Introducere

Capitolul I. Istorie

1Istoria dezvoltării și influenței religiei asupra DPI în India

Capitolul II. Tipuri de DPI în India

3 Producția de lac în India

4 Produse metalice

5 Ceramica

6 Art. textil

7 Realizarea măștilor

Capitolul III. Arta contemporană a Indiei

1 Artă contemporană indiană

2 Probleme ale artei indiene din punctul de vedere al criticii occidentale

3 Percepția artei indiane contemporane în Occident

Concluzie

Bibliografie

Introducere

De foarte multe ori, când luăm în considerare caracteristicile artei oricărei țări, ne confruntăm cu o neatenție totală față de artele decorative și aplicate. O analiză a arhitecturii, picturii și sculpturii este de obicei considerată exhaustivă, în timp ce arta decorativă și aplicată este considerată o formă de artă secundară care nu reprezintă în sine o mare valoare istorică și artistică. De aceea cred că subiectul DPI în sine nu poate decât să fie relevant. În plus, când vorbim despre arta Indiei, de obicei ne imaginăm temple sculpturale uriașe sau picturi în miniatură, dar DPI este arta a cărei descriere o vezi adesea chiar și în descrierea unei țări mici sau a unui imperiu dispărut. Dar DPI-ul Indiei uimește prin echilibrul său subtil și sincer dintre componentele mari și mici și prin priceperea de bijuterii a artizanilor care au creat aceste lucrări. DPI of India uimește prin luxul său, cu dorința de a umple întregul spațiu cu ornament, vitalitate și spiritualitate. Surprinde prin contraste constante, stilizare, dinamism și o anumită identitate națională. Aroma colorată adaugă veselie lucrărilor DPI din India. Poveștile sunt adesea împletite atât de strâns încât ceea ce este cel mai important, intim în lucrare poate fi urmărit, dar nu intruziv, iar diversitatea lor este uimitoare...

Adesea, lucrările de artă decorativă și aplicată au servit drept obiecte de uz casnic; funcționalitatea era importantă pentru ei, iar frumusețea vine după ea. În plus, trebuie menționat că meșterii care au creat aceste produse au fost în primul rând artizani care aveau un talent enorm și un simț al frumosului, iar lucrările lor au rămas fără semnătura creatorului lor. Aceste lucrări ne fac să admirăm și să fim mândri de faptul că oamenii mai legați de material decât pictorii au fost totuși capabili să transforme obiecte utilitare și pur funcționale în adevărate opere de artă.

În cursul meu, vreau să arăt cât de diverse sunt artele decorative și aplicate din India, să demonstrez că DPI, atunci când luăm în considerare arta oricărei țări, nu este o caracteristică secundară, ci una dintre cele principale, pentru că unde, dacă nu în DPI, se poate urmări schimbarea religiilor, cooperarea cu alte țări, situația economică a țării și idealurile sale estetice...

Capitolul I. Istorie

1 Istoria dezvoltării și influenței religiei asupra DPI în India

În antichitate, în India, precum și în alte țări, artele decorative și aplicate nu se distingeau ca un domeniu independent al artei. Creare lucrări de sculpturăși produse artistice, pictură și arhitectură - totul era considerat un meșteșug. Lucrările erau, de regulă, anonime.

Principalul, cel mai răspândit tip de artă decorativă și aplicată ar trebui considerat arta lucrurilor proiectate artistic, adică produse artistice - obiecte și unelte de zi cu zi, accesorii de ritual sacru și arme. Această artă există încă din cele mai vechi timpuri.

Forma instrumentelor simple era, de regulă, armonioasă și artistică, iar imaginile de pe ele erau de natură intriga-tematică sau pur ornamentală. Decorarea a ținut întotdeauna cont de scopul cotidian și de forma obiectului.

Artele decorative și aplicate au fost utilizate pe scară largă pentru decorarea detaliilor arhitecturale, unde sculptura era folosită în mod deosebit.

Materialele din care s-au realizat produsele artistice erau extrem de diverse, s-a folosit aproape tot ce oferea natura: lemn, frunze și ierburi, fibre vegetale, coji de nuci; piatră simplă, semiprețioasă și prețioasă; argilă, metale, inclusiv cele prețioase; os, corn, broasca testoasa, carapace etc. Dintre acestea, cele mai importante sunt: ​​lemnul, piatra, metalul, fildesul si fibra.

Opere de artă din India în părți diferitețările nu sunt identice și diferă prin specificul lor și identitatea locală. Este interesant că, de exemplu, în Sri Lanka, chiar mai mult decât în ​​India însăși, s-au păstrat tradițiile artei indiene din cele mai vechi timpuri - perioada de răspândire și înflorire a budismului. Prin secolul al XI-lea. Budismul aproape a dispărut în India, dar a supraviețuit în Sri Lanka, transmițând tradiția antică indo-sinhala în monumentele de artă. Această tradiție a contribuit în Evul Mediu la deosebirea meșteșugurilor sinhaleze de cele tamile, care nu mai erau asociate cu budismul, ci cu hinduismul. Dar, pe lângă aceasta, abilitățile și gusturile artistice ale sinhalezilor, percepția lor estetică a adus originalitate producției artistice locale, pictură monumentală si sculptura.

Cea mai mare parte a produselor de artă care ne-au supraviețuit datează nu mai devreme de secolul al XVIII-lea. Meșteșugurile artistice din Sri Lanka erau strâns legate de cele din India de Sud. Timp de multe secole, artizani calificați tamili din India de Sud au fost importați în Sri Lanka și chiar în secolul al XVIII-lea. au concurat cu artizanii sinhalezi. În vizită la țesători din marile orașeÎn sudul Indiei, membrii organizațiilor locale de meșteșuguri (shreni), numite „salagamayo” în sinhaleză, țeseau fire de aur pe museline subțiri pentru hainele nobilimii sinhaleze. Regii tamili din Sri Lanka și-au încurajat în mod special moda nativă de îmbrăcăminte și bijuterii. Timp de multe secole, până la ocuparea engleză a Kandy în 1815, forma și decorarea meșteșugurilor au rămas fără modificări vizibile față de secolele precedente. Epoca colonială din India a fost dezastruoasă pentru arte și meșteșuguri. Organizarea statului artizanii au fost distruși de colonialiștii britanici, producția artistică tradițională a căzut în decădere. Dezvoltarea relațiilor capitaliste și importul de produse manufacturate străine au subminat complet artele și meșteșugurile populare. Căderea artei decorative și aplicate naționale a însemnat de fapt dispariția din viața de zi cu zi a oamenilor a singurei forme de artă accesibile acestora în general. Cu toate acestea, unele tipuri de producție artistică au supraviețuit în India până la obținerea independenței, când a început o nouă perioadă de dezvoltare a artei naționale.

Capitolul II. Tipuri de DPI în India

1 Arta sculpturii în oase a Indiei

În India, sculptorii de oase erau faimoși pentru arta lor. Fildeșul este un material excelent pentru sculptură fină datorită rezistenței și texturii sale cu granulație fină și uniformă; este deosebit de plăcut ochiului prin stratificarea fină, grațioasă și nuanța delicată.

DESPRE înaltă artă vechii cioplitori de fildeș din Sinhala sunt raportați de cronicile locale. O mărturie interesantă se păstrează în Chulavamsa că regele Jetthatissa (secolul al IV-lea) a fost renumit pentru sculpturile sale în fildeș și chiar i-a învățat pe alții arta sa minunată. Cronicarii antici au raportat că regele a făcut o figură de fildeș a unui bodhisattva și părți din tronul său regal.

În India, din colți de elefant se făceau figurine, panouri, stâlpi de uși cu sculpturi (de exemplu, din Ri-divihara, cu dansatori și animale), sicrie (2), legături de cărți, bijuterii pentru femei, piepteni, mânere de cuțit etc. sculpturile din fildeș erau durabile. Acest lucru este evidențiat în mod clar de exemplele supraviețuitoare de lucrări din secolul al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea.

Pieptenii - panava, fata-verso si unilateral - au fost foarte eleganti si frumosi. Pe una dintre ele, de exemplu, păstrată într-un muzeu din Kandy, în partea din mijloc, o sculptură ajurata a creat un relief bogat în formă. În centru, zeița stă pe un tron, ținând în mâini ramuri de copac. De fiecare parte a ei sunt doi dansatori. Un cadru simplu cu un model geometric pune în evidență imaginea complexă. La un alt pieptene cu două fețe, spațiul închis într-un cadru elegant ajurat este împărțit în trei părți verticale: în mijloc se află o figură a unei mame care stă cu bebelușul în brațe, în dreapta este o figură. femeie în picioare cu un copil, in stanga este o pereche de indragostiti. Hainele sunt pictate cu dungi negre și roșii (Muzeul Colombo). O comparație a ambilor piepteni arată cu ce fler artistic stăpânul schimbă forma cadrului în funcție de sculptura centrală: la primul pieptene desen complexîn interior, cu multe detalii mici, a impus simplificarea cadrului; la a doua creastă, figurile fără detalii detaliate au permis un cadru complex, care în designul său nu a concurat cu imaginile interne. Gustul și experiența decorativă, bazate pe o tradiție îndelungată, se dovedesc impecabile.

De o mare valoare artistică este figura executată cu pricepere și delicatețe a zeității gardiene pe o farfurie de pe tocul ușii templului (colecția lui A.-K. Kumaraswamy) (3). În jos relief, o zeiță este sculptată frontal ținând în mâinile îndoite un lăstar și o floare. Degetele și pliurile subțiri ale halatului, care se potrivesc strâns cu silueta, sunt executate extraordinar de grațios. Oamenii de știință au datat această placă în secolul al XVIII-lea, dar s-ar putea crede că este mult mai veche în timp.

Interesante sunt sicriele și cutiile cu sculpturi fine în relief continuu. Mânerele sculptate ale cuțitelor de diferite forme sunt foarte impresionante - uneori sub formă de „liya pata” ( motive vegetale), apoi sub forma unui cap de monstru cu gura deschisă - și multe alte produse osoase (4).

2 Prelucrarea artistică a lemnului

Sculptura în lemn era înghesuită

India este unul dintre cele mai vechi state cu o cultură vibrantă și diversă. Formarea stilului său arhitectural deosebit, precum și sculptura, pictura, muzica și dansul, a fost influențată de trei mișcări religioase diferite - budism, hinduism și islam. În acest sens, istoric monumente culturale, care poate spune multe despre viața țării din cele mai vechi timpuri.

Arhitectura Indiei

Principala religie a Indiei este hinduismul; este o doctrină religioasă cu mai multe fațete, cu un panteon divers de zei. Templele hinduse sau mandirurile, cum sunt numite și ele, sunt o priveliște uimitoare; acestea sunt structuri de piatră în formă de stâlp acoperite cu sculpturi rafinate în piatră. Templul este de obicei dedicat uneia dintre încarnările lui Dumnezeu sau uneia dintre fecioare, iar el este cel căruia oamenii vin să se închine. Există, de asemenea, temple dedicate mai multor zei deodată. Templele hinduse din India care au supraviețuit până în zilele noastre au o importanță istorică sau arheologică importantă și, prin urmare, sunt protejate de Archaeological Survey of India. Cel mai adesea, astfel de temple au fost construite din cărămidă și lemn și, în plus, stilul lor arhitectural diferă unul de celălalt în funcție de zona în care se află. O mare parte din templele hinduse au fost deteriorate în timpul dominației islamice.

Arhitectura budistă include temple budiste construite în stânci cu numeroase statui ale lui Buddha în formă de bărbat. Fiecare dintre aceste statui poartă un mesaj criptat către oameni, așa că din diverse mici detalii se pot spune multe despre ceea ce strămoșii noștri au vrut să ne transmită. În templele budiste există „stupa”, care sunt structuri memoriale circulare. Se presupune că acestea au conținut odată rămășițele decedatului. Pereții templelor budiste sunt decorați cu fresce care înfățișează scene din viața lui Buddha, care s-au păstrat în stare excelentă până în prezent, datorită utilizării vopselelor speciale durabile.

De pe vremea când India a intrat sub influența cuceritorilor islamici, pe teritoriul său au fost construite multe moschei frumoase. Cel mai faimos punct de reper din India este mausoleul Taj Mahal. Ea a fost un simbol al dragostei lui Shah Jahan pentru soția sa Mumtaz, care a murit în timpul nașterii. Taj Mahal este realizat din marmură albă, decorat cu cele mai fine sculpturi și instalat pe un piedestal imens, așa că seamănă cu un nor alb aerisit. Alte moschei situate în India au, de asemenea, o importanță culturală importantă.

Sculptura Indiei

Pe lângă temple, un număr mare de figurine reprezentând zei au supraviețuit până în zilele noastre. Principalii zei hinduși sunt Brahma (creatorul, întruparea sa este o figură umană așezată cu mai multe capete și mai multe brațe, cel mai adesea el stă pe o floare de lotus), Vishnu (gardianul, încarnarea sa este diferite avatare: cel mai adesea este înfățișat în albastru cu patru mâini, fiecare dintre ele conține o scoică de mare, un disc, un buzdugan și un lotus, el poate fi, de asemenea, reprezentat stând pe un inel de șerpi sau pe spatele unei păsări. Alte avatare inerente lui Vishnu sunt Peștii , Țestoasa, Omul Leu, Mistreț, Pitic, Rama , Krishna și Buddha. La picioarele lui Vishnu poate fi o imagine a soției sale.) Shiva (distrugătorul, el este uneori înfățișat ca un ascet, al cărui corp este frecat cu alb cenușă, el însuși stă într-o ipostază de meditație pe o piele de tigru din Himalaya.Atașat de părul său în vârful capului, o semilună din care curge râul sacru Gange.Uneori el - Nataraj, stăpânul dansului, este înfățișat într-un vârtej grațios, în timp ce el susține Universul cu dansul său nesfârșit. Shiva este adesea descris împreună cu soția sa Parvati și taurul Nandi, pe care călărește), Shakti (întruchiparea feminină a soțiilor zeilor Shiva și Vishnu, uneori sunt numite și Shaktas. Shiva-Shakti este o femeie frumoasă, ea are multe încarnări - Durga, Kali, Chandi sau Chamundi. Parvati-Shakta este cel mai adesea înfățișată ca o femeie frumoasă care stă într-o ipostază de meditație, în unele cazuri este înfățișată alături de soțul ei Shiva și de fiul tânăr Ganesha). Există mulți alți zei în hinduism, dintre care cel mai popular este Ganesha, care este fiul lui Shiva și Parvati. El este de obicei descris ca o figurină a unui bărbat cu cap de elefant. Reprezentările picturale ale zeilor panteonului hindus, precum și din statui și sculpturi, au o mare importanță culturală.

Arte și meserii din India

Un număr mare de piese de artă valoroase care sunt moștenirea acestui uimitor civilizatie antica păstrate în muzee. Acestea includ multe texte antice cu conținut religios, poezie și proză, picturi și multe icoane, miniaturi mogol, care sunt ilustrații pentru cărți, precum și vase, bijuterii, arme, covoare, textile, articole de lăcuit unice, produse din bronz și metal și articole de uz casnic. . Artistul rus Roerich a adus o mare contribuție la conservarea comorilor și monumentelor arhitecturale din India. Mai târziu, inițiativa sa a fost susținută de fiul său Svyatoslav Roerich, care a contribuit la un moment dat la încheierea Pactului internațional pentru protecția proprietății culturale.

1.1 Istoria dezvoltării și influenței religiei asupra DPI în India

În antichitate, în India, precum și în alte țări, artele decorative și aplicate nu se distingeau ca un domeniu independent al artei. Crearea sculpturilor și a produselor artistice, pictura și arhitectura au fost toate considerate meșteșuguri. Lucrările erau, de regulă, anonime.

Principalul, cel mai răspândit tip de artă decorativă și aplicată ar trebui considerat arta lucrurilor proiectate artistic, adică produse artistice - obiecte și unelte de zi cu zi, accesorii de ritual sacru și arme. Această artă există încă din cele mai vechi timpuri.

Forma instrumentelor simple era, de regulă, armonioasă și artistică, iar imaginile de pe ele erau de natură intriga-tematică sau pur ornamentală. Decorarea a ținut întotdeauna cont de scopul cotidian și de forma obiectului.

Artele decorative și aplicate au fost utilizate pe scară largă pentru decorarea detaliilor arhitecturale, unde sculptura era folosită în mod deosebit.

Materialele din care s-au realizat produsele artistice erau extrem de diverse, s-a folosit aproape tot ce oferea natura: lemn, frunze și ierburi, fibre vegetale, coji de nuci; piatră simplă, semiprețioasă și prețioasă; argilă, metale, inclusiv cele prețioase; os, corn, broasca testoasa, carapace etc. Dintre acestea, cele mai importante sunt: ​​lemnul, piatra, metalul, fildesul si fibra.

Produsele artistice ale Indiei în diferite părți ale țării nu sunt identice și diferă prin specificul și originalitatea lor locală. Este interesant că, de exemplu, în Sri Lanka, chiar mai mult decât în ​​India însăși, s-au păstrat tradițiile artei indiene din cele mai vechi timpuri - perioada de răspândire și înflorire a budismului. Prin secolul al XI-lea. Budismul aproape a dispărut în India, dar a supraviețuit în Sri Lanka, transmițând tradiția antică indo-sinhala în monumentele de artă. Această tradiție a contribuit în Evul Mediu la deosebirea meșteșugurilor sinhaleze de cele tamile, care nu mai erau asociate cu budismul, ci cu hinduismul. Dar, pe lângă aceasta, aptitudinile și gusturile artistice ale sinhalezilor, percepția lor estetică au adus originalitate producției artistice locale, picturii și sculpturii monumentale.

Cea mai mare parte a produselor artistice care ne-au supraviețuit datează din timp

Natura moartă ca gen de pictură

În artă plastică, o natură moartă (din franceză natur morte - „natura moartă”) este de obicei numită imaginea obiectelor neînsuflețite unite într-un singur grup compozițional...

Proiect pentru crearea unei întreprinderi de servicii sociale și culturale

Arta peisagistică a Japoniei

Tot ce este viu și neînsuflețit - fiecare creatură cântă. Şoaptă de ramuri, foşnet de nisip, vuiet de vânt, murmur de apă. Tot ceea ce există este înzestrat cu inimă." Din piesa de teatru Noh "Takasago" de Desami din secolele XIV-XV...

Crearea unor accente luminoase creative în camera copiilor, realizate folosind tehnica batik

Batik este un design aplicat într-un mod deosebit. Vorbim despre un mod original de decorare a țesăturii prin aplicarea de modele cu ceară topită, urmată de vopsirea acelor zone ale țesăturii care au rămas neacoperite...

Caracteristicile tehnologice ale interpretării naturii moarte în grafică

Istoria graficii ca formă de artă datează de câteva mii de ani. Grafica este cea mai veche dintre toate artele plastice...

Tradiții și inovații în arta artiștilor impresioniști

Până la mijlocul secolului al XIX-lea, pictorii francezi au făcut parte din sistem, experimentând influența unei instituții profesionale complexe, care avea departamente în toate tipurile majore de artă...

Animație japoneză

Apariția anime-ului Primele filme de animație japoneze au apărut în 1917. Acestea erau filme mici, cu o durată cuprinsă între unu și cinci minute și au fost realizate de artiști singuri...

Minimalismul japonez în design

Primele începuturi ale minimalismului în Europa au fost găsite deja în secolul al XVIII-lea: în 1777, cel mai mare poet, filosof și artist german Johann Wolfgang Goethe a ridicat o sculptură unică în grădina casei sale de vară din Weimar...

Arta Indiei antice a apărut treptat ca o sinteză a arhitecturii, sculpturii și picturii. Desigur, a fost influențată de stiluri artistice străine, dar nu și-a pierdut nimic din unicitatea.

Sculpturale, și cu atât mai mult monumente de arhitectură Foarte puține rămășițe din epocile Harappan și Vedice. Cel mai probabil, arhitectura de atunci avea forme simple și stricte, deoarece, cel puțin în exterior, casele Harappa și Mohenjo-Daro nu aveau niciun element decorativ. Artă antică sculpturile și glipticele (figurine și sigilii din piatră, teracotă și bronz, al căror scop nu este clar, ceramică) s-au dezvoltat într-o direcție realistă și au arătat gusturile artistice înalte ale creatorilor săi.

Perioada de glorie a arhitecturii și artei indiene antice a avut loc în timpul erei Mauro și a „epocii de aur a Guptas”.

În epoca primelor imperii indiene, în țară s-a realizat construcție intensivă de palate, dar palatele regale au fost construite din lemn și, prin urmare, nu au supraviețuit. În același timp, a înflorit arhitectura templului budist, care, spre deosebire de arhitectura palatului, era din piatră și s-a păstrat parțial. Cele mai vechi atracții ale sale sunt stupa-urile în care au fost păstrate relicve budiste (părți din corpul lui Buddha și ale sfinților budiști). Stupa cu cupolă, al cărei prototip era, probabil, o movilă de pământ, simboliza goliciunea, fragilitatea și caracterul iluzoriu al existenței pământești (din exterior, stupa arată ca o bulă de apă, care izbucnește imediat când plouă).

În secolul al III-lea. n. Adică, lângă stupa și locurile de incinerare ale sfinților budiști, a început construcția templelor chaitya din stâncă și a chiliilor monahale vihara. Au fost tăiați în stâncă folosind metoda „cioplirii interioare”: mai întâi, spațiile au fost tăiate, iar apoi în pereții săi - imagini sculpturale ale lui Buddha și sfinți. Fațada templului de-a lungul întregului plan a fost decorată cu reliefuri, coloane , și „ferestre însorite” speciale prin care lumina zilei pătrundea în templu. Când templul a devenit prea mic pentru călugări, lângă el au fost tăiate noi peșteri, în urma cărora au apărut complexe întregi de peșteri.

Unul dintre cele mai vechi complexe de temple (apropo, cel mai bine conservat) a fost ridicat în Karli, la sud-est de Bombay modern. Dar cel mai faimos complex de templu este Ajanta din Maharashtra - 29 de peșteri de stâncă în cadrul muntos al râului Vahuara. Ajanta a devenit celebră datorită picturilor sale minunate, care vor fi discutate separat.

Arta sculpturii a înflorit și în vechile imperii indiene. Sculptorii au reprodus scene din Jatakas în piatră (ele, în special, domină poarta sculptată-Toran a stupa din Sanchi), statui sculptate ale lui Yakshas și Yakshinis - zei ai fertilității, gardieni ai zeului bogăției Kubera.

ÎN capitala sudica Imperiul Kushan - Mathura, unde s-a dezvoltat o școală de artă independentă, curtezane locale au pozat de bunăvoie pentru sculptori pentru a crea statui ale lui Yakshini, care a participat la finanțarea construcției de altare și temple. Astfel de statui aveau puține în comun cu imaginile mitice ale Yakshini; erotismul domina în ele. Sculptorilor din Mathura le plăcea în general să decoreze templele cu scene erotice elegante, alături de care erotismul altor școli de artă de altădată pare jalnic. Pornografia de piatră a templelor indiene individuale a fost generată de misticismul sexual puternic al religiilor indiene, de care arta era complet dependentă.

În timpul perioadei Mauryan, a apărut o tradiție de a construi coloane stambha sculptate în locuri asociate cu biografia lui Buddha și pe rutele de pelerinaj către altarele budiste.

În primele secole ale erei noastre în Gandhara, sub influența tradițiilor artistice elenistice, a apărut o școală locală de artă, care se numește „greco-budhist” sau pur și simplu Gandhara. S-a remarcat prin transferul subiectelor budiste în sculptura greco-romană. În Gandhara a apărut pentru prima dată iconografia lui Buddha (cel mai probabil în secolul I d.Hr.), iar imaginile simbolurilor budiste au preluat controlul: „roata legii” (chakra), „copacul sacru” (bodhi), „umbrelă”, picioare, tron ​​și etc. Buddha a fost înfățișat cu cele 32 de semne canonice ale sale: lobii urechilor desenați, o umflătură caracteristică pe coroana capului (un semn al înțelepciunii supreme), un semn între sprâncene (un simbol al marelui spiritual spiritual). putere), par scurt pe cap, răsucite în bucle (simbolizează mișcarea soarelui și eternitatea), un halou etc. . Chipul lui Buddha a fost idealizat pe cât posibil. S-a dezvoltat un simbolism complex al pozițiilor mâinilor și degetelor (mudra): fiecare gest simboliza ceva din Dumnezeu. Buddha a fost înfățișat în trei ipostaze canonice: stând (în meditație profundă), în picioare (Buddha este pe cale să țină o predică) și întins (momentul tranziției la nirvana). Mahayaniștii credeau că cu cât statuia lui Buddha era mai mare, cu atât transmite mai bine măreția zeității (și influența ei asupra credincioșilor mai puternică), așa că au creat adesea coloși de piatră și cupru, lângă care coloșii egipteni antici nu ar arăta atât de maiestuosi. . În timpul erei Gupta, sculptorii au reprezentat zei individuali cu multe brațe și multe picioare, încercând astfel să transmită puterea și puterea lor supraomenească.

Un număr mare de piese de artă valoroase sunt moștenirea acestei uimitoare civilizații antice și sunt păstrate în muzee. Acestea includ multe texte antice cu conținut religios, poezie și proză, picturi și multe icoane, miniaturi mogol, care sunt ilustrații pentru cărți, precum și vesela, bijuterii, arme, covoare, țesături, articole de lac unice, produse din bronz și metal și articole de uz casnic. . Artistul rus Roerich a adus o mare contribuție la conservarea comorilor și monumentelor arhitecturale din India. Mai târziu, inițiativa sa a fost susținută de fiul său Svyatoslav Roerich, care a contribuit la un moment dat la încheierea Pactului internațional pentru protecția proprietății culturale.

Când europenii și americanii menționează India, au asocieri puternice. Acesta este Bollywood, yoga, tradiții stricte, valori familiale de nezdruncinat și bijuterii uluitor de frumoase. Bijuteriile indiene cu o abundență de bijuterii, aur și argint de cel mai înalt standard și modele complicate care „vorbesc” cu motive populare se bucură de un mare succes în întreaga lume. Cultura indiană de bijuterii a avut o mare influență asupra culturii europene, dovadă fiind cele mai bune bijuterii ale Coroanei Britanice, care fie sunt realizate în stil indian, fie sunt decorate cu un număr mare de pietre indiene. La începutul secolului al XX-lea, compania Cartier era impregnată de spiritul civilizației indiene și acum lansează periodic colecții bazate pe această temă.

Maharajașii indieni, făcând călătorii lungi în Europa și America, și-au adus bijuterii fanteziste, datorită cărora maeștrii bijutieri au început să învețe cum să execute lucrări complexe de filigran cu pietre prețioase, făcând bijuterii în stil indian. Locuitorii europeni, îndrăgostiți de melodiile orientale ale bijuteriilor indiene, au început să ceară ca meșterii locali să le facă la comandă. Așa și-a găsit India fereastra spre Europa.

Produse pentru podea pietre pretioase. Bijuteriile indiene au propriile caracteristici distinctive care le fac recunoscute și unice. Aceste produse sunt simetrice. În ciuda varietății de pietre de diferite culori și a combinației de materiale diferite, acestea nu au nicio dezordine. Viața festivă a indienilor este strâns legată de dans, iar decorațiunile au făcut întotdeauna parte din costumul ceremonial. Prin urmare, au propriul lor sunet și muzicalitate.

India este o țară cu propriile sale tradiții de bijuterii, care sunt transmise de-a lungul generațiilor. Fiecare oraș în care se fac bijuterii este specializat într-un anumit tip de muncă. Celebrul Jaipur este renumit pentru arta de a lucra cu smalț, Andhra Pradesh este renumit pentru lucrarea de argint, iar Delhi pentru bijuterii. Fiecare astfel de oraș are propriul său bazar de aur și, în ciuda prețului ridicat al aurului și argintului pur, bijutierii indieni nu se zgârcesc niciodată cu abundența de detalii realizate din aceste metale prețioase.

Bijuteriile indiene sunt realizate din aur, argint, faianta, fildes, ceramica, cupru, bronz, pietre pretioase si semipretioase. au fost găsite în locuri diferite în timpul săpăturilor, iar de atunci fiecare oraș are propriile caracteristici de bijuterii.

Tradițiile și modernitatea bijuteriilor indiene. Stilurile Menakari și Kundali s-au născut în Jaipur și Delhi. Menakari este arta smalțului - un meșteșug tradițional indian. Smalțul a fost aplicat pe bijuterii pentru a testa calitatea aurului. Cu cât bijuteriile din email strălucesc mai strălucitoare, cu atât aurul este mai bine folosit.

Kundali este cea mai veche metodă de a face bijuterii din aur din India. Stilul Menakundan este adevărate opere de artă de diferite culori prezentate pe partea din spate ornamente, în timp ce stilul kun dal este prezentat pe partea din față. Bijuteriile moderne în aceste stiluri sunt realizate de artizani din Bikaner și Rajasthan. Sunt atrăgătoare datorită aurei lor istorice, care ne duce înapoi la o perioadă în care un astfel de lux era disponibil doar pentru sângele albastru bogați.

Unele dintre cele mai simple bijuterii indiene fără utilizarea pietrelor sunt brățările de aur, mărgele, cerceii, pandantivele, care sunt mai multe rânduri de părți plate, bare, prinse împreună cu cele mai fine fire.

Arta indiană este renumită pentru motivele sale tradiționale, care se reflectă și în bijuterii. Ei recurg mai ales adesea la teme florale și animale. Aceste decorațiuni sunt un fel de talismane, deoarece nu servesc doar unui scop decorativ. Fiecare floare și fiecare animal personifică dorințele proprietarului, îl protejează de nenorociri, aduce bogăție, fertilitate și noroc. Chiar și într-o brățară ieftină nu va exista un design aleatoriu - totul este gândit până la cel mai mic detaliu.

Decorarea din Hindustan este traditii nationale, combinat cu luxul, spre care este atrasă o altă lume. O împrăștiere de pietre prețioase pe gât sau cercei modesti - trebuie doar să alegi în funcție de gustul tău, capacități și ocazie potrivită.

Sculptură în lemn. Când mongolii au invadat India în secolul al XVI-lea, s-au confruntat cu una dintre cele mai vechi civilizații ale lumii. În jurul anului 3000 î.Hr e. orașul Mohenjodaro din Valea Indusului avea un aspect regulat; Majoritatea clădirilor, din cauza umidității semnificative, au fost făcute din cărămizi coapte.

Clima caldă a impus construirea unor curți care înconjura spațiul camerelor.

În jurul secolului al IV-lea î.Hr. e. formele artistice au suferit modificări semnificative. Elemente grecești amestecate cu cele indiene, rezultând forme noi și unice. În această perioadă s-a schimbat și mobilierul. S-a răspândit o cadru de pat joasă, primitivă, pe patru picioare, cu suporturi trecute prin ele. În acest caz, suprafața de culcare a fost din răchită. Astfel de paturi, realizate din materiale scumpe, erau întotdeauna decorate cu lux. Un produs indian caracteristic este un taburet cu picioare răsucite și lăcuite și un scaun din răchită.

În India, bogată în diverse rășini, tehnica lăcuirii a fost foarte dezvoltată, precum și utilizarea rășinilor în scop decorativ. Una dintre metode a fost lăcuirea cu lacuri colorate, care s-au uscat destul de repede. Acesta a fost folosit în principal pentru piese de mobilier turnate. Piesele mici de mobilier și sertarele individuale au fost realizate din hârtie machéă și lăcuite într-un mod destul de complex. Pentru decorarea mobilierului s-au folosit intarsia din abanos, sidef, fildeș (mozaic Bombay), precum și sculpturi din fildeș.

Nepretenția indienilor este evidențiată de o simplă „piesă de mobilier” portabilă - un suport pentru corp: un fachir care se ghemuiește, își sprijină mâinile și capul pe suport și doarme liniștit. Totuși, indienii știau bine ce este confortul. Acest lucru este dovedit, de exemplu, de scaunul ceremonial al unui călugăr budist, care în designul său seamănă cu un vechi tron ​​indian.

Mobilier modern în stil indian. Mai târziu, când influența Europei a afectat India, au apărut noi nevoi care au reînviat măiestria de o mie de ani a indienilor. A apărut un stil nou, mixt. În secolul al XIX-lea în Europa erau mulți iubitori de mobilier indian, care era cel mai adesea achiziționat prin decorul său luxuriant și exotic. În primul rând, s-a pus în valoare mobilierul decorat cu mozaic Bombay. Toate acestea au dus la renașterea artei mobilei indiene. Deși noul mobilier indian a început să capete forme europene, datorită un numar mare Ornamentația indio-arabă și-a păstrat caracterul național caracteristic.

Stilul de mobilier indian, în ciuda caracteristicilor sale neobișnuite și extraterestre, este interesant și foarte decorativ. Alături de elaborarea atentă a detaliilor, suntem impresionați în primul rând de pasiunea popoarelor asiatice pentru fast și ornamentație complexă, care nu este întotdeauna legată organic de scopul unui anumit produs.

Cele mai tipice culori pentru stilul indian modern sunt turcoaz, purpuriu și portocaliu. În plus, sunt complet unici în felul lor. Mătasea indiană este puțin aspră și nu se simte la fel de netedă și alunecoasă ca mătasea chinezească. Mobilierul din casele indiene este joasă, tăiată manual din tec, un lemn foarte durabil.

O trăsătură caracteristică a interiorului indian este transformarea ușoară a detaliilor casei: scaune și mese, ecrane, obloane și uși adesea „își schimbă rolurile”. Locuitorii Indiei au folosit orice ocazie pentru a-și decora casele.

Sculpturile luxuriante ajurate în arta mobilierului indian sunt dovada pasiunii speciale a indienilor pentru decorul și decorațiunile de lux.

Deci, meșteșugurile artistice din India este una dintre cele mai vechi din lume. Artizanii populari au dobândit o pricepere extraordinară în țesut și prelucrarea metalelor. Erau renumiti în special pentru embosare, sculptură în metal, filigran, incrustație, sculptură în lemn și oase și fabricarea produselor de lac. Meșteșugurile erau des întâlnite nu doar în orașe, ci și în mediul rural, unde, în funcție de condițiile naturale sau de prezența oricărui tip de material (fildeș, lemn valoros), a înflorit unul sau altul tip de artă aplicată. Lâna Kashmir, emailurile Jaipur, fildeșul Travancore-Cochin etc. au devenit celebre în lume.

Adânc aspect popular arta este vibivanki - țesături de bumbac pe care scene cu mai multe figuri (muzicieni, dansatori, animale de răchită, scene întregi din viața țărănească) sunt reflectate cu timbre din lemn, care uimesc prin strălucirea, veselia și decorativitatea lor. Legendele folclorice și credințele Indiei și aroma naturii sale tropicale bogate sunt reflectate în vibivankas. Brocart de mătase făcut singur cu fir de aur sau argint, care este destinat celor mai înalte caste, uimește prin grația și subtilitatea designului, combinațiile delicate de culori și noblețea ornamentului.

Fabricarea de ustensile (ustensile) din bronz, cupru și oțel a realizat o mare varietate de forme și ornamente.

Cele mai vechi tipuri de artă populară - sculptură în lemn și oase - erau comune în multe regiuni ale Indiei. Mobilier sculptat, detalii arhitecturale, sicrie, cutii și figurine au fost realizate din lemn. Din colți de elefant, meșteri populari au realizat compoziții sau sculpturi întregi înfățișând zeități și eroi epici, precum și bijuterii.

secțiunea la art. „Arta budistă” în Enciclopedia „Cultura spirituală a Chinei” (vol. 6).

În arta budismului chinez, rafinamentul este combinat cu ornamentația, ritmuri de zbor cu plasticitate sculpturală. Formele iconografice indiene în stil sau origine au venit în China în principal prin Asia Centrală, iar elementele decorative și iconografia iraniene și indo-gandharene au venit și prin regatele și rutele caravanelor din nordul Indiei.

În istoria răspândirii iconografiei lui Buddha Shakyamuni, se cunosc doar două cazuri care ies din schema generală: ridicarea simultană în templele vietnameze din secolele XI-XII. statui de aur ale lui Buddha și Brahma și apariția „omului de aur/rishi” împăratului Ming Di (r. 57-75 d.Hr.) într-un prevestire de vis, care se presupune că a prefigurat răspândirea budismului în China (vezi Kashyapa). Acest vis de bun augur, care poate fi interpretat ca o versiune emblematică a instalării unei sculpturi Buddha, „a prins viață” în perioada Yong-ping (58-75) a erei Han, când lui Ming-di i s-a prezentat „Al patrulea Imaginea Învățătorului”, așa cum este numită statuia în tradiția chineză din lemn de santal, realizat în timpul vieții lui Buddha. Când imaginea a fost livrată lui Luoyang, împăratul a ordonat să fie făcute copii din ea și a pus unul în turnul Qingliang-tai, iar celălalt în mormântul Xianjie-ling. Ilustrație pentru hagiografia chineză a lui Buddha „Actele lui Shakyamuni, corpul transformării lui Tathagata/ Zhulay" înfățișează „Regele Udayana ridicând o statuie a lui Buddha”.

Deși arta budistă timpurie a fost foarte afectată de distrugerea masivă din 841, exemplele supraviețuitoare sunt destul de suficiente pentru, în cuvintele lui Guo Ruo-hsu (secolul al XI-lea), „îmbunătăți cu severitatea și măreția lui Buddha și Brahma”. Arta budistă timpurie (secolele IV-VI) este reprezentată în primul rând de templele rupestre ale complexelor mănăstirilor din stâncă Yungangsi (Mănăstirea Înălțimi înnorate) din provincie. Shanxi și Longmen-si (Mănăstirea Poarta Dragonului) lângă Luoyang (provincia Henan). Cea mai mare parte a lucrărilor din Yungang-si au fost create în 490-494, când capitala Wei de Nord (386-534) a fost mutată la Luoyang. Statuie colosală a lui Buddha Amitabha (chineză: Amito-fo) din peștera nr. 20, creată în 460−493. din gresie, inaltime aprox. 14 m, avea odată o fațadă cu mai multe niveluri, repetând structuri arhitecturale antice chineze, inclusiv un acoperiș de țiglă pe paranteze. Angularitatea arhaică a corpurilor și figurilor cu scara colosală este în concordanță cu decorul liniar oarecum ponderat, indicat de o crestătură superficială. Programul iconografic al peșterilor Yungang-si, cu toate numeroasele forme și tipuri de figuri, se repetă din punct de vedere compozițional și reprezintă un complex pictural tipic Mahayana (da sheng) de sutre (jing) cu nenumărați Buddha ( fo) și bodhisattva (pusa). În Longmen-si, ridicat în 494, stilul liniar și ritmurile și siluetele de flăcări pur chinezești sunt completate de mandale cu mai multe straturi ( mantulo), această formă originală de simbolism budist și tavane decorate cu fast și varietate extraordinare.

O sinteză unică este demonstrată de Severoveyan, așa cum a definit V. Goloubev, sculpturi „ornamentale” din bronz din secolul al VI-lea. cu liniile lor caligrafice, arabescuri cu gravură fină, plasticitate grațioasă a suprafeței, „jucându-se” cu arhitectura figurilor.

Turnurile cu mai multe niveluri au adus o contribuție deosebită arhitecturii budiste. acea, numite de obicei „pagode” (cuvântul se presupune că provine din sanscrita dhatugarbha - „depozitul unei relicve”). Pagoda amintește în mare măsură de Templul Mahabodhi de la Bodh Gaya, deși se crede că este derivată din forma clasică de stupa indiană, aparent prin intermediere din Asia Centrală. Arhitectura și, mai presus de toate, aspectul său indică influența stupa-urilor Gandhara. Cu toate acestea, forma rectilinie, verticală și, în special, cornișele din gresie, pot fi urmărite direct la arhitectura timpurie din lemn a Chinei. Pagodele din templele rupestre din Yungang-si sunt decorate cu nișe cu numeroase sculpturi. În Pagoda Dayan-ta (Pagoda Marelui Gâscă Sălbatică) din secolul al VIII-lea. în Chan'an, nivelurile sunt separate prin pilaștri mici. În general, până în epoca Tang, pagodele nu mai semănau cu prototipurile indiene. Arhitectura budistă a devenit una dintre cele mai importante domenii ale artei clasice chineze.

Celebrul critic de artă D. Zekel a definit clădirile caracteristice Asiei de Est ca „zone sau curți împrejmuite” în care spații de același tip erau folosite atât pentru evenimente religioase, cât și pentru evenimente seculare. Majoritatea templelor erau dedicate zeităților individuale sau grupurilor de zeități și conceptelor religios-mitologice precum raiul și iadul.

Dunhuang este recunoscut ca cel mai mare tezaur al artei budiste Mahayana. Iconografia Jataka ( ben yuan- „cauze rădăcină”), sutrele și tantrele sunt prezentate în stilurile din Asia Centrală, India, Nepal, China-Nepalez, China-Tibetan din diferite perioade istorice. „Pictura Jataka” din Dunhuang este bogat decorativă, dar dacă scena ilustrată este în concordanță cu intriga canonică, atunci proliferarea conexiunilor decorative transformă narațiunea într-un tot ornamental, fără a-și pierde sensul general. Tema „zeității strălucitoare” care coboară din cer (în terminologia sutrelor timpurii), umbrită de evantai luxuriante, alb-noros, din „pictura jataka” a lui Ajanta, se transformă în „stilul internațional” din Dunhuang într-un scena zborului „în flăcări” al unei fecioare cerești - o apsara cu bijuterii de aur, eșarfe de mătase fluturate într-un pârâu roșu-portocaliu care cade de sus, tăiat de fulgerări învolburate - nori de culoare smarald și azur închis (peștera nr. 404, Epoca Zhou de Nord). Formele personajelor din picturile Dunhuang din perioada pre-Tang corespund figurativității liniare („dezoase”) tipice Chinei. Combinația de stiluri „plastic” și „ornamental” în spațiul de fundal și perspectivă mărturisește eterogenitatea estetică a acestei arte cu omogenitatea vizuală a moștenirii Ajanta și a tradiției chineze.

Iconografia „Paradisului de Vest” sau „Cerului de Vest” (chineză Xitian), a lui Buddha Amitabha în pictura templelor rupestre din Dunhuang este cuprinsă în compoziții încântătoare, cu un pitoresc viu. Natura meditativă a acestor imagini este exprimată în natura artificială din punct de vedere estetic a artefactelor din Grădina Edenului, care este asociată cu descrierile peisajelor călătoriilor taoiste către insulele sacre și vârfurile înalte ale cerului (vezi Taoism, Penglai, Kunlun). În budism există un număr mare de imagini ale pământurilor cerești într-o varietate de forme și materiale compoziționale. Aceasta se bazează pe ideea de vishuddhi - „înlăturarea completă a obstacolelor karmei ()” (Skt. karma-avaran) în paradisul lui Buddha Amitabha.

Un rol semnificativ revine puternicilor „gărzi porți” sculptate din monoliți de piatră din templele rupestre din secolele VI-VII. Ele revin plastic la tipul iconografic de Vajrapani (chineză: Jin-gan-shou) în imaginea lui Hercule din Gandhara, găsind asocieri în contexte istorice și culturale atât de îndepărtate precum sculptura înaltei Renașteri italiene din prima treime a al 16-lea secol. (de exemplu, statuile sclavilor lui Michelangelo). Acest lucru, în special, este demonstrat de Marele Buddha recent găsit (secolul al VIII-lea) lângă orașul Leshan (provincia Sichuan) - cea mai mare statuie de piatră a lui din China.

Iconografie și artă chan(vezi Chan-xue, școala Chan, Chan-tsung) diferă de alte școli Mahayana printr-o serie de trăsături determinate de ideea de a transmite adevărul „dincolo de cuvinte”. Antiritualism și iconoclasm chan nu a reușit să distrugă convențiile ritualice ale budismului tradițional (cf.: „Al șaselea patriarh care rupe sulul” de Liang Kai; vezi Hui-neng; „Tan-xia arde imaginea din lemn a lui Buddha” de Yinto-lo). În general, iconoclasmul Chan nu depășește „mijloacele iscusite” ale Mahayanei și, cu atât mai mult, comportamentul șocant al yoghinilor tantrici (vezi „Mi-tsung”). Imaginea lui Buddha în interpretare chan asociat cu iconografia arhaturilor (chineză: luohan), grupate în 16.500 de caractere, și se remarcă estetic printre imaginile monocrome pictate cu cerneală ( sulul lui Liang Kai „Shakyamuni Descending from the Mountains” și „Shakyamuni” al lui Wu Taozi). ÎN pictura monocromă imaginea simbolică indianizată a „ființei perfecte” (Buddha, Bodhisattva) este „transformată poetic” într-un portret al unei persoane care se desăvârșește – „cea care lucrează din greu” (epitetul lui Bodhisattva în Mahayana). Textele Chan vorbesc despre „variabilitatea iluzorie a trăsăturilor Tathagata / astfel venind / Zhulay", adică 32 de semne (sanscrită lakshana, chineză. xiang) și 80 de semne secundare, care denotă „forma adevărată” ca „absența manifestărilor” golului intuitiv permeabil al „receptaculului/tezaurului celui care a venit astfel” (sanscrită tathagata-garbha, chineză. Zhulay Zang). Prin urmare, ceea ce este „manifestat” prin gradații de tonuri de cerneală pe hârtie este rodul conștiinței trezite spontan (dun wu) în înțelegere. chan(cf. subiectele vizuale „Patriarhul și tigrul” și „Bija [ Zhongzi] în scrierea Brahmi").
Evoluția arhitecturii și sculpturii în epocile Yuan, Ming și Qing (secolele XIII - începutul secolelor XX) a cunoscut influențe, împrumuturi și relații alternante, creând o varietate imensă de sculpturi, înalte reliefuri, basoreliefuri și structuri arhitecturale care repetă modele tibetane ( vezi lamaismul). Stilul chino-tibetan în pictură, sculptură și arhitectură al Evului Mediu târziu a fost influențat de tradițiile periferice, din punctul de vedere al clasicilor chinezi, religioase și vizuale - statul Tangut din Xi Xia, budismul tibetan Vajrayana ( jin-gan-sheng), arta imperială a dinastiei mongole Yuan și „stilul de palat” al dinastiei Manchu Qing. Stilurile istorice ar putea fi amestecate, cu tendință către un „stil internațional” (caracteristic artei chino-tibetane de M. Lerner), precum stilul chino-nepalez al epocii Yuan, stilul școlii tibetane de mensa („ noi menri”). Perioada de glorie a „stilului internațional” al artei tantrice a avut loc în timpul domniei celui de-al 5-lea Dalai Lama Ngawang Lozan Gyatso (secolul al XVII-lea), când școala Gelugpa („model/legea virtuții”, chineză), care era dominantă în Tibet. huang jiao) influența curții Manciu a crescut treptat, ceea ce a dus la patronajul din partea acesteia.

În pictura lui Khara-Khoto (secolele X-XIII, Xi Xia) sunt dezvăluite doar contururile stilului chino-tibetan. Indian în formă color-plastică de geneză, tip iconografic tantric al majorității imaginilor și temelor picturale, cu excepția celor precum țara occidentală a fericirii supreme ( Ji le tu), bodhisattva-ii perechi Manjushri (chineză: Wenshushili) și Samantabhadra (chineză: Pu-hsien), Buddha Tejaprabha și zeitățile planetelor, „gardienii direcțiilor cardinale”, conțin elemente stabile ale stilului tibetan. În viitor, o metamorfoză artistică sinicizantă se dezvăluie în dezvoltarea liniară a formelor, rafinarea gradațiilor și luminarea culorii, rarefierea densității plastice a planurilor de culoare și ornamentalitatea decorului. Deşi până în secolele XVI-XVII. Componentele chineze și tibetane în pictură s-au dezvoltat în paralel; baza figurativă a stilului iconografic tibetan a rămas mai rezistentă la deplasare și transformare decât fundalul - încadrare, elemente de personalizare. Pictura tibetană a rămas întotdeauna în limitele culturii vizuale indiene. O gravură care a furnizat ilustrații pentru edițiile de xilograf ale textelor budiste se află oarecum depărtată. Dezvoltarea liniară sinicizată a personajelor din iconografia tantrismului tibetan este strâns legată de publicațiile canonului budist (Da Tsang Jing) și, în general, de arta budistă din perioada Yongle (1403-1423) din epoca Ming.

Stilul chinezesc din pictura tantrică pe temele Paradisului de Vest creează un sentiment de spațialitate și aerisire; figurile, distinse prin plenitudine vizibilă, apar în robe complexe drapate; omogenitatea plastică a figurilor și a fundalului stilului indian este înlocuită de un mediu culoare-aer. În pictură, icoana-tanc (Tib. Thang-ka, chinez. rezervor) spațialitatea și panoramicitatea chinezei peisagistică, înrădăcinată într-o poetică complexă a metamorfozelor nesfârșite, este înlocuită de simetria compozițională. Pentru thangkas, în primul rând, din tibetanul de est și „stil de palat” al secolului al XVIII-lea. Caracterizat de mișcările supranaturale ale yoghinilor, dakas și dakini în golul strălucitor al spațiului. Pe de altă parte, stilul chino-tibetan târziu din secolele XVII-XVIII. în reprezentarea peisajelor pe thangkas, pare a fi un hibrid de elemente chinezești care nu are arhetipuri identificate în cultura tibetană.

Tradițiile cromatice ale stilului magnific, arta curtenească și ierocratică, care servesc ordinele aristocraților seculari și spirituali, au făcut posibilă utilizarea culorilor prețioase de ultramarin și lapis lazuli pentru a transmite strălucirea spațiului de fundal, obținând o colorare cu adevărat cerească. În stilul chino-tibetan, rafinamentul în redarea nuanțelor de culoare a atins apogeul. Deosebit de rafinate sunt culorile roz, violet, liliac cu diferite grade de luminozitate, saturație și densitate și albastrul, dezvoltat în detaliu și subtil. Condensată cu luminozitate unică, culoarea albastră este refractată atât în ​​tonuri deschise, cât și în albastru închis, dens saturat, asemănător cu nuanțe de lapis lazuli.

Sculptura chino-tibetană Vajrayana urmează iconografia și canonul proporțiilor artei tantrice.
Stilul chino-tibetan de sculptură metalică din epoca Ming se distinge printr-o grație aproape rocaille a formei. Frumoasele statui turnate de cupru sunt lustruite ca o oglindă, transmitând structura grațioasă a corpului, ascensiunea și coborârea liniilor de alunecare sunt infinit de rafinate, aurirea este aplicată cu grijă pentru bijuterii. Rafinamentul artistic al artei Ming reflectă capriciul luxuriant și fantasmogorismul vieții de curte și gustul pentru religiozitate al împăraților care au patronat budismul tibetan.

„Stilul de palat” Qing timpuriu (secolul al XVIII-lea), reprezentat, printre altele, printr-un complex complet canonizat de sculptură tantrică din Templul Baoxianglou, comandat de împăratul Qianlong (condus între 1735-1796) în iconografia școlilor de noi tantre. , axat pe bronz și argint cu aurire parțială, cupru roșu, care capătă în timp o nuanță violet închis, tehnici de urmărire și incrustație cu pietre semiprețioase. Sculpturile unice ale lui Baoxianglou sunt realizate în conformitate cu iconografia sutrelor și tantrelor, reprezentând personajele sutrelor conduse de Buddha și mantrelor conduse de Guhya (samaja)-Akshobhyavajra Buddha, precum și zeități. diferite clase tantre: „pe jumătate mâniat”, „furios”, „îngrozitor”. În sculptura Qing, decorul rafinat manieristic al formelor epocii Ming a fost înlocuit cu zeități „calme” cu o structură plastică mai densă, puritatea contururilor și gravarea în relief a liniilor decorative. Cu toate acestea, valorile luminii și de formare a culorii ale decorului au rămas neschimbate: aurirea statuilor zeităților „calme” curge ondulată și pâlpâie de lumină reflectată, în timp ce cele ale celor „furiosi” se aprind și strălucesc cu stropi de curcubeu. ; email cloisonne, folosit adesea în decorarea sculpturii metalice, începând din perioada Qian Long (1736-1795), strălucește cu modele multicolore; Lemnul policromat sculptat are un albastru cerat bogat, lac roșu, violet violet și culoarea abanosului.

În palatul imperial din Beijing (Gugong) a existat un complex special de temple Zhongzhengdian (Palatul Corectitudinii Mijlocii), al cărui decor simbolic a fost proiectat în stilul templelor școlii Gelugpa, patronate în special de dinastia Qing. Printre imaginile sale sculpturale și picturale au prevalat zeitățile tantrice ale vieții lungi - Amitayus (chineză: Amito-fo, Wu-liang-shou) și Ushnishavijaya, deoarece funcția rituală a templelor și mănăstirilor de la curte - reședința ierocrației din Beijing în timpul perioada Qing a fost sacramentul prelungirii anilor împăratului domnitor. Singura clădire cu mai multe etaje din Orașul Interzis (Zijin-cheng), care consta din multe palate cu un etaj, a fost Yuhua-ge (Pavilionul Florilor în ploaie), templul principal al reședinței imperiale. Qianlong a construit-o în 1750, după modelul Turnului Dedicat al Mănăstirii Toling, una dintre cele mai vechi din Tibetul de Vest. Fiecare etaj al templului a fost dedicat zeităților unuia sau altui ciclu tantric, iar caracterul său imperial a fost subliniat prin păzirea dragonilor din aramă și aurit pe fiecare dintre cele patru colțuri ale acoperișului de țiglă.

Cea mai mare mănăstire Gelugpa din Beijing este Yonghe-gong, construită din 1694 și numită după templul central, pe care împăratul Yong-zheng (r. 1723-1735), fiind prinț ( qin-wan), numit Yun-qin-wan-fu (Reședința prințului Yun). După ce a devenit împărat, a redenumit templul Yonghegong (Palatul Armoniei/Pacii și Armoniei Yun). Zece ani mai târziu, fiul lui Yong-cheng, împăratul Qian-long, în semn de venerare pentru răposatul său tată, a reconstruit palatul într-un templu decorat cu cei mai buni meșteri din China. O statuie a lui Buddha viitorului Maitreya (chineză: Mile) a fost sculptată dintr-un trunchi uriaș de lemn de santal adus din sud. Programul iconografic pentru sculptori și pictori a fost întocmit în tradiția Gelugpa. Alături de Buddhas și Bodhisattvas, au fost dedicate săli rituale speciale idamilor (zeități patronale tantrice) venerate în special în Gelugpa: Vajrabhairava, Guhvyasamaja, Chakrasamvara. Caracterul inițial palatial al lui Yonghe Gong îl face să iasă în evidență față de structurile budiste din epoca Qing. Caracteristicile specifice ale designului său arhitectural, de exemplu, sunt balcoanele și coridoarele suspendate care leagă diferitele săli ale templului și sanctuare. Yonghe-gun, care era un complex de temple mari și mici, este un monument al arhitecturii clasice chineze cu trăsăturile sale de design și compoziție, cu simbolismul stilului imperial, în contrast cu pagodele în formă de stupa din acea vreme, care amintește de monumente decorative şi plastice în care predomină formele sculpturale şi motivele ornamentale repetate. Astfel, pereții pagodei Templului Huang-si (Mănăstirea Galbenă) sunt decorați cu nișe cu statui de Buddha și bodhisattva. Stilul arhitectural lapidar al pagodelor budiste timpurii a fost înlocuit în epocile Ming și Qing de complexitatea formelor, reminiscențe indiene și alte „decorări”, un exemplu izbitor al cărora este Uta-sy (Mănăstirea Cinci Turnuri, 1473) din Beijing.

Palatul grandios și ansamblurile de temple din apropierea râului sunt considerate pe bună dreptate exemple unice ale stilului chino-tibetan în arhitectura imperială a erei Qing. Zhehe lângă Chengde la nord de Beijing, construit la începutul secolului al XVIII-lea. și reproducerea Palatului Potala din Lhasa și a Mănăstirii Panchen Lama Tashi-lhunpo. Ele se disting prin dimensiunea designului arhitectural, spațialitate și simplitatea laconică a pereților exteriori masivi. Interiorul este decorat în stil tradițional chinezesc, cu sculpturi pe mai multe niveluri și profilate complex, pictură policromă strălucitoare de grinzi și console, coloane de lac roșu și acoperite cu sculpturi ornamentale. Amestecul de stiluri arhitecturale chinezești și tibetane creează o unitate armonioasă a aspectului celor opt temple externe, a designului pagodelor și a structurii acoperișului. Pereții sunt parțial din blocuri de piatră, parțial din chirpici. Palatele și templele din văi sunt amplasate după principiul axial chinezesc, în timp ce unele dintre clădiri sunt amplasate după principiul tibetan pe versanții munților, formând clădiri cu mai multe niveluri care amintesc de castele grandioase.

Literatură:
Aforisme ale Chinei vechi. M., 1988; Begin J., Morel D.În spatele zidurilor Orașului Interzis. M., 2003; Întoarcerea lui Buddha. Monumente culturale din muzeele din China. Catalogul expoziției. Sankt Petersburg, 2007; Golubev I.S. Yunhegong. Beijing, 1956; Note despre țările budiste // Istoria și cultura Indiei antice: Texte. M., 1990; Versiunea chineză a „Sutra pe semne” canonică budistă („Lakshana Sutra”) // Vostok, 1998, nr. 1; Tugusheva L.Yu. Versiunea uigură a biografiei lui Xuanzang. M., 1991; PescarRE. Arta budismului. M., 2001; Tsendina A.D....Și țara se numește Tibet. M., 2002; Zhou Yi-liang. Tantrismul în China // Tantric Buddhism I. M., 2004; Wei Jin Nan-bei-chao diaosu (Sculptura din dinastiile Wei, Jin, Sud și Nord). // Zhongguo meishu quan ji (Opere complete în limba chineză Arte vizuale). Diaosu bian (Secţia de sculptură). Vol. 3. Beijing, 1988; Dunhuang bi-hua. T. 1. // Acolo. Hui-hua bian (Secțiunea de pictură și grafică). Vol. 14. Shanghai, 1988; Dunhuang caisu (Sculptura artistică a lui Dunhuang). Beijing, 1978; Sichuan bi-hua. // Zhongguo meishu quan ji (Colecție completă de lucrări de artă plastică chineză). Hui-hua bian (Secțiunea de pictură și grafică). Vol. 13. Beijing, 1988; Sichuan shiku diaosu (Sculpturi în peșteră din Sichuan) // Acolo. Diaosu bian (Secţia de sculptură). Vol. 12. Beijing, 1988; Wu-dai Song diaosu (Sculptura celor cinci dinastii Song [și epoca]) // Acolo. Diaosu bian (Secţia de sculptură). Vol. 5. Beijing, 1988; Yungan shiku diaoke (Sculpturile peșterilor din Yungshan) // Acolo. Diaosu bian (Secţia de sculptură). Vol. 10. Beijing, 1988; Comorile de artă din Dunhuang. Beijing-Hongkong, 1983; Arta budistă de la Rehol. Taipei, 1999; Bussagli M. Pictura din Asia Centrală. Geneva; Cahill J. Pictura chineză. Geneva, 1977; Carter M. Misterul lui Udayana Buddha // Annali Istituto Universitario Orientale, 1990. Vol. 50, fasc. 3; Chandra L. Buddha în gravuri chinezești. New Delhi, 1973; Chu Fo Pu-sa Sheng Hsiang Tsang Pantheon // Două panteoane lamaistice. Cambr., Mass., 1937; Davidson Y.L. Sutra Lotusului în arta chineză. L., 1955; Focillon H. L'art bouddhique. P., 1921; Dragonii aurii. Comori îngropate din Epoca de Aur a Chinei. L., 1999; Hiuen Tsiang. Si-Yu-Ki. Înregistrările budiste ale lumii occidentale. L., 1906. Voi. I-II; Iwanowski A. Dsandan dsou yin domor, legende de la statue de buddha faite en lois de tchandana // Le Museon. 1883, or. 2, fasc. 1; Karway H. Arta chino-tibetană timpurie. Warminster, 1975; L’iconographie de la „Descente d’ Amida” // Etudes d’ orientalisme. T.I.P., 1993; Lubac H., de. Amida. P., 1955; Panteonul Pao-hsian Lou // Două panteoane lamaistice. Cambr., Mass., 1937; Palatele Orașului Interzis. L., 1991; Rawson Ph. Prezentarea artei orientale. L., 1973; Secretul D. Buddhistische Kunst Ostasiens. Stuttgart, 1957; Secretul D. Shakyamunis Ruckkehr aus dem Bergen: Zur deutung des Gemaldes von Liang K’ai // Asiatiche Studien. Berna, 1965; Serinde, terre de Bouddha. P., 1996; Super A.C. Dovezi literare pentru arta budismului timpuriu în China. Ascona, 1959; Super A.C. T'ang Parinirvana Stele // Artibus Asiae, vol. XXII, pct. 1-2, 1959; Arta Asiei de Est. Vol. 1. Köln, 1998; Weiner Sh.L. Ajanta: locul său în arta budistă. Berkeley și Los Angeles, 1977.