulukuussa Mariinski-teatterissa Pietarissa. Säveltäjä kirjoitti oopperan Imperiumin teatterin tilauksesta, ja ensimmäistä kertaa Tšaikovski kieltäytyi ottamasta tilausta vastaan, koska hän perusteli kieltäytymistään juonen "oikean lavaläsnäolon" puutteella. On mielenkiintoista, että Pushkinin tarinassa päähenkilöllä on sukunimi Hermann (kaksi "n"-kirjainta lopussa), ja oopperan päähenkilönä on mies nimeltä Herman - tämä ei ole virhe, vaan kirjailijan tahallinen muutos. . Vuonna 1892 ooppera esitettiin ensimmäistä kertaa Venäjän ulkopuolella Prahassa. Sitten - ensimmäinen tuotanto New Yorkissa vuonna 1910 ja ensi-ilta Lontoossa vuonna 1915.

4

"Prinssi Igor" Borodin

Libreton perustana oli muinaisen venäläisen kirjallisuuden muistomerkki "Tarina Igorin kampanjasta". Juonen ideaa ehdotti Borodinille kriitikko Vladimir Stasov yhdessä Šostakovitšin musiikki-illassa. Ooppera luotiin yli 18 vuotta, mutta säveltäjä ei koskaan saanut sitä valmiiksi. Borodinin kuoleman jälkeen Glazunov ja Rimsky-Korsakov valmistuivat työstä. On olemassa mielipide, että Glazunov pystyi palauttamaan muistista kerran kuulemansa oopperan alkusoiton kirjoittajan esityksen, mutta Glazunov itse kiisti tämän mielipiteen. Huolimatta siitä, että Glazunov ja Rimski-Korsakov tekivät suurimman osan työstä, he väittivät, että prinssi Igor oli kokonaan Aleksanteri Porfiryevich Borodinin ooppera. Oopperan ensi-ilta pidettiin Mariinski-teatterissa Pietarissa vuonna 1890, yhdeksän vuoden kuluttua Prahassa sen näki ulkomaalainen yleisö.

5

Rimski-Korsakovin kultainen kukko

Ooppera Kultainen kukko kirjoitettiin vuonna 1908 Pushkinin samannimiseen satuun. Tämä ooppera oli Rimski-Korsakovin viimeinen teos. Keisarilliset teatterit kieltäytyivät näyttämästä oopperaa. Mutta heti kun yleisö näki sen ensimmäisen kerran vuonna 1909 Moskovan Sergei Ziminin oopperatalossa, ooppera esitettiin kuukautta myöhemmin Bolshoi-teatterissa, ja sitten se aloitti voittokulkueensa ympäri maailmaa: Lontoossa, Pariisissa, New York, Berliini, Wroclaw.

6

Shestakovichin "Lady Macbeth Mtsenskin alueelta".

Leskovin samannimiseen romaaniin perustuva ooppera valmistui joulukuussa 1930 ja esitettiin ensimmäisen kerran Mihailovski-teatterissa Leningradissa tammikuussa 1934. Vuonna 1935 ooppera esitettiin yleisölle Clevelandissa, Philadelphiassa, Zürichissä, Buenos Airesissa, New Yorkissa, Lontoossa, Prahassa ja Tukholmassa. 1930-luvun jälkipuoliskolla 1950-luvulle ooppera kiellettiin näyttämöllä Venäjällä, ja maan kommunistisen puolueen johto tuomitsi Shestakovitšin itsensä. Teosta kuvailtiin "musiikin sijasta sotkuksi", "tahallisesti tehdyksi räikeäksi" ja se toimi sysäyksenä säveltäjän vainoamiseen. Esitykset Venäjällä jatkuivat vasta vuonna 1962, mutta yleisö näki oopperan nimeltä Katerina Izmailova.

7

"Kivivieras" Dargomyzhsky

Oopperan idea tuli Aleksanteri Dargomyzhskiltä vuonna 1863. Säveltäjä kuitenkin epäili sen menestystä ja piti teosta luovana "tiedusteluna", "hauskana Pushkinin Don Giovannista". Hän kirjoitti musiikkia Pushkinin Kivivieraan tekstiin muuttamatta siinä sanaakaan. Sydänongelmat eivät kuitenkaan antaneet säveltäjälle mahdollisuutta saada teosta loppuun. Hän kuoli pyytäen testamentissa ystäviään Cuita ja Rimski-Korsakovia saattamaan työn valmiiksi. Ooppera esiteltiin ensimmäisen kerran yleisölle vuonna 1872 Pietarin Mariinski-teatterin lavalla. Ulkomainen ensi-ilta pidettiin vasta vuonna 1928 Salzburgissa. Tästä oopperasta on tullut yksi "perustuskivistä", tietämättä on mahdotonta ymmärtää paitsi venäläistä klassista musiikkia myös maamme yleistä kulttuuria.

Maailman klassista musiikkia ei voida ajatella ilman venäläisten säveltäjien teoksia. Venäjä, suuri maa, jossa on lahjakkaita ihmisiä ja kulttuuriperintöä, on aina ollut yksi maailman edistyksen ja taiteen, myös musiikin, johtavista vetureista. Venäläinen säveltäjäkoulu, jonka perinteitä jatkoivat Neuvostoliiton ja nykyinen venäläinen koulukunta, sai alkunsa 1800-luvulla säveltäjistä, jotka yhdistivät eurooppalaista musiikkitaidetta venäläisiin kansanmelodioihin yhdistäen eurooppalaisen muodon ja venäläisen hengen.

Jokaisesta näistä kuuluisista ihmisistä voidaan sanoa paljon, heillä kaikilla ei ole yksinkertaisia ​​​​ja joskus traagisia kohtaloita, mutta tässä katsauksessa olemme yrittäneet antaa vain lyhyen kuvauksen säveltäjien elämästä ja työstä.

1.Mihail Ivanovitš GLINKA (1804—1857)

Mihail Ivanovitš Glinka on venäläisen klassisen musiikin perustaja ja ensimmäinen kotimainen klassisen musiikin säveltäjä, joka on saavuttanut maailmankuulun. Hänen teoksensa, jotka perustuvat venäläisen kansanmusiikin vuosisatoja vanhoihin perinteisiin, olivat uusi sana maamme musiikkitaiteessa.
Syntynyt Smolenskin läänissä, koulunsa Pietarissa. Mihail Glinkan työn maailmankuvan ja pääidean muodostumista helpotti suora kommunikointi sellaisten henkilöiden kanssa, kuten A.S. Pushkin, V.A. Žukovski, A.S. Gribojedov, A.A. Delvig. Luovaa sysäystä hänen työhönsä lisäsivät pitkäaikainen matka Eurooppaan 1830-luvun alussa ja tapaamiset aikansa johtavien säveltäjien - V. Bellinin, G. Donizettin, F. Mendelssohnin ja myöhemmin G. Berliozin, J. Meyerbeer. M.I. Glinka menestyi lavastaessaan oopperan "Ivan Susanin" ("Elämä tsaarille") (1836), jonka kaikki saivat innostuneen vastaanoton, ensimmäistä kertaa maailmanmusiikissa, venäläinen kuorotaide sekä eurooppalainen sinfoninen ja oopperakäytäntö. orgaanisesti yhdistetty, samoin kuin sankari, samanlainen kuin Susanin, jonka kuva tiivistää kansallisen luonteen parhaat ominaisuudet. VF Odojevski kuvaili oopperaa "uudeksi elementiksi taiteessa, ja sen historiassa alkaa uusi aika - venäläisen musiikin aika".
Toinen ooppera - eepos "Ruslan ja Ljudmila" (1842), jonka työ tehtiin Pushkinin kuoleman taustalla ja säveltäjän vaikeissa elinoloissa teoksen syvän innovatiivisuuden vuoksi, oli epäselvä. yleisö ja viranomaiset ottivat vastaan ​​ja toivat M.I. Glinkalle kovia tunteita. Sen jälkeen hän matkusti paljon, asuen vuorotellen Venäjällä ja ulkomailla, lopettamatta säveltämistä. Hänen perintöönsä jäivät romanssit, sinfoniset ja kamariteokset. 1990-luvulla Mikhail Glinkan "Isänmaallinen laulu" oli Venäjän federaation virallinen hymni.

M.I. Glinkan lainaus: "Kauneuden luomiseksi täytyy olla puhdas sielultaan."

Lainaus M.I. Glinkasta: "Koko venäläinen sinfoninen koulukunta, kuten koko tammi tammenterhossa, sisältyy sinfoniseen fantasiaan "Kamarinskaja". P.I. Tšaikovski

Mielenkiintoinen tosiasia: Mihail Ivanovich Glinka ei eronnut hyvästä terveydestä, tästä huolimatta hän oli erittäin rento ja tiesi maantieteen erittäin hyvin, ehkä jos hänestä ei olisi tullut säveltäjä, hänestä olisi tullut matkustaja. Hän osasi kuusi vierasta kieltä, mukaan lukien persia.

2. Aleksanteri Porfiryevich BORODIN (1833—1887)

Aleksanteri Porfirievitš Borodin, yksi 1800-luvun toisen puoliskon johtavista venäläisistä säveltäjistä, oli säveltäjäkykynsä lisäksi kemisti, lääkäri, opettaja, kriitikko ja hänellä oli kirjallinen lahjakkuus.
Pietarissa syntynyt, lapsuudesta lähtien kaikki hänen ympärillään ovat panneet merkille hänen epätavallisen aktiivisuuden, innostuksen ja kyvyt eri suuntiin, pääasiassa musiikissa ja kemiassa. A.P. Borodin on venäläinen nugget-säveltäjä, hänellä ei ollut ammattimaisia ​​muusikkoopettajia, kaikki hänen saavutuksensa musiikissa johtuvat itsenäisestä työstä sävellystekniikan hallitsemiseksi. A.P. Borodinin muodostumiseen vaikutti M.I. Glinka (samoin kuin kaikki 1800-luvun venäläiset säveltäjät) ja kaksi tapahtumaa antoivat sysäyksen sävellyksen tiiviiseen ammattiin 1860-luvun alussa - ensinnäkin tuttavuus ja avioliitto lahjakkaan pianistin E. S. Protopopovan kanssa ja toiseksi tapaaminen M.A. Balakirev ja liittyminen venäläisten säveltäjien luovaan yhteisöön, joka tunnetaan nimellä "Mighty Handful". 1870-luvun lopulla ja 1880-luvulla A.P. Borodin matkusti ja kiersi laajasti Euroopassa ja Amerikassa, tapasi aikansa johtavia säveltäjiä, hänen maineensa kasvoi, hänestä tuli yksi tunnetuimmista ja suosituimmista venäläisistä säveltäjistä Euroopassa 1800-luvun lopulla. vuosisadalla vuosisadalla.
A.P. Borodinin teoksessa keskeinen paikka on oopperalla "Prinssi Igor" (1869-1890), joka on esimerkki musiikin kansallisesta sankarieeposesta ja jota hän itse ei ehtinyt viimeistellä (sen valmistui hänen ystävänsä A.A. Glazunov ja N.A. Rimski-Korsakov). "Prinssi Igorissa" historiallisten tapahtumien majesteettisten kuvien taustalla heijastui säveltäjän koko työn pääidea - rohkeus, rauhallinen loisto, parhaiden venäläisten ihmisten henkinen jalo ja mahtava voima. koko Venäjän kansasta, mikä ilmeni isänmaan puolustamisessa. Huolimatta siitä, että A. P. Borodin jätti suhteellisen pienen määrän teoksia, hänen työnsä on hyvin monimuotoista ja häntä pidetään yhtenä venäläisen sinfonisen musiikin isistä, joka vaikutti useisiin venäläisten ja ulkomaisten säveltäjien sukupolviin.

Lainaus A.P. Borodinista: "Borodinin lahjakkuus on yhtä voimakas ja hämmästyttävä sekä sinfoniassa että oopperassa ja romanssissa. Hänen tärkeimpiä ominaisuuksiaan ovat jättimäinen voima ja leveys, valtava ulottuvuus, nopeus ja kiihkoisuus yhdistettynä hämmästyttävään intohimoon, hellyyteen ja kauneuteen." V. V. Stasov

Mielenkiintoinen tosiasia: karboksyylihappojen hopeasuolojen kemiallinen reaktio halogeenien kanssa, jolloin tuloksena on halogeenisubstituoituja hiilivetyjä, jota hän tutki ensimmäisen kerran vuonna 1861, on nimetty Borodinin mukaan.

3. Modest Petrovich MUSSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrovich Mussorgsky - yksi 1800-luvun loistavimmista venäläisistä säveltäjistä, "Mighty Handful" -ryhmän jäsen. Mussorgskin innovatiivinen työ oli paljon aikaansa edellä.
Syntynyt Pihkovan maakunnassa. Kuten monet lahjakkaat ihmiset, hän osoitti lapsuudesta asti lahjakkuutta musiikissa, opiskeli Pietarissa, oli perheen perinteen mukaan sotilas. Ratkaiseva tapahtuma, joka päätti, että Mussorgski ei syntynyt asepalvelukseen, vaan musiikkiin, oli hänen tapaamisensa M.A. Balakirevin kanssa ja liittyminen "Mighty Handful" -ryhmään. Mussorgski on suuri, koska hän vangitsi suurenmoisissa teoksissaan - oopperoissa "Boris Godunov" ja "Khovanshchina" - Venäjän historian dramaattiset virstanpylväät radikaalilla uutuudella, jota venäläinen musiikki ei tiennyt ennen häntä, esittäen niissä yhdistelmän massaa. kansanmusiikkikohtaukset ja monipuolinen tyypit, venäläisen kansan ainutlaatuinen luonne. Nämä oopperat, sekä kirjailijan että muiden säveltäjien lukuisissa painoksissa, ovat maailman suosituimpia venäläisiä oopperoita. Toinen Mussorgskin merkittävä teos on pianokappalesarja "Kuvia näyttelyssä", värikkäitä ja kekseliäitä miniatyyrejä läpäisevät venäläinen refrääniteema ja ortodoksinen usko.

Mussorgskin elämässä oli kaikkea - sekä suuruutta että tragediaa, mutta hän erottui aina aidosta henkisestä puhtaudesta ja välinpitämättömyydestä. Hänen viimeiset vuodet olivat vaikeita - epävakaa elämä, luovuuden tunnustamatta jättäminen, yksinäisyys, alkoholiriippuvuus, kaikki tämä määräsi hänen varhaisen kuolemansa 42-vuotiaana, hän jätti suhteellisen vähän sävellyksiä, joista osan valmistuivat muut säveltäjät. Mussorgskin erityinen melodia ja innovatiivinen harmonia ennakoi joitain 1900-luvun musiikillisen kehityksen piirteitä ja sillä oli tärkeä rooli monien maailman säveltäjien tyylien kehityksessä.

Kansanedustaja Mussorgskin lainaus: "Ihmispuheen äänien, ajatuksen ja tunteen ulkoisena ilmentymänä, tulee ilman liioittelua ja raiskausta tulla totuudenmukaista, täsmällistä musiikkia, mutta taiteellista, erittäin taiteellista."

Lainaus M.P. Mussorgskista: "Aboriginaalien venäläinen kuulostaa kaikessa, mitä Mussorgski teki" N.K. Roerich

Mielenkiintoinen tosiasia: Mussorgski luopui elämänsä lopussa "ystävien" Stasovin ja Rimski-Korsakovin painostuksesta teostensa tekijänoikeuksista ja esitteli ne Tertiy Filippoville

4. Peter Iljitš Tšaikovski (1840—1893)

Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski, ehkä 1800-luvun suurin venäläinen säveltäjä, nosti venäläisen musiikkitaiteen ennennäkemättömiin korkeuksiin. Hän on yksi maailman klassisen musiikin tärkeimmistä säveltäjistä.
Vjatkan maakunnasta kotoisin oleva Tšaikovski, vaikka isän juuret ovat Ukrainassa, osoitti musiikillisia kykyjä lapsuudesta lähtien, mutta hänen ensimmäinen koulutus ja työnsä oli oikeusalalla. Tšaikovski on yksi ensimmäisistä venäläisistä "ammattimaisista" säveltäjistä - hän opiskeli musiikin teoriaa ja sävellystä Pietarin uudessa konservatoriossa. Tšaikovskia pidettiin "länsimaisena" säveltäjänä, toisin kuin "Mighty Handful" kansanhahmot, joiden kanssa hänellä oli hyvät luovat ja ystävälliset suhteet, mutta hänen työnsä ei ole yhtä läpäissyt venäläisen hengen, hän onnistui yhdistämään ainutlaatuisesti Mihail Glinkalta peritty Mozartin, Beethovenin ja Schumannin länsimainen sinfoninen perintö venäläisillä perinteillä.
Säveltäjä vietti aktiivista elämää - hän oli opettaja, kapellimestari, kriitikko, julkisuuden henkilö, työskenteli kahdessa pääkaupungissa, kierteli Euroopassa ja Amerikassa. Tšaikovski oli emotionaalisesti melko epävakaa henkilö, innostus, pettymys, apatia, ärtyneisyys, väkivaltainen viha - kaikki nämä tunnelmat muuttuivat hänessä melko usein, koska hän oli erittäin seurallinen henkilö, hän pyrki aina yksinäisyyteen.
Tšaikovskin teoksista on vaikea erottaa jotain parasta, hänellä on useita samankokoisia teoksia lähes kaikissa musiikin genreissä - ooppera, baletti, sinfonia, kamarimusiikki. Tšaikovskin musiikin sisältö on universaalia: jäljittelemättömällä melodismilla se kattaa kuvia elämästä ja kuolemasta, rakkaudesta, luonnosta, lapsuudesta, venäläisen ja maailmankirjallisuuden teoksia paljastuu siinä uudella tavalla, heijastuu henkisen elämän syviä prosesseja.

Lainaus säveltäjästä:
"Olen taiteilija, joka voi ja täytyy tuoda kunniaa isänmaalle. Tunnen itsessäni suuren taiteellisen voiman, en ole vielä tehnyt kymmenesosaakaan siitä, mitä voin tehdä. Ja haluan tehdä sen kaikin voimin sielu."
"Elämällä on viehätysvoimaa vain silloin, kun se koostuu ilojen ja surujen vuorottelusta, hyvän ja pahan taistelusta, valosta ja varjosta, sanalla sanoen monimuotoisuudesta yhtenäisyydessä."
"Suuri lahjakkuus vaatii kovaa työtä."

Lainaus säveltäjästä: "Olen valmis yötä päivää seisomaan kunniavartiossa sen talon kuistilla, jossa Pjotr ​​Iljitš asuu - siinä määrin kunnioitan häntä" A. P. Tšehov

Mielenkiintoinen tosiasia: Cambridgen yliopisto myönsi Tšaikovskille poissaolevana ja väitöskirjaa puolustamatta musiikin tohtorin arvonimen, ja Pariisin kuvataideakatemia valitsi hänet kirjeenvaihtajajäseneksi.

5. Nikolai Andreevich RIMSKI-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov on lahjakas venäläinen säveltäjä, yksi tärkeimmistä henkilöistä arvokkaan kotimaisen musiikkiperinnön luomisessa. Hänen omalaatuisella maailmallaan ja maailmankaikkeuden ikuisen kaiken kattavan kauneuden palvonnalla, olemisen ihmeen ihailulla, ykseydellä luonnon kanssa ei ole analogia musiikin historiassa.
Syntyi Novgorodin maakunnassa, perheen perinteen mukaan, hänestä tuli laivaston upseeri, sota-aluksella hän matkusti monissa maissa Euroopassa ja kahdessa Amerikassa. Hän sai musiikillisen koulutuksensa ensin äidiltään, sitten yksityistunteja pianisti F. Canillelta. Ja jälleen, kiitos M.A. Balakirevin, "Mighty Handful" -tapahtuman järjestäjän, joka esitteli Rimsky-Korsakovin musiikkiyhteisöön ja vaikutti hänen työhönsä, maailma ei menettänyt lahjakasta säveltäjää.
Keskeisen paikan Rimski-Korsakovin perinnössä ovat oopperat - 15 teosta, jotka esittelevät säveltäjän eri tyylisiä, tyylillisiä, dramaattisia, sävellyspäätöksiä, mutta joilla on kuitenkin erityinen tyyli - kaikessa orkesterikomponentin rikkaudessa, melodisissa laululinjoissa tärkeimmät. Kaksi pääsuuntaa erottavat säveltäjän työn: ensimmäinen on Venäjän historia, toinen on satujen ja eeppisten maailma, josta hän sai lempinimen "tarinankertoja".
Suoran itsenäisen luovan toiminnan lisäksi N. A. Rimsky-Korsakov tunnetaan publicistina, kansanlaulukokoelmien kokoajana, josta hän osoitti suurta kiinnostusta, sekä ystäviensä - Dargomyzhskyn, Mussorgskyn ja Borodinin - teosten finalistina. Rimski-Korsakov oli säveltäjäkoulun perustaja, opettajana ja Pietarin konservatorion johtajana hän tuotti noin kaksisataa säveltäjää, kapellimestaria, musiikkitieteilijää, muun muassa Prokofjevin ja Stravinskin.

