Date de parution : 12 octobre 2009
Si vous demandez à la première personne que vous rencontrez dans la rue de nommer le guitariste russe le plus célèbre, la réponse "DiDuLa" dominera certainement les autres réponses. De nombreux concerts, émissions de télévision, albums et DVD ont fait de DiDuLu l'un des artistes les plus populaires de Russie. En même temps, le plus surprenant est que DiDuLa joue exclusivement de la musique instrumentale - un genre qui n'est pas très populaire par rapport à la forme chanson. Peut-être que le dernier rôle n'a pas été joué par le style des œuvres jouées: flamenco, musique latino-américaine et simplement de la guitare acoustique dans des arrangements modernes et à la mode.
Dans une interview exclusive et très divertissante pour le site, le guitariste DiDuLa partage ses réflexions sur la performance, le travail en studio, la musique instrumentale et sa promotion.
Pourquoi avez-vous commencé à apprendre à jouer de la guitare ? Parents forcés ?
Non, mes parents ne m'ont pas forcé, je suis venu à la guitare moi-même. J'ai aimé la musique, j'ai aimé le son des cordes, j'ai aimé l'instrument lui-même, qui est assez populaire. C'était facile à transporter avec soi, on pouvait sortir dans la cour avec une guitare... Tout cela m'a influencé et impressionné. Alors j'ai demandé à mes parents de m'acheter une guitare. Ils m'ont acheté une guitare assez simple, et depuis, ma passion pour cet instrument a commencé. J'étais engagé dans l'auto-éducation et lentement, millimètre par millimètre, j'ai moi-même progressé dans l'étude de la guitare.
À ce jour, je me considère comme un étudiant, à ce jour, j'étudie l'instrument. C'est le Grand Cosmos, une grande profondeur. Ces six cordes contiennent tant de nuances, tant de couleurs - tout un monde. La guitare est une route incroyable, merveilleuse et unique que j'ai parcourue toute ma vie.
Déjà assez jeune, à 6-7 ans, j'avais des guitares pour enfants. Quand j'ai grandi, des instruments plus sérieux ont commencé à apparaître. Il y avait un Crémone classique.
Et dès l'âge de 12-14 ans, j'ai déjà joué de l'instrument en toute conscience, l'ai étudié, enseigné des morceaux, accompagné de chansons.
Quand tu as commencé à apprendre à jouer de la guitare, quel musicien était ton idole ?
Comme cela arrive toujours au début du voyage, les premiers professeurs étaient des amis dans la cour qui jouaient des chansons de Vysotsky, Time Machine, Sunday, les Beatles - pour moi, ils étaient les premières idoles. Et puis des enregistrements et d'autres informations ont commencé à apparaître. J'ai beaucoup parlé et lu. Et j'ai commencé à en apprendre davantage sur d'autres musiciens célèbres - des musiciens classiques, rock et flamenco, et des artistes de jazz. Et différents guitaristes à différents moments m'ont également influencé de différentes manières.
À un moment donné, j'ai été frappé par le son d'Andres Segovia, Manolo Sanlúcar m'a frappé par sa pensée compositionnelle et son interprétation de la musique flamenco, puis il y a eu des enregistrements sur lesquels j'ai étudié le travail de Paco de Lucia. Dans le rock, j'aimais beaucoup Ritchie Blackmore, Angus Young. Dans le jazz, Django Reinhardt et Luis Salinas ont marqué les esprits. En musique classique, Julian Brim. Dans la musique d'auteur intéressante - Tommy Emmanuel. Et ainsi de suite. Il y a beaucoup de noms, et parmi eux il n'y a pas que des guitaristes, mais des musiciens en général, jouant dans n'importe quel style et direction. Tous m'ont influencé non seulement en tant que guitariste, mais aussi en tant que personne qui écrit de la musique.
De plus, tout ce qui m'entoure m'influence fortement en tant que compositeur : la nature, la communication, les gens, les films, un livre intéressant que j'ai lu, des situations cocasses que je remarque quelque part. Et mon hypersensibilité, mon observation et, si vous pouvez l'appeler ainsi, ma perspicacité jouent un grand rôle. Je remarque beaucoup de situations intéressantes et différentes autour, qu'elles soient dans la vie ordinaire, dans la nature ou dans la fantaisie. Et puis je transforme tout ça en musique.
Ce ne sont donc pas seulement les guitaristes qui m'influencent, pas seulement les gens - toute la vie qui m'entoure m'impressionne et m'influence.
De nombreux guitaristes pratiquent la guitare pendant des heures. Êtes-vous un d'entre eux? Y a-t-il du temps pour cela?
Dans ma jeunesse, alors que j'apprenais à peine la guitare, le maximalisme juvénile m'a permis de jouer de la guitare pendant de nombreuses heures, d'élaborer quelques trucs techniques, de chercher comment les relier à ma physiologie, de trouver mes frontières, mes limites. Je voulais atteindre non seulement des sommets musicaux, mais aussi "sportifs".
Au fil du temps, j'ai acquis mon propre bagage technique, certaines « puces » qui me sont propres. Mais aussi ces méthodes ont été identifiées qui n'étaient pas disponibles pour moi en raison de certaines circonstances. J'ai cessé de me concentrer sur le jeu sérieux pendant des heures et j'ai commencé à consacrer plus de temps à composer et à jouer des morceaux de musique. C'est-à-dire que les exercices, les gammes et quelques astuces du jeu ont été abandonnés pour moi, et le jeu de la musique lui-même est passé au premier plan. Je prends un morceau et je le joue petit à petit en essayant d'en retirer tout ce qui est superflu. En tant que compositeur, aussi étrange que cela puisse paraître, il est intéressant pour moi d'atteindre une sorte de simplicité dans la musique.
