Acum câteva zile am fost surprins să aflu despre un fotograf foarte talentat. Stilul lui este așa-zisul fotografie de stradă (fotografie de stradă), adică se plimbă pe străzi cu un aparat de fotografiat și roagă diverși trecători să pozeze pentru el. Fotografiile sunt pur și simplu fantastice, pline de atmosfera și emoțiile oamenilor. Numele lui este Benoit Payet(Da, așa se citește numele lui în franceză).

Pe acest moment a obținut deja un succes uriaș în rândul fotografilor, cursurile sale de master în întreaga lume la prețul de câteva mii de dolari. Dar, pe lângă faptul că este un fotograf uimitor, este și genial. prelucrează fotografiile. Prelucrarea este cu adevărat de top, ceea ce face ca mii de oameni din întreaga lume să încerce să repete tehnica lui. Dar nimeni nu a reușit încă să facă asta, și el însuși Benoit dezvăluie secretele prelucrării fotografiilor doar elevilor săi de la cursurile de master.

În acest articol, vă invit să vă familiarizați cu lucrările uimitoarei Benoit Paille, precum și să o luați în considerare mai detaliat tehnica de prelucrare a fotografiilor.

Vă prezint atenției o mică selecție de fotografii Benoit Payet astfel încât să puteți vizualiza deja ce stilul de prelucrare vorbind ( faceți clic mai jos pentru a activa prezentarea de diapozitive)

Pentru o privire detaliată asupra portofoliului său, puteți vizita pagina sa deviantart sau flickr.

M-am uitat îndelung la munca lui, am studiat culorile, stilul în general. Am căutat prin multe forumuri, bloguri și site-uri unde au încercat să se răspândească jocuri de actiune (actiuni) cu tehnica prelucrării sale au fost aduse întrebări pentru discuție, dar nu s-a putut învăța nimic cu adevărat util. Cineva a spus „întoarce glisoarele”, iar cineva a spus chiar că „are doar o cameră cool”, în plus, acest lucru a fost spus de oameni care nici măcar nu-și pot scrie corect numele de familie. Am dat peste astfel de variante: Benoit Sondaj, Benois Palle, Benois Pell etc. Desigur, toate acestea sunt râsete și nimic mai mult :)

Am găsit singurul subiect sensibil pe forumul club.foto.ru, unde mai mult de 30+ pagini discuție despre tehnică prelucrareși Fotografieîn general. Din el am reușit să aflu că Benoit folosește o grămadă Adobe Lightroom + Adobe Photoshop , adică converti din format BRUT iar prelucrarea principală a fotografiei este efectuată în Photoshop. Apropo, puteți citi despre această tehnică în articol. De asemenea, spre marea mea surpriză a fost că folosește doar două instrumente de editare foto, și anume Niveluriși echilibrul culorilor. E timpul să procesezi o fotografie - aproximativ 2 ore. Mai mult, în principiu, nu s-a putut afla nimic, cu excepția faptului că fotografia de titlu a acestui articol a fost făcută Canon 5D Mark II cu lentila fixa Sigma 35mm f/1.4. Și acum să trecem la lucrul principal, la analiza stil de editare foto.

Internetul este plin de fotografii în prestația sa, dar, din păcate, totul este deja cu post-procesare, iar Benoit Paille nu își încarcă originalele, încercând astfel din toate puterile să păstreze secretul. procesarea fotografiilor dvs. Singura fotografii originale fără procesare, pot fi găsite în anunțurile sale pentru cursurile de master, dar toate sunt de o calitate teribilă și se vede puțin pe ele. Exemple fotografii originaleîl poți găsi în orice motor de căutare BenoitPaillWorkshop.pdf.

Postez acele fotografii mai jos. cu prelucrare care sunt în ale lui fișiere pdf) doar la calitate normală, astfel încât să puteți vedea mai bine rezultatele post procesare Imagini. Pe baza lor, vom trage concluzii despre el. tehnici de corectare a culoriiși .

Acum avem ocazia să comparăm originalele fotografiilor sale (deși mici) cu imaginile deja procesate la o calitate excelentă. După analizarea fotografiilor, putem trage următoarele concluzii:

1. tonuri atenuate, adică Nu culori deschise , totul in perfect echilibru

2. Înalt microcontrast. Detalii necesare în claritate, mărită în locurile potrivite contrastul imaginii

3. Fundalul mai puțin contrast decât subiectul, respectiv, Benoit se concentrează astfel pe „model”

4. Fantastic prelucrarea luminii și umbrelor. Sublinierea corectă umbre/lumini

5. Poze cu stil suprarealism, adică el aduce corecție de culoare, care se limitează la același nivel cu „nerealist”, dar linia este atât de subțire încât nu se observă

6. Se creează efectul " film„, adică culorile amintesc puțin de o imagine dintr-un ecran de film a unui film din anii '90

7. Imaginea nu seamănă deloc cu o fotografie, se pare că seamănă cumva "imagine„, adică calitate foarte înaltă și unică.

Acesta, s-ar putea spune, a fost „spălat după ureche”. La urma urmei, nimeni nu poate spune exact cum și ce ar trebui prelucrat în aceste fotografii. Singura cale de ieșire este să încercați să repetați voi înșivă o astfel de procesare Benoit Payet recomandă insistent să nu petreceți timp cu asta, tk. fiecare are a lui stil unicși este mai bine să lucrezi la îmbunătățirea lui decât să-l copiezi pe al altcuiva. Și în principiu, sunt complet de acord cu el, dar tot am decis să încerc. Toate pe același forum club.photo.ru, am găsit o fotografie care este ideală pentru prelucrare în stil Benoit Pailleși după aproximativ 30-40 de minute de culegere în Photoshop, am primit următoarele