Lainaus säveltäjästä: "Rimski-Korsakov oli hyvin venäläinen henkilö ja hyvin venäläinen säveltäjä. Uskon, että tätä hänen alkuperäisen venäläistä olemusta, hänen syvää kansanperinteis-venäläistä perustaa tulisi arvostaa erityisesti nykyään." Mstislav Rostropovich

1800-luvun lopun - 1900-luvun ensimmäisen puoliskon venäläisten säveltäjien työ on venäläisen koulukunnan perinteiden kokonaisvaltaista jatkoa. Samaan aikaan nimettiin käsite lähestymistavasta tämän tai tuon musiikin "kansalliseen" kuulumiseen, kansanmelodioiden suoraa lainausta ei käytännössä ole, mutta venäläinen intonaatiopohja, venäläinen sielu, säilyi.

6. Aleksanteri Nikolajevitš SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skryabin on venäläinen säveltäjä ja pianisti, yksi venäläisen ja maailman musiikkikulttuurin kirkkaimmista henkilöistä. Skrjabinin omaperäinen ja syvän runollinen teos erottui kekseliäisyydestään myös monien uusien taiteen suuntausten syntyessä, jotka liittyvät julkisen elämän muutoksiin 1900-luvun vaihteessa.
Moskovassa syntynyt äiti kuoli varhain, hänen isänsä ei voinut kiinnittää huomiota poikaansa, koska hän toimi Persian-suurlähettiläänä. Scriabin kasvatti hänen tätinsä ja isoisänsä, lapsuudesta lähtien hän osoitti musiikillisia kykyjä. Aluksi hän opiskeli kadettijoukoissa, otti yksityisiä pianotunteja, valmistuttuaan joukosta hän tuli Moskovan konservatorioon, hänen luokkatoverinsa oli S.V. Rakhmaninov. Valmistuttuaan konservatoriosta Skrjabin omistautui kokonaan musiikille - konserttipianisti-säveltäjänä hän kiersi Eurooppaa ja Venäjää viettäen suurimman osan ajastaan ​​ulkomailla.
Skrjabinin sävellystyön huippu oli vuodet 1903-1908, jolloin syntyivät Kolmas sinfonia ("Jumalallinen runo"), sinfoninen "Ekstaasin runo", "Traginen" ja "Saataninen" pianorunot, 4. ja 5. sonaatti ja muut teokset. vapautettu. Useista teemoista-kuvista koostuva "Ekstaasin runo" keskitti Sryabinin luovat ideat ja on hänen kirkas mestariteos. Siinä yhdistyi harmonisesti säveltäjän rakkaus suuren orkesterin voimaan ja sooloinstrumenttien lyyrinen, ilmava soundi. "Ecstasy-runon" sisältämä kolossaalinen elinvoima, tulinen intohimo, vahva tahtoinen voima tekee kuuntelijaan vastustamattoman vaikutuksen ja säilyttää vaikutuksensa vahvuuden tähän päivään asti.
Toinen Skrjabinin mestariteos on "Prometheus" ("Tulen runo"), jossa kirjoittaja päivitti täysin harmonisen kielensä poikkeamalla perinteisestä sävyjärjestelmästä, ja ensimmäistä kertaa historiassa tämän teoksen piti olla värin mukana. musiikkia, mutta ensi-ilta ei teknisistä syistä mennyt läpi valotehosteita.
Viimeinen keskeneräinen "mysteeri" oli unelmoijan, romantiikan, filosofin Skrjabinin idea vedota koko ihmiskuntaan ja inspiroida häntä luomaan uusi fantastinen maailmanjärjestys, Universaalin Hengen liitto aineen kanssa.

Lainaus A.N. Scriabinilta: "Aion kertoa heille (ihmisille), että he... eivät odota elämältä muuta kuin sitä, mitä he voivat luoda itselleen... Aion kertoa heille, että ei ole mitään surullista siitä, että ei ole menetystä "Etteivät he pelkää epätoivoa, joka yksin voi synnyttää todellisen voiton. Vahva ja voimakas on se, joka on kokenut epätoivon ja voittanut sen."

Lainaus A.N. Skrjabinista: "Scriabinin työ oli hänen aikansa, ilmaistuna äänissä. Mutta kun tilapäinen, ohimenevä saa ilmaisunsa suuren taiteilijan teoksessa, se saa pysyvän merkityksen ja muuttuu kestäväksi." G. V. Plekhanov

7. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rahmaninov on 1900-luvun alun maailman suurin säveltäjä, lahjakas pianisti ja kapellimestari. Rahmaninovin luova kuva säveltäjänä määritellään usein epiteetillä "venäläisin säveltäjä", joka korostaa tässä lyhyessä sanamuodossa hänen ansioitaan Moskovan ja Pietarin säveltäjäkoulujen musiikillisten perinteiden yhdistämisessä ja oman ainutlaatuisen tyylinsä luomisessa. joka erottuu erillään maailman musiikkikulttuurista.
Hän syntyi Novgorodin maakunnassa ja aloitti neljävuotiaana opiskelemaan musiikkia äitinsä johdolla. Hän opiskeli Pietarin konservatoriossa, 3 vuoden opiskelun jälkeen siirtyi Moskovan konservatorioon ja valmistui isolla kultamitalilla. Hänestä tuli nopeasti tunnetuksi kapellimestarina ja pianistina, joka sävelsi musiikkia. Mullistavan ensimmäisen sinfonian (1897) tuhoisa ensiesitys Pietarissa sai aikaan luovan säveltäjän kriisin, josta Rahmaninov nousi 1900-luvun alussa kypsällä tyylillä, joka yhdisti venäläisen kirkon laulunkirjoituksen, ulospäin suuntautuvan eurooppalaisen romantiikan, modernin impressionismin ja uusklassismin, kaikki kylläisiä. monimutkaisen symbolismin kanssa. Tänä luovana aikana syntyivät hänen parhaat teoksensa, mukaan lukien 2 ja 3 pianokonserttoa, toinen sinfonia ja hänen suosikkiteoksensa - runo "Kellot" kuorolle, solisteille ja orkesterille.
Vuonna 1917 Rahmaninov ja hänen perheensä pakotettiin lähtemään maastamme ja asettumaan Yhdysvaltoihin. Lähes kymmenen vuoden ajan lähdön jälkeen hän ei säveltänyt mitään, vaan kiersi laajasti Amerikassa ja Euroopassa ja hänet tunnustettiin yhdeksi aikakauden suurimmista pianisteista ja suurimmista kapellimestareista. Kaikesta myrskyisestä toiminnasta huolimatta Rahmaninov pysyi haavoittuvana ja epävarmana henkilönä, joka pyrki yksinäisyyteen ja jopa yksinäisyyteen välttäen yleisön häiritsevää huomiota. Hän rakasti ja kaipasi vilpittömästi kotimaataan ja pohti, oliko hän tehnyt virheen jättäessään sen. Hän oli jatkuvasti kiinnostunut kaikista Venäjällä tapahtuvista tapahtumista, luki kirjoja, sanomalehtiä ja aikakauslehtiä, auttoi taloudellisesti. Hänen viimeisimmät sävellyksensä - Sinfonia nro 3 (1937) ja "Symphonic Dances" (1940) olivat hänen luovan polkunsa tulos, ja ne omaksuivat hänen ainutlaatuisen tyylinsä parhaat puolet ja korjaamattoman menetyksen ja koti-ikävän surullisen tunteen.

Lainaus S.V. Rahmaninovilta:
"Tunnen olevani aave, joka vaeltelee yksin maailmassa, joka on hänelle vieras."
"Kaiken taiteen korkein laatu on sen vilpittömyys."
"Suuret säveltäjät ovat aina ja ennen kaikkea kiinnittäneet huomiota melodiaan musiikin johtavana periaatteena. Melodia on musiikkia, kaiken musiikin pääperusta... Melodinen kekseliäisyys sanan ylimmässä merkityksessä on säveltäjän tärkein elämäntavoite. ... Tästä syystä menneisyyden suuret säveltäjät osoittivat niin paljon kiinnostusta maittensa kansanmusiikkia kohtaan.

Lainaus S.V. Rahmaninovista:
"Rakhmaninov tehtiin teräksestä ja kullasta: terästä käsissään, kultaa sydämessään. En voi ajatella häntä ilman kyyneleitä. En vain kumarsi suuren taiteilijan edessä, vaan rakastin miestä hänessä." I. Hoffman
"Rakhmaninovin musiikki on valtameri. Sen aallot - musikaaliset - alkavat niin kauas horisontin takaa ja nostavat niin korkealle ja laskevat niin hitaasti... että tunnet tämän Voiman ja Hengityksen." A. Konchalovsky

Mielenkiintoinen tosiasia: Suuren isänmaallisen sodan aikana Rahmaninov antoi useita hyväntekeväisyyskonsertteja, joista kerätyt rahat hän lähetti puna-armeijan rahastoon taistelemaan natsien hyökkääjiä vastaan.

8. Igor Fjodorovitš STRAVINSKI (1882-1971)

Igor Fjodorovitš Stravinski on yksi 1900-luvun vaikutusvaltaisimmista maailmansäveltäjistä, uusklassismin johtaja. Stravinskysta tuli musiikillisen aikakauden "peili", hänen työnsä heijastelee tyylien monimuotoisuutta, jatkuvasti risteäviä ja vaikeasti luokiteltavia. Hän yhdistää vapaasti genrejä, muotoja, tyylejä, valitsee ne vuosisatojen musiikin historiasta ja alistaa ne omiin sääntöihinsä.
Syntynyt Pietarin lähellä, opiskellut Pietarin yliopiston oikeustieteellisessä tiedekunnassa, opiskellut itsenäisesti musiikillisia tieteenaloja, ottanut yksityistunteja N. A. Rimski-Korsakovilta, tämä oli Stravinskyn ainoa sävellyskoulu, jonka ansiosta hän hallitsi sävellystekniikan täydellisesti. Ammattimaisesti hän aloitti säveltämisen suhteellisen myöhään, mutta nousu oli nopeaa - kolmen baletin sarja: Tulilintu (1910), Petrushka (1911) ja Kevään riitto (1913) toi hänet välittömästi ensiluokkaisten säveltäjien joukkoon. .
Vuonna 1914 hän lähti Venäjältä, kuten kävi melkein ikuisesti (vuonna 1962 oli kiertueita Neuvostoliitossa). Stravinsky on kosmopoliittinen, joka on joutunut vaihtamaan useita maita - Venäjää, Sveitsiä, Ranskaa ja päätynyt asumaan Yhdysvaltoihin. Hänen työnsä on jaettu kolmeen ajanjaksoon - "venäläinen", "uusklassinen", amerikkalainen "sarjatuotanto", jaksot eivät ole jaettu elämänajan mukaan eri maissa, vaan tekijän "käsinkirjoituksen" mukaan.
Stravinsky oli erittäin korkeasti koulutettu, seurallinen henkilö, jolla oli upea huumorintaju. Hänen tuttavansa ja kirjeenvaihtajiensa piirissä oli muusikoita, runoilijoita, taiteilijoita, tiedemiehiä, liikemiehiä, valtiomiehiä.
Stravinskyn viimeinen korkein saavutus - "Requiem" (Chants for the Dead) (1966) imeytyi ja yhdisti säveltäjän aiemman taiteellisen kokemuksen, ja siitä tuli todellinen mestarin työn apoteoosi.
Stavinskyn teoksessa erottuu yksi ainutlaatuinen piirre - "ainutlaatuisuus", ei turhaan kutsuttu häntä "tuhannen ja yhden tyylin säveltäjäksi", genren, tyylin, juonen suunnan jatkuva muutos - jokainen hänen teoksensa on ainutlaatuinen, mutta hän palasi jatkuvasti malleihin, joissa venäläinen alkuperä näkyy, kuuli venäläisiä juuria.

Lainaus I.F. Stravinskylta: "Olen puhunut venäjää koko ikäni, minulla on venäläinen tyyli. Ehkä tämä ei ole musiikissani heti näkyvissä, mutta se on siihen luontaista, se on sen piilossa."

Lainaus I.F. Stravinskysta: "Stravinsky on todella venäläinen säveltäjä... Venäläinen henki on tuhoutumaton tämän todella suuren, monitahoisen lahjakkuuden sydämessä, joka on syntynyt Venäjän maasta ja liittyy siihen elinvoimaisesti..." D. Šostakovitš

Mielenkiintoinen fakta (pyörä):
Kerran New Yorkissa Stravinsky otti taksin ja yllättyi lukiessaan nimensä kyltistä.
- Etkö ole säveltäjän sukulainen? hän kysyi kuljettajalta.
- Onko olemassa säveltäjää, jolla on tällainen sukunimi? - kuljettaja yllättyi. - Kuule se ensimmäistä kertaa. Stravinsky on kuitenkin taksin omistajan nimi. Minulla ei ole mitään tekemistä musiikin kanssa - nimeni on Rossini...

9. Sergei Sergeevich PROKOFIEV (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofjev - yksi 1900-luvun suurimmista venäläisistä säveltäjistä, pianisti, kapellimestari.
Syntynyt Donetskin alueella, lapsuudesta lähtien liittyi musiikkiin. Prokofjevia voidaan pitää yhtenä harvoista (jos ei ainoana) venäläisistä musikaalisista "ihmelajeista", 5-vuotiaasta lähtien hän harjoitti säveltämistä, 9-vuotiaana hän kirjoitti kaksi oopperaa (tietenkin nämä teokset ovat vielä kypsymättömiä, mutta he osoittavat halua luoda), 13-vuotiaana hän suoritti kokeet Pietarin konservatoriossa, hänen opettajiensa joukossa oli N. A. Rimski-Korsakov. Hänen ammattiuransa alku aiheutti kritiikin myrskyn ja väärinymmärryksen hänen yksilöllisestä pohjimmiltaan antiromanttisesta ja äärimmäisen modernistisesta tyylistään, paradoksi on, että akateemisia kaanoneja rikkoen hänen sävellyksiensä rakenne pysyi uskollisena klassisille periaatteille ja muuttui myöhemmin modernistisen kaikenkieltävän skeptismin hillitsevä voima. Uransa alusta lähtien Prokofjev esiintyi ja kiersi paljon. Vuonna 1918 hän kävi kansainvälisellä kiertueella, mukaan lukien vierailun Neuvostoliitossa, ja palasi lopulta kotimaahansa vuonna 1936.
Maa on muuttunut ja Prokofjevin "vapaa" luovuus on joutunut väistymään uusien vaatimusten realiteeteille. Prokofjevin lahjakkuus kukoisti uudella voimalla - hän kirjoittaa oopperoita, baletteja, musiikkia elokuviin - terävä, vahvatahtoinen, äärimmäisen tarkka musiikki uusilla kuvilla ja ideoilla loi perustan Neuvostoliiton klassiselle musiikille ja oopperalle. Vuonna 1948 kolme traagista tapahtumaa tapahtui lähes samanaikaisesti: vakoilusta epäiltynä hänen ensimmäinen espanjalainen vaimonsa pidätettiin ja karkotettiin leireille; annettiin bolshevikkien kommunistisen puolueen keskuskomitean polibyroon asetus, jossa Prokofjevia, Šostakovitsia ja muita hyökättiin ja heitä syytettiin "formalismista" ja heidän musiikkinsa vaaroista; säveltäjän terveys heikkeni jyrkästi, hän jäi eläkkeelle maahan eikä käytännössä lähtenyt sieltä, vaan jatkoi säveltämistä.
Jotkut Neuvostoliiton kirkkaimmista teoksista olivat oopperat "Sota ja rauha", "Tarina todellisesta miehestä"; baletit "Romeo ja Julia", "Cinderella", joista on tullut uusi maailman balettimusiikin standardi; oratorio "Maailman vartiolla"; musiikkia elokuville "Aleksanteri Nevski" ja "Ivan the Terrible"; sinfoniat nro 5,6,7; pianotyötä.
Prokofjevin teos on silmiinpistävää monipuolisuudellaan ja teemoiltaan, hänen musiikillisen ajattelunsa omaperäisyys, tuoreus ja omaperäisyys muodostivat kokonaisen aikakauden 1900-luvun maailman musiikkikulttuurissa ja vaikuttivat voimakkaasti moniin neuvosto- ja ulkomaisiin säveltäjiin.

S.S. Prokofjevin lainaus:
"Voiko taiteilija pysyä erossa elämästä?.. Olen vakuuttunut siitä, että säveltäjä, kuten runoilija, kuvanveistäjä, taidemaalari, on kutsuttu palvelemaan ihmistä ja kansaa... Ensinnäkin hänen on oltava kansalainen hänen taiteensa, laulaa ihmiselämästä ja johdattaa ihmistä valoisampaan tulevaisuuteen...
"Olen elämän ilmentymä, joka antaa minulle voimaa vastustaa kaikkea ei-hengellistä"

Lainaus S.S. Prokofjevista: "... hänen musiikkinsa kaikki puolet ovat kauniita. Mutta tässä on yksi täysin epätavallinen asia. Ilmeisesti meillä kaikilla on jonkinlaisia ​​epäonnistumisia, epäilyksiä, vain huono mieli. Ja sellaisina hetkinä , vaikka En soita enkä kuuntele Prokofjevia, mutta ajattele vain häntä, saan uskomattoman energianlisäyksen, tunnen suuren halun elää, näytellä” E. Kissin

Mielenkiintoinen tosiasia: Prokofjev piti shakista kovasti ja rikastutti peliä ideoillaan ja saavutuksillaan, mukaan lukien "yhdeksän" shakki, jonka hän keksi - 24x24-lauta, jossa oli yhdeksän sarjaa nappuloita.

10. Dmitri Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitri Dmitrievich Shostakovich on yksi maailman merkittävimmistä ja esiintyvistä säveltäjistä, hänen vaikutuksensa moderniin klassiseen musiikkiin on mittaamaton. Hänen luomuksensa ovat todellisia ilmentymiä ihmisen sisäisestä draamasta ja 1900-luvun vaikeiden tapahtumien aikakirjoja, joissa syvästi persoonallisuus kietoutuu ihmisen ja ihmiskunnan tragediaan, hänen kotimaansa kohtaloon.
Hän syntyi Pietarissa, sai ensimmäiset musiikkituntinsa äidiltään, valmistui Pietarin konservatoriosta, johon tullessaan sen rehtori Aleksanteri Glazunov vertasi häntä Mozartiin - hän teki kaikkiin vaikutuksen erinomaisella musiikillisella muistillaan, innokkaalla korvallaan ja säveltäjälahjallaan. . Jo 1920-luvun alussa, konservatorion loppuun mennessä, Šostakovitšilla oli matkatavarat omia teoksiaan ja hänestä tuli yksi maan parhaista säveltäjistä. Maailmankuulu Shostakovitš sai voiton ensimmäisen kansainvälisen Chopin-kilpailun vuonna 1927.
Tiettyyn ajanjaksoon asti, nimittäin ennen oopperan "Lady Macbeth of the Mtsensk District" tuotantoa, Šostakovitš työskenteli freelance-taiteilijana - "avantgardena" kokeileen tyylejä ja genrejä. Tämän oopperan ankara tuomitseminen vuonna 1936 ja vuoden 1937 sorrot loivat perustan Shostakovitšin myöhemmälle jatkuvalle sisäiselle taistelulle halusta ilmaista näkemyksensä omin keinoin valtion asettamien taiteen suuntausten edessä. Hänen elämässään politiikka ja luovuus kietoutuvat hyvin tiiviisti, hänet ylistivät viranomaiset ja vainosivat, hän oli korkeissa viroissa ja erotettiin heistä, palkittiin ja hän oli pidätyksen partaalla itse ja sukulaisensa.
Pehmeä, älykäs, herkkä ihminen, hän löysi luovien periaatteiden ilmaisumuotonsa sinfonioista, joissa hän pystyi kertomaan totuuden ajasta mahdollisimman avoimesti. Kaikista Šostakovitšin valtavista teoksista kaikissa genreissä keskeisellä paikalla ovat sinfoniat (15 teosta), dramaattisimmat ovat sinfoniat 5,7,8,10,15, joista tuli Neuvostoliiton sinfonisen musiikin huippu. Kamarimusiikissa avautuu täysin erilainen Šostakovitš.
Huolimatta siitä, että Šostakovitš itse oli "kotisäveltäjä" eikä käytännössä matkustanut ulkomaille, hänen musiikkinsa, sisällöltään humanistinen ja muodoltaan todella taiteellinen, levisi nopeasti ja laajalti ympäri maailmaa parhaiden kapellimestarien esittämänä. Šostakovitšin lahjakkuuden suuruus on niin valtava, että tämän ainutlaatuisen maailmantaiteen ilmiön täysi ymmärtäminen on vasta edessä.

D.D. Šostakovitšin lainaus: "Todellinen musiikki pystyy ilmaisemaan vain inhimillisiä tunteita, vain edistyneitä inhimillisiä ideoita."

Todennäköisesti jokainen venäläisen musiikin rakastaja kysyi itselleen tämän kysymyksen: milloin ensimmäinen venäläinen ooppera esitettiin ja ketkä olivat sen kirjoittajat? Vastaus tähän kysymykseen ei ole koskaan ollut salaisuus. Ensimmäisen venäläisen oopperan Cephalus ja Prokris kirjoitti italialainen säveltäjä Francesco Araya 1700-luvun venäläisen runoilijan Aleksandr Petrovitš Sumarokovin säkeisiin, ja sen ensi-ilta tapahtui tasan 263 vuotta sitten, 27. helmikuuta 1755.

Sumarokov Aleksander Petrovich (1717-1777), venäläinen kirjailija, yksi klassismin merkittävimmistä edustajista. Tragedioissa "Khorev" (1747), "Sinav ja Truvor" (1750) esittivät kansalaisvelvollisuuden ongelman. Komediat, sadut, lyyriset laulut.

Tänä päivänä Pietarin musiikin ystävät näkivät ja kuulivat oopperan ensimmäisen venäjänkielisen esityksen.

Runoilija Aleksanteri Petrovitš Sumarokov valmisteli libreton, jonka pohjana oli kahden Ovidian Metamorfoosien sankarin - Kefaloksen ja hänen vaimonsa Prokriksen - rakkaustarina. Juoni oli suosittu eurooppalaisessa taiteessa - siihen kirjoitettiin maalauksia (Correggio), näytelmiä ja oopperoita (Chiabrera, Ardi, Calderon ja sitten Gretry, Reichard jne.). Uuden oopperan nimi oli "Cefal ja Prokris" (kuten päähenkilöiden nimet silloin lausuttiin). Sumarokovin tulkinnassa muinainen myytti ei ole muuttunut pohjimmiltaan: Ateenalaisen Prokriksen kihlattu Tsarevitš Cephalus hylkää jumalatar Auroran rakkauden - hän on uskollinen vaimolleen, ei pelkää uhkauksia ja koettelemuksia; mutta eräänä päivänä metsästäessään hän vahingossa lävistää onnettoman Prokriksen nuolella. Kuoro päättää esityksen sanoilla: "Kun rakkaus on hyödyllistä, se on makeaa, mutta jos rakkaus on kyyneleistä, se annetaan surulle" ...

Lahjakas libretisti varmisti tuotannon onnistumisen. Mutta hyvin koulutetut teatterinäyttelijät ja laulajat osallistuivat tähän yhtä paljon.

Araya (Araia, Araja) Francesco (1709-n. 1770), italialainen säveltäjä. Vuosina 1735-1762 (katkouksin) hän johti italialaista ryhmää Pietarissa. Oopperat Rakkauden ja vihan voima (1736), Cephalus ja Prokris (1755; ensimmäinen ooppera venäläiselle libretolle - A. P. Sumarokov; venäläisten taiteilijoiden esittämä) jne.

Kaksi vuotta aiemmin, yhden konsertin jälkeen, Shtelin kirjoitti muistelmissaan: "Puhujien joukossa oli yksi nuori ukrainalainen laulaja, nimeltä Gavrila, joka omisti elegantin laulutavan ja esitti vaikeimpia italialaisia ​​oopperaaarioita taiteellisella kadenssilla ja hienot koristeet. Myöhemmin hän esiintyi hovikonserteissa ja nautti myös valtavasta menestyksestä. Nuottien kirjoittaja kutsui usein joitain venäläisiä laulajia vain heidän etunimillään. Tässä tapauksessa hän viittasi merkittävään solistiin Gavrila Martsinkovichiin, joka esitti Kefaloksen osan Sumarokovin oopperassa.

Hienostuneeseen italialaiseen tyyliin tottunut kuuntelija yllättyi iloisesti ensinnäkin siitä, että kaikki aariat esittivät venäläiset näyttelijät, jotka eivät myöskään olleet opiskelleet missään vieraalla maalla, ja toiseksi, että vanhin oli "ei yli 14-vuotiaita”, ja lopuksi, kolmanneksi, että he lauloivat venäjäksi.

Giuseppe Valeriani. Luonnos maisemista oopperaan Cephalus ja Procris (1755)

Prokris - traaginen rooli - näytteli viehättävä nuori solisti Elizaveta Belogradskaya. Shhtelin kutsuu häntä myös "virtuoosi cembalistiksi". Elizabeth kuului jo tuolloin tunnettuun musiikki- ja taiteilijadynastiaan. Hänen sukulaisensa Timofey Belogradsky oli kuuluisa erinomaisena luutunsoittajana ja laulajana, joka esitti "vaikeimmat soolot ja konsertot suuren mestarin taiteella". Saman Shtelinin ansiosta muiden toimijoiden nimet tunnetaan: Nikolai Klutarev, Stepan Rashevsky ja Stepan Evstafiev. "Nämä nuoret oopperataiteilijat hämmästyttivät kuulijoita ja asiantuntijoita tarkalla sanamuodolla, vaikeiden ja pitkien aarioiden puhtaalla esityksellä, kadentsojen taiteellisella toistolla, lausumalla ja luonnollisilla ilmeillä." "Cefala ja Prokris" otettiin vastaan ​​innostuneesti. Olihan ooppera ymmärrettävää ilman ohjelmaakin. Ja vaikka musiikki ei "kiintynyt" tekstiin millään tavalla, koska sen kirjoittaja Francesco Araya ei osannut sanaakaan venäjäksi ja kaikki libretot käännettiin hänelle perusteellisesti, tuotanto osoitti ja todisti olemassaolon mahdollisuuden. kansallisoopperatalosta. Eikä vain siksi, että venäjän kieli Shtelinin mukaan "kuten tiedätte, arkuus, värikkyys ja eufonia tulee lähemmäksi italiaa kuin kaikki muut Euroopan kielet ja siksi sillä on suuria etuja laulamisessa", vaan myös siksi, että Venäjän musiikkiteatteri voisi perustua rikkaimpaan kuorokulttuuriin, joka oli olennainen osa Venäjän kansan elämää.

Ensimmäinen vaihe on suoritettu. Vain kaksi vuosikymmentä oli jäljellä ennen todellisen venäläisen musiikkioopperateatterin syntymää ...

Keisarinna Elizaveta Petrovna "arvosti" onnistunutta toimintaa. Shtelin merkitsi huolellisesti muistiin, että hän "myönsi kaikille nuorille taiteilijoille kauniin kankaan pukuihin ja Arayalle kalliin soopeliturkiksen ja sata kultaista puolikeisarillista (500 ruplaa)."

9. joulukuuta 1836 (27. marraskuuta, vanhaan tyyliin) Mihail Ivanovitš Glinkan oopperan Elämä tsaarille ensi-ilta tapahtui Pietarin Bolšoi-teatterin näyttämöllä, mikä merkitsi uuden aikakauden alkua venäläisessä oopperamusiikassa. .

Tällä oopperalla alkoi ensimmäisen venäläisen klassisen säveltäjän uraauurtava tie, joka nosti hänet maailman tasolle. Puhumme Glinkan merkittävimmistä musiikillisista löydöistä.

Ensimmäinen kansallisooppera

M. I. Glinka tajusi täysin todellisen tarkoituksensa matkoillaan Euroopassa. Säveltäjä päätti luoda todellisen venäläisen oopperan kaukana kotimaasta ja alkoi etsiä sille sopivaa juonia. Žukovskin neuvosta Glinka päätyi isänmaalliseen tarinaan - legendaan Ivan Susaninin saavutuksesta, joka antoi henkensä kotimaansa pelastamisen nimissä.

Ensimmäistä kertaa maailman oopperamusiikissa tällainen sankari ilmestyi - yksinkertaista alkuperää ja kansallisen luonteen parhailla ominaisuuksilla. Ensimmäistä kertaa tämän kokoisessa musiikkiteoksessa soi kansallisen kansanperinteen rikkaimmat perinteet, venäläinen laulunkirjoitus. Yleisö otti oopperan räjähdysmäisesti vastaan, säveltäjä sai tunnustusta ja mainetta. Kirjeessä äidilleen Glinka kirjoitti:

”Viime yönä toiveeni toteutuivat vihdoin, ja pitkä työni kruunasi loistavin menestys. Yleisö otti oopperani poikkeuksellisen innostuneena vastaan, näyttelijät menettivät malttinsa innokkaasti… suvereeni-keisari… kiitti minua ja puhui kanssani pitkään…”.

Kriitikot ja kulttuurihenkilöt arvostivat oopperaa suuresti. Odojevski kutsui sitä "taiteen uuden elementin alkamiseksi - venäläisen musiikin ajanjaksoksi".

Satueepos tulee musiikkiin

Vuonna 1837 Glinka alkoi työstää uutta oopperaa, tällä kertaa kääntyen A. S. Pushkinin runoon Ruslan ja Ljudmila. Ajatus satueepoksen musiikista syntyi Glinkalle runoilijan elinaikana, jonka piti auttaa häntä libretossa, mutta Pushkinin kuolema katkaisi nämä suunnitelmat.

Oopperan ensi-ilta tapahtui vuonna 1842 - 9. joulukuuta, tasan kuusi vuotta Susaninin jälkeen, mutta valitettavasti se ei tuonut samaa mahtavaa menestystä. Keisarillisen perheen johtama aristokraattinen yhteiskunta suhtautui tuotantoon vihamielisesti. Glinkan kriitikot ja jopa kannattajat reagoivat oopperaan epäselvästi.

”Viidennen näytöksen lopussa keisarillinen perhe lähti teatterista. Kun esirippu laskettiin, he alkoivat soittaa minulle, mutta he taputivat erittäin epäystävällisesti, sillä välin he sihisivät innokkaasti, ja pääasiassa lavalta ja orkesterista,

säveltäjä muisteli.

Syynä tähän reaktioon oli Glinkan innovaatio, jolla hän lähestyi Ruslanin ja Ljudmilan luomista. Tässä teoksessa säveltäjä yhdisti täysin erilaisia ​​​​motiiveja ja kuvia, jotka olivat aiemmin vaikuttaneet yhteensopimattomilta venäläiselle kuuntelijalle - lyyrisiä, eeppisiä, kansanperinteitä, itämaisia ​​ja fantastisia. Lisäksi Glinka jätti katsojalle tutun italialaisen ja ranskalaisen oopperakoulun muodon.

Tämä myöhempi upea eepos vahvistui Rimski-Korsakovin, Tšaikovskin, Borodinin teoksissa. Mutta tuolloin yleisö ei yksinkertaisesti ollut valmis tällaiseen oopperamusiikin vallankumoukseen. Glinkan oopperaa ei ole pitkään pidetty näyttämöteoksena. Yksi hänen puolustajistaan, kriitikko V. Stasov, jopa kutsui häntä "aikamme marttyyriksi".

Venäläisen sinfonisen musiikin alku

Ruslanin ja Ljudmilan epäonnistumisen jälkeen Glinka meni ulkomaille, missä hän jatkoi luomista. Vuonna 1848 ilmestyi kuuluisa "Kamarinskaya" - fantasia kahden venäläisen laulun - häät ja tanssi - teemoista. Venäläinen sinfoninen musiikki on peräisin Kamarinskajasta. Kuten säveltäjä muisteli, hän kirjoitti sen hyvin nopeasti, minkä vuoksi hän kutsui sitä fantasiaksi.

"Voin vakuuttaa, että tätä teosta säveltäessäni ohjasi minua ainoa sisäinen musiikillinen tunne, en ajatellut mitä häissä tapahtuu, kuinka ortodoksinen kansamme kävelee",

Glinka sanoi myöhemmin. On mielenkiintoista, että keisarinna Aleksandra Fedorovnan läheiset "asiantuntijat" selittivät hänelle, että yhdessä työpaikassa voi selvästi kuulla kuinka "humalainen mies koputtaa kotan ovea".

Joten kahden suosituimman venäläisen kappaleen kautta Glinka hyväksyi uudentyyppisen sinfonisen musiikin ja loi perustan sen jatkokehittämiselle. Tšaikovski kommentoi teosta seuraavasti:

”Koko venäläinen sinfoninen koulukunta, kuten koko tammi vatsassa, sisältyy sinfoniseen fantasiaan ”Kamarinskaja”.