Je n'aime pas trop qu'un musicien, pour raconter une histoire, transmettre une idée musicale intéressante, doive forcer beaucoup et jouer des passages rapides, des arpèges. Je veux que la musique soit extrêmement simple, compréhensible, sincère et claire. Ainsi, tout musicien novice qui ne s'est familiarisé que récemment avec l'instrument peut en jouer. C'est pour moi une super tâche, bien plus difficile que de philosopher longuement et techniquement sur un instrument avec un grand nombre de notes extraites. J'essaie d'atteindre la simplicité dans ma musique.
Bien sûr, ce n'est pas toujours possible. Il y a beaucoup d'œuvres dans le concerto qui sont assez compliquées techniquement, dans lesquelles il y a beaucoup de moments expérimentaux. Mais tout cela est dans le cadre du concert. Quand j'enregistre un album studio, j'essaie de supprimer toutes les notes inutiles, toutes les complications inutiles.
Comme la pratique l'a montré, cette voie est intéressante et complexe, car il est très, très difficile d'atteindre la simplicité.
En fait, c'est pourquoi j'essaie de ne pas pratiquer pendant des heures, mais de consacrer ce temps à composer. Trouver une consonance unique, une phrase unique s'est avéré être une tâche difficile. C'est à cela que je consacre le plus de mon temps, tant en répétition qu'en studio.
Dites-moi, le DiDuLya d'il y a dix ans est-il très différent du DiDuLi actuel ?
Bien sûr, dix ans ne se sont pas écoulés en vain. Il y avait une certaine expérience, tant dans la production que dans la sphère managériale. De nouvelles connaissances sont apparues dans le domaine du studio, dans le travail de composition ... Huit albums de guitare instrumentale sont sortis, de nombreux concerts ont eu lieu.
Mais en même temps, beaucoup n'a pas encore été fait. Il y a encore de nombreux sommets que vous voulez encore gravir.
Le chemin que nous suivons avec ma merveilleuse équipe est intéressant et lumineux. Nous donnons de la musique à l'auditeur. C'est une question complexe et intéressante, et je suis heureux d'en parler.
Laquelle des stars mondiales est la plus proche de vous en esprit ?
Je ne pense pas aux stars mondiales, aux artistes célèbres... J'aime beaucoup de musiciens et de styles complètement différents. Si je puis dire, j'ai un large éventail d'acceptabilités - c'est la musique académique, le classique, le folklore, l'électronique de club moderne, la guitare expérimentale et l'avant-garde.
Si je ne comprends pas un style ou une direction, alors j'essaie de le comprendre. Si, disons, une sorte de musique à percussion des îles polynésiennes apparaît, je commence à me plonger dans ce genre de musique et pourquoi elle est telle que je ne l'apprécie pas. J'essaie de le comprendre, de comprendre comment il est construit, quel est son point fort. Je comprends que tout est construit sur des rythmes, sur des sons de percussions, qu'il y a une polyrythmie - plusieurs schémas rythmiques qui se croisent, se complètent. Et au bout d'un moment, je commence à apprécier ce genre de musique.
S'il y a de nouvelles tendances dans la musique trance, dans la culture club, je commence à m'y plonger. Ce n'est pas si difficile et quelques heures me suffisent pour écouter, comprendre, étudier et ensuite profiter des expériences les plus intéressantes et les plus vivantes dans ce domaine.
Cela s'applique à n'importe quel style, n'importe quelle direction. Je ne me ferme pas à la musique que je n'aime pas, j'essaie de la comprendre et de la comprendre. Et dans mon travail de compositeur, de producteur et de professionnel, cela m'aide beaucoup.
Voilà donc mon approche de la musique et de la culture mondiale. Je divise toute la musique pour moi en deux catégories - la bonne musique et la mauvaise musique. Sur celui qui "s'accroche" à moi, et celui qui ne "s'accroche pas".
Est-ce facile pour vous de composer de la musique ? Ou agonisez-vous à chaque note ?
Eh bien, vous savez, c'est différent. Certaines œuvres sont écrites immédiatement, instantanément. Maintenant, je vais dire quelque chose d'unique. J'ai des situations où il faut cinq ou six heures entre la composition de la musique et le mastering d'un morceau fini. C'est incroyable, mais c'est vrai. C'est à dire, je prends l'instrument, une idée surgit tout de suite dans ma tête, j'appelle tout de suite l'ingénieur du son, il vient dans mon home studio, on pose tout de suite les micros, on enregistre, je joue la deuxième partie, la troisième, puis tout vient vers le bas et est prêt pour la piste principale du soir. Tout, le travail est prêt!
Parfois, il y a des œuvres qui prennent des années à faire. Vous voyez, parfois quelques heures, parfois plusieurs années. Parce que mes sentiments intérieurs changent.
J'ai beaucoup de développements, de fragments, de phrases musicales. Quelque chose a été joué, quelque chose a été rangé dans un tiroir. Ce processus est imprévisible et n'a pas de cadre clairement défini.
Tout est très individuel. Parfois, le processus de composition est douloureux, et parfois l'œuvre quitte facilement la plume.
Pouvez-vous composer de la musique simplement parce que cela doit être fait d'ici lundi ?
Vous savez, si vous le faites par intérêt sportif, alors, bien sûr, vous le pouvez. Il n'y a pas de problèmes ici, car lorsque vous avez composé, enregistré, maîtrisé les technologies de studio toute votre vie, connaissant toutes les méthodes et techniques, vous pouvez tout faire. Mais le travail qui en résultera n'aura aucun lien interne avec moi. Et si cette musique aura une résonance dans le cœur des auditeurs est inconnue.
Mais techniquement, une telle tâche est faisable. Par exemple, s'ils me disent de faire une belle ballade lyrique d'ici lundi, je vais immédiatement m'asseoir, la composer en quelques minutes, l'écrire et la mixer en quelques heures. Il n'y a pas de problème. Mais est-ce vraiment nécessaire de le faire ?
Je n'écris pas sur commande et ne travaille jamais comme ça. Lorsque des réalisateurs et des producteurs de films se tournent vers moi en tant que compositeur pour se demander s'il est possible d'écrire tel ou tel thème ou non, je dis non, je n'écrirai pas sur commande. Cette musique n'aura pas le degré de sincérité auquel je suis habitué dans ma vie et dans mon travail. Et donc, les gars, si vous voulez prendre ma musique, prenez-la, écoutez mes albums - avec un orchestre symphonique, et avec un groupe, et avec une guitare solo. Et puis choisissez. Si vous choisissez quelque chose pour votre film, je ne serai que ravi. C'est généralement ce qui se passe - la musique au cinéma, dans les théâtres, dans les productions, dans les sports provient déjà d'albums, enregistrés. Mais je n'ai pas écrit sur commande, et je n'écrirai pas.
Connaissez-vous bien les technologies d'enregistrement modernes ?
Dans ma musique, j'ai trouvé mon style, mes techniques de jeu, mes instruments et, bien sûr, développé ma propre technologie d'enregistrement sonore. J'ai le mien, contrairement à tout le monde, le principe de l'enregistrement de la musique. Certains micros, guitares, méthodes de travail. C'est une sorte de secret - mon secret professionnel, technique, musical, peu importe comment vous voulez l'appeler. Depuis que je travaille dans l'enregistrement en studio depuis de nombreuses années, je comprends bien sûr les technologies d'enregistrement modernes, mais je le répète : ma technologie est un peu différente de celle généralement acceptée. Mon algorithme de travail est très confortable et efficace pour moi, il me permet d'incarner n'importe lequel de mes fantasmes.
Utilisez-vous un ordinateur pour composer et arranger ? Quels programmes utilisez-vous?
Bien sûr, les technologies informatiques modernes, les séquenceurs, les bibliothèques de sons et les modules - tous les avantages que la civilisation nous a apportés, je les utilise pleinement. Tout est activement utilisé: les équipements analogiques et numériques, les appareils à lampe et toutes sortes de façons d'enregistrer du son. L'âge d'or de l'enregistrement sonore, qui est tombé dans les années 1960 et 1970, a apporté beaucoup de découvertes dans ce domaine, et je les ai étudiées d'assez près. Comment placer les microphones pendant l'enregistrement, quelles techniques sont utilisées pour la compression et l'égalisation du signal - j'ai étudié tout cela dans ma jeunesse, puis j'ai commencé à l'appliquer dans la pratique, au travail. Alors, bien sûr, les technologies modernes sont utilisées étroitement.
Quant aux programmes utilisés, il en existe plusieurs. En règle générale, ce sont Cubase et Nuendo pour PC. En général, tel ou tel travail nécessite une approche « logicielle » différente. J'aime vraiment le timing spécifique des échantillons dans le programme ACID. Il s'agit d'un algorithme unique, avec lequel vous pouvez obtenir un résultat intéressant. Il existe plusieurs autres programmes avec différentes "puces" qui sont utilisées dans différentes situations. Une merveilleuse équipe d'ingénieurs du son m'aide avec ça, mais, encore une fois, je m'y plonge profondément. J'ai besoin de connaître toute la nature du son - depuis le moment où je l'extrait, jusqu'à sa numérisation avec une profondeur de bits donnée et sa frappe sur la bande analogique. Chaque enregistrement, chaque morceau et chaque note jouée passe par mon contrôle personnel et méticuleux. Si je puis dire - acceptation de l'état. Écoutez, mes amis, mes compositions, et vous le sentirez à chaque note. Vous entendrez non seulement des solutions de composition, mais aussi des moments d'arrangement, des techniques d'enregistrement.
Dans l'un des derniers albums, qui a été réalisé avec un orchestre symphonique, un travail titanesque a été généralement réalisé. Mais le résultat était magnifique. Je suis content que cet album ait vu le jour.
Comment enregistrez-vous la guitare en studio ?
Différemment. S'il s'agit d'une guitare solo avec un son brillant et spécifique, un certain jeu de microphones est utilisé. Si la guitare a un son étouffé, grave et profond et qu'elle est utilisée dans les parties d'accompagnement, d'autres microphones sont utilisés. Parfois, un micro stéréo du son de la guitare est utilisé. Parfois, vous pouvez expérimenter avec un capteur piézoélectrique. Vous pouvez essayer d'enregistrer avec un combo, mais vous pouvez aussi en ligne. Il y a aussi une double voie. Autrement dit, tout est déterminé par une tâche spécifique. Il y a tellement de façons d'enregistrer ! Heureusement pour moi, en tant qu'arrangeur, compositeur et personne qui comprend les technologies du studio, le son final de telle ou telle œuvre est déjà connu à l'avance. C'est-à-dire que lorsque je compose, je sais déjà quel son doit être, avec quelle technique telle ou telle guitare sera enregistrée et quelles cordes doivent être fixées dessus. Je connais le ton, je connais le tempo. Le rythme est très important ! Il est important de savoir si la carte de tempo sera écrite ou si tout sera écrit ad libitum. Tout cela est connu à l'avance, et à la suite de l'enregistrement, une bonne piste musicale de haute qualité est obtenue. Bien sûr, il y a des échecs, mais dans tous les cas, une idée claire de la manière dont l'enregistrement sera effectué et le bon choix de microphones garantissent le succès.
Prévoyez-vous de sortir des supports pédagogiques, dont des écoles vidéo, pour la guitare ?
Le truc, c'est que je suis un mauvais professeur. Et il y a une autre fonctionnalité. J'ai trouvé mon propre style, contrairement à tout le monde, mes techniques de jeu, pas trop acceptées à l'école de guitare classique. Je ne me risque donc pas à en parler, encore moins à l'enseigner. Il n'y a donc pas de projets d'écoles vidéo.
Mais ce que je prévois exactement, c'est de raconter et de montrer comment je joue tel ou tel morceau, du moins parmi ceux qui sont joués dans un programme de concert en direct. Beaucoup d'entre eux causent des difficultés aux musiciens lors de l'exécution. Ils disent parfois : "Vous savez, c'est joué de telle manière qu'il n'est pas toujours possible de distinguer quelle note sonne ou quelle technique d'extraction du son est utilisée." Par conséquent, je veux mettre des œuvres sur les étagères, montrer comment cela se joue. De plus, je veux préparer un album de "pistes d'accompagnement" - des phonogrammes sans guitare et d'autres parties solo.
Et je n'ai pas particulièrement envie de publier des manuels. Je pense que ce n'est pas nécessaire. Il y a des concerts, il y a des DVD… Venez à un concert, où vous pourrez étudier et voir qui est DiDuLa, comparer des œuvres en studio et en direct.
80% de ma musique sont des morceaux assez simples que n'importe quel musicien plus ou moins formé peut jouer. Une autre question est de savoir s'il peut les jouer rythmiquement de la même manière, peut-il aussi sentir le sustain, la dynamique du son, l'accent ? Il y a beaucoup de nuances dans le microrythme. C'est-à-dire qu'il est joué, il semble simple, mais une note sonne un centième de seconde plus tôt, d'autres plus tard. Il semble que seules trois notes aient été jouées, mais elles sont jouées d'une manière que seul DiDula peut les jouer. Je dis cela parce que d'autres musiciens qui jouent ma musique m'envoient des enregistrements. Et je vois qu'ils le jouent d'une manière complètement différente. Ils jouent les mêmes notes, ils semblent tout jouer correctement, mais... pas comme ça. Parce que j'ai ma propre vision stylistique du son. C'est le mystère de la mélodie, le mystère de la musique elle-même, qui de l'extérieur semble très simple. Et derrière chaque note il y a des expériences, des sentiments.
Pensez-vous que la technique de jeu joue un rôle majeur ou secondaire dans la musique flamenca ?
Oui, en effet, ces dernières années, la musique flamenco est devenue pour une raison quelconque associée à la technique, à la vitesse de jeu. Et si vous écoutez des enregistrements des années 1950, 1960, quand un grand-père ordinaire s'assoit et joue de la musique, vous remarquerez qu'il n'a pas des vitesses telles que, disons, Paco de Lucia ou Gerard Nunez. Mais dans la musique flamenco, comme dans toute autre musique, l'essentiel reste l'émotion, l'énergie, la sincérité. Et tout l'équipement va quelque part sur le dixième plan. C'est bien quand un musicien a une technique, mais l'essentiel est qu'il y ait un équilibre compétent de cette technique avec tout le reste du bagage musical. Bien sûr, un musicien veut toujours montrer sa technique, et il la montre partout, dans chaque œuvre, perdant la musique elle-même. Par conséquent, il vaut mieux ne pas oublier la musique.
Naturellement, dans le flamenco, la technique est nécessaire, comme dans tout autre domaine. Mais elle n'est pas la principale. Si vous n'avez pas la capacité physiologique de jouer vite, vous ne pouvez pas apprendre un passage rapide - ne vous inquiétez pas, utilisez ce que vous pouvez et approfondissez vos émotions, votre âme, vos expériences. C'est beaucoup plus important et touche l'auditeur beaucoup plus fort que toutes les plus belles techniques réunies. Vous pouvez écouter une technique rapide pendant exactement cinq minutes, puis l'auditeur a une question - où, en fait, est la musique ? Où est la mélodie ?
Mais pour exprimer vos émotions dans la musique, vous devez avoir beaucoup - une certaine position de vie, une vision large, comprendre exactement ce que vous voulez exprimer dans une œuvre, et c'est déjà un travail spirituel interne. Pour tout enseignant, la tâche principale est d'enseigner à l'élève un jeu spirituel et empathique. Et puis la technologie.
Et il y a un autre moment. Tout le monde n'a pas la capacité physique de jouer vite, techniquement, clairement. Les mains de chacun sont disposées différemment, il y a certaines lacunes dans les muscles, dans la réaction. Si nous admirons tous Paco de Lucia et regardons à quelle vitesse il joue, nous penserons que nous ne réussirons jamais ... Et nos mains tomberont. Ce sera une grosse erreur. Paco de Lucia est avant tout un musicien profond, bien qu'à un moment donné il ait consacré beaucoup de temps à sa technique de jeu. Et, malheureusement, il est devenu l'otage de sa technique. De plus en plus, les musiciens le regardent et attendent qu'il joue un passage technique. Et quand il l'a joué vite, ils soupirent de soulagement : "Oh, Paco l'a joué vite, donc il est toujours en forme, tout va bien !" Et sa forme n'est simplement pas dans la vitesse, pas dans la fluidité, mais précisément dans la profondeur de la musique. Et la technologie ne compte pas pour lui, il ne la prend pas du tout au sérieux, pour lui ce n'est qu'un élément secondaire de la créativité.
Vous devez donc être très prudent avec la technologie, c'est une chose insidieuse et dangereuse.
Jouez-vous déjà en tant que médiateur?
Je peux jouer en tant que médiateur. Mais j'ai ma propre façon de jouer - jouer avec l'index comme médiateur. J'ai ce médiator à portée de main, littéralement. Ma sélection, le positionnement et la position de ma main droite me permettent de jouer avec souplesse avec cinq doigts ou un doigt comme plectre. Dans chaque œuvre, dans chaque cas particulier, j'utilise différentes méthodes de jeu. Mais je n'utilise pas de médiateur lors d'un concert.
Comment jouez-vous bien du piano ?
Très superficiel, très mauvais. Bien sûr, je ferai quelques constructions d'accords, mais je ne pourrai pas jouer quelque chose de plus ou moins compliqué. Donc, malheureusement, je ne joue pas du piano.
Combien d'instruments devez-vous emporter avec vous en tournée ? Y en a-t-il une principale parmi vos guitares ?
Le groupe que j'ai se compose de six musiciens, et tous ont une large gamme d'instruments différents. Nous portons une grande pile de tambours. En règle générale, ce sont deux caisses claires, une grosse caisse ... Des déclencheurs sont définis pour ajouter des sons électroniques du module MIDI au son acoustique de la batterie. Il faut emporter un gros set de percussions - ce sont des congas, des bongos, des cajons, des cymbales, des rototomes, des crashs...
Bien sûr, nous prenons des instruments à clavier, beaucoup d'entre eux. Nous l'utilisons lorsque certaines phrases, des échantillons sont inclus, parfois une sorte de lecture démarre, des pistes supplémentaires. Autrement dit, absolument toutes les technologies modernes utilisées dans les concerts en direct sont utilisées.
Nous réalisons des instruments à vent, des instruments à vent MIDI, toutes sortes de tuyaux : nai, cors, duduks, becs, buzzers. Nous proposons des guitares basses, frettées et sans frettes, à quatre, cinq et six cordes. Toutes sortes de processeurs d'effets, traitement de guitare basse.
En tant que chef de groupe, j'ai cinq outils principaux. Il s'agit d'une guitare électro-acoustique Godin Grand Concert à cordes nylon, d'une excellente guitare Taylor à cordes métal, de deux guitares acoustiques d'Alexander Kozyrev et d'une bouzouka grecque. C'est mon set d'instruments qui m'accompagne à tous les concerts.
Je ne peux appeler aucun instrument le principal - ils sont tous les principaux. Les cinq timbres, les cinq sons sont uniques.
J'utilise aussi le système radio. Le traitement du signal est réalisé par l'ingénieur du son. Soundcheck prend beaucoup de temps. Dans un concert instrumental, tout est construit sur le son, sur les décisions d'arrangement. Et lors du concert, qui dure 2,5 à 3 heures, la qualité sonore des guitares et de toute l'équipe dans son ensemble est prise très au sérieux. Notre cavalier technique est l'un des plus difficiles de Russie, mais, en règle générale, nos promoteurs et nos tour managers parviennent à le réaliser. Nous ne rencontrons donc pas de problèmes particuliers avec le son. Nos concerts sont très lumineux, intéressants, spectaculaires. Je suis heureux d'en parler, car ils sont joués au niveau mondial, ce que confirment nos collègues d'Amérique, d'Allemagne, qui étaient à nos concerts. En fait, tout cela se reflète dans nos DVD, que nous publions périodiquement.
Où achetez-vous vos guitares ?
Cela se passe différemment. Parfois, je peux les acheter en tournée, par accident. Parfois, ils sont fabriqués par le maître, déjà mentionné plus tôt, Alexander Kozyrev. Parfois, j'achète des guitares sur eBay à l'aveuglette. Si je vois un instrument unique chez mes collègues, je peux l'acheter chez eux.
A ce jour, ma collection de guitares comprend 25 instruments. Ce sont des instruments à la fois acoustiques et électro-acoustiques, à la fois avec des cordes en nylon et en métal. Il y a le bouzouki grec et le dutar, il y a les guitares fretless. La collection est grande, mais ce n'est pas une collection de musée, pas des expositions. Ce sont de véritables instruments de travail de studio et de concert qui sont activement utilisés.
Avez-vous des guitares électriques dans votre collection ?
Je n'ai pas de guitare électrique. Il se trouve que je me suis lié d'amitié avec de très bons musiciens qui jouent de la guitare électrique. Dès lors, lorsque la question se pose en studio d'enregistrer une guitare électrique - et c'est rare, mais cela arrive - je les invite tout simplement. Ils apportent leurs amplis, gadgets, instruments et jouent ce qu'il faut.
J'ai envie d'acheter une bonne guitare électrique, comme la Gibson SG jouée par Angus Young. Je l'aime bien, elle est de ma jeunesse, de mon enfance, c'est pour ça que je veux une telle guitare. Mais je veux acheter un instrument vraiment rare de cette époque avec un bon corps joué, un bon sustain et un super son. Par conséquent, si je tombe sur une telle guitare, je l'achèterai avec plaisir, me souviendrai de ma jeunesse, la jouerai, l'expérimenterai. Il est peu probable que j'utilise cette guitare en concert, mais dans certains croquis de studio c'est tout à fait possible. C'est ce modèle Gibson que j'aime beaucoup et qui me va bien, il est confortable pour moi au niveau du manche et de la forme.
N'est-ce pas difficile de "faire un show" sur scène et de jouer des trucs techniques en même temps ?
Je ne "fais pas de spectacle", je joue juste de la musique, mais l'énergie interne, la pulsion me soulèvent d'une manière ou d'une autre, et dans certaines œuvres, cela commence à me porter, à me jeter, à me jeter sur scène. Je ne fais rien exprès, c'est juste de la musique... La musique est en moi. Et je viens de le donner au public.
Et je ne pense tout simplement pas à jouer des passages techniques. Pour moi, tout cela est organique et naturel - pendant le concert, bouger, sauter, approcher d'autres musiciens. Mais quelque part, je peux m'asseoir sur une chaise et ne pas bouger. Parce que certaines musiques me calment tellement que je me dissout dans cet espace musical.
Ainsi, un concert live de trois heures est complètement différent en termes de musique, de dynamique et d'émotions. Il a tout - des explosions, des hauts et des bas, de la joie, de la déception, des rires et des larmes. Et donc pendant le concert je suis aussi différent.
Aimeriez-vous écrire quelques chansons avec voix ?
En fait, la voix est activement présente dans mon travail en studio et lors des concerts, elle sonne sous forme d'échantillons. Mais ici, vous savez, comment les étoiles coïncideront. Si je trouve un timbre intéressant et que j'aime le chanteur, alors je peux utiliser sa voix comme instrument, apportant une certaine coloration de timbre à tel ou tel morceau. Presque tous les albums contiennent ce morceau.
Donc je perçois toujours la voix comme un instrument de musique avec un timbre intéressant. Mais vous ne voulez pas toujours avoir des mots, pour que les chansons aient une charge sémantique. Parce que ce n'est pas toujours nécessaire. Je fais de la musique instrumentale, je l'aime, je l'adore, c'est ce dans quoi je me fond et j'obtiens un plaisir et un bonheur fous.
Et quelle est la popularité de cette musique instrumentale ?
Très demandé ! C'est un genre en constante évolution. Et pas seulement guitare, mais aussi violon, piano, électronique, ethnique. Peut-être que, dans notre pays, ce développement est à la traîne, ou plutôt même avec un retard géant, mais le problème ici est que nous n'avons pas l'institution de production. Il y a de bons musiciens, mais il n'y a pas de label spécialisé qui ne s'occuperait que de musique instrumentale. En particulier - musique instrumentale pour guitare. Dans n'importe quel pays occidental développé il y a un label qui ne traite que de la musique instrumentale, que de la guitare, et que de la musique acoustique, vous comprenez ! Et dans tout notre vaste pays, il n'y a pas une telle étiquette ! Il n'y a pas de producteurs, il n'y a pas de centres de production dans ce domaine de la musique. Autrement dit, le problème est purement économique, allant au-delà de la créativité. C'est pourquoi j'ai commencé à produire moi-même. Quand je suis arrivé à Moscou en 1998, j'ai réalisé que tout ici est assez compliqué. Et il a commencé à étudier lui-même les principes de la production - comment communiquer avec les gens, comment communiquer avec les maisons de disques, comment convaincre, comment chercher une opportunité de tourner une vidéo, d'enregistrer. Comment présenter correctement la musique, la positionner, trouver votre public cible, travailler avec la promotion, avec les relations publiques. Un énorme travail a été fait, et j'apprends encore à bien comprendre le mécanisme du travail - pas musical, mais organisationnel. C'est un travail incroyablement difficile, mais aussi intéressant, et je dois le faire. Maintenant, c'est peut-être un peu moins qu'avant. Mais à cette époque, je devais beaucoup travailler. C'était très difficile pour moi. Je suis venu d'une petite ville biélorusse à Moscou, cette ville immense, dynamique, complexe, où j'ai dû tout recommencer à zéro. Il y avait des idées, de belles mélodies, de la musique. Il y avait un vecteur - où se déplacer. Et les gens m'ont cru, m'ont suivi, une équipe s'est organisée, les premières vidéos ont été tournées, les premiers albums ont été enregistrés, les premiers pas ont été faits dans le domaine de la publicité. Et de cette façon, ce bateau appelé "DiDyuLya" a progressivement basculé.
Que devez-vous faire spécifiquement pour votre promotion ? Ne soyez pas trop paresseux pour vous lever tôt, allez rencontrer les bonnes personnes, envoyez votre proposition, rencontrez, parlez, revoyez... Etre en mouvement constant, et pas seulement en mouvement musical. Il n'y a pas de secrets ici, tout est simple. Et une position de vie active vous aidera.
Mais encore une fois, je le dis - dans notre pays, c'est difficile. Et je veux aider les jeunes musiciens débutants. Ils m'envoient beaucoup de démos, il y a des noms intéressants, et j'ai déjà fait quelques pas dans ce sens. J'ai produit et sorti un album de Denis Asimovich, un incroyable guitariste classique. L'album est phénoménal en termes de son, de qualité, d'exécution et d'apparence. C'est une musique avec une ambiance qui a trouvé un écho en Occident et qui est rééditée en Europe. Mais c'est de la musique académique.
Il y a une idée de travailler dans un genre moderne, dans un style moderne, il y a des noms intéressants, donc certains pas sont faits dans ce sens.
J'accepte donc volontiers toutes les démos, photos et vidéos qui me parviennent, vais sur les sites des musiciens, me familiarise avec leur travail. C'est-à-dire qu'un travail actif dans ce sens est en cours.
Vous considérez-vous comme un guitariste à succès ?
Eh bien, je ne me considère pas comme un guitariste à succès, je me considère juste comme un musicien, un compositeur qui fait de la musique, et l'instrument principal pour transmettre cette musique est la guitare. Pour une raison quelconque, nous avons une division très claire entre un guitariste et un musicien. Cela ne devrait pas être le cas. Il n'y a qu'un seul concept - un musicien. Il peut jouer de la guitare, ou il peut jouer d'un autre instrument… Je n'aime pas cette division.
Le succès ou l'échec est également un concept abstrait. Tout est relatif. Je me positionne comme une personne qui travaille dur, aime jouer, composer de la musique et le processus même de faire de la musique. Et le concept de succès pour moi est absolument vague et ne veut rien dire. Et cela ne m'affecte pas en tant que compositeur ou en tant que personne. Et même en quelque sorte ennuyeux. Maintenant tu me poses cette question, et ça me choque même un peu. Je suis juste un musicien qui joue et compose.
Didula a reçu à l'âge de cinq ans en cadeau de sa mère. À partir de ce moment, il a commencé à "expérimenter avec le son et la guitare": il a mis un micro, un capteur sur la guitare, connecté l'instrument à un amplificateur fait maison. Avec des amis, il a assisté à des concerts, a regardé comment ils jouent lors de mariages. Plus tard, il a été accepté comme troisième guitariste de l'ensemble vocal et instrumental "Scarlet Dawns" sous la direction de Nikolai Khitrik. Des concerts ont eu lieu dans différentes villes, fermes collectives et fermes d'État, et plus tard dans un restaurant coopératif.
Après l'effondrement de l'ensemble, Didula a entrepris des travaux d'ingénierie du son dans l'ensemble de chant et de danse de Grodno "White Dew", où ils ont joué, chanté et dansé principalement des danses et des motifs folkloriques polonais, biélorusses, ukrainiens et gitans. Dans le cadre de cette équipe, Didula a d'abord fait une tournée en Europe - en Espagne, Italie, Pologne, Suisse, France, Allemagne. En Espagne, il s'est familiarisé avec le style flamenco - le style de musique et de danse traditionnelle espagnole, qui a influencé sa formation finale (dans l'œuvre de Diduli, certains passages et rythmes caractéristiques du flamenco et d'autres tendances espagnoles sont tracés, mais cette musique ne peut pas être appelée une cent pour cent flamenco). Le premier album de Didula est sorti en 2000, en 2002, Didula a réuni un groupe de musiciens et a commencé une tournée active. Dès les premiers albums, le musicien expérimente avec audace le son électronique, les passages de guitare sont soulignés avec succès par des arrangements denses et rythmés de style house (à noter le remix du projet Astero pour la composition "Flamenco").
Didulya est l'auteur de plus de 120 compositions instrumentales, réunissant en une seule personne le compositeur, l'interprète de ses propres œuvres et le producteur du projet Didulya. "Didula" est le groupe instrumental le plus en tournée en Russie (120 concerts par an), des percussionnistes (Rustem Bari et Andrey Atabekov), un claviériste (Khaibula Magomedov), un bassiste (Dmitry Ershov) et un groupe à vent (Valery Folded et Ramil Mulikov).
Didula était le producteur de l'œuvre créative du guitariste classique Denis Asimovich, qui a perdu la vue à un âge précoce et est décédé en 2008, à l'âge de 33 ans. . Tout a été enregistré à Moscou, d'abord au studio personnel de DiDuLi, puis au studio KVADRO (où Pougatcheva et Zemfira ont été enregistrés). Le producteur du projet est DiDuLa.
Le 6 décembre 2012 a vu la sortie du neuvième album audio studio de Diduli "Ornamental", début janvier 2013 l'édition collector "LIVE in Kremlin" (2DVD + 3CD) est sortie. Le concert comprend plusieurs compositions qui (selon Didula lui-même) n'ont jamais été et ne seront jamais sorties dans un enregistrement en studio, pour la raison que le musicien ne les ressent que dans une performance live.
En novembre 2013, DiDuLa, avec le chanteur biélorusse Max Lawrence, a demandé à participer au tour national de qualification du concours Eurovision 2014 de la République de Biélorussie pour présenter la chanson "Now you're gone".
Valery Didula (né le 24 janvier 1969 à Grodno) est un guitariste et compositeur solo biélorusse, leader du groupe DiDyuLya. Joue de la musique folk et fusion.Après l'effondrement de l'ensemble, Didula a entrepris des travaux d'ingénierie du son dans l'ensemble de danse et de danse de Grodno "White Dew", où diverses musiques ont été jouées, chantées et dansées, principalement des danses folkloriques polonaises, biélorusses, ukrainiennes et tziganes. Dans le cadre de cette équipe, Didula partit pour la première fois en tournée en Europe - en Espagne, Italie, Pologne, Suisse, France, Allemagne. En Espagne, il se familiarise avec le style flamenco - le style de musique et de danse traditionnelle espagnole.
Valery a reçu sa première guitare à l'âge de cinq ans en cadeau de sa mère. À partir de ce moment, il a commencé à "expérimenter avec le son et la guitare": il a mis un micro, un capteur sur la guitare, connecté l'instrument à un amplificateur fait maison. Avec des amis, il a assisté à des concerts, a regardé comment ils jouent lors de mariages. Plus tard, il a été accepté comme troisième guitariste de l'ensemble vocal et instrumental "Scarlet Dawns" sous la direction de Nikolai Khitrik. Des concerts ont eu lieu dans différentes villes, fermes collectives et fermes d'État, et plus tard dans un restaurant coopératif.
Après l'effondrement de l'ensemble, Didula a entrepris des travaux d'ingénierie du son dans l'ensemble de danse et de danse de Grodno "White Dew", où diverses musiques ont été jouées, chantées et dansées, principalement des danses folkloriques polonaises, biélorusses, ukrainiennes et tziganes. Dans le cadre de cette équipe, Didula partit pour la première fois en tournée en Europe - en Espagne, Italie, Pologne, Suisse, France, Allemagne. En Espagne, il s'est familiarisé avec le style flamenco - le style de musique et de danse traditionnelle espagnole, qui a influencé sa formation finale (dans l'œuvre de Diduli, certains passages et rythmes caractéristiques du flamenco et d'autres tendances espagnoles sont tracés, mais cette musique ne peut toujours pas être appelé flamenco).
Valery Didula était le producteur du guitariste classique Denis Asimovich, qui a perdu la vue à un âge précoce.
Didula: biographie, faits intéressantsC'est un guitariste biélorusse légendaire, dont le travail n'a pas d'analogues dans l'espace post-soviétique. Les compositions qu'il interprète combinent subtilement le charme de la musique instrumentale avec des arrangements modernes et un son insolite. Une telle symbiose donne aux morceaux de ce guitariste une saveur particulière, et il est donc très, très difficile de ne pas admirer son travail.
Valery a reçu sa première guitare à l'âge de cinq ans, en cadeau de sa mère. À partir de ce moment, il développe systématiquement ses talents innés, pinçant méthodiquement les cordes et réarrangeant les accords un à un. Ses professeurs admiraient son efficacité, et lui, ne faisant attention à rien, a simplement amélioré son jeu, en regardant les grands guitaristes de son temps.
Adolescent, Valéry découvre pour la première fois l'existence de divers appareils auxiliaires qui lui permettent de travailler sur un son de guitare. A partir de ce moment, expérimenter gadgets, capteurs, micros et autres éléments similaires devient une véritable obsession pour le jeune musicien. Il a développé ses compétences, et en même temps a travaillé sur la création d'un son de guitare original.
Très vite, ces efforts ont porté leurs fruits. Les compositions de Didula ont commencé à acquérir leur son inhabituel pour la première fois. Cependant, on était encore loin des vrais sommets. Quelque temps plus tard, en tant que troisième guitariste, le héros de notre aujourd'hui a obtenu un emploi dans le groupe vocal et instrumental "Scarlet Dawns", qui à l'époque était très populaire dans le BSSR. Les concerts du groupe ont eu lieu presque partout - dans les villes, les villages, les fermes collectives, etc. Le succès a contribué à l'ensemble, mais à un moment donné, les Scarlet Dawns ont néanmoins commencé à se désintégrer. La raison en était l'effondrement de l'URSS, ainsi qu'un grand nombre d'opportunités qui se sont ouvertes. Certains des musiciens sont partis pour l'Occident, quelqu'un a ouvert sa propre entreprise et seul le héros de notre aujourd'hui a continué à travailler systématiquement sur son travail.
Au début des années 90, il rejoint le groupe Belye Rosy de Grodno, au sein duquel il travaille longtemps non seulement en tant que guitariste, mais aussi en tant qu'ingénieur du son. À cette époque, le groupe nommé était principalement engagé dans l'interprétation de chansons folkloriques biélorusses, polonaises et ukrainiennes. Valery Didula aimait tellement le style folk que par la suite des notes de musique folk sonnaient constamment dans toutes ses compositions ultérieures. En outre, il convient également de noter que c'est dans le cadre de l'ensemble White Dew que le héros de notre aujourd'hui est parti pour la première fois en tournée en Europe occidentale - Pologne, Allemagne, France, Suisse, Italie, Espagne et quelques autres pays. L'Espagne a particulièrement impressionné le jeune musicien, ou plutôt sa musique de guitare de style flamenco. Après la fin de la tournée, Valery Didula est resté dans cet état pyrénéen pendant plusieurs années, étudiant des passages de guitare et des rythmes pendant ce temps. Ainsi, à la fin des années 2000, le style du musicien biélorusse s'est enfin formé. La musique flamenco s'y est subtilement entrelacée avec des motifs folkloriques biélorusses-polonais, et des arrangements de maison modernes ont complété tout cela.
À la fin des années 90, Valery Didula a réuni autour de lui une bonne équipe de personnes partageant les mêmes idées, avec lesquelles il a commencé à tourner en Biélorussie, en Pologne, en Ukraine et en Espagne. L'homme d'affaires de Minsk Igor Bruskin et le compositeur Oleg Eliseenko ont activement aidé à promouvoir le jeune musicien pendant cette période. Sur leurs conseils, le musicien s'installe à Minsk et participe à plusieurs grands concerts et concours. La musique de Didula a fait sensation partout, et donc très vite le héros de notre aujourd'hui a reçu une offre pour se produire au festival international "Slavianski Bazaar".
L'apparition dans un si grand forum musical a ouvert de nombreuses portes à Valery Didula. Il a été invité à travailler à Moscou, et déjà là-bas, le héros de notre aujourd'hui a commencé à travailler sur son premier album studio. Flamenco est sorti en 2000. Cela a été suivi par la première vidéo de l'artiste.
Bientôt, de nombreux musiciens russes célèbres ont commencé à se tourner vers le talentueux natif de Grodno pour obtenir de l'aide. Ainsi, à différentes années, Didula a travaillé avec Abraham Russo, Kristina Orbakaite, Dmitry Malikov et de nombreux autres artistes populaires. En 2002, la renommée du guitariste a été renforcée par un nouvel album studio - "The Road to Baghdad", suivi de l'album "Satin Shores". À ce jour, la discographie du musicien comprend neuf albums studio. Dans le cadre du groupe Didula, le Biélorusse effectue une tournée dans les pays de la CEI, donnant environ 120 concerts par an.
S'étant fait un nom dans le monde du spectacle, Valery Didula a également commencé à travailler en tant que producteur. Avec son soutien, un album du musicien biélorusse Igor Dedusenko est sorti. Ainsi que le record d'un autre compatriote - le guitariste Denis Asimovich, qui a perdu la vue dans sa petite enfance.
Didula, "Le chemin du retour", vidéo
Le musicien, compositeur et guitariste biélorusse populaire Didyulya (nom complet Didyulya Valery Mikhailovich) est né dans la ville de Grodno le 24 janvier 1969 (24/01/1969). Didula travaille dans le style de la musique folk, fusion et new age.
Lorsque Dilyula avait cinq ans, sa mère a donné une guitare au garçon, déterminant ainsi son cheminement créatif ultérieur. A partir de ce moment, Didula ne se sépare plus de son instrument de musique préféré, expérimente un amplificateur et un micro. Le garçon a acquis de l'expérience, a regardé les musiciens jouer lors de concerts et de mariages. Bientôt, Didula est devenue membre du VIA "Scarlet Dawns", dirigé par Nikolai Khitrik. L'équipe s'est produite dans des fermes d'État et des restaurants, a visité les villes.
Après la séparation du groupe Scarlet Dawns, Didula est devenue ingénieur du son dans l'ensemble White Dews de Grodno, qui travaillait principalement dans le genre de la musique folk. En tant que membre du groupe, Didula part en tournée dans de nombreux pays européens. En Espagne, Didula a appris le style flamenco, qui a ensuite eu une grande influence sur le travail du musicien. Le premier album de musique de Diduli, sorti en 2000, s'appelait "Flamenco".
En 2002, Didula crée son propre groupe musical. Les musiciens ont utilisé de la musique électronique, expérimenté des arrangements de style house.
Didula a créé plus d'une centaine de morceaux de musique, étant à la fois interprète, compositeur et producteur. Didula donne cent vingt concerts par an et est reconnu comme le groupe musical le plus en tournée en Russie. Avec Didula, Khaibula Magomedov (claviers), Alexander Leer et Rustem Bari (percussions), Dmitry Ershov (guitare basse), Ramil Mulikov et Valery Skladanny (vents) se produisent.
Comme nous l'avons déjà écrit, . Les musiciens ont l'intention d'interpréter la chanson "Now you" re gone "(" Now you're gone "). La musique a été écrite par Didula lui-même, les paroles du soliste du célèbre groupe Deep Purple Joe Lynn Turner.