Acesta este doar un proces tratament, dar sunt sigur că dacă ne îndreptăm mai departe în această direcție, putem realiza rapid un similar stil(exact similar, nu identic, pentru că acest lucru este pur și simplu imposibil) Benoit Payet. Am reușit să obțin un rezultat similar cu ajutorul a patru plugin-uri, cronologia a fost următoarea:

1. Procesarea inițială care a pus „fundația” a fost cu un plugin Film color pentru expunerea pielii extraterestre. Filtrul este numit film de diapozitive 100%.

3. De făcut partea frumoasă încețoșată da, am folosit pluginul Alien Skin Bokeh 2.

4. După aceea am folosit din nou Color Effect Pro cu filtre Strălucire/Căldurăși Photo Styler.

5. Pentru a obține efectul de puțin suprarealism și efectul de „poza” am folosit un filtru Glamour Glowși Neutralizator albîn același Color Efex Pro.

7. Și în sfârșit, pentru mai multe bokeh pronunțat, l-am luminat cu un plugin Red Giant Software Knoll Light Factory.

Din păcate, nu am documentat ce setări pentru care filtru Am expus, pentru că nici nu am vrut să o facă analiză detaliată creativitate Benoit Paille:) Dar rețineți că am folosit prelucrare locală, adică impuse filtre pe părți individuale ale imaginii, nu pe întreaga imagine. Singurul lucru pe care ti-l pot oferi este un clip video inregistrat de mine personal la calitate HD, unde treptat il pornesc straturi Photoshop unul câte unul, astfel încât să puteți vedea ce plugin a afectat imaginea în ce fel.

Pluginurile pe care le-am enumerat mai sus, puteți descărca totul după nume de pe orice torrent, de exemplu rutracker.org. Sper că acest articol a fost util și informativ pentru tine.

dacă aveți nevoie de un tutorial sau un fișier mai detaliat PSD co straturiîn stil Tratamente Benoit PailleÎl puteți descărca mai jos:

P.S. Vă vom fi foarte recunoscători dacă distribuiți acest http://site/obrabotka/obrabotka-v-stile-benoit-paille/ sau orice alt articol de blog http://site prin retele sociale sau orice alt mod de a intra în legătură cu prietenii tăi :) Mulțumesc!

P.S. Dezabonați-vă în comentariile de mai jos pentru orice întrebări de procesare, voi fi bucuros să vă ajut! :)

Citind articole despre Photoshop, sunt adesea surprins de cât de mulți autori complică rezolvarea unor sarcini de procesare în esență simple. Mulți scriitori „monumentali”, precum Dan Margulis, suferă și de asta. Dar acest lucru este scuzabil pentru el - sarcina lui este să scrie despre toate subtilitățile și nuanțele procesului de prelucrare, să-l ia în considerare din toate unghiurile și laturile. Deși această caracteristică a prezentării materialului din cărțile sale este cea care respinge mulți cititori.

De fapt, rădăcinile acestor metode „40 de pași ascuți” provin dintr-un lucru foarte simplu – cei care scriu aceste tutoriale nu au lucrat niciodată cu cantități mari de fotografii. Adică, de regulă, au câteva fotografii și sunt gata să omoare o seară sau două în procesul de procesare. Dar când ai comenzi constante și din fiecare ședință foto trebuie să procesezi în mod serios câteva zeci de cadre, începi să te gândești la modalități mai simple și mai convenabile de procesare.

Despre ele vom vorbi astăzi. Vă voi spune despre cinci instrumente Photoshop simple, dar foarte eficiente, pe care le folosesc tot timpul în munca mea.

Înainte de a procesa fotografii în Photoshop, lucrez întotdeauna cu cadre în convertorul RAW. Acolo efectuez corecția principală a culorilor și procesarea primară a fotografiilor. De fapt, eu creez „scheletul” prelucrării, iar în Photoshop lucrez cu detaliile fotografiei.

Deci, am lucrat cu fotografia în convertorul RAW și am deschis-o în Photoshop. Photoshop ne întâmpină cu un număr mare de instrumente de procesare pentru toate ocaziile. Dar vom vorbi despre cele mai simple și mai eficiente dintre ele.

Funcția principală a instrumentului Dodge Tool/Burn Tool este de a lumina/întuneca anumite zone ale imaginii. De fapt, puteți „desena” întunecarea sau invers - luminați imaginea. Este foarte simplu, încercați: sunt sigur că veți aprecia acest instrument. Dodge/Burn Tool are doar două setări, dar foarte importante.

Interval — Selectarea zonei de aplicare

Puteți utiliza acest instrument în zonele întunecate (umbre), luminoase (luminoase) sau neutre (tonuri medii) ale fotografiei. De exemplu, trebuie să luminați zonele întunecate ale bărbiei (atunci când procesați un portret) și să lăsați zonele luminoase neatinse. În acest caz, setăm modul Shadows pe Dodge Tool, iar acesta va lumina doar zonele întunecate ale locurilor în care îl aplicăm.

Expunerea - puterea impactului

Este foarte important să setați corect forța de impact. Mulți oameni care experimentează cu Photoshop încearcă Dodge/Burn 100%. Și, întunecând imaginea, obțin „găuri” negre și luminozitate - supraexpunere continuă. Desigur, obținând un astfel de rezultat, ei nu se mai întorc la acest instrument. Dar Dodge/Burn este un instrument subtil. Dacă lucrați la umbre sau lumini, încercați 7-10% putere de aplicare, dacă aveți zone neutre - 10-20%. Pentru fiecare caz, forța de impact este selectată separat, dar după ce lucrați puțin cu acest instrument, veți începe să simțiți ce fel de putere este necesară în fiecare caz specific.

Utilizare

Dodge/Burn are o mulțime de utilizări:

• Luminează irisul

Doar aplicați instrumentul Dodge pe iris, este cel mai simplu mod de a-l ușura. Astfel, concentrezi atentia privitorului asupra ochilor modelului.

În toate aceste portrete, am luminat irisul ochilor tocmai pentru a atrage atenția privitorului asupra ochilor și a adăuga psihologism în cadru.

• Întunecă liniile formei feței într-un portret masculin

Pomeții, linia maxilarului, linia nasului, sprâncenele - orice linii ale feței, dacă sunt puțin întunecate, vor dobândi mai mult volum și contrast. Bărbatul din fotografie va arăta mai dur și mai voinic.

Folosesc această tehnică atunci când procesez aproape toate portretele masculine alb/negru. Pentru culoare, această tehnică nu este întotdeauna potrivită, deoarece „distruge” culorile, dar funcționează foarte bine pe o imagine alb/negru.

Într-un portret feminin, această tehnică trebuie folosită cu mare atenție, deoarece o femeie va fi decorată doar subliniind acele linii faciale care îi conferă feminitate. În caz contrar, vei primi un portret al unei creaturi masculine.

• Luminează zonele de iluminare de fundal

Lumina de fundal în sine este un lucru minunat. Dar dacă îi sporești efectul cu ajutorul instrumentului Dodge, imaginea va deveni și mai bună. Arată deosebit de grozav în fotografiile de concert, când muzicienii sunt iluminați de o lumină de fundal bună.

• Albiți dinții modelelor dvs

Folosește instrumentul Dodge, care este cel mai simplu și mai eficient mod de a albi dinții într-o fotografie. Puțin mai târziu, cu siguranță voi scrie o lecție separată despre albirea corectă a dinților folosind instrumentul Dogde.

2 Ștampila de clonare

Există mai multe instrumente pentru retușarea imaginilor în Photoshop și fiecare dintre ele este bună în felul său. Dar „Ștampila” este cel mai versatil instrument utilizat.

Funcția sa este de a lua o anumită secțiune a imaginii și de a o copia. Astfel, putem, de exemplu, să retuşăm ridurile – pur şi simplu „înlocuindu-le” cu zone de piele netedă. Pentru a face acest lucru, apăsați Alt și selectați zona din care va fi luată imaginea, apoi, pur și simplu, făcând clic pe zonele dorite ale imaginii, o vom copia în ele.

În setările ștampilei, este important să acordați atenție doi parametri:

modul

Acestea sunt modurile în care ștampila va funcționa. De exemplu, în modul Întunecare, ștampila va „înlocui” doar zonele mai deschise decât zona selectată. De fapt, puteți întuneca zonele luminoase ale imaginii, motiv pentru care numele modului este Darken. Și, în consecință, în modul Lighten, ștampila va funcționa numai pe zonele mai întunecate ale imaginii, luminându-le.

Clone Stamp are multe moduri de funcționare - experimentați cu ele, sunt sigur că veți obține rezultate interesante.
În opinia mea, nu are sens să descriem funcționarea fiecărui mod - în Photoshop, pentru toate instrumentele, funcționează în esență aceleași principii de funcționare a modurilor, schimbându-se doar ușor la specificul unui anumit instrument.

Opacitatea înseamnă opacitate. Mai simplu spus, cu cât procentul pe care îl setați în această setare este mai mic, cu atât „lucrarea” ștampilei va fi mai transparentă. De exemplu, la 100% ștampila va înlocui complet zona selectată, iar la 50% va fi translucidă. Pentru retușarea feței, de regulă, se folosește 10-30%, altfel urma ștampilei va fi prea clar vizibilă.

Utilizarea ștampilei clonare

• Retuşare

Retușarea în toate manifestările sale este scopul principal al unei ștampile. În primul rând, ștampila este folosită pentru retușarea pielii - pentru a elimina ridurile, vânătăile de sub ochi, umflăturile și alte creații frumoase ale mamei natură.

De asemenea, puteți retușa, de exemplu, un obiect nedorit din cadru. Dacă, desigur, nu ocupă jumătate din fotografie.

Este foarte convenabil să folosiți o ștampilă pentru a elimina micile supraexpuneri. De exemplu, modelul tău are un mic punct de supraexpunere la vârful nasului. Luăm o ștampilă, setăm modul Întunecare și întunecăm acest punct în câteva clicuri.

3.Pensula de istorie

History Brush este o mașină a timpului pentru editarea fotografiilor. Puteți parcurge orice etapă de procesare și folosiți o pensulă pentru a desena din ea în funcție de imaginea dvs.

History Brush este plin de posibilități grozave. Am scris deja în detaliu despre funcționarea acestui instrument într-un articol separat. În ea veți găsi o lecție detaliată despre utilizarea pensulelor de istorie și veți învăța cum să ascuți doar zonele imaginii de care aveți nevoie.

Desigur, ascuțirea nu este singurul domeniu de aplicare. În articolele viitoare, vă voi arăta cum să lucrați cu culoarea într-o fotografie folosind Pensul de istorie.

4.Alb-negru

Instrumentul Alb-negru se află în fila Imagine->Ajustări. Sau puteți crea doar un strat de ajustare (stratul de ajustare) pe fotografie.

Funcția principală a instrumentului Alb-negru este traducerea „corectă” a unei imagini color în alb/n. Corect, deoarece puteți modifica afișarea alb-negru pentru fiecare dintre culori. Astfel, poți obține o imagine alb/n frumoasă și „gustoasă”.

Dar funcționalitatea B&W nu se limitează la asta.

Cu acest instrument, puteți obține o imagine foarte interesantă și colorată. Să aplicăm alb și negru imaginii noastre și apoi să activăm modul strat Suprapunere.

Acum, manipulând controalele alb și negru și transparența stratului, putem obține un foarte poza interesanta. Pentru claritate, am setat stratul alb-negru la o opacitate destul de mare - 62% și am rotit pârghiile Greens, Cyans, Blues și Magentas la maximum.

După cum putem vedea, imaginea a devenit imediat mai bogată și mai contrastată (click pe imagine pentru a o mări).

Acum să aruncăm o privire la caseta de selectare. Tentă. Pornindu-l, putem nuanta imaginea in culoarea de care avem nevoie.

Utilizare

Există o mulțime de opțiuni pentru utilizarea alb-negru atât atunci când lucrați cu culoare, cât și când procesați alb-negru.
Într-unul dintre următoarele articole, folosind exemplul procesării mai multor fotografii, voi vorbi despre toate nuanțele principale ale lucrului cu Black&White.

5.Umbră/Evidențieri

Shadow/Highlights se află și în fila Imagine->Adjustments (apropo, există multe instrumente interesante acolo, vă sfătuiesc să experimentați cu toate)

Acest instrument este conceput pentru a întuneca zonele supraexpuse și pentru a atrage luminile din umbre. Pe lângă utilizarea sa cea mai evidentă - pentru a elimina supraexpunerea și subexpunerea, S/H funcționează excelent și pentru a crea o senzație de mai mare profunzime în imagine. Putem adăuga tonuri întunecate zonelor luminoase și tonuri deschise celor întunecate. Astfel, imaginea va deveni mai voluminoasă și mai profundă.

De exemplu, în această fotografie, folosind S/H, am adăugat volum hainei cățelușului și poza a devenit imediat mai interesantă.

De fapt, Shadow/Highlights este un instrument absolut indispensabil pentru orice editare serioasă. Aproape orice fotografie poate fi îmbunătățită dacă utilizați corect S/H.

Aș dori să vorbesc despre toate setările S/H și despre funcționalitatea acesteia, dar acesta este într-adevăr un subiect pentru un articol separat. În viitor, cu siguranță voi reveni la tema Shadow / Highlights, dar pentru moment, încercați doar să experimentați - încercați diferite setări și uitați-vă la rezultat. Din experiența mea, această metodă este cea mai eficientă pentru a învăța lucruri noi.

După cum putem vedea, toate aceste instrumente sunt foarte ușor de utilizat, dar în același timp sunt uimitor de eficiente. Încercați să experimentați cu ele și veți simți câte posibilități oferă la procesare.

Cred că merită să faci o serie de articole despre instrumente simple, dar foarte eficiente în Photoshop. Și în articolul următor voi vorbi despre instrumente pentru lucru serios cu culoare într-o fotografie.

În zilele noastre, fotografia este poate una dintre cele mai dinamice domenii ale artei contemporane. Este greu de imaginat că până de curând, disputele nu s-au oprit, în ceea ce privește dacă fotografia poate fi considerată în general o artă cu drepturi depline. Acum fotografia a ocupat un loc sigur pe aceeași treaptă alături arta clasica precum pictura, grafica si sculptura.

Aparatul foto nu este acum doar o tehnică, este un instrument special care ajută o persoană să privească altfel realitatea înconjurătoare, iar imaginile nu sunt doar hârtie cu o imagine, ci o reflectare a gândurilor și a lumii interioare a autorului însuși. Un nou val de interes pentru fotografie a măturat societatea odată cu apariția echipamentelor fotografice digitale ieftine, care, în plus, au fost capabile să ofere un nivel decent de fotografie. Dimensiunea publicului, pasionat de fotografia amatoare, a atins astăzi o dimensiune impresionantă.

Expoziții de fotografie sunt organizate în mod regulat în toate colțurile lumii, unde sunt prezentate lucrările diferiților fotografi, realizate de obicei în același stil. Deși trebuie spus că conceptul de stil în fotografie a devenit foarte subiectiv, nu orice fotografie poate fi ajustată la oricare dintre stilurile standard. În același timp, nu este dificil să recunoști stilul - doar uită-te la fotografie.

Care sunt stilurile în fotografie?

În general, stiluri fotografie modernă poate fi caracterizat folosind termeni precum:

• compoziţie;
• interpretarea subiectului;
• utilizarea culorilor și a tonurilor;
• tehnica de tragere;
• starea de spirit a autorului, pe care încearcă să o transmită și așa mai departe.

Combinația acestor concepte formează stilul de fotografie. În același timp, fotografi moderni lucrează atât în ​​stiluri clasice, precum glamour sau retro, și își creează propriile stiluri originale, fiecare dintre ei fiind cumva caracterizat de propriul stil, ceea ce face ca orice fotografie să fie unică. Stilul în fotografie se formează sub influența unei varietăți de factori: procesele care au loc în societate în acest moment, tendințele și tendințele inerente diferitelor segmente ale populației, ideile noi care decurg din activitățile umane.

Arta pop șterge toate limitele

Stilul pop art, devenit un fel de avangardă a anilor 50 și 60 ai mileniului trecut, a fost incredibil de popular în America și nu a putut decât să lase amprenta artei contemporane. Acest stil se bazează pe semne și simboluri caracteristice acelei perioade de timp. Atunci, datorită artiștilor care lucrează în domeniul acestui stil, liniile dintre obiectele produse în masă și piese de artă unice sunt estompate. Una dintre cele mai Reprezentanți proeminenți acea perioadă este un fotograf american - artistul Andy Warhol. El este cel care deține colajele pline de farmec care îi înfățișează pe Elvis Presley și Marilyn Monroe.

Trăsăturile caracteristice inerente stilului pop art în fotografie sunt următoarele:

• culori deschise;
• nivel crescut de contrast;
• abstractizarea imaginilor;
• eficientizarea formelor.

Oricare dintre tehnicile de mai sus ajută un fotograf care lucrează în acest stil să atragă atenția privitorului, cu toate acestea, cele mai neașteptate modalități sunt potrivite pentru aceasta. Deoarece arta pop a încurajat întotdeauna fotograful să abordeze procesul de fotografiere cât mai creativ și cu imaginație posibil, chiar și astăzi acest stil este încă foarte relevant și popular în rândul artiștilor fotografi.

Fotografii retro care păstrează amintiri ale vremurilor trecute

Apartenența istorică este ceea ce va distinge întotdeauna fotografiile retro de altele, în plus, au o anumită sofisticare și rafinament. Aceste imagini surprind de obicei cele mai strălucitoare evenimente. zilele trecute, amintiri despre oameni și locuri. Din acest motiv, fotografiile retro devin adesea subiectul decorațiunilor interioare, aducând în atmosferă un anumit spirit al trecutului. Dacă vorbim despre modernitate, se dovedește că în vremurile noastre nu este deloc ușor să faci o poză retro, pentru că acum tehnologia este capabilă să surprindă astfel de componente care înainte depășeau puterea unei camere de a vedea. Pentru a obține rezultatul dorit, maeștrii folosesc materiale fotografice în alb și negru, uneori adăugându-le puțină culoare, dar uneori diferă într-un minim de semitonuri și întuneric. În plus, pentru ca fotografiile retro să fie cele mai realiste, va trebui să încercați să recreați atmosfera antichității în haine, mobilier și mobilier care ar corespunde uneia sau alteia. epoca istorica. Desigur, astfel de manipulări necesită mult timp, efort și bani, dar rezultatul final, de regulă, justifică toate așteptările declarate. Fotografiile realizate în stil retro poartă note de tristețe și dor pentru zilele trecute, care este cea mai încântătoare și, în același timp, evocă emoții vii.

Vintage chic - cel mai bun din trecut

O persoană care nu știe poate confunda cu ușurință o fotografie de epocă cu o fotografie retro, cu toate acestea, acest stil are propriile caracteristici originale, care sunt unice pentru el. Cuvântul „vintage” ne-a venit de la limba francezași se traduce ca vin de cea mai bună varietate, calitate. Acest lucru este inerent imaginilor realizate în acest stil, de regulă, ele sunt exclusive și unice în felul lor. Nu degeaba titlul acestei secțiuni spune tocmai că fotografiile de epocă sunt cele mai bune care au ajuns până la noi și în trecut. În ciuda numeroaselor tendințe și direcții noi în fotografia modernă, fotografiile de epocă nu devin niciodată învechite și nu își pierd relevanța. Totuși, pentru ca o fotografie să reziste timpului și să nu înceteze să fie originală, fotograful-artist trebuie să depună mult efort. Aici tehnologia modernă vine în ajutor. De exemplu, apelând la ajutorul diverselor programe de editare, puteți da imaginii un efect vintage, puteți face vopseaua decolorată, puteți crea un efect uzat cu stropi.

Fotografie populară glamour

Cu greu nimeni va nega că fotografia glamour este cel mai comun stil de fotografie în acest moment. Fotografiile acestui stil au umplut literalmente totul în jur: panouri publicitare, pagini de reviste lucioase, postere de filme, restaurante și cluburi de noapte. În originile fotografiei glamour se află cinematografia, care s-a răspândit în anii 20-30 ai secolului trecut. Privirile languide ale femeilor îmbrăcate în rochii cu decolteu adânc, pantofi deschiși cu toc, toate acestea au servit drept sursă apariției stilului glamour. Desigur, amprenta a fost lăsată și de imagini luminoase care înfățișează simbolul sexual al acelei vremuri - Marilyn Monroe, care a contribuit în mod semnificativ la dezvoltarea glamourului. Trăsăturile caracteristice ale acestui stil sunt șic, farmec, strălucire și sexualitate. Fotografiile în acest stil, de regulă, înfățișează vedete de cinema, modele și alte persoane publice, la imaginile cărora lucrează zilnic echipe întregi de stilisti, coafor și artiști de machiaj.

Desigur, în stadiul actual de dezvoltare a fotografiei glamour, domeniul de aplicare al acestui stil s-a extins semnificativ. Acum fotografiile pot reflecta atât romantismul ușor și tandrețea, cât și sexualitatea dură, amestecată cu aroganță, provocând întreaga societate. Cu toate acestea, un anumit atașament față de șic și lux, imaginile impecabile și luminozitatea nu au dispărut nicăieri. În aceste trăsături se află succesul glamourului și interesul inepuizabil pentru astfel de fotografii, ei bine, dezvoltare intensivă publicitatea, moda și interesul revistelor lucioase pentru acest stil nu contribuie decât la dezvoltarea acestuia.

Fotografia este o formă de artă și, ca orice formă de artă, trece prin cota sa de evoluție. Prin urmare, este corect să spunem că în calitate de fotografi (artişti în această meserie) trecem şi printr-un proces evolutiv de definire şi redefinire a flerului nostru artistic. Această redefinire poate avea loc în moduri diferite. Ar putea fi latura tehnica(trecerea de la digital la film sau invers) sau business (schimbarea genului pe care îl fotografiați). O altă modalitate de a te dezvolta ca fotograf ar fi să-ți schimbi stilul de editare. Și este absolut normal și acceptabil să faci toate aceste schimbări în călătoria ta fotografică.

Pentru fotograf, imaginile lui sau ei sunt o formă de artă. Experimentarea cu ele este o satisfacție creativă.

Vine un moment în cariera ta în care reflectezi în mod semnificativ la cum a fost acea călătorie. Prin ce ai trecut si unde esti acum. O poți numi un fel de criză de mijloc, iar eu o numesc supraestimare punctele forte, talente și obiective.

Acum câțiva ani, când căutam un stil de fotografie care să mă atragă, m-am îndrăgostit imediat de imagini luminoase și aerisite, cu multă lumină și emoție. Aceste fotografii chiar m-au inspirat și m-au făcut fericit. Dar în timpuri recente Sunt atrasă de imagini mai capricioase, contrastante, care sunt și pline de emoție. Nu o văd ca pe un defect sau un eșec, ci o văd ca pe o evoluție firească a drumului meu ca artist.

Același obiect fotografiat în două moduri diferite. Îi iubesc în egală măsură și cred că ambele imagini transmit mesajul/povestea pe care am vrut să o spun despre mâncarea mea preferată de vară – afinele!

Dacă vă aflați la o astfel de răscruce, vă încurajez să explorați pe deplin fiecare cale și să găsiți o modalitate de a o integra în fluxul de lucru existent. Am ajuns la concluzia că, atunci când este făcut corect, clienții (sau fanii) tăi vor aprecia și acest proces de dezvoltare ca un semn al creșterii interioare a talentului tău.

Iată câteva modalități de a face aceste descoperiri.

1 – A determina A mea proprii stil prelucrare

Ce stil de imagine te atrage? Cu alte cuvinte, când cauți inspirație, spre ce imagini gravitezi? Pentru mine, fotografiile pline de emoție și personalitate chiar îmi țipă numele! Aceasta este prima mea cerință; Ce poveste încearcă să spună fotograful?

Apoi mă uit la procesare - imaginea este întunecată și mohorâtă, sau ușoară și curată? Îmi plac imaginile aerisite, luminoase puțin mai mult decât cele întunecate, dar ambele mă atrag. Părerea mea personală este că nu mă inspiră sepia sau tonurile mai calde de alb-negru, dar aceasta este preferința mea personală. Dacă asta te motivează, atunci stăpânește și dezvoltă acest stil!

Finisajul curat, luminos evidențiază prospețimea florilor pe fundalul albastru al scaunelor.

2 – Explorează alte stiluri care te inspiră

Sunt câteva stiluri comune care rămân relevante în timp. Aceasta nu este în niciun caz o listă exhaustivă, ci cele pe care le-am notat în timp ce căutam pe web și pe Pinterest.

Mate

Aceste imagini arată ca și cum ar fi fost filtrate cu o ușoară ceață ceață.

De obicei, în stil mat, negrul nu arată 100% negru, dar dacă imaginea a fost tipărită pe hârtie mată (vezi imaginea originală de mai jos).

original imagine

Ușoară ceață ca finisaj care este vizibil în mare parte pe flori (mai ales în comparație cu imaginea anterioară).

Culori slabe

Imagini în care toate culorile sunt foarte dezactivate. Acest stil a devenit foarte popular în ultima vreme, în special acele imagini în care saturația verdețurilor (adică copaci și tufișuri) este redusă semnificativ.

O imagine cu saturație scăzută, în care toate culorile sunt dezactivate în comparație cu luminozitatea originală din prima imagine din această serie. Saturația de roșu este redusă, verdele și albastrul sunt și ele dezactivate (scăderea intensității).

HDR

Conform Wikipedia HDR sau High interval dinamic este un efect conceput pentru a reproduce o gamă dinamică mai largă de luminozitate decât în ​​imaginile digitale standard. De obicei, se aplică fotografiilor nocturne în oraș, dar puteți aplica acest efect oricărei fotografii.

AiciHDRAre opus Efect nesaturat… verde, roșu și roz deveni mai bogat în acest imagine.

monocrom

Aceasta înseamnă că este utilizată o singură culoare, iar acestea sunt în mare parte imagini alb-negru.

3 - Identificați artiști care sunt buni în ceea ce fac și urmăriți-i

Există numeroși artiști care excelează în unul sau mai multe stiluri de procesare. Odată ce ați decis cu ce stil doriți să experimentați, căutați fotografi care lucrează în același stil și cercetați-le munca. Veți începe să vedeți un model în stilul lor de lucru și procesare, care vă poate oferi mai multă motivație pentru a căuta și a realiza un anumit tip de imagine în portofoliu.

4 – Filmați cu stil și aproape de viziunea dvs

Acest lucru este legat de cele două puncte de mai sus. Odată ce te-ai hotărât asupra stilului cu care vrei să lucrezi, investește timp și efort pentru a te asigura că îndeplinești toți parametrii necesari. De exemplu, dacă obiectivul meu sunt imagini întunecate și capricioase, voi căuta lumini, texturi și nuanțe care se potrivesc cu stilul respectiv. Nu mă voi poziționa pentru a fotografia în partea cea mai luminoasă a casei mele, unde lumina soarelui umple camera.

Această fotografie cu mâncare a fost făcută în studioul meu de la subsol într-o zi cu nori, pentru a minimiza cantitatea de lumină care intră în scenă. În plus, tonurile întunecate ale pâinii și scândura de lemn susțin stilul, starea de spirit și nuanțele imaginii.

5 - Investește în presetări pentruLR sau operatii pentruPS sau experiment

Există multe soluții pentru procesarea într-un anumit stil de fotografie. Fă doar o căutare pe internet, sunt șanse ca cineva să fi creat deja un șablon/presetare/operație pentru acest efect. Unele instrumente de editare sunt gratuite, altele costă bani. În funcție de preferințele dvs. personale, puteți alege dacă utilizați sau nu aceste instrumente suplimentare. Principalul meu software pentru procesare folosesc Lightroom, iar uneori folosesc presetări gratuite pentru a vedea dacă îmi place un anumit stil de procesare înainte de a căuta mai mult și de a experimenta propriul meu stil de fotografiere.

Concluzie

La urma urmei, sunt multe căi diferite uită-te la creativitatea ta și la propriul tău stil de fotografie. Întotdeauna vor exista printre noi cei care trec prin viață cu motto-ul „Nu repara ceea ce nu este stricat”. Iar alții urmează ideea de „Schimbă totul, amestecă totul, balansează barca... cad în apă și învață să înoți!”. Nu contează din care tabără aparții, chemarea mea către tine este să urmărești ceea ce face fotografia interesantă și stimulativă din punct de vedere creativ pentru tine!

Nu cu mult timp în urmă, am observat că foarte puțini fotografi creează fotografii care arată ca un cadru fix dintr-un film. Câțiva fotografi celebri care filmează în acest gen locuiesc aici, în New York. Am aranjat o întâlnire cu ei nu doar pentru a ne spune despre proiectele lor personale, ci și pentru a vorbi despre modul în care obțin un efect cinematografic în fotografiile lor.

Fie că vă place sau nu, personal mie mi se pare foarte interesantă această intersecție între acțiune și cadru înghețat.

Pentru acest proiect, am invitat doi fotografi care filmează în acest stil și locuiesc la New York: Dennis Cacho și Andrew Morar. Daca tot nu prea intelegi despre ce stil vorbim, chiar mai jos dau exemple ilustrative fotografii cu procesare cinematografică.

Câteva dintre fotografiile lui Andrew:

Andrew, amintindu-și cum a ajuns la acest stil, spune că la început s-a întrebat despre compoziția cadrului. Următorul pas a fost interesul pentru lucrul cu culoarea. Andrew și-a dezvoltat în cele din urmă stilul în încercarea de a face fotografii ca scene înghețate dintr-un film.

Puteți afla puțin mai multe informații în acest scurt interviu:

Dennis demonstrează, de asemenea, priceperea și viziunea fotografiei cinematografice în fotografiile sale:

Andrew și Dennis împărtășesc o pasiune pentru povestire. Când i-am întrebat ce îi determină să facă astfel de fotografii, Dennis a răspuns: „Îmi place să văd cât de mult poate transmite o fotografie și spune o poveste care nu există. Dacă vorbim despre ceea ce m-a atras la acest gen, atunci probabil că este drama cu care anumite scene sunt iluminate în imagini și caracteristica de încadrare.”

Cum merge totul

Dennis și Andrew filmează cu aceleași camere, dar abordările lor sunt ușor diferite. Andrew filmează în mare parte cu Carl Zeiss prime și ajustează manual focalizarea folosind ecranul LCD. Dennis schimbă obiectivele, dar preferă să fotografieze într-un mod mai tradițional - folosind vizorul.

Am petrecut câteva ore cu Andrew și Dennis plimbându-ne pe străzile orașului și făcând poze. Sarcina principală a fost să spună istoria orașului, dar cu o singură nuanță - narațiunea ar trebui să fie din perspectiva fotografului. A fost interesant de văzut cât de diferit poate fi jucată aceeași poveste de oameni diferiți.

Câteva fotografii cu băieții la serviciu:

Andrew (stânga) și Dennis (dreapta)

Focalizare manuală cu obiectivCarl Zeiss

Tailor Sam, proprietar de afaceri. După câteva cadre, a început să ne invite cu insistență să-i încercăm costumele.

O altă eroină este Helen. A locuit pe strada alăturată aproximativ 50 de ani.

După cum a remarcat Dennis, provocarea nu este doar de a surprinde un subiect interesant. Nu doar persoana din fotografie este importantă, ci și ceea ce înconjoară această persoană. Uneori, înainte de a apăsa butonul declanșator, ar trebui să privești persoana din cadru.

Andrew împărtășește o părere similară. Este extrem de important să oferi privitorului o perspectivă interesantă. A compune o fotografie frumoasă în condiții de stradă, când nimic nu depinde de tine, este uneori foarte dificil. Uneori ghiciți ce se va întâmpla, iar alteori nu - asta este problema. Pe de o parte, o astfel de spontaneitate provoacă uneori dificultăți, iar pe de altă parte, tocmai aceasta surprinde acest gen de fotografie.

Câteva fotografii cu Dennis:

Pozandu-l pe Sam.

Și câteva fotografii de la Andrew:

Helen a fost de acord să pozeze

Andrew l-a capturat pe Sam în timp ce scanează trecătorii, căutând un cumpărător care să-i cumpere un costum.

Băieții chiar spun o poveste care poate fi legată? Istoria orașului în care totul este interconectat. Depinde de noi, telespectatorii, să decidem.

Beneficii în lucrul cu clienții

Este amuzant, dar pentru ambii fotografi, practica în acest gen a devenit utilă în lucrul cu clienții. Andrew explică:

„Am întâlnit fotografi mei preferați din toată lumea, care au venit la New York să mă viziteze, printre altele. S-a întâmplat să fac parte din campanii de publicitate, am colaborat cu Canon - Asia, Carl Zeiss Lenses - Germania”. De asemenea, am făcut shootinguri comerciale pentru hoteluri importante și proiecte de afaceri din New York. Și în acest moment lucrez la un serial video cu Dj Premier.

Dennis a folosit și efecte cinematografice cu clienții:

„Acest gen m-a ajutat să obțin mai mulți clienți comerciali. Odată ce mi s-a cerut să filmez o logodnă în acest stil, cuplul a vrut să scape de fotografia tradițională.”

Cum să obțineți un efect cinematografic în fotografii

I-am întrebat pe băieți cum obțin acest efect de film. Ambii au ajuns la concluzia că nu există o formulă magică care să poată fi aplicată tuturor fotografiilor. Dar, în ciuda faptului că fiecare cadru individual are multe nuanțe proprii, totuși, există o abordare generală.

Andrew a descris abordarea sa după cum urmează:

Incep procesarea in DPP (Digital Photo Professional), aici indrept fisierul RAW. Reglez tonurile și mă joc puțin cu curbele, apoi încarc fotografia în Lightroom. În Lightroom, fac deja gradarea culorilor, corectarea perspectivei și decuparea. Adaug finisajele dacă este necesar în Photoshop.

Dennis preferă să facă manipularea de bază a culorilor în Lightroom. Lucrarea asupra imaginii este împărțită în mai multe pași simpli care, la rândul lor, aduc schimbări extraordinare.

Pasul 1

Deschideți fișierul RAW în Lightroom.

Pasul 2

Reglați gama de culori cu glisoarele din secțiune ton împărțit. La această fotografie au fost adăugate tonuri calde pentru a face culorile să pară și mai tomnatice.

Pasul 3

Reglați saturația și strălucirea culorii (saturație a culorii, luminozitate).

Pasul 4

Reglați tonurile întunecate, temperatura culorii și umbrele.

Pasul 5

Adăugați un efect de vignetă și puțin zgomot pentru ca fotografia să pară mai puțin digitală și mai mult ca un film.

Pasul 6

Exportați fișierul în Photoshop.

Pasul 7

Creați un nou strat umplut cu negru sub stratul principal.

Pasul 8

Utilizați instrumentul instrument de marcaj(Zona dreptunghiulară) și alegeți valori fixe pentru înălțimea și lățimea imaginii. Setați lățimea la 16 și înălțimea la 9 pentru a obține o imagine cu ecran lat. Întindeți o zonă dreptunghiulară pentru a acoperi zona imaginii 16:9. Apoi, în meniu, accesați Imagine > Decupați(Imagine - Decupare).

Pasul 9

Pentru o valoare fixă instrument de marcaj introduceți 2,35 pentru lățime și 1 pentru înălțime pentru a crea un format cinematografic anamorfic. Selectați zona, dar nu o decupați încă. În schimb, ne întoarcem la panoul de straturi și creăm o mască de strat, facem clic pe linkul care leagă stratul și masca pentru a le deconecta unul de celălalt.

Pasul 10

Revenim la panoul de straturi. Faceți clic dreapta pe masca de strat și selectați graficul Aplicați masca de strat(Aplicați mască de strat).

Pasul 11

Pentru a se potrivi perfect imaginea între terciul negru, apăsați tastele Cmd (Ctrl pe Windows) și A pentru a selecta întregul document, apoi faceți clic dreapta pe Layer Mask și selectați Aplicați masca de strat.

Pasul 12

Faceți clic pe strat, mergeți la meniu Straturi - Aliniați straturile la selecție(Straturi - Aliniați straturile la selecție) pentru a alinia imaginea pe verticală, verificați Centrele verticale(centre verticale).

Pentru mai multe detalii și instrucțiuni detaliate despre încadrarea cinematografică, vedeți acest tutorial video:

Concluzie

Sper că articolul ți-a fost de folos și îți poți diversifica fotografiile cu un nou stil de procesare. Cred că este o idee uimitoare să transformi fotografiile în cadre înghețate dintr-un film. Sunt sigur că în viitor vom vedea o creștere a popularității acestei viziuni asupra fotografiei, deoarece cinematografia este ceva care nu se demodează niciodată.