Des artistes célèbres de notre temps, qui n'avaient pas assez de pinceaux et de couleurs pour exprimer leur génie, ravissent et choquent non seulement avec leurs œuvres, mais aussi avec la façon dont ils les ont créées.

De la peinture, des crayons, des pinceaux et une toile - c'est probablement tout ce dont vous avez besoin pour créer une œuvre d'art époustouflante. Oh oui, plus de talent ! Ces artistes l'ont, sans aucun doute. Après tout, ils n'avaient même pas besoin de matériaux ordinaires pour écrire des chefs-d'œuvre uniques. Regardez ce qui peut arriver si un génie entreprend de dessiner.

1. Jet art de Tarinan von Anhalt

La princesse de Floride Tarinan von Anhalt n'utilise pas de pinceaux pour ses peintures. Ils sont créés à l'aide de ... avions. Comment fait-elle ? En fait, l'artiste jette simplement des bouteilles de peinture et la poussée du moteur de l'avion « crée » un dessin unique sur la toile. Fallait-il y penser ? Mais le jet art n'est pas son idée. La princesse a « emprunté » la technique du jet art à son mari Jürgen von Anhalt. Créer de telles images n'est pas si facile, et parfois même mortel: les courants d'air atteignent des vitesses et des forces énormes, ils peuvent être comparés à un ouragan et la température d'un tel «ouragan» peut dépasser 250 degrés Celsius. Le risque, combiné à la créativité, permet à la princesse de recevoir environ 50 000 dollars pour l'une de ses créations.

2. Ani Kay et le tourment artistique

Une copie de la toile du grand artiste indien Léonard de Vinci "La Cène" Ani Kay a écrit dans sa propre langue. Dans ce cas, les couleurs les plus courantes ont été utilisées. À la suite de nombreuses années de créativité, Anya empoisonne son corps tout le temps, éprouvant des symptômes d'intoxication : maux de tête, nausées et faiblesse. Mais l'Indien têtu est prêt à accepter encore et encore les tourments pour le bien de l'art.

3. Peintures sanglantes de Vinicius Quesada

Vinicius Quesada est un artiste brésilien scandaleux, dont les peintures lui sont littéralement données avec son propre sang et ... son urine. Les chefs-d'œuvre tricolores du Brésilien valent beaucoup pour lui-même: tous les 60 jours, 450 millilitres de sang de Vinicius sont dépensés pour peindre des tableaux qui choquent et choquent le public.

4 Oeuvre menstruelle par Lani Beloso

Et encore, du sang. L'artiste hawaïen n'accepte pas non plus les couleurs. Ses peintures sont créées par son propre sang menstruel. Aussi étrange que cela puisse paraître, mais les œuvres de Lani sont vraiment féminines, que puis-je dire. Et tout a commencé par désespoir. Une fois, une jeune fille souffrant de ménorragie, ayant décidé de savoir combien de sang elle perd réellement pendant des périodes pathologiquement abondantes, a commencé à dessiner une image à partir de ses propres sécrétions. Pendant une année entière, à chaque menstruation, elle fait de même, créant ainsi un cycle de 13 tableaux.

5. Ben Wilson et les chefs-d'œuvre moelleux

L'artiste londonien Ben Wilson a décidé de ne pas utiliser de peintures ou de toiles conventionnelles et a commencé à créer ses peintures à partir de chewing-gum qu'il trouve dans les rues de Londres. De jolies créations du « maître de la gomme » ornent l'asphalte gris de la ville, et Ben a une photo de ses peintures inhabituelles dans son portfolio.

6. Finger Art par Judith Brown

Cette artiste s'amuse à créer des peintures si inhabituelles avec de minuscules morceaux de charbon et ses doigts, elle ne considère même pas son travail comme de l'art. Mais des doigts au lieu de pinceaux et du charbon de bois au lieu de peinture - si inhabituel et, voyez-vous, magnifique. Tout aussi beau est le nom de la série de peintures de Judith - Diamond Dust.

7. Artiste autodidacte Paolo Troilo

Le maître du monochrome peint également avec ses doigts, à l'aide de peintures acryliques. Autrefois un homme d'affaires italien prospère, Paolo Troilo a été nommé meilleur artiste créatif d'Italie en 2007. Sans un seul pinceau, il peint des tableaux tellement réalistes qu'on ne peut parfois pas les distinguer des photographies en noir et blanc.

8. Chefs-d'œuvre automobiles de Jan Cook

Pas étonnant qu'ils disent que dans chaque génie vit un petit enfant. Un jeune peintre britannique, Jan Cook, en est une éclatante confirmation. Il peint des tableaux, comme s'il jouait avec des voitures sur les commandes. 40 toiles colorées représentant des voitures sont créées à l'aide de peintures, mais au lieu de pinceaux entre les mains de l'artiste, ce sont des jouets télécommandés sur roues.

9. Tom's Otman et l'art délicieux

De telles images veulent juste prendre et lécher. Après tout, ils n'ont pas été peints avec de la peinture, mais avec de la vraie glace. Le créateur d'une telle peinture "délicieuse" est Otman Toma de Bagdad. Inspiré par la délicatesse, l'artiste photographie ses œuvres finies avec des «peintures»: orange, chocolat aux baies.

10. Elisabetta Rogai - la sophistication du vin vieilli

Des couleurs savoureuses pour ses créations sont également utilisées par l'artiste italienne Elisabetta Rogai. Dans son arsenal - vin blanc, rouge et toile. Qu'est-ce qui en ressort ? Des peintures incroyables qui changent de teintes au fil du temps, tout comme un vieux vin vieilli change d'arôme et de goût. Travaux en direct !

11. Peintures tachetées de Hong Yi

Quoi de pire pour une hôtesse exemplaire que des marques de tasse de café sur une nappe blanche ? Mais, apparemment, l'artiste de Shanghai Hong Yi n'est pas une hôtesse exemplaire. En créant ses peintures, elle laisse de temps en temps de telles taches sur la toile. Et pas parce qu'elle aime boire du café pendant qu'elle travaille, mais parce que de cette façon, sans utiliser de pinceaux ni de peintures, elle dessine.

12. Peinture au café et art de la bière par Karen Eland

L'artiste Karen Eland a également essayé de peindre en utilisant du café au lieu de la peinture. Et elle l'a plutôt bien fait. Les reproductions des œuvres les plus célèbres réalisées avec du café liquide ressemblent à de véritables peintures. La seule différence réside dans les nuances de brun et la tasse à café signature de Karen sur chaque œuvre.

Expérimentant par la suite avec de l'alcool, de la bière et du thé (non, elle ne les buvait pas), Eland a conclu que les peintures à la bière lui convenaient le mieux. Une bouteille de boisson enivrante pour une toile remplace les aquarelles de l'artiste.

13. Bisous de Natalie Irish

Il faut tellement aimer l'art que, sans cesser de créer, embrasser de temps en temps son travail ! C'est exactement ce que ressent Natalie Irish. Grand amour - il n'y a pas d'autre moyen d'appeler ses peintures, peintes non pas avec des pinceaux et des peintures, mais avec des lèvres et du rouge à lèvres. Plusieurs dizaines de nuances de rouge à lèvres, plusieurs centaines de baisers - et de tels chefs-d'œuvre sont obtenus.

14. Kira Ein Varzeji - la poitrine au lieu des mains

L'Américaine Kira Ein Varzeji a également investi beaucoup d'amour dans l'art - ses peintures magiques sont peintes avec ses seins. Il est même difficile d'imaginer combien de couleurs l'artiste a versées sur sa poitrine. Mais pas en vain !

15. Art sexuel par Tim Patch

Il prend de la toile, peint, mais pas de pinceaux. Et avec quoi pensez-vous que l'artiste australien peint ses toiles ? Oui, l'endroit même, dont il n'a pas du tout peur. La virilité de Tim est ce dont vous avez besoin. Au moins les images peintes avec le pénis sont magnifiques. Je dois dire que l'artiste utilise non seulement le principal organe génital masculin, mais également le «cinquième point» comme outil de dessin. Avec son aide, Tim dessine le fond de l'image. Le maître lui-même ne prend pas son travail au sérieux, et même son pseudonyme n'est pas sérieux - Pricasso. Imitant la démesure du génie Picasso, l'artiste choque les visiteurs de l'exposition non seulement avec ses peintures, mais aussi avec la visualisation du processus de leur création.

Curieusement, des histoires vraiment mystérieuses et mystiques sont associées à de nombreuses toiles célèbres. Je dirai plus, de nombreux critiques d'art pensent que presque Satan lui-même a participé à la création d'un certain nombre de peintures. Trop souvent des faits étonnants et des événements inexplicables sont arrivés à ces chefs-d'œuvre fatals - les incendies, les morts, la folie des auteurs...

L'un des tableaux "maudits" les plus célèbres est "The Crying Boy" - une reproduction d'un tableau de l'artiste espagnol Giovanni Bragolin. L'histoire de sa création est la suivante : l'artiste a voulu peindre le portrait d'un enfant en pleurs et a pris son petit fils comme baby-sitter. Mais, comme le bébé ne pouvait pas pleurer sur commande, le père l'a délibérément fait pleurer, allumant des allumettes devant son visage.

L'artiste savait que son fils avait terriblement peur du feu, mais l'art lui était plus cher que les nerfs de son propre enfant, et il continua à se moquer de lui. Une fois amené à l'hystérie, le gamin n'a pas pu le supporter et a crié en versant des larmes: "Tu te brûles toi-même!" Cette malédiction n'a pas tardé à se réaliser - deux semaines plus tard, le garçon est mort d'une pneumonie et bientôt son père a été brûlé vif dans sa propre maison ... C'est la trame de fond. Le tableau, ou plutôt sa reproduction, a acquis sa sinistre renommée en 1985, en Angleterre.

Cela s'est produit grâce à une série de coïncidences étranges - dans le nord de l'Angleterre, l'un après l'autre, des bâtiments résidentiels ont commencé à s'enflammer. Il y a eu des pertes humaines. Certaines victimes ont mentionné que seule une reproduction bon marché représentant un enfant en pleurs a miraculeusement survécu de toute la propriété. Et il y avait de plus en plus de rapports de ce genre, jusqu'à ce que, finalement, l'un des inspecteurs des incendies annonce publiquement que dans toutes les maisons incendiées, sans exception, le "Crying Boy" a été retrouvé intact.

Immédiatement, les journaux ont été inondés d'une vague de lettres, faisant état de divers accidents, décès et incendies survenus après l'achat de ce tableau par les propriétaires. Bien sûr, le «Crying Boy» a immédiatement commencé à être considéré comme maudit, l'histoire de sa création a refait surface, envahie de rumeurs et de fiction ... En conséquence, l'un des journaux a publié une déclaration officielle selon laquelle toute personne possédant cette reproduction devrait immédiatement s'en débarrasser, et les autorités interdisent désormais d'en acquérir et de le garder chez soi.

À ce jour, The Crying Boy est notoire, en particulier dans le nord de l'Angleterre. Soit dit en passant, l'original n'a pas encore été retrouvé. Certes, certains sceptiques (surtout ici en Russie) ont délibérément accroché ce portrait à leur mur et, semble-t-il, personne n'a brûlé. Mais encore, rares sont ceux qui veulent tester la légende en pratique.

Un autre "chef-d'œuvre fougueux" bien connu est les "Nénuphars" de l'impressionniste Monet. L'artiste lui-même en a été le premier à en souffrir - son atelier a failli brûler pour des raisons inconnues.

Puis les nouveaux propriétaires des Nymphéas ont brûlé - un cabaret à Montmartre, la maison d'un mécène français et même le New York Museum of Modern Art. Actuellement, la peinture se trouve au Musée Mormoton en France et ne montre pas ses propriétés « dangereuses pour le feu ». Au revoir.

Un autre tableau, moins connu et apparemment banal - "incendiaire" est accroché au Musée royal d'Édimbourg. Il s'agit d'un portrait d'un homme âgé avec la main tendue. Selon la légende, parfois les doigts de la main d'un vieil homme peint à l'huile commencent à bouger. Et celui qui a vu ce phénomène inhabituel mourra sûrement d'un incendie dans un avenir très proche.

Deux célèbres victimes du portrait sont Lord Seymour et Sea Captain Belfast. Tous deux ont affirmé avoir vu le vieil homme bouger ses doigts, et tous deux sont morts par la suite dans l'incendie. Les citadins superstitieux ont même exigé que le directeur du musée retire le tableau dangereux du péché, mais il n'était bien sûr pas d'accord - c'est ce portrait peu attrayant et peu précieux qui attire la plupart des visiteurs.

La célèbre "La Gioconda" de Léonard de Vinci ravit non seulement, mais effraie également les gens. En plus des hypothèses, des fictions, des légendes sur l'œuvre elle-même et sur le sourire de Mona Lisa, il existe une théorie selon laquelle ce portrait le plus célèbre au monde a un effet extrêmement négatif sur le contemplateur. Par exemple, plus d'une centaine de cas sont officiellement enregistrés lorsque des visiteurs, après avoir longtemps vu une photo, ont perdu connaissance.

Le cas le plus célèbre s'est produit avec l'écrivain français Stendhal, qui s'est évanoui en admirant un chef-d'œuvre. On sait que la Joconde elle-même, qui a posé pour l'artiste, est décédée jeune, à l'âge de 28 ans. Et le grand maître Leonardo lui-même n'a travaillé sur aucune de ses créations aussi longtemps et avec autant de soin que sur la Gioconda. Pendant six ans, jusqu'à sa mort, Leonardo a réécrit et corrigé l'image, mais il n'a pas réalisé ce qu'il voulait jusqu'au bout.

Le tableau de Velazquez "Vénus au miroir" a également joui d'une notoriété méritée. Tous ceux qui l'ont acheté ont fait faillite ou sont morts de mort violente. Même les musées ne voulaient pas vraiment inclure sa composition principale, et l'image changeait constamment son «enregistrement». L'affaire s'est terminée par le fait qu'un jour un visiteur fou a attaqué la toile et l'a coupée avec un couteau.

Une autre peinture « maudite » largement connue est l'œuvre de l'artiste surréaliste californien « Hands Resist Him » (« Les mains lui résistent ») Bill Stoneham. L'artiste l'a peint en 1972 à partir d'une photographie sur laquelle lui et sa jeune sœur se tiennent devant leur maison. Sur la photo, un garçon aux traits indistincts et une poupée de la taille d'une fille vivante sont figés devant une porte vitrée, sur laquelle les petites mains des enfants sont pressées de l'intérieur. Il y a beaucoup d'histoires d'horreur associées à cette peinture. Tout a commencé avec le fait que le premier critique d'art qui a vu et apprécié l'œuvre est décédé subitement.

Ensuite, la photo a été acquise par un acteur américain, qui n'a pas non plus guéri longtemps. Après sa mort, l'œuvre a disparu pendant une courte période, mais elle a ensuite été retrouvée accidentellement dans le tas d'ordures. La famille qui a récupéré le chef-d'œuvre cauchemardesque a pensé à l'accrocher dans la pépinière. En conséquence, la petite fille a commencé à courir dans la chambre de ses parents tous les soirs et à crier que les enfants sur la photo se battaient et changeaient d'emplacement. Mon père a installé une caméra à détection de mouvement dans la pièce, et elle s'est déclenchée plusieurs fois pendant la nuit.

Bien sûr, la famille s'est empressée de se débarrasser d'un tel cadeau du destin, et bientôt Hands Resist Him a été mis aux enchères en ligne. Et puis de nombreuses lettres ont plu sur l'adresse des organisateurs avec des plaintes selon lesquelles lors de la visualisation de la photo, les gens sont tombés malades et certains ont même eu des crises cardiaques. Il a été acheté par le propriétaire d'une galerie d'art privée, et maintenant des plaintes ont commencé à arriver à son adresse. Il a même été approché par deux exorcistes américains offrant leurs services. Et les médiums qui ont vu la photo affirment unanimement que le mal en émane.

Photo - prototype du tableau "Les mains lui résistent":

Il existe plusieurs chefs-d'œuvre de la peinture russe qui ont aussi des histoires tristes. Par exemple, le tableau "Troïka" de Perov, connu de tous depuis l'école. Ce tableau touchant et triste représente trois enfants de paysans issus de familles pauvres qui tirent un lourd fardeau, attelés à celui-ci à la manière de chevaux de trait. Au centre se trouve un petit garçon aux cheveux blonds. Perov cherchait un enfant pour une peinture jusqu'à ce qu'il rencontre une femme avec un fils de 12 ans nommé Vasya, qui traversait Moscou en pèlerinage.

Vasya est restée la seule consolation de la mère, qui a enterré son mari et d'autres enfants. Au début, elle ne voulait pas que son fils pose pour le peintre, mais ensuite elle a accepté. Cependant, peu de temps après l'achèvement de la photo, le garçon est mort ... On sait qu'après la mort de son fils, une pauvre femme est venue à Perov, la suppliant de lui vendre un portrait de son enfant bien-aimé, mais la photo était déjà accroché à la galerie Tretiakov. Certes, Perov a répondu au chagrin de sa mère et a peint un portrait de Vasya séparément pour elle.

L'un des génies les plus brillants et les plus extraordinaires de la peinture russe, Mikhail Vroubel, a des œuvres qui sont également associées aux tragédies personnelles de l'artiste lui-même. Ainsi, le portrait de son fils adoré Savva a été écrit par lui peu de temps avant la mort de l'enfant. De plus, le garçon est tombé malade de façon inattendue et est décédé subitement. Et le Demon Downcast a eu un effet néfaste sur la psyché et la santé de Vrubel lui-même.

L'artiste n'a pas pu se détacher de l'image, il a continué à finir le visage de l'Esprit vaincu et a également changé la couleur. «Demon Defeated» était déjà accroché à l'exposition, et Vrubel continuait à venir dans la salle, sans prêter attention aux visiteurs, s'assit devant l'image et continua à travailler, comme s'il était possédé. Des proches s'inquiétaient de son état et il a été examiné par le célèbre psychiatre russe Bekhterev. Le diagnostic était terrible - glands de la moelle épinière, proche de la folie et de la mort. Vrubel a été admis à l'hôpital, mais le traitement n'a pas beaucoup aidé et il est rapidement décédé.

Une histoire intéressante est liée au tableau «Maslenitsa», qui a longtemps orné le hall de l'hôtel Ukraine. Elle a accroché et accroché, personne ne l'a vraiment regardée, jusqu'à ce qu'il devienne soudain clair que l'auteur de cette œuvre était un malade mental nommé Kuplin, qui a copié la toile de l'artiste Antonov à sa manière. En fait, il n'y a rien de particulièrement terrible ou exceptionnel dans l'image des malades mentaux, mais pendant six mois, cela a remué les étendues de Runet.

Peinture d'Antonov

Peinture de Kuplin

Un étudiant a écrit un article de blog à son sujet en 2006. Son essence se résumait au fait que, selon un professeur de l'une des universités de Moscou, il y a cent pour cent, mais un signe non évident dans l'image, par lequel il est immédiatement clair que l'artiste est fou. Et même prétendument sur cette base, vous pouvez immédiatement poser le bon diagnostic. Mais, comme l'a écrit l'étudiant, le professeur rusé n'a pas découvert le signe, mais n'a donné que de vagues indices. Et donc, disent-ils, les gens, aidez, qui peut, parce que je ne le trouve pas moi-même, je suis épuisé et fatigué. Ce qui a commencé ici est facile à imaginer.

Le message a été distribué sur tout le réseau, de nombreux utilisateurs se sont précipités pour chercher une réponse et gronder le professeur. La peinture est devenue très populaire, tout comme le blog de l'étudiant et le nom du professeur. Personne n'a pu résoudre l'énigme, et à la fin, quand tout le monde en a eu marre de cette histoire, ils ont décidé :

1. Il n'y a aucun signe et le professeur a délibérément "divorcé" les étudiants pour qu'ils ne sautent pas les cours.
2. Le professeur est un psychopathe lui-même (il y avait même des faits selon lesquels il avait vraiment été soigné à l'étranger).
3. Kuplin s'est associé au bonhomme de neige qui se profile à l'arrière-plan de l'image, et c'est le principal indice du mystère.
4. Il n'y avait pas de professeur, et toute l'histoire est un flash mob brillant.

Soit dit en passant, de nombreuses suppositions originales de ce signe ont également été données, mais aucune d'entre elles ne s'est avérée vraie. L'histoire s'est peu à peu évanouie, bien que même maintenant vous puissiez parfois rencontrer ses échos dans RuNet. Quant à l'image, pour certains, elle fait vraiment une impression étrange et provoque une gêne.

À l'époque de Pouchkine, le portrait de Maria Lopukhina était l'une des principales "histoires d'horreur". La jeune fille a vécu une vie courte et malheureuse, et après avoir peint le portrait, elle est morte de consommation. Son père Ivan Lopukhin était un célèbre mystique et maître de la loge maçonnique. C'est pourquoi des rumeurs se sont répandues selon lesquelles il aurait réussi à attirer l'esprit de sa fille décédée dans ce portrait. Et que si les jeunes filles regardent la photo, elles mourront bientôt. Selon la version des commérages de salon, le portrait de Marie a tué au moins dix femmes nobles en âge de se marier ...

Le philanthrope Tretiakov a mis fin aux rumeurs, qui en 1880 a acheté le portrait pour sa galerie. Il n'y a pas eu de mortalité significative parmi les visiteurs. Les conversations se sont calmées. Mais les sédiments sont restés.

Des dizaines de personnes qui, d'une manière ou d'une autre, sont entrées en contact avec le tableau "Le Cri" d'Edvard Munch, dont les experts estiment le coût à 70 millions de dollars, ont été exposées au mal du rock : elles sont tombées malades, se sont disputées avec des êtres chers, sont tombées dans dépression sévère, ou même mort subite. Tout cela a créé une mauvaise réputation pour le tableau, alors les visiteurs du musée l'ont regardé avec appréhension, se souvenant des terribles histoires qui ont été racontées sur le chef-d'œuvre.

Un jour, un employé du musée a accidentellement laissé tomber un tableau. Après un certain temps, il a commencé à avoir de terribles maux de tête. Je dois dire qu'avant cet incident, il n'avait aucune idée de ce qu'était un mal de tête. Les crises de migraine sont devenues plus fréquentes et plus aiguës, et l'affaire s'est terminée par le fait que le pauvre garçon s'est suicidé.

À une autre occasion, un employé du musée a laissé tomber un tableau alors qu'il était accroché d'un mur à l'autre. Une semaine plus tard, il a eu un horrible accident de voiture qui l'a laissé avec des jambes et des bras cassés, plusieurs côtes, un bassin fracturé et une grave commotion cérébrale.

L'un des visiteurs du musée a essayé de toucher le tableau avec son doigt. Quelques jours plus tard, un incendie se déclare dans sa maison, dans lequel cet homme est brûlé vif.

La vie d'Edvard Munch lui-même, né en 1863, fut une série de tragédies et de bouleversements sans fin. Maladie, décès de proches, folie. Sa mère est morte de tuberculose lorsque l'enfant avait 5 ans. Après 9 ans, la sœur bien-aimée d'Edward, Sophia, est décédée d'une maladie grave. Puis le frère Andreas est décédé et les médecins ont diagnostiqué chez sa jeune sœur une schizophrénie.

Au début des années 1990, Munch a souffert d'une grave dépression nerveuse et a subi un traitement par électrochocs pendant une longue période. Il ne s'est jamais marié parce que la pensée du sexe le terrifiait. Il mourut à l'âge de 81 ans, laissant un immense patrimoine créatif en cadeau à la ville d'Oslo : 1 200 peintures, 4 500 croquis et 18 000 œuvres graphiques. Mais le summum de son œuvre reste, bien sûr, "Le Cri".

L'artiste néerlandais Pieter Brueghel l'Ancien a peint L'Adoration des mages pendant deux ans. Il a "copié" la Vierge Marie de son cousin. C'était une femme stérile, pour laquelle elle recevait des menottes constantes de son mari. C'est elle qui, comme de simples commérages néerlandais médiévaux, a "infecté" l'image. Quatre fois "Magi" ont été achetés par des collectionneurs privés. Et à chaque fois la même histoire se répétait : aucun enfant n'est né dans une famille depuis 10-12 ans...

Enfin, en 1637, le tableau est acheté par l'architecte Jacob van Campen. À ce moment-là, il avait déjà trois enfants, donc la malédiction ne lui faisait pas vraiment peur.

Probablement la mauvaise image la plus célèbre de l'espace Internet avec l'histoire suivante : Une certaine écolière (souvent appelée japonaise) avant de s'ouvrir les veines (sauter par la fenêtre, manger des pilules, se pendre, se noyer dans la salle de bain) a peint cette image .

Si vous la regardez pendant 5 minutes d'affilée, la fille changera (les yeux deviendront rouges, les cheveux deviendront noirs, des crocs apparaîtront). En fait, il est clair que l'image n'est clairement pas dessinée à la main, comme beaucoup aiment à le dire. Bien que personne ne donne de réponses claires sur la façon dont cette image est apparue.

La photo suivante est accrochée modestement sans cadre dans l'un des magasins de Vinnitsa. « Rain Woman » est la plus chère de toutes les œuvres : elle coûte 500 $. Selon les vendeurs, le tableau a déjà été acheté trois fois, puis restitué. Les clients expliquent qu'ils rêvent d'elle. Et quelqu'un dit même qu'il connaît cette dame, mais ne se souvient pas où. Et tous ceux qui ont déjà regardé dans ses yeux blancs se souviendront à jamais de la sensation d'un jour de pluie, du silence, de l'anxiété et de la peur.

D'où vient cette image inhabituelle, a déclaré son auteur, l'artiste Vinnitsa Svetlana Telets. « En 1996, j'ai obtenu mon diplôme de l'Université d'art d'Odessa. Grekova, - rappelle Svetlana. - Et six mois avant la naissance de "Femmes", il m'a toujours semblé que quelqu'un me surveillait constamment. J'ai chassé de telles pensées de moi-même, puis un jour, soit dit en passant, pas du tout pluvieux, je me suis assis devant une toile vierge et j'ai pensé quoi dessiner. Et soudain, elle a clairement vu les contours d'une femme, son visage, ses couleurs, ses nuances. En un instant, j'ai remarqué tous les détails de l'image. J'ai écrit l'essentiel rapidement - je l'ai réussi en cinq heures. J'avais l'impression que quelqu'un me tenait la main. Et puis j'ai peint pendant encore un mois.

Arrivée à Vinnitsa, Svetlana a exposé la peinture dans le salon d'art local. Des connaisseurs d'art l'ont approchée de temps en temps et ont partagé les mêmes pensées qu'elle avait elle-même pendant son travail.

"C'était intéressant d'observer", dit l'artiste, "à quel point une chose peut subtilement matérialiser une pensée et l'inspirer chez d'autres personnes".

Il y a quelques années, le premier client est apparu. Une femme d'affaires solitaire a marché longtemps dans les couloirs en regardant attentivement. Ayant acheté "Woman", elle l'a accroché dans sa chambre.
Deux semaines plus tard, un appel nocturne retentit dans l'appartement de Svetlana : « Veuillez venir la chercher. Je ne peux pas dormir. Il semble qu'il y ait quelqu'un dans l'appartement à part moi. Je l'ai même enlevé du mur, je l'ai caché derrière le placard, mais je ne peux toujours pas.

Puis un deuxième acheteur est apparu. Puis un jeune homme a acheté le tableau. Et il n'a pas duré longtemps non plus. Il l'apporta lui-même à l'artiste. Et il n'a même pas récupéré l'argent.
"Je rêve d'elle", se plaint-il. - Chaque nuit, il apparaît et marche autour de moi comme une ombre. Je commence à devenir fou. J'ai peur de cette photo !

Le troisième acheteur, ayant appris la notoriété de "Women", ne l'a que balayée. Il a même dit que le visage de la sinistre dame lui semblait doux. Et elle s'entendra sûrement avec lui. Ne s'entendait pas.
"Au début, je n'avais pas remarqué à quel point ses yeux étaient blancs", se souvient-il. Et puis ils ont commencé à apparaître partout. Les maux de tête ont commencé, des troubles déraisonnables. Et en ai-je besoin ?

Alors "Rain Woman" est revenue à l'artiste. Une rumeur se répandit dans la ville selon laquelle cette image était maudite. Une nuit peut vous rendre fou. L'artiste elle-même n'est pas contente d'avoir écrit une telle horreur. Cependant, Sveta n'a pas encore perdu son optimisme :
- Chaque image est née pour une personne en particulier. Je crois qu'il y aura quelqu'un pour qui "Woman" a été écrit. Quelqu'un la cherche - tout comme elle le cherche.

Il serait intéressant de savoir combien parmi mes lecteurs il y a ceux qui ont voulu essayer d'écrire et de se mettre sérieusement à la peinture, mais qui ont arrêté non pas par manque de temps ou d'imagination, mais à cause du stéréotype répandu selon lequel le succès en peinture peut être atteint qu'après de longues années d'éducation artistique ?

Beaucoup de gens pensent que les artistes autodidactes ne peuvent écrire que comme passe-temps, mais ils ne peuvent pas compter sur le succès, la reconnaissance et la richesse.

Dans mes conversations avec de nombreuses personnes, j'entends cette opinion sous diverses formes. Je connais même de nombreux artistes qui écrivent avec enthousiasme et très bien, mais considèrent leurs peintures comme un plaisir uniquement parce qu'eux-mêmes n'ont pas reçu d'éducation artistique.

Pour une raison quelconque, ils pensent que un artiste est un métier qui doit certainement être confirmé par un diplôme et des notes. Et tant qu'il n'y a pas de diplôme, il est impossible de devenir artiste, vous ne pouvez pas peindre de bons tableaux, et même si vous écrivez une œuvre "pour vous-même", il est même interdit de penser à la vendre ou à la soumettre au jugement public .

Apparemment, les peintures d'artistes autodidactes sont immédiatement reconnues par les experts comme non professionnelles et ne provoqueront que des critiques et des moqueries.

J'ose dire - c'est tout un non-sens! Pas parce que je suis le seul à le penser. Mais parce que l'histoire connaît des dizaines d'artistes autodidactes à succès, dont les tableaux ont pris toute leur place dans l'histoire de la peinture !

De plus, certains de ces artistes ont réussi à devenir célèbres de leur vivant et leur travail a influencé tout le monde de la peinture. De plus, il y a parmi eux à la fois des artistes des siècles passés et des autodidactes modernes.

Par exemple, je ne vous parlerai que de certains de ces autodidactes.

1. Paul Gauguin / Eugène Henri Paul Gauguin

Peut-être l'un des plus grands artistes autodidactes. Son chemin vers le monde de la peinture a commencé avec le fait que, travaillant comme courtier et gagnant beaucoup d'argent, il a commencé à acquérir des peintures d'artistes contemporains.

Ce passe-temps l'a fasciné, il a appris à bien comprendre la peinture et à un moment donné a commencé à essayer de peindre lui-même. L'art le fascine tellement qu'il commence à consacrer de moins en moins de temps au travail et à écrire de plus en plus.

Le tableau "Femme couseuse" a été peint par Gauguin lorsqu'il était agent de change

À un moment donné Gauguin décide de se consacrer entièrement à la création, quitte sa famille et part en France pour communiquer avec des personnes partageant les mêmes idées et travailler. Ici, il a commencé à peindre des toiles vraiment importantes, mais ses problèmes financiers ont également commencé ici.

La communication avec l'élite artistique et le travail avec d'autres artistes sont devenus sa seule école.

Enfin, Gauguin décide de rompre complètement avec la civilisation et de se fondre dans la nature afin de créer au paradis, comme il l'envisageait, des conditions. Pour ce faire, il navigue vers les îles du Pacifique, d'abord vers Tahiti, puis vers les îles Marquises.

Ici, il est déçu par la simplicité et la sauvagerie du "paradis tropical", devient peu à peu fou et ... écrit ses meilleures images.

Peintures de Paul Gauguin

Hélas, la reconnaissance est venue à Gauguin après sa mort. Trois ans après sa mort, en 1906, une exposition de ses peintures est organisée à Paris, qui sont complètement épuisées et entrent plus tard dans les collections les plus chères du monde. Son œuvre "A quand le mariage ?" inclus dans le classement des peintures les plus chères au monde.

2. Jack Vettriano (alias Jack Hoggan)

L'histoire de ce maître est en quelque sorte à l'opposé de la précédente. Si Gauguin est mort dans la misère, peignant ses toiles sous le joug des méconnus, alors Hoggan a réussi à gagner des millions au cours de sa vie et ne devenir philanthrope qu'aux dépens de ses tableaux.

Parallèlement, il commence à peindre à l'âge de 21 ans, lorsqu'un ami lui offre un ensemble d'aquarelles. La nouvelle entreprise le fascinait tellement qu'il il a commencé à essayer de copier les œuvres de maîtres célèbres dans les musées. Et puis il a commencé à peindre des images sur ses propres histoires.

En conséquence, lors de sa première exposition, toutes les peintures ont été vendues, et plus tard son œuvre "The Singing Butler" est devenue une sensation dans le monde de l'art: elle a été achetée pour 1,3 million de dollars. Des stars d'Hollywood et des oligarques russes achètent les peintures de Hoggan, bien que la plupart des critiques d'art les considèrent comme étant de mauvais goût.

Peinture de Jack Vettriano

Des revenus importants permettent à Jack de payer des bourses aux étudiants doués à faible revenu et de faire des œuvres caritatives. Et tout cela - sans formation universitaire- À l'âge de 16 ans, le jeune Hoggan a commencé à travailler comme mineur, après quoi il n'a officiellement étudié nulle part.

3. Henri Rousseau / Henri Julien Félix Rousseau

L'un des représentants les plus célèbres du primitivisme en peinture, Rousseau est né dans une famille de plombiers, après avoir été diplômé de l'école, il a servi dans l'armée, puis a travaillé à la douane.

A cette époque, il commence à peindre, et c'est le manque d'éducation qui lui permet de former sa propre technique, dans laquelle la richesse des couleurs, les tracés vifs et la saturation de la toile se combinent avec la simplicité et la primitivité de l'image elle-même. .

Peintures d'Henri Rousseau

Même du vivant de l'artiste, ses toiles furent très appréciées par Guillaume Appolinaire et Gertrude Stein.

4 Maurice Utrillo

Un autre artiste français autodidacte, sans éducation artistique, il a réussi à devenir une célébrité de renommée mondiale. Sa mère était modèle dans des ateliers d'art, elle lui a également suggéré les principes de base de la peinture.

Plus tard, toutes ses leçons consistaient à observer comment les grands artistes peignent à Montmartre. Pendant longtemps, ses peintures n'ont pas été reconnues par des critiques sérieux et il n'a été interrompu que par des ventes occasionnelles de ses œuvres au grand public.

Peinture de Maurice Utrillo

Mais déjà à l'âge de 30 ans, son travail a commencé à être remarqué, à quarante ans il est devenu célèbre, et à 42 ans reçoit la Légion d'Honneur pour sa contribution aux arts en France. Après cela, pendant encore 26 ans, il a travaillé et ne s'est pas du tout inquiété de l'absence de diplôme en éducation artistique.

5 Maurice de Vlaminck

Artiste français autodidacte, dont toute l'éducation formelle s'est terminée dans une école de musique - ses parents voulaient le voir comme violoncelliste. Adolescent, il commence à peindre, à 17 ans il se livre à une autodidacte avec son ami Henri Rigalon, et à 30 ans il vend ses premiers tableaux.

Peinture de Maurice de Vlaminck

Jusque-là, il réussissait à se nourrir et à nourrir sa femme avec des cours de violoncelle et des performances avec des groupes musicaux dans divers restaurants. Avec l'avènement de la célébrité, il se consacre entièrement à la peinture, et son les peintures, dans le style du fauvisme, ont à l'avenir sérieusement influencé le travail des impressionnistes du XXe siècle.

6. Aimo Katayainen / Buto Katajainen

Artiste contemporain finlandais, dont le travail appartient au genre de "l'art naïf". Il y a beaucoup de couleur bleue dans les peintures - outremer, qui à son tour est très apaisante ... Les parcelles des peintures sont calmes et paisibles.

Peintures d'Aimo Katajainen

Avant de devenir artiste, il a étudié la finance, travaillé dans une clinique de désintoxication pour alcooliques, mais peint tout ce temps comme passe-temps, jusqu'à ce que ses peintures commencent à se vendre et rapportent un bon revenu, suffisant pour vivre.

7. Ivan Généralique / Ivan Généralique

Artiste primitif croate qui s'est fait un nom avec des peintures de la vie rurale. Il est devenu célèbre par hasard, lorsqu'un des étudiants de l'Académie de Zagreb a remarqué ses peintures et l'a invité à organiser une exposition.

Peinture d'Ivan Generalitch

Après ses expositions personnelles à Sofia, Paris, Baden-Baden, Sao Paulo et Bruxelles, il devient l'un des plus célèbres représentants croates du primitivisme.

8 Anna Mary Robertson Moïse(alias grand-mère Moïse)

Célèbre artiste américain qui a commencé à peindre à l'âge de 67 ans après la mort de son mari, déjà atteint d'arthrite. Elle n'avait aucune formation artistique, mais un collectionneur new-yorkais a accidentellement remarqué sa peinture dans la fenêtre de la maison.

Peinture d'Anna Moïse

Il a proposé d'organiser une exposition de son travail. Les peintures de grand-mère Moïse sont rapidement devenues si populaires que ses expositions ont eu lieu dans de nombreux pays européens et plus tard au Japon. À l'âge de 89 ans, grand-mère a reçu un prix du président américain Harry Truman. Il est à noter que l'artiste a vécu 101 ans !

9. Ekaterina Medvedeva

Le plus célèbre représentant de l'art naïf contemporain en Russie, Ekaterina Medvedeva n'a pas reçu d'éducation artistique, mais elle a commencé à écrire lorsqu'elle travaillait à temps partiel à la poste. Elle figure aujourd'hui dans le classement des 10 000 meilleurs artistes du monde depuis le XVIIIe siècle.

Peinture d'Ekaterina Medvedeva

10. Kieron Williams / Kieron Williamson

Prodige anglais autodidacte, qui a commencé à peindre dans le style de l'impressionnisme à l'âge de 5 ans, et à 8 ans, il met ses toiles aux enchères pour la première fois. À l'âge de 13 ans, il a vendu 33 de ses tableaux aux enchères pour 235 000 $ en une demi-heure, et aujourd'hui (il a déjà 18 ans), il est millionnaire en dollars.

Peintures de Kieron Williams

Kieron peint 6 tableaux par semaine et son travail est constamment aligné. Il n'a tout simplement pas le temps de s'instruire.

11. Paul Ledent / Pol Ledent

Artiste belge autodidacte et créatif. Il s'est intéressé aux beaux-arts vers 40 ans. À en juger par les images, il expérimente beaucoup. J'ai étudié la peinture par moi-même ... et j'ai immédiatement mis les connaissances en pratique.

Bien que Paul ait pris quelques cours de peinture, la plupart de son passe-temps a été étudié par lui-même. Participe à des expositions, peint des tableaux sur commande.

Peintures de Paul Ledent

Dans mon expérience, les gens qui pensent de manière créative écrivent de manière intéressante et librement, dont la tête n'est pas bourrée de connaissances artistiques académiques. Et en passant, ils obtiennent un certain succès dans le créneau de l'art, tout autant que les artistes professionnels. C'est juste que ces personnes n'ont pas peur de regarder les choses ordinaires un peu plus loin.

12.Jorge Maciel / JORGE MACIEL

Autodidacte brésilien, artiste autodidacte de talent contemporain. Il produit de magnifiques fleurs et des natures mortes colorées.

Peintures de Jorge Maciel

Cette liste d'artistes autodidactes peut se poursuivre très longtemps. On peut dire que Van Gogh, l'un des artistes les plus influents au monde, il n'a pas reçu d'éducation formelle, a étudié épisodiquement avec divers maîtres et n'a jamais appris à peindre la figure humaine (ce qui, soit dit en passant, a façonné son style).

Vous vous souvenez de Philip Malyavin, Niko Pirosmani, Bill Traylor et bien d'autres noms : de nombreux artistes célèbres étaient autodidactes, c'est-à-dire qu'ils ont étudié seuls !

Tous confirment qu'il n'est pas nécessaire d'avoir une formation artistique particulière pour réussir en peinture.

Oui, c'est plus facile avec lui, mais on peut devenir un bon artiste sans lui. Après tout, personne n'a annulé l'auto-éducation ... Ainsi que sans talent - nous en avons déjà parlé .. L'essentiel est d'avoir un désir ardent d'apprendre par vous-même et de découvrir toutes les facettes lumineuses de la peinture dans la pratique .

Salutations amis, abonnés et lecteurs du blog!

Son nom, ses aphorismes et ses slogans resteront avec nous pendant des siècles. Il a essayé, créant quelque chose de nouveau, dans certains endroits pas comme d'autres choses et même étrangement incompréhensible ....

Peintures, sculptures, céramiques, ainsi qu'une peinture - un "compagnon de vie", qu'il a peint dans son enfance et une influence mondiale. Malheureusement, e peu de gens comprennent son travail... Et pourtant, ses toiles sont considérées comme les plus "volées" au monde entier !

Pablo Picasso est le fondateur du style de peinture cubiste. Au cours de sa vie créative, il a réalisé environ 50 000 œuvres. Outre la peinture (1 885 pièces), il travaille la sculpture (1 228 pièces), la céramique (2 880 pièces), plus de 7 000 dessins sont dessinés, ainsi que 30 000 gravures et lithographies.

Il a exercé une forte influence sur le développement des beaux-arts au XXe siècle. Vécu longtemps 91 ans), une vie créative intéressante et mouvementée…

Il n'y a presque personne qui n'aurait pas entendu et ne connaîtrait pas le style particulier et la vie créative de Pablo Picasso. Par conséquent, dans cet article, je ne décrirai que des faits intéressants et impressionnants de la biographie du célèbre créateur espagnol.

Picasso est né dans le sud de l'Espagne en 1881 dans la ville de Malaga. Il reçoit ses premières leçons de dessin de son père, alors professeur de dessin.

Il y a un fait intéressant de sa vie … Lorsque le futur artiste de renommée mondiale avait 8 ans, il a créé la première peinture à l'huile sérieuse "Picador" , dont il ne se séparera pas de toute sa vie.

"Picador" - Picasso 1889

Impressionné en voyant un spectacle à une corrida auquel il assiste avec son père, le petit Pablo imite un picador en costume jaune montant courageusement à cheval.

Apparemment, son premier tableau a un sens plus profond qu'il n'y paraît à première vue, si Pablo Picasso ne s'en est jamais séparé... Une sorte de lien avec l'enfance par la première impression profonde, peut-être !

Au moins avant que je devienne artiste, il y a un lien direct et des souvenirs d'enfance... dont je me suis souvenu un peu par hasard en ouvrant un tube de peinture à l'huile

"Chaque enfant est un artiste! La difficulté est de rester artiste, en sortant de l'enfance"- la célèbre citation de l'artiste est la bienvenue ! Une subtile déclaration de pensée, une phrase chic, n'est-ce pas !!!

Il ne reste plus qu'à apprendre à rester avec l'âme pure de l'enfant tout au long de la vie adulte et consciente !

"Fille au ballon" - Pablo Picasso, 1905 Musée Pouchkine, Moscou

La vie de l'artiste a été remplie d'événements et d'expériences divers. Il a connu le seuil de la pauvreté et a survécu à l'horreur de la guerre, a résisté à l'épreuve de la renommée mondiale et de la richesse ... Il a pu mener une vie paisible et calme dans le sud de la France et, inspiré par les beautés locales, créer de nouvelles et intéressantes œuvres

L'artiste s'est marié deux fois, la première femme Olga Khokhlova(période 1917-1935) - un danseur de ballet d'origine russe, dans ce mariage a eu un fils, Paulo. De plus, il a eu trois enfants illégitimes avec deux femmes bien-aimées avec lesquelles il a partagé sa vie plus tard.

Deuxième femme Jacqueline Rock(période 1961-1973), qui vécut avec lui jusqu'à la fin de sa vie et inspira à l'artiste une série de peintures. D'ailleurs, c'est à elle qu'il a brillé le plus grand nombre d'œuvres !

Jacqueline Rock

À tout moment, les artistes ont eu besoin de muses qui ont inspiré les créateurs à de nouvelles œuvres. C'est bien quand on sait qui est encore représenté sur la photo... Mais aussi par des jeunes femmes dont on sait peu ou rien du tout... et parfois on a vraiment envie de connaître leur sort !

Après la Seconde Guerre mondiale, le fondateur du cubisme s'est installé en Méditerranée dans le sud de la France et y a vécu le reste de sa vie.

Pablo Picasso est décédé en 1973 à l'âge de 91 ans. dans sa villa Notre-Dame-de-Vie (Notre-Dame-de-Vie) dans la ville de Mougins, où il a vécu ces 12 dernières années.

De moi ce n'est qu'à 15 km, très proche. C'est dans le sud de la France qu'il était vraiment heureux en tant qu'artiste et en tant que simple personne.

Pablo Picasso dans sa dernière maison 1967 Mougins

Remarque intéressante : sur la photo, dans l'angle du mur, est accroché un autoportrait de l'auteur, peint en 1906. Et cela signifie que l'artiste, en plus de la peinture des enfants "Picador", conservé d'autres ouvrages anciens. Probablement, comme la plupart des artistes, le fondateur du cubisme a conservé les œuvres qui lui étaient les plus chères...

L'influence mondiale de Pablo Picasso et l'héritage du cubisme

Picasso a eu une énorme influence sur les artistes de différents pays., a également été lauréat international du Prix pour le renforcement de la paix entre les nations

Selon les experts mondiaux, Pablo Picasso est considéré comme l'artiste le plus cher du monde, donc par exemple image "Nu, feuilles vertes et un buste" a été vendu aux enchères à Londres pour moins de 107 millions de dollars.

Autre travail de l'artiste "Femmes algériennes"était généralement d'un coût record, attention ! …. 180 millions de dollars ! Eh bien, ces toiles sont volées bien plus souvent que d'autres...

"Nu, feuilles vertes et un buste" - Pablo Picasso 1932, La photo est accrochée par le personnel de la galerie pour une vente aux enchères, Londres

"Femmes algériennes" - Pablo Picasso 1955 Préparation aux enchères. Maison de vente aux enchères Christie's, Londres

Le Musée Picasso a été ouvert à Barcelone en 1960. où, en signe d'amour pour la ville, il a fait don d'environ 2 500 de ses œuvres (toiles, gravures et dessins) et de 140 produits céramiques

À Paris Le musée Pablo Picasso a été ouvert en 1985- les héritiers de l'artiste y ont transféré des œuvres, environ 200 peintures, 160 sculptures, des milliers de dessins, ainsi que la collection personnelle de Picasso.

Et en 2003, le Musée Picasso a été ouvert dans sa ville natale de Milag.

Aussi , le Musée de l'Ermitage abrite des œuvres et quelques sculptures en céramique de son travail.

Lors de mon prochain voyage à Saint-Pétersbourg en 2014, j'ai visité le musée, ainsi que les salles où sont conservés ses chefs-d'œuvre.

Au fait, nous avons aussi le Musée Picasso dans le sud de la France dans la ville d'Antibes. "La joie de vivre"("La Joie de vivre") Le musée est situé dans l'ancien atelier de l'artiste. Antibes est située entre Nice et Cannes.

Les œuvres d'après-guerre de Picasso étaient multiformes. Les peintures et dessins créés à la fin de 1946 sont conservés dans les salles du Musée Picasso "Joie de vivre"

Musée Pablo Picasso à Antibes

En principe, il est impossible de décrire toute l'œuvre et la vie de Pablo Picasso dans un petit article de revue. Des livres entiers ont été écrits sur le célèbre créateur du style cubiste et de nombreux films ont été tournés.

Au fait, comment comprenez-vous le mot "créativité" ? Par exemple, j'ai divorcé ... parce qu'en un mot, vous ne pouvez pas expliquer votre compréhension et votre vision.

La petite-fille de la célèbre artiste espagnole Marina Picasso apporte également une contribution significative au monde de l'art. Elle est l'organisatrice de l'exposition internationale de Cannes "Artiste du Monde", ("Artiste du monde"), qui a lieu chaque année à l'automne.

Je voudrais terminer l'article sur la vie créative de l'artiste avec ses propres mots: « La peinture est un métier d'aveugle. L'artiste ne peint pas ce qu'il voit, mais ce qu'il ressent.

Chers amis, dessinez et créez ce que vous ressentez vraiment... N'ayez pas peur d'être "aveugle" créatif, laissez un nouveau monde intéressant s'ouvrir devant vous !!!

Si vous ne dessinez pas encore, mais que vous aimeriez vraiment le faire, alors il vous sera certainement utile de lire.Peut-être avez-vous des peurs similaires?

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Outrance de Salvador Dali - "Pour moi, devenir riche n'est pas humiliant, c'est humiliant de mourir sous une clôture"

Il est peu probable que ce soit le tout premier dans l'histoire de la peinture russe. Il vaut la peine de chercher dans les anciennes miniatures et fresques de livres russes. Mais bien sûr "Portrait d'A.Ya. Naryshkina avec ses enfants Alexandra et Tatiana » est l'un des premiers portraits à l'huile de famille en Russie.

La mode des portraits est apparue sous Pierre Ier, lorsque les courtisans ont dû les ordonner pour plaire à l'empereur, imitant la coutume européenne. Les enfants à cette époque étaient généralement représentés comme de petites copies d'adultes.. Les deux filles sur la photo portent des robes "comme celles de leur mère" et sont coiffées comme des femmes adultes.

L'artiste écrit soigneusement à la fois le motif sur le tissu de la robe et les plumes dans ses cheveux, indiquant clairement que nous regardons une femme riche et noble avec des enfants. Cependant, contrairement à la formalité du portrait de famille, les filles sur la toile s'accrochent puérilement à leur mère, et elle embrasse doucement sa plus jeune fille.

2. V.A. Tropinine - "Portrait d'A.V. Tropinine" (vers 1818)

L'artiste dresse le portrait de son fils Arseny, âgé de dix ans. Il est évident qu'il veut montrer la vivacité et la spontanéité de l'enfant. Cela est indiqué à la fois par le tour de tête et le regard intéressé du garçon.

Néanmoins, tant la manière dont le maître travaille que la pose de l'enfant conviennent mieux à un modèle adulte de sang noble. En dépit du fait que Tropinin lui-même n'était ni un noble ni même un homme libre. L'artiste était un serf et n'a reçu sa liberté qu'en 1823 à l'âge de 47 ans.

3. V.A. Serov - "Portrait de Mika Morozov" (1901)

L'intérêt pour la personnalité et la vie intérieure de l'enfant s'est accru au début du XXe siècle. Cela se voit clairement dans le célèbre portrait de Mika, 4 ans, fils du célèbre philanthrope russe Mikhail Morozov.

Toute l'attention de l'artiste est focalisée sur le garçon. Le regard du spectateur n'est distrait ni par la chaise ni par le mur gris-brun, mais il est impossible de s'arracher à l'enfant et à ses yeux grands ouverts. En regardant un garçon agité qui connaît clairement cent façons de passer du temps plus intéressant que simplement assis dans un fauteuil, vous ne penseriez pas qu'il deviendra critique de théâtre et critique littéraire, un expert de l'œuvre de Shakespeare. Mais ce travail lui demandera une persévérance considérable à l'avenir.

4. V.A. Serov - "Fille aux pêches" (1887)

Un autre portrait célèbre de Valentin Serov représente Vera Mamontova, 11 ans. Il a été écrit quelques années avant la photo avec Mika Morozov. L'artiste, selon ses propres mots, a recherché la fraîcheur et la plénitude, qui sont dans la vie, mais disparaissent dans la peinture. Pour obtenir cet effet, Serov a forcé la fille à lui tous les jours pendant près de deux mois.

5. MA Vrubel - "Une fille sur fond de tapis persan" (1886)

Mikhail Vrubel était souvent sans le sou, il devait donc parfois apporter ses peintures au bureau de prêt. Puis l'artiste a décidé de peindre un portrait de la fille du propriétaire de ce bureau de prêt. Il était sûr à l'avance qu'il vendrait le tableau au père de la jeune fille pour une bonne somme d'argent..

Cependant, l'usurier n'aime ni le tableau lui-même ni son idée : la petite Orientale pose les mains sur des roses et un poignard, symboles de l'amour et de la mort. Il a refusé d'acheter le portrait.

6. V.M. Vasnetsov - Alyonouchka (1881)

Les contes de fées sont l'un des thèmes de prédilection de l'œuvre de Viktor Vasnetsov. Mais cette fois, l'artiste n'avait pas du tout prévu d'écrire un conte de fées. Réalisé pour la première fois en 1880, le tableau s'appelait "Alyonushka (Fool)".

Le mot « imbécile » pouvant désigner un orphelin ou un saint imbécile, l'artiste a conçu et exécuté un commentaire sur la dure vie des orphelins russes. Un an plus tard seulement, lorsque Vasnetsov a retravaillé la toile et que le public s'est familiarisé avec le conte de fées, une image pittoresque de la sœur Alyonushka s'est formée.

7. N.P. Bogdanov-Belsky - "A la porte de l'école" (1897)

Nous voyons une vie d'enfant complètement différente dans le tableau "A la porte de l'école". La toile montre non seulement la pauvreté des paysans, mais aussi leur désir de changer leur destin. Cependant la chose la plus intéressante à propos de ce travail est qu'il est autobiographique.

Nikolai Bogdanov-Belsky était le fils d'un pauvre ouvrier agricole et n'a été éduqué que grâce au même, comme sur la photo, en milieu rural. Tout comme le garçon représenté ici, le futur artiste est venu étudier. Il a été admis à l'école, son talent a été remarqué et plus tard, il a terminé ses études à l'Académie impériale des arts sous la direction d'Ilya Repine.

8. V.G. Perov - "Troïka" (1866)

Vasily Perov croyait que la vie paysanne et les épreuves que les pauvres doivent endurer de la naissance à la mort devraient devenir un thème important de la peinture. Dans Troïka, il a abordé un problème terrible - l'utilisation impitoyable du travail des enfants..

Les enfants, souvent ruraux, étaient alors engagés au service pour une bouchée de pain et devenaient de fait la propriété de leur maître. L'artiste montre à quel point ils sont sans défense face à toutes ses exigences, même inhumaines comme traîner un énorme baril d'eau sur un traîneau dans le froid glacial.

9. Z.E. Serebryakova - "Au petit déjeuner" (1914)

Il y a une scène domestique devant le spectateur : la grand-mère verse déjà de la soupe, et les enfants ne veulent pas manger sans leur mère et attendent qu'elle se mette à table aussi. On peut voir qu'on leur enseigne dès l'enfance l'étiquette à table. La table est recouverte d'une nappe blanche, des serviettes se trouvent à côté des assiettes.

Ce tableau est parfois appelé "Dîner" car il y a une soupière sur la table.. Cependant, à cette époque, dans de nombreuses maisons, il était de coutume de mettre quelque chose de léger sur la table vers 8 heures du matin, comme du lait et des pâtisseries, et à midi d'organiser le soi-disant grand petit déjeuner avec de la soupe.

Semyon Chuikov est né à Bichkek (Kirghizistan) et l'un de ses cycles les plus célèbres, la Suite de la ferme collective kirghize, est lié à ses terres natales. L'artiste a commencé cette série de peintures en 1939, mais la guerre est intervenue, et il n'a pu la terminer qu'en 1948 avec la toile "Fille du Kirghizistan soviétique".

Une fille calme marche librement avec des livres dans ses mains à travers le terrain. Elle regarde devant elle avec confiance, c'est sa maison, elle fait partie de cette terre, et sa maîtresse. Les critiques d'art ont noté que l'héroïne attire l'attention du spectateur non pas tant par sa beauté d'apparence que par son caractère et sa détermination, et l'ensemble du tableau est une combinaison de simplicité et de force.

11. Fedor Reshetnikov - "Arrivé pour les vacances" (1948)

Le garçon vermeil dans le costume Suvorov sourit largement. Grand-père s'étend jusqu'à la ligne et accepte solennellement un rapport ludique. Une fille en cravate pionnière regarde joyeusement. L'arbre est habillé. Des proches rencontrent un garçon parti étudier. De l'image respire les vacances, mais la question demeure : où sont les parents ?

Le plus probable, derrière une intrigue joyeuse se cache un tout autre, tragique. Les garçons étaient souvent emmenés dans les écoles de Suvorov, dont les parents sont morts "aux mains des occupants allemands". Une confirmation indirecte de cela peut être vue dans un petit détail: à droite de l'arbre de Noël sur le mur, il y a un portrait d'un militaire dans une couronne d'épicéa, et c'est un signe de deuil.

12. S.A. Grigoriev - "Gardien de but" (1949)

Auteur: Sergey Alekseevich Grigoriev (ukr. Sergiy Oleksiyovich Grigor "єв; 1910-1988) - Afanasiev V. A. Sergiy Grigor`єв. Album. - Kiev: Mystetstvo, 1973. - 58 p. - (Artistes ukrainiens). - 5000 exemplaires Fig n° 15, Usage loyal,