Onko pojilla ja tyttärillä velvollisuus huolehtia vanhemmistaan? Vai antavatko he tämän velan lapsilleen? Lyudmila Kulikova vastasi näihin kysymyksiin lyhyessä työssään. "Näitkö", jonka yhteenveto esitetään tässä artikkelissa, on koskettava tarina äidin kohtalosta, joka koki niin sietämättömän kokemuksen, että hänen oli helpompi uskoa poikansa kuolemaan kuin hänen petokseen. .

Kiittämättömyyden pojat

Erittäin monimutkainen aihe paljastettiin kirjailija Lyudmila Kulikovan lyhytproosateoksessa. "Svides" on lyhyt tiivistelmä syvästä lasten kiittämättömyydelle omistetusta aiheesta, jota Pushkin kosketti tarinassaan "Aseman päällikkö" ja Dostojevski romaanissa "Nöyryytyneet ja loukatut". Usein nuoret lentävät vanhempainpesästään ulos nopeasti uuteen elämään. Heitä ajaa vastustamaton halu olla toistamatta onnettomien äitien ja isien kohtaloa, tylsä ​​ja synkkä kuva isän kodista ja tavallinen inhimillinen itsekkyys. . Edessä on toinen olemassaolo. Siinä on ilonsa ja vaikeutensa. Ja takana - inhottava talo, jossa kaikki on suunniteltu harmaan sävyihin, ja aika näyttää pysähtyneen. Sen asukkailla ei ole tulevaisuutta. Miksi siis sekoittaa menneisyyttä nykyisyyteen, jos voit yksinkertaisesti unohtaa, ajaa pois muististasi kuvan henkilöstä, joka on jossain kaukana, kenties tuskaisessa odotuksessa ja kärsii? Ja on vielä helpompaa vakuuttaa itsellesi, että kukaan ei odota ja kaikki on unohdettu.

Hylättyjen vanhempien kuva venäläisessä kirjallisuudessa

Volyymiltaan L. Kulikovan luoma teos on melko pieni. "Did Met", jonka yhteenveto on esitetty alla, on kuitenkin elämän tarina. Vertaamalla nykyajan kirjailijan tarinaa venäläisen klassisen kirjallisuuden edustajien teoksiin voidaan havaita, että vain vähän on muuttunut viimeisen kahdensadan vuoden aikana. Kiittämättömiä lapsia on edelleen. Ja kärsivät myös vanhukset, joille elämä rakkaan pojan tai tyttären menetyksen jälkeen ei voi jatkua.

Tässä artikkelissa käsitelty tarina sisältyy koulun opetussuunnitelmaan tänään. Tämä antaa nykyaikaisille teini-ikäisille mahdollisuuden ymmärtää syvällisesti nykypäivän todellisuutta. Ihmisen ulkonäkö ja se, mikä häntä ympäröi, muuttuvat ajan myötä. Ihmisten tunteet ja paheet pysyvät ennallaan. Siksi voimme turvallisesti sanoa, että lasten kiittämättömyyden ongelma paljastuu parhaiten seuraavissa teoksissa:

• A. S. Pushkin "Aseman päällikkö".
• F. M. Dostojevski "Nöyrytetty ja loukattu".
• L. N. Kulikova "Nähdään."

Tarinan päähenkilö on Tolik. Sukunimi - Titov. Kirjoittaja ei anna hänelle täydellisempää nimeä, ehkä siksi, että tällä henkilöllä ei ole hänen ikänsä kypsää maailmankuvaa. Tai ehkä tosiasia on, että hän oli ja on edelleen Tolik, joka on jossain kaukana odottamassa rakastavaa äitiä.

Tarinan tapahtumat alkavat kehittyä päähenkilön uudessa kodikkaassa asunnossa. Tolikista tuli erillisen asunnon omistaja, mikä tarkoittaa, että hänen unelmansa toteutui. Loppujen lopuksi hän pyrki tähän koko tietoisen elämänsä. Ja nyt, lämmittelyjuhlien yhteydessä, vaimo leipoi piirakan ja koko perhe kokoontui juhlapöytään.

On sanottava, että Kulikovan sankari on hahmo, jolla on arvokkaita positiivisia ominaisuuksia. Hän on ihanteellinen perhemies, mies, joka elää vaimolleen ja lapsilleen. Hän on työskennellyt väsymättä 24 vuoden ajan. Uusi tilava asunto on monen vuoden kovan työn tulos. Tarina "Meet" on lyhyt fragmentti ahkeran miehen, perheen isän, elämästä. Mutta tämä sankari on kiistanalainen persoonallisuus. Kuinka hän saattoi niin pitkään olla muistamatta naista, joka antoi hänelle hengen? Mutta vain perheillallisen aikana uudessa tilavassa asunnossa hän yhtäkkiä muistaa äitinsä. joka hallitsee Titovien talossa, jää yllättäen vertailun varjoon: "Kuten lapsuudessa äitini kanssa." Mutta juuri tämä ajatus saa sankarin monta vuotta myöhemmin vierailemaan kotonaan.

Muistoja

Yhtäkkiä Tolik alkaa muistaa äitinsä kirjeitä, jotka hän sai armeijassa ja revittiin välittömästi pