Julkaisupäivä: 12. lokakuuta 2009

Jos pyydät ensimmäistä kadulla kohtaamaa henkilöä nimeämään tunnetuimman venäläisen kitaristin, niin vastaus "DiDuLa" hallitsee varmasti muita vastauksia. Lukuisat konsertit, TV-lähetykset, albumit ja DVD-levyt ovat tehneet DiDuLusta yhden Venäjän suosituimmista esiintyjistä. Samalla yllättävintä on, että DiDuLa soittaa yksinomaan instrumentaalimusiikkia - genreä, joka ei ole kovin suosittu kappalemuotoon verrattuna. Ehkä viimeinen rooli ei ollut esitettyjen teosten tyylillä: flamencoa, latinalaista amerikkalaista ja yksinkertaisesti akustista kitaramusiikkia moderneissa, muodikkaissa sovituksissa.

Eksklusiivisessa ja erittäin viihdyttävässä sivuston haastattelussa kitaristi DiDuLa jakaa ajatuksensa esiintymisestä, studiotyöstä, instrumentaalimusiikista ja sen edistämisestä.

Miksi aloit opetella soittamaan kitaraa? Vanhemmat pakotetaan?

Ei, vanhempani eivät pakottaneet minua, tulin kitaran pariin itse. Pidin musiikista, pidin kielten soinnista, pidin itse instrumentista, joka on melko suosittu. Sitä oli helppo kantaa mukana, pihalle pääsi kitaran kanssa ulos... Kaikki tämä vaikutti ja teki minuun vaikutuksen. Joten pyysin vanhempiani ostamaan minulle kitaran. He ostivat minulle melko yksinkertaisen kitaran, ja siitä lähtien intohimoni tätä instrumenttia kohtaan on alkanut. Harrastan itseopiskelua ja hitaasti, millimetri millimetriltä, ​​etenin itse kitaransoiton opiskelussa.

Tähän päivään asti pidän itseäni opiskelijana, tähän päivään asti opiskelen instrumenttia. Tämä on Suuri kosmos, suuri syvyys. Nämä kuusi merkkijonoa sisältävät niin monia vivahteita, niin monia värejä - koko maailman. Kitara on hämmästyttävä, upea, ainutlaatuinen tie, jota olen kulkenut koko ikäni.

Jo melko nuorena, 6-7-vuotiaana, minulla oli lasten kitarat. Kun kasvoin aikuiseksi, alkoi ilmestyä vakavampia soittimia. Siellä oli klassinen Cremona.

Ja 12-14-vuotiaasta lähtien soitin jo täysin tietoisesti instrumenttia, opiskelin sitä, opetin kappaleita, säestin lauluissa.

Kuka muusikko oli idolisi, kun aloit opetella soittamaan kitaraa?

Kuten matkan alussa aina tapahtuu, ensimmäiset opettajat olivat pihan ystäviä, jotka soittivat Vysotskyn, Time Machinen, Sundayn, Beatlesin kappaleita - minulle he olivat ensimmäiset idolit. Ja sitten levyjä ja muuta tietoa alkoi ilmestyä. Juttelin ja luin paljon. Ja aloin oppia muista kuuluisista muusikoista - klassisista, rock- ja flamencomuusikoista sekä jazz-esiintyjistä. Ja erilaiset kitaristit eri aikoina vaikuttivat minuun myös eri tavoin.

Kerran hämmästyin Andres Segovian soundista, Manolo Sanlúcar iski sävellysajattelullaan ja flamencomusiikin esittämisellään, sitten oli äänitteitä, joilla opiskelin Paco de Lucian työtä. Rock-musiikissa pidin todella Ritchie Blackmoresta, Angus Youngista. Jazzmusiikissa Django Reinhardt ja Luis Salinas tekivät vaikutuksen. Klassisessa musiikissa Julian Brim. Mielenkiintoisessa kirjailijamusiikissa - Tommy Emmanuel. Ja niin edelleen. Nimiä on paljon, ja niiden joukossa ei ole vain kitaristeja, vaan muusikoita yleensä, jotka soittavat missä tahansa tyylissä ja suunnassa. Ne kaikki vaikuttivat minuun paitsi kitaristina, myös musiikin kirjoittajana.

Lisäksi kaikki, mikä minua ympäröi, vaikuttaa minuun säveltäjänä vahvasti: luonto, viestintä, ihmiset, elokuvat, mielenkiintoinen lukemani kirja, hauskoja tilanteita, joita huomaan jossain. Ja yliherkkyydelläni, havainnollani ja, jos niin voi sanoa, oivalluksellani on suuri rooli. Huomaan ympärilläni monia mielenkiintoisia ja erilaisia ​​tilanteita, olivat ne sitten tavallisessa elämässä, luonnossa tai fantasiassa. Ja sitten teen kaiken musiikiksi.

Joten eivät vain kitaristit vaikuta minuun, eivät vain ihmiset - koko elämä, joka ympäröi minua, tekee vaikutuksen ja vaikuttaa minuun.

Monet kitaristit harjoittelevat kitaransoittoa tuntikausia. Oletko yksi heistä? Onko tähän aikaa?

Nuoruudessani, kun opiskelin vasta kitaraa, nuorekas maksimalismi antoi minulle mahdollisuuden soittaa kitaraa monta tuntia, tehdä joitain teknisiä temppuja, etsiä kuinka yhdistää ne fysiologiaani, löytää omat rajani, rajani. Halusin saavuttaa paitsi musiikillisia, myös "urheilullisia" korkeuksia.

Ajan myötä sain omat tekniset matkatavarani, tietyt "sirut", jotka ovat minulle ainutlaatuisia. Mutta myös ne menetelmät tunnistettiin, jotka eivät olleet minun käytettävissäni tiettyjen olosuhteiden vuoksi. Lopetin keskittymisen vakavaan soittamiseen tuntikausia ja aloin omistaa enemmän aikaa musiikkikappaleiden säveltämiseen ja soittamiseen. Eli harjoitukset, asteikot ja pelin temput menivät minulle sivuun ja itse musiikin peli nousi esiin. Otan palan ja soitan sitä pikkuhiljaa yrittäen poistaa siitä kaiken ylimääräisen. Säveltäjänä, vaikka se kuulostaakin oudolta, minulle on mielenkiintoista saavuttaa jonkinlainen yksinkertaisuus musiikissa.

En oikein pidä siitä, kun muusikon täytyy kertoakseen tarinan, välittääkseen mielenkiintoisen musiikillisen idean, rasittaakseen paljon ja soittaakseen nopeita kohtia, arpeggioita. Haluan musiikin olevan erittäin yksinkertaista, ymmärrettävää, vilpitöntä ja selkeää. Joten jokainen aloitteleva muusikko, joka on vasta äskettäin tutustunut instrumenttiin, voi soittaa sitä. Tämä on minulle supertehtävä, paljon vaikeampi kuin pitkä ja tekninen filosofointi instrumentilla, jossa on paljon poimittuja nuotteja. Yritän saavuttaa musiikissani yksinkertaisuuden.

Tämä ei tietenkään aina ole mahdollista. Konsertossa on monia teknisesti varsin monimutkaisia ​​teoksia, joissa on paljon kokeellisia hetkiä. Mutta tämä kaikki on konsertin puitteissa. Kun äänitän studioalbumia, yritän poistaa kaikki tarpeettomat nuotit, kaikki tarpeettomat komplikaatiot.

Kuten käytäntö on osoittanut, tämä polku on mielenkiintoinen ja monimutkainen, koska yksinkertaisuuden saavuttaminen on erittäin, erittäin vaikeaa.

Itse asiassa siksi yritän olla harjoittelematta tunteja, vaan omistaa tämän ajan säveltämiselle. Ainutlaatuisen konsonanssin, ainutlaatuisen lauseen löytäminen osoittautui vaikeaksi tehtäväksi. Sille omistan suurimman osan ajastani, sekä harjoituksiin että studioon.

Kerro minulle, onko kymmenen vuoden takainen DiDuLya hyvin erilainen kuin nykyinen DiDuLi?

Kymmenen vuotta ei tietenkään ole mennyt turhaan. Siellä oli tietty kokemus sekä tuotannon että johtamisen alalla. Uutta tietoa ilmestyi studiokentällä, sävellystyössä... Kahdeksan instrumentaalikitaraalbumia julkaistiin, konsertteja pidettiin paljon.

Mutta samalla paljon ei ole vielä tehty. On vielä monia huippuja, joihin haluat vielä kiivetä.

Polku, jota seuraamme upean tiimini kanssa, on mielenkiintoinen ja valoisa. Annamme musiikkia kuuntelijalle. Tämä on monimutkainen ja mielenkiintoinen asia, ja puhun siitä mielelläni.

Kuka maailmantähdistä on hengeltään lähimpänä sinua?

En ajattele maailmantähtiä, kuuluisia artisteja... Pidän monista täysin erilaisista muusikoista ja tyyleistä. Jos saan sanoa niin, minulla on laaja hyväksyttävyys - tämä on akateemista musiikkia ja klassista ja kansanperinnettä ja modernia klubielektroniikka, kitarakokeellinen ja avantgarde.

Jos en ymmärrä jotakin tyyliä tai suuntaa, yritän selvittää sen. Jos vaikkapa jotain lyömäsoittimia Polynesian saarilta ilmestyy, alan pohtia, millaista musiikkia se on ja miksi se on sellaista, etten pidä siitä. Yritän ymmärtää sitä, ymmärtää, miten se on rakennettu, mikä on sen kohokohta. Ymmärrän, että se kaikki on rakennettu rytmeille, lyömäsoittimien äänille, että on olemassa polyrytmi - useita rytmisiä kuvioita, jotka leikkaavat toisiaan täydentäen. Ja jonkin ajan kuluttua aloin nauttimaan tällaisesta musiikista.

Jos trance-musiikissa, klubikulttuurissa on uusia suuntauksia, alan syventyä siihen. Se ei ole niin vaikeaa, ja muutama tunti riittää minulle kuuntelemaan, ymmärtämään, tutkimaan ja sitten nauttimaan mielenkiintoisimmista, eloisimmista kokeiluista tällä alalla.

Tämä pätee mihin tahansa tyyliin, mihin tahansa suuntaan. En sulje itseäni musiikilta, josta en pidä, vaan yritän ymmärtää ja ymmärtää sitä. Ja työssäni säveltäjänä, tuottajana ja ammattilaisena se auttaa paljon.

Tämä on siis lähestymistapani musiikkiin ja maailmankulttuuriin. Jakaan itselleni kaiken musiikin kahteen kategoriaan - hyvään musiikkiin ja huonoon musiikkiin. Sillä, joka "tarttuu" minuun, ja siihen, joka ei "tartu".

Onko sinun helppoa säveltää musiikkia? Vai kärsitkö jokaisesta sävelestä?

No, se on eri asia. Jotkut teokset kirjoitetaan heti, välittömästi. Nyt kerron jotain ainutlaatuista. Minulla on tilanteita, joissa musiikin säveltämisestä valmiin kappaleen masterointiin kuluu viisi tai kuusi tuntia. Se on hämmästyttävää, mutta se on totta. Eli otan soittimen, heti tulee idea päähäni, soitan heti äänisuunnittelijalle, hän tulee kotistudiooni, laitamme heti mikrofonit, äänitän, soitan toisen osan, kolmannen, sitten kaikki tulee alas ja on valmis illan mestariradalle. Kaikki, työ on valmis!

Joskus on teoksia, joiden tekeminen kestää vuosia. Joskus pari tuntia, joskus useita vuosia. Koska sisäiset tunteeni muuttuvat.

Minulla on paljon kehitystä, katkelmia, musiikkilauseita. Jotain on pelattu, jotain on laitettu laatikkoon. Tämä prosessi on arvaamaton, eikä sillä ole selkeästi määriteltyä kehystä.

Kaikki on hyvin yksilöllistä. Joskus säveltäminen on tuskallista ja joskus teos lähtee helposti kynästä.

Voitko säveltää musiikkia vain siksi, että sen on oltava valmis maanantaihin mennessä?

Tiedäthän, jos teet sen urheilun vuoksi, niin tietysti voit. Tässä ei ole ongelmia, sillä kun olet koko ikänsä säveltänyt, äänittänyt, masteroinut studiotekniikoita, tuntenut kaikki menetelmät ja tekniikat, voit tehdä mitä tahansa. Mutta tuloksena oleva työ ei liity sisäisesti minuun. Ja onko tällä musiikilla resonanssia kuuntelijoiden sydämissä, ei tiedetä.

Mutta teknisesti tällainen tehtävä on toteutettavissa. Jos esimerkiksi käsketään tekemään maanantaihin mennessä kaunis lyyrinen balladi, istun heti alas, sävellen sen parissa minuutissa, kirjoitan muistiin ja sekoitan parissa tunnissa. Ei ole ongelmia. Mutta tarvitseeko sitä ylipäätään tehdä?

En kirjoita tilauksesta enkä koskaan toimi niin. Kun ohjaajat ja elokuvan tuottajat kääntyvät minuun säveltäjänä kysymyksellä, onko mahdollista kirjoittaa sellaista ja sellaista teemaa vai ei, sanon ei, en kirjoita tilauksesta. Tällä musiikilla ei ole sitä vilpittömyyttä, johon olen tottunut elämässäni ja työssäni. Ja niin, kaverit, jos haluatte ottaa musiikkini, ottakaa se, kuunnelkaa albumejani - sinfoniaorkesterin ja ryhmän kanssa ja soolokitaralla. Ja sitten valita. Jos valitset jotain elokuvallesi, olen vain iloinen. Yleensä näin tapahtuu - musiikki elokuvassa, teattereissa, tuotannossa, urheilussa tulee jo albumeista, äänitettynä. Mutta en kirjoittanut tilauksesta, enkä aio kirjoittaa.

Oletko perehtynyt nykyaikaisiin tallennustekniikoihin?

Musiikistani löysin tyylini, soittotekniikkani, instrumenttini ja tietysti kehitin oman äänentallennusteknologiani. Minulla on oma, toisin kuin kenelläkään muulla, musiikin äänittämistä koskeva periaate. Tietyt mikrofonit, kitarat, työtavat. Se on tavallaan salaisuus - ammatillinen, tekninen, musiikillinen salaisuuteni, miksi haluatte sitä kutsua. Koska olen työskennellyt studionauhoituksessa useita vuosia, ymmärrän tietysti nykyaikaiset tallennustekniikat, mutta toistan: tekniikkani on hieman erilainen kuin yleisesti hyväksytty. Työalgoritmini on minulle erittäin mukava ja tehokas, sen avulla voin toteuttaa mitä tahansa fantasioitani.

Käytätkö tietokonetta säveltäessäsi ja sovittaessasi? Mitä ohjelmia käytät?

Tietysti modernit tietokonetekniikat, sekvensserit, äänikirjastot ja moduulit - kaikki sivistyksen meille tuomat edut, käytän täysimääräisesti. Kaikkea käytetään aktiivisesti: sekä analogisia että digitaalisia laitteita, lamppulaitteita ja kaikenlaisia ​​äänen tallennustapoja. 1960- ja 1970-luvuille pudonnut äänitallentamisen kulta-aika toi tälle alueelle paljon löytöjä, joita tutkin melko tarkasti. Mikrofonien sijoittaminen äänityksen aikana, mitä tekniikoita käytetään signaalin pakkaamiseen ja taajuuskorjaukseen - opiskelin tätä kaikkea nuoruudessani, ja sitten aloin soveltaa sitä käytännössä, työssä. Joten tietysti nykyaikaisia ​​tekniikoita käytetään tiukasti.

Mitä tulee käytettyihin ohjelmiin, niitä on useita. Yleensä nämä ovat Cubase ja Nuendo PC:lle. Yleensä tämä tai tuo työ vaatii erilaisen "ohjelmiston" lähestymistavan. Pidän todella näytteiden erityisestä ajoituksesta ACID-ohjelmassa. Tämä on ainutlaatuinen algoritmi, jolla voit saavuttaa mielenkiintoisen tuloksen. On olemassa useita muita ohjelmia eri "siruilla", joita käytetään eri tilanteissa. Loistava äänisuunnittelijatiimi auttaa minua tässä, mutta jälleen kerran, sukeltaen tähän syvällisesti. Minun täytyy tuntea äänen koko luonne - siitä hetkestä, kun puran sen, sen digitointiin tietyllä bittisyvyydellä ja analogiseen nauhaan osumiseen. Jokainen äänitys, jokainen kappale ja jokainen toistettu nuotti käy henkilökohtaisen, huolellisen valvonnani läpi. Jos saan sanoa niin - valtion hyväksyntä. Kuuntele, ystävät, sävellyksiäni, niin tunnet sen jokaisessa sävelessä. Kuulet sävellysten ratkaisujen lisäksi myös hetkien sovittamista, äänitystekniikoita.

Yhdessä viimeisistä albumeista, joka tehtiin sinfoniaorkesterin kanssa, tehtiin yleensä titaaninen teos. Mutta tulos oli upea. Olen iloinen, että tämä albumi näki päivänvalon.

Kuinka äänität kitaraa studiossa?

Eri tavalla. Jos se on kitara, jolla on kirkas, tarkka ääni, käytetään tiettyä mikrofonisarjaa. Jos kitarassa on vaimea, matala ja syvä ääni ja sitä käytetään mukana olevissa osissa, käytetään muita mikrofoneja. Joskus käytetään kitaran äänen stereomikrofonia. Joskus voit kokeilla pietsosähköistä mikrofonia. Voit yrittää tallentaa yhdistelmällä, mutta voit myös jonossa. Siellä on myös kaksoisraita. Eli kaikki määräytyy tietyn tehtävän mukaan. On niin monia tapoja tallentaa! Onneksi minulle sovittajana, säveltäjänä ja studioteknologiaa ymmärtävänä ihmisenä tämän tai toisen teoksen lopullinen soundi on jo etukäteen tiedossa. Eli säveltäessäni tiedän jo millaisen soundin pitäisi olla, millä tekniikalla tämä tai tuo kitara äänitetään ja mitä kielet siihen pitäisi laittaa. Tiedän sävyn, tiedän tempon. Vauhti on erittäin tärkeä! On tärkeää tietää, kirjoitetaanko tempokartta vai kirjoitetaanko kaikki ad libitum. Kaikki tämä tiedetään etukäteen ja äänityksen tuloksena saadaan hyvä, laadukas musiikkikappale. Tietysti epäonnistumisia on, mutta joka tapauksessa selkeä käsitys siitä, kuinka äänitys tehdään, ja oikea mikrofonien valinta takaa onnistumisen.

Aiotko julkaista opetusvälineitä, mukaan lukien videokoulut, kitaralle?

Asia on, että olen huono opettaja. Ja on vielä yksi ominaisuus. Löysin oman, toisin kuin kenenkään muun tyylin, soittotekniikkani, en liian hyväksytyksi klassisen kitarakoulussa. Siksi en ota riskiä puhua siitä, saati opettaa sitä. Videokouluja ei siis ole suunnitteilla.

Mutta se, mitä aion tarkalleen, on kertoa ja näyttää, kuinka soitan tämän tai tuon kappaleen, ainakin niistä, jotka soitetaan live-konserttiohjelmassa. Monet niistä aiheuttavat muusikoille vaikeuksia esiintyessään. Joskus he sanovat: "Tiedätkö, se on soitettu niin, ettei aina ole mahdollista saada selvää, mitä nuottiääniä tai mitä äänenpoistotekniikkaa käytetään." Siksi haluan laittaa joitain teoksia hyllyille, näyttää kuinka sitä pelataan. Lisäksi haluan valmistella albumin "taustakappaleita" - äänitteitä ilman kitaraa ja muita sooloosia.

Ja minulla ei ole erityistä halua julkaista oppikirjoja. Mielestäni tämä ei ole välttämätöntä. On konsertteja, on DVD:itä… Tule konserttiin, jossa voit opiskella ja nähdä, kuka DiDuLa on, vertailla studio- ja liveteoksia.

80 prosenttia musiikistani on melko yksinkertaisia ​​kappaleita, joita kuka tahansa enemmän tai vähemmän koulutettu muusikko voi soittaa. Toinen kysymys on, pystyykö hän soittamaan niitä samalla tavalla rytmikkäästi, tunteeko hän myös sustainin, äänen dynamiikan, aksentin? Mikrorytmissä on paljon vivahteita. Toisin sanoen sitä soitetaan, se näyttää yksinkertaiselta, mutta jotkut nuotit kuuluvat sekunnin sadasosaa aikaisemmin, jotkut myöhemmin. Näyttää siltä, ​​että vain kolme nuottia on soitettu, mutta ne soitetaan niin, että vain DiDula voi soittaa niitä. Sanon tämän, koska muut musiikkiani soittavat muusikot lähettävät minulle äänitteitä. Ja näen, että he pelaavat sitä täysin eri tavalla. He soittavat samoja nuotteja, näyttävät soittavan kaiken oikein, mutta ... ei niin. Koska minulla on oma tyylillinen näkemykseni äänestä. Tämä on melodian mysteeri, itse musiikin mysteeri, joka näyttää ulkopuolelta hyvin yksinkertaiselta. Ja jokaisen nuotin takana on kokemuksia, tunteita.

Onko soittotekniikalla mielestäsi tärkeä vai toissijainen rooli flamencomusiikissa?

Kyllä, viime vuosina flamencomusiikki on jostain syystä liittynyt tekniikkaan, soittamisen nopeuteen. Ja jos kuuntelee äänitteitä 1950- ja 1960-luvuilta, jolloin joku tavallinen isoisä istuu ja soittaa musiikkia, huomaa, ettei hänellä ole sellaisia ​​nopeuksia kuin esimerkiksi Paco de Lucialla tai Gerard Nunezilla. Mutta flamencomusiikissa, kuten missä tahansa muussakin musiikissa, tärkeintä on edelleen tunteet, energia, vilpittömyys. Ja kaikki laitteet menevät jonnekin kymmenennessä suunnitelmassa. On hienoa, kun muusikolla on tekniikka, mutta pääasia on, että tämä tekniikka on pätevässä tasapainossa kaiken muun musiikillisen matkatavaran kanssa. Tietenkin muusikko haluaa aina esitellä tekniikkaansa, ja hän näyttää sen kaikkialla, jokaisessa teoksessa, menettäen itse musiikin. Siksi on parempi olla unohtamatta musiikkia.

Luonnollisesti flamenco-tekniikkaa tarvitaan, kuten kaikilla muillakin aloilla. Mutta hän ei ole tärkein. Jos sinulla ei ole fysiologista kykyä pelata nopeasti, et voi oppia nopeaa kulkua - älä ole järkyttynyt, käytä mitä voit ja mene syvemmälle tunteisiin, sieluun, kokemuksiin. Tämä on paljon tärkeämpää ja vaikuttaa kuuntelijaan paljon vahvemmin kuin kaikki kauneimmat tekniikat yhteensä. Voit kuunnella nopeaa tekniikkaa tasan viisi minuuttia, ja sitten kuuntelijalla on kysymys - missä musiikki itse asiassa on? Missä on melodia?

Mutta ilmaistaksesi tunteitasi musiikissa, sinulla on oltava paljon - tietty elämänasento, laaja näkemys, ymmärtää mitä tarkalleen haluat ilmaista teoksella, ja tämä on jo sisäistä, henkistä työtä. Jokaisen opettajan päätehtävänä on opettaa opiskelijalle henkinen, empaattinen peli. Ja sitten tekniikka.

Ja on toinen hetki. Kaikilla ei ole fyysistä kykyä pelata nopeasti, teknisesti, selkeästi. Jokaisen kädet on järjestetty eri tavalla, lihaksissa, reaktiossa on tiettyjä puutteita. Jos katsomme kaikki Paco de Luciaan ja katsomme kuinka nopeasti hän pelaa, ajattelemme, ettemme koskaan onnistu... Ja kätemme putoavat. Tämä on suuri virhe. Paco de Lucia on ennen kaikkea syvämuusikko, vaikka aikoinaan hän omistautuikin paljon aikaa soittotekniikkaansa. Ja valitettavasti hänestä tuli tämän tekniikansa panttivanki. Suuremmassa määrin muusikot katsovat häntä ja odottavat, että hän soittaa jonkin teknisen kappaleen. Ja kun hän pelasi sen nopeasti, he huokaisivat helpotuksesta: "Voi, Paco pelasi sen nopeasti, joten hän on edelleen kunnossa, kaikki on hienoa!" Ja sen muoto ei vain ole nopeudessa, ei sujuvuudessa, vaan nimenomaan musiikin syvyydessä. Ja teknologialla ei ole hänelle väliä, hän ei ota sitä ollenkaan vakavasti, hänelle se on vain toissijainen luovuuden elementti.

Joten sinun on oltava erittäin varovainen tekniikan kanssa, tämä on salakavala ja vaarallinen asia.

Pelaatko koskaan sovittelijana?

Osaan pelata välittäjänä. Mutta minulla on oma tapani pelata - pelata etusormella välittäjänä. Minulla on tämä valinta käden ulottuvilla, kirjaimellisesti. Poimintani, sijoitteluni ja oikean käteni asento mahdollistavat joustavan pelaamisen joko viidellä sormella tai yhdellä sormella pleektrinä. Käytän jokaisessa teoksessa ja kussakin tapauksessa eri pelitapoja. Mutta en käytä välittäjää konsertissa.

Kuinka hyvin soitat pianoa?

Erittäin pinnallinen, erittäin huono. Tietysti teen joitain sointurakenteita, mutta en voi soittaa mitään enemmän tai vähemmän monimutkaista. Joten valitettavasti en soita pianoa.

Kuinka monta instrumenttia sinun on otettava mukaan kiertueelle? Onko kitarasi joukossa pääkitaroita?

Ryhmässäni on kuusi muusikkoa, ja kaikilla on laaja valikoima erilaisia ​​soittimia. Meillä on suuri kasa rumpuja. Yleensä nämä ovat kaksi virvelirumpua, potkurumpu ... Triggerit on asetettu, jotka lisäävät MIDI-moduulin elektronisia ääniä rumpujen akustiseen ääneen. Sinun on otettava mukaan suuri lyömäsoittimet - nämä ovat kongat, bongot, cajonit, symbaalit, rototomit, törmäykset ...

Otamme tietysti kosketinsoittimet, paljon niitä. Käytämme sitä, kun mukana on tiettyjä lauseita, näytteitä, joskus alkaa jonkinlainen toisto, lisäkappaleita. Eli täysin kaikkia live-konserteissa käytettyjä moderneja tekniikoita käytetään.

Toimitamme puhallinsoittimia, MIDI-puhallinsoittimia, kaikenlaisia ​​piippuja: nai, torvet, dudukit, suuttimet, summerit. Valikoimastamme löytyy bassokitarat, fretted ja fretless, neli-, viisi- ja kuusikieliset. Kaikenlaiset efektiprosessorit, bassokitaran käsittely.

Bändinjohtajana minulla on viisi päätyökalua. Nämä ovat Godin Grand Concert sähköakustinen nailonkielinen kitara, erinomainen Taylor-kitara metallikielillä, kaksi Alexander Kozyrevin akustista kitaraa sekä kreikkalainen bouzouka. Tämä on soittimeni, joka on mukana kaikissa konserteissa.

En voi kutsua mitään instrumenttia pääinstrumentiksi - ne ovat kaikki tärkeimpiä. Kaikki viisi sointia, kaikki viisi ääntä ovat ainutlaatuisia.

Käytän myös radiojärjestelmää. Ääniteknikko suorittaa signaalinkäsittelyn. Soundcheck kestää hyvin kauan. Instrumentaalikonsertissa kaikki rakentuu äänelle, sovituspäätöksille. Ja 2,5-3 tuntia kestävässä konsertissa kitaroiden ja koko tiimin äänenlaatu otetaan erittäin vakavasti. Tekninen ratsastajamme on yksi Venäjän vaikeimmista, mutta pääsääntöisesti promoottorimme ja matkanjohtajamme onnistuvat suorittamaan sen. Joten meillä ei ole erityisiä ongelmia äänen kanssa. Konserttimme ovat erittäin valoisia, mielenkiintoisia, näyttäviä. Olen iloinen voidessani puhua tästä, sillä niitä esitetään maailman tasolla, minkä vahvistavat konserteissamme olleet kollegamme Amerikasta, Saksasta. Itse asiassa kaikki tämä näkyy DVD-levyissämme, joita julkaisemme säännöllisesti.

Mistä ostat kitarasi?

Se tapahtuu toisin. Joskus voin ostaa niitä kiertueelta, vahingossa. Joskus ne on valmistanut jo aiemmin mainittu mestari Alexander Kozyrev. Joskus ostan kitaroita eBaysta sokeasti. Jos näen kollegoiltani ainutlaatuisen instrumentin, voin ostaa sen heiltä.

Tähän mennessä kitarakokoelmaani kuuluu 25 soitinta. Nämä ovat sekä akustisia että sähköakustisia soittimia, sekä nailon- että metallikielillä. On kreikkalaisia ​​bouzoukia ja dutaria, on fretless-kitaroita. Kokoelma on suuri, mutta se ei ole museokokoelma, ei näyttelyitä. Nämä ovat todellisia toimivia studio- ja konserttisoittimia, joita käytetään aktiivisesti.

Onko kokoelmassasi sähkökitaroita?

Minulla ei ole sähkökitaroita. Sattui vain niin, että ystävystyin erittäin hyvien muusikoiden kanssa, jotka soittavat sähkökitaroita. Siksi, kun studiotyössä herää kysymys sähkökitaran äänittämisestä - ja tämä on harvinaista, mutta niin tapahtuu - kutsun heidät vain mukaan. He tuovat vahvistimet, laitteet, soittimet ja soittavat mitä tarvitaan.

Haluan ostaa hyvän sähkökitaran, kuten Angus Youngin soittaman Gibson SG:n. Pidän siitä, se on nuoruudestani, lapsuudestani, siksi haluan sellaisen kitaran. Mutta haluan ostaa todella harvinaisen tuon ajan instrumentin, jolla on hyvä, soitettu runko, hyvä sustain ja upea soundi. Siksi, jos törmään tällaiseen kitaraan, ostan sen mielelläni, muistan nuoruuteni, soitan sitä, kokeilen. On epätodennäköistä, että käytän tätä kitaraa konserteissa, mutta joissain studiosketseissä se on täysin mahdollista. Juuri tästä Gibson-mallista pidän todella ja sopii minulle, se on minulle mukava kaulan ja muodon suhteen.

Eikö ole vaikeaa "tehdä show" lavalla ja soittaa teknisiä asioita samaan aikaan?

En "teke showta", soitan vain musiikkia, mutta sisäinen energia, ajaminen jotenkin oksentaa minut, ja joissakin teoksissa se alkaa kantaa, heittää, heittää lavalle. En tee mitään tarkoituksella, se on vain musiikkia... Musiikki on minussa. Ja annan sen vain yleisölle.

En vain ajattele teknisten kohtien pelaamista. Minulle tämä kaikki on orgaanista ja luonnollista - konsertin aikana liiku, hyppää, lähesty muita muusikoita. Mutta jossain voin istua tuolikammiossa ja olla liikkumatta. Koska tietty musiikki rauhoittaa minua niin paljon, että liukenen tähän musiikilliseen tilaan.

Kolmen tunnin live-konsertti on siis täysin erilainen musiikin, dynamiikan ja tunteiden suhteen. Siinä on kaikkea - räjähdyksiä, ylä- ja alamäkiä, iloa, pettymystä, naurua ja kyyneleitä. Ja niin konsertin aikana olen myös erilainen.

Haluaisitko kirjoittaa pari laulua?

Itse asiassa laulu on aktiivisesti läsnä studiotyössäni ja konserteissa se soi samplejen muodossa. Mutta täällä, tiedäthän, kuinka tähdet kohtaavat. Jos löydän kiinnostavan sointiäänen ja pidän laulajasta, voin käyttää hänen lauluaan instrumenttina tuoden tietyn sointivärin tähän tai tuohon kappaleeseen. Melkein joka albumilla on tämä kappale.

Joten pidän äänen aina musiikki-instrumenttina, jolla on mielenkiintoinen sointi. Mutta aina ei halua olla sanoja, jotta kappaleilla on semanttinen kuorma. Koska se ei aina ole välttämätöntä. Teen instrumentaalimusiikkia, rakastan sitä, ihailen sitä, tähän liukenen ja saan hullua nautintoa ja onnea.

Ja kuinka suosittua tällainen instrumentaalimusiikki on?

Erittäin kysytty! Se on jatkuvasti kehittyvä genre. Eikä vain kitara, vaan myös viulu, piano, elektroninen, etninen. Ehkä meidän maassamme tämä kehitys on jäljessä, tai pikemminkin jopa jättimäisellä viiveellä, mutta ongelmana tässä on se, että meillä ei ole tuotantoinstituutiota. Hyviä muusikoita on, mutta ei ole erikoistunutta levy-yhtiötä, joka käsitteleisi vain instrumentaalimusiikkia. Erityisesti - kitara-instrumentaalimusiikkia. Kaikissa kehittyneissä länsimaissa on levy-yhtiö, joka käsittelee vain instrumentaalia, vain kitaraa ja vain akustista musiikkia, ymmärräthän! Ja koko valtavassa maassamme ei ole sellaista merkkiä! Tällä musiikin alueella ei ole tuottajia, ei tuotantokeskuksia. Eli ongelma on puhtaasti taloudellinen ja ylittää luovuuden. Siksi aloin tuottaa itseäni. Kun saavuin Moskovaan vuonna 1998, tajusin, että kaikki täällä on melko monimutkaista. Ja hän alkoi itse opiskella tuotannon periaatteita - kuinka kommunikoida ihmisten kanssa, kuinka kommunikoida levy-yhtiöiden kanssa, kuinka vakuuttaa, kuinka etsiä mahdollisuutta kuvata video, tallentaa. Kuinka esittää musiikkia oikein, sijoittaa se, löytää kohdeyleisö, työskennellä promootiolla, PR:n kanssa. Valtava määrä työtä tehtiin, ja opettelen edelleen ymmärtämään perusteellisesti työn mekanismia - ei musiikillista, vaan organisatorista. Se on järjettömän vaikeaa, mutta myös mielenkiintoista työtä, ja minun on tehtävä se. Nyt se voi olla hieman vähemmän kuin ennen. Mutta siihen aikaan minun piti tehdä paljon töitä. Se oli minulle erittäin vaikeaa. Tulin pienestä valkovenäläisestä kylästä Moskovaan, tähän valtavaan, dynaamiseen, monimutkaiseen kaupunkiin, jossa minun piti aloittaa kaikki alusta. Siellä oli ideoita, kauniita melodioita, musiikkia. Siellä oli vektori - minne liikkua. Ja ihmiset uskoivat minua, seurasivat minua, tiimi perustettiin, ensimmäiset videot kuvattiin, ensimmäiset albumit äänitettiin, ensimmäiset askeleet otettiin mainonnan alalla. Ja tällä tavalla tämä "DiDyuLya" -niminen vene keinui vähitellen.

Mitä sinun on erityisesti tehtävä promootiollesi? Älä ole liian laiska noustaksesi aikaisin, mene tapaamaan oikeita ihmisiä, lähetä ehdotuksesi, tapaa, puhu, tapaa uudelleen... Olla jatkuvassa liikkeessä, ei vain musiikillisessa liikkeessä. Täällä ei ole salaisuuksia, kaikki on yksinkertaista. Ja aktiivinen elämänasento auttaa sinua.

Mutta vielä kerran sanon - maassamme se on vaikeaa. Ja haluan auttaa nuoria, aloittelevia muusikoita. He lähettävät minulle paljon demoja, siellä on mielenkiintoisia nimiä, ja olen jo ottanut muutaman askeleen tähän suuntaan. Tuotin ja julkaisin albumin Denis Asimovichilta, hämmästyttävältä klassiselta kitaristilta. Albumi on ilmiömäinen soundiltaan, laadultaan, toteutukseltaan ja ulkonäöltään. Tämä on tunnelmallista musiikkia, joka on saanut vastakaikua lännessä ja jota julkaistaan ​​uudelleen Euroopassa. Mutta tämä on akateemista musiikkia.

On ajatus työskennellä modernissa genressä, modernissa tyylissä, on mielenkiintoisia nimiä, joten tiettyjä askelia otetaan tähän suuntaan.

Otan siis mielelläni vastaan ​​kaikki minulle tulevat demot, valokuvat ja videot, käyn muusikoiden nettisivuilla, tutustun heidän työhönsä. Eli aktiivinen työ tähän suuntaan on käynnissä.

Pidätkö itseäsi menestyvänä kitaristina?

No, en pidä itseäni menestyvänä kitaristina, pidän itseäni vain muusikkona, säveltäjänä, joka tekee musiikkia, ja pääinstrumentti tämän musiikin välittämisessä on kitara. Jostain syystä meillä on hyvin selvä jako kitaristin ja muusikon välillä. Tämän ei pitäisi olla. On vain yksi käsite - muusikko. Hän osaa soittaa kitaraa tai jotain muuta instrumenttia… En pidä tästä jaosta.

Onnistuminen tai epäonnistuminen on myös abstrakti käsite. Kaikki on suhteellista. Asemoin itseni ihmisenä, joka työskentelee ahkerasti, nauttii esiintymisestä, musiikin säveltämisestä ja musiikin tekemisestä. Ja menestyksen käsite on minulle täysin epämääräinen eikä tarkoita mitään. Eikä se vaikuta minuun säveltäjänä tai ihmisenä. Ja jopa jotenkin ärsyttävää. Nyt kysyt minulta tämän kysymyksen, ja se jopa ärsyttää minua hieman. Olen vain muusikko, joka soittaa ja säveltää.

Didula sai viisivuotiaana lahjaksi äidiltään. Siitä hetkestä lähtien hän alkoi "kokeilla ääntä ja kitaraa": hän laittoi mikrofonin, anturin kitaraan, liitti instrumentin kotitekoiseen vahvistimeen. Yhdessä ystävien kanssa hän osallistui konsertteihin, katsoi kuinka he soittavat häissä. Myöhemmin hänet hyväksyttiin kolmanneksi kitaristiksi laulu- ja instrumentaaliyhtyeessä "Scarlet Dawns" Nikolai Khitrikin johdolla. Konsertteja pidettiin eri kaupungeissa, kolhoosien ja valtion tiloilla ja myöhemmin osuuskuntaravintolassa.

Yhtyeen romahtamisen jälkeen Didula ryhtyi äänitekniikan työhön Grodnon laulu- ja tanssiyhtyeessä "White Dew", jossa he soittivat, lauloivat ja tanssivat pääasiassa puolalaisia, valkovenäläisiä, ukrainalaisia, mustalaisia ​​kansantansseja ja -aiheita. Osana tätä joukkuetta Didula lähti ensin kiertueelle Euroopassa - Espanjassa, Italiassa, Puolassa, Sveitsissä, Ranskassa ja Saksassa. Espanjassa hän tutustui flamenco-tyyliin - perinteiseen espanjalaiseen musiikki- ja tanssityyliin, joka vaikutti hänen lopulliseen muodostumiseensa (Didulin teoksessa on jäljitetty joitain flamencolle ja muille espanjalaisille suuntauksille ominaisia ​​kohtia ja rytmejä, mutta tätä musiikkia ei voi kutsua sellaiseksi sataprosenttinen flamenco). Didulan ensimmäinen albumi julkaistiin vuonna 2000, vuonna 2002 Didula kokosi ryhmän muusikoita ja aloitti aktiivisen kiertueen. Ensimmäisiltä albumeilta lähtien muusikko kokeilee rohkeasti elektronista ääntä, kitaran kulkua korostetaan onnistuneesti tiheillä ja rytmikkäillä house-tyylisillä sovituksilla (on huomionarvoinen Astero-projektin remix sävellyksestä "Flamenco").

Didulya on yli 120 instrumentaalisen sävellyksen kirjoittaja, joka yhdistää yhdessä henkilössä säveltäjän, omien teostensa esittäjän ja Didulya-projektin tuottajan. "Didula" on Venäjän kiertävin instrumentaaliyhtye (120 konserttia vuodessa), lyömäsoittimia (Rustem Bari ja Andrey Atabekov), kosketinsoittajaa (Khaibula Magomedov), basistia (Dmitry Ershov) ja puhallinyhtyeitä (Valery Folded ja Ramil Mulikov).

Didula oli nuorena näkönsä menettäneen ja vuonna 2008 33-vuotiaana menehtyneen klassisen kitaristin Denis Asimovichin luovan työn tuottaja. Kaikki äänitettiin Moskovassa, ensin DiDulin henkilökohtaisessa studiossa, sitten KVADRO-studiossa (jossa sekä Pugacheva että Zemfira äänitettiin). Projektin tuottaja on DiDuLa.

6. joulukuuta 2012 julkaistiin Didulin yhdeksäs studioäänialbumi "Ornamental", tammikuun alussa 2013 julkaistiin keräilypainos "LIVE in Kremlin" (2DVD + 3CD). Konsertti sisältää useita sävellyksiä, joita (Didulan itsensä mukaan) ei ole koskaan julkaistu eikä tulla koskaan julkaisemaan studionauhoitteina, koska muusikko tuntee ne vain live-esityksessä.

Marraskuussa 2013 DiDuLa yhdessä valkovenäläisen laulajan Max Lawrencen kanssa haki Valko-Venäjän tasavallasta osallistumista Eurovision 2014 -kilpailun kansalliseen karsintakierrokseen esitelläkseen kappaleen "Now you're gone".

Valeri Didula (s. 24. tammikuuta 1969, Grodno) on valkovenäläinen soolokitaristi ja -säveltäjä, DiDyuLya-ryhmän johtaja. Esittää folk- ja fuusiomusiikkia.

Yhtyeen romahtamisen jälkeen Didula ryhtyi äänitekniikan työhön Grodnon tanssi- ja tanssiyhtyeessä "White Dew", jossa soitettiin, laulettiin ja tanssittiin erilaista musiikkia, pääasiassa puolalaisia, valkovenäläisiä, ukrainalaisia, mustalaisten kansantansseja. Osana tätä joukkuetta Didula lähti ensimmäistä kertaa kiertueelle Euroopassa - Espanjassa, Italiassa, Puolassa, Sveitsissä, Ranskassa, Saksassa. Espanjassa hän tutustui flamenco-tyyliin - perinteiseen espanjalaiseen musiikki- ja tanssityyliin.
Valeri sai ensimmäisen kitaransa viisivuotiaana lahjana äidiltään. Siitä hetkestä lähtien hän alkoi "kokeilla ääntä ja kitaraa": hän laittoi mikrofonin, anturin kitaraan, liitti instrumentin kotitekoiseen vahvistimeen. Yhdessä ystävien kanssa hän osallistui konsertteihin, katsoi kuinka he soittavat häissä. Myöhemmin hänet hyväksyttiin kolmanneksi kitaristiksi laulu- ja instrumentaaliyhtyeessä "Scarlet Dawns" Nikolai Khitrikin johdolla. Konsertteja pidettiin eri kaupungeissa, kolhoosien ja valtion tiloilla ja myöhemmin osuuskuntaravintolassa.

Yhtyeen romahtamisen jälkeen Didula ryhtyi äänitekniikan työhön Grodnon tanssi- ja tanssiyhtyeessä "White Dew", jossa soitettiin, laulettiin ja tanssittiin erilaista musiikkia, pääasiassa puolalaisia, valkovenäläisiä, ukrainalaisia, mustalaisten kansantansseja. Osana tätä joukkuetta Didula lähti ensimmäistä kertaa kiertueelle Euroopassa - Espanjassa, Italiassa, Puolassa, Sveitsissä, Ranskassa, Saksassa. Espanjassa hän tutustui flamenco-tyyliin - perinteiseen espanjalaiseen musiikki- ja tanssityyliin, joka vaikutti hänen lopulliseen muodostumiseensa (Didulin teoksessa on jäljitetty joitain flamencolle ja muille espanjalaisille suuntauksille ominaisia ​​kohtia ja rytmejä, mutta silti tämä musiikki ei voi kutsutaan flamencoksi).

Valeri Didula oli klassisen kitaristin Denis Asimovichin tuottaja, joka menetti näkönsä varhain.

Didula: elämäkerta, mielenkiintoisia faktoja

Tämä on legendaarinen valkovenäläinen kitaristi, jonka työllä ei ole analogia Neuvostoliiton jälkeisessä tilassa. Hänen esittämissä sävellyksissä yhdistyvät hienovaraisesti instrumentaalimusiikin viehätys moderneihin sovituksiin ja epätavalliseen soundiin. Tällainen symbioosi antaa tämän kitaristin kappaleille erityistä makua, ja siksi on erittäin, hyvin vaikeaa olla ihailematta hänen töitään.

Valeri sai ensimmäisen kitaransa viisivuotiaana lahjana äidiltään. Siitä hetkestä lähtien hän kehitti systemaattisesti luontaisia ​​kykyjään, kynitti järjestelmällisesti jousia ja järjesti sointuja yksitellen. Hänen opettajansa ihailivat hänen tehokkuuttaan, ja hän, kiinnittämättä huomiota mihinkään, vain paransi peliä katsomalla aikansa mahtavia kitaristeja.

Teini-ikäisenä Valeri oppi ensin erilaisten apulaitteiden olemassaolosta, joiden avulla hän voi työskennellä kitaran äänen parissa. Siitä hetkestä lähtien vempaimien, antureiden, mikrofonien ja muiden vastaavien elementtien kokeilemisesta tuli nuorelle muusikolle todellinen pakkomielle. Hän kehitti taitojaan ja työskenteli samalla alkuperäisen kitarasoundin luomiseksi.

Hyvin pian nämä pyrkimykset tuottivat hedelmää. Didulan sävellykset alkoivat saada epätavallista soundia ensimmäistä kertaa. Se oli kuitenkin vielä kaukana todellisista huipuista. Jonkin aikaa myöhemmin, kolmantena kitaristina, tämän päivän sankarimme sai työpaikan laulu- ja instrumentaaliryhmässä "Scarlet Dawns", joka oli tuolloin erittäin suosittu BSSR:ssä. Ryhmän konsertteja pidettiin melkein kaikkialla - kaupungeissa, kylissä, kylissä, kolhooseissa jne. Menestys vaikutti yhtyeeseen, mutta jossain vaiheessa Scarlet Dawns alkoi kuitenkin hajota. Syynä tähän oli Neuvostoliiton romahtaminen sekä valtava määrä avautuneita mahdollisuuksia. Osa muusikoista lähti länteen, joku avasi oman yrityksen, ja vain tämän päivän sankarimme jatkoi systemaattista työtä työnsä parissa.

1990-luvun alussa hän liittyi grodnolaisen Belye Rosy -yhtyeeseen, jossa hän työskenteli pitkään paitsi kitaristina, myös äänisuunnittelijana. Tuolloin nimetty ryhmä harjoitti pääasiassa valkovenäläisten, puolalaisten ja ukrainalaisten kansanlaulujen esittämistä. Valeri Didula piti kansantyylistä niin paljon, että myöhemmin kansanmusiikin nuotit kuulostivat jatkuvasti kaikissa hänen myöhemmissä sävellyksessään. Lisäksi on myös syytä huomata, että juuri osana White Dew -yhtyettä tämän päivän sankarimme lähti ensimmäisen kerran kiertueelle Länsi-Euroopassa - Puolassa, Saksassa, Ranskassa, Sveitsissä, Italiassa, Espanjassa ja joissakin muissa maissa. Espanja teki nuoreen muusikkoon erityisen suuren vaikutuksen, tai pikemminkin sen flamencotyylistä kitaramusiikkia. Kiertueen päätyttyä Valery Didula viipyi tässä Pyreneiden osavaltiossa vielä useita vuosia ja opiskeli kitaran kulkua ja rytmejä tänä aikana. Siten 2000-luvun loppuun mennessä valkovenäläisen muusikon tyyli muodostui lopulta. Flamencomusiikki kietoutui siinä hienovaraisesti valkovenäläis-puolalaisiin kansanmusiikkiaiheisiin, ja modernit house-sovitukset täydensivät kaikkea tätä.

1990-luvun lopulla Valeri Didula kokosi ympärilleen hyvän samanmielisten ryhmän, jonka kanssa hän aloitti kiertueen Valko-Venäjällä, Puolassa, Ukrainassa ja Espanjassa. Aktiivista apua nuoren muusikon edistämisessä tänä aikana tarjosivat Minskin liikemies Igor Bruskin ja säveltäjä Oleg Eliseenko. Heidän neuvonsa mukaan muusikko muutti Minskiin ja osallistui useisiin suuriin konsertteihin ja kilpailuihin. Didulan musiikki loihtii kaikkialla, ja siksi tämän päivän sankarimme sai pian tarjouksen esiintyä kansainvälisellä Slavianski Bazaar -festivaalilla.

Esiintyminen niin suurelle musiikkifoorumille avasi monia ovia Valeri Didulalle. Hänet kutsuttiin töihin Moskovaan, ja jo siellä nykypäivän sankarimme aloitti työskentelyn ensimmäisen studioalbuminsa parissa. Flamenco julkaistiin vuonna 2000. Tätä seurasi taiteilijan debyyttivideo.

Pian monet kuuluisat venäläiset muusikot alkoivat kääntyä lahjakkaan Grodnon syntyperäisen puoleen saadakseen apua. Joten eri vuosina Didula työskenteli Abraham Russon, Kristina Orbakaiten, Dmitry Malikovin ja monien muiden suosittujen esiintyjien kanssa. Vuonna 2002 kitaristin mainetta vahvisti uusi studioalbumi "The Road to Baghdad", jota seurasi albumi "Satin Shores". Tähän mennessä muusikon diskografia sisältää yhdeksän studioalbumia. Osana Didula-ryhmää valkovenäläinen kiertää IVY-maita ja antaa vuosittain noin 120 konserttia.

Ansaittuaan itselleen nimen show-liiketoiminnan maailmassa, Valeri Didula aloitti myös tuottajan työskentelyn. Hänen tuellaan julkaistiin valkovenäläisen muusikon Igor Dedusenkon albumi. Sekä toisen maanmiehen - kitaristi Denis Asimovichin - levy, joka menetti näkönsä varhaislapsuudessa.

Didula, "The Way Home", video

Suosittu valkovenäläinen muusikko, säveltäjä ja kitaristi Didyulya (koko nimi Didyulya Valeri Mikhailovich) syntyi Grodnon kaupungissa 24. tammikuuta 1969 (24.1.1969). Didula työskentelee kansanmusiikin, fuusio- ja new age -tyyliin.

Kun Dilyula oli viisivuotias, hänen äitinsä antoi pojalle kitaran, mikä määritti hänen tulevan luovan polun. Siitä hetkestä lähtien Didula ei eronnut suosikkisoittimestaan, vaan kokeili vahvistinta ja mikrofonia. Poika sai kokemusta, katseli muusikoiden soittamista konserteissa ja häissä. Pian Didulasta tuli Nikolai Khitrikin johtaman VIA "Scarlet Dawns" jäsen. Ryhmä esiintyi valtion tiloilla ja ravintoloissa, kiersi kaupunkeja.

Scarlet Dawns -ryhmän hajottua Didulasta tuli ääniteknikko Grodnon White Dews -yhtyeessä, joka työskenteli pääasiassa kansanmusiikin genressä. Osana ryhmää Didula kävi kiertueella monissa Euroopan maissa. Espanjassa Didula oppi flamencotyyliä, jolla oli myöhemmin suuri vaikutus muusikon työhön. Didulin ensimmäinen musiikkialbumi, joka julkaistiin vuonna 2000, oli nimeltään "Flamenco".

Vuonna 2002 Didula perusti oman musiikkiryhmän. Muusikot käyttivät elektronista musiikkia, kokeilivat house-tyylisiä sovituksia.
Didula loi yli sata musiikkiteosta, toimien samalla esiintyjänä, säveltäjänä ja tuottajana. Didula antaa satakaksikymmentä konserttia vuodessa ja hänet tunnustetaan Venäjän kiertueisimmaksi musiikkiryhmäksi. Yhdessä Didulan kanssa esiintyvät Khaibula Magomedov (koskettimet), Alexander Leer ja Rustem Bari (lyömäsoittimet), Dmitry Ershov (bassokitara), Ramil Mulikov ja Valeri Skladanny (puhaltimet).
Kuten jo kirjoitimme, . Muusikot aikovat esittää kappaleen "Now you" re gone "(" Now you're gone "). Musiikin on kirjoittanut Didula itse, kuuluisan Deep Purple -yhtyeen solistin Joe Lynn Turnerin sanoin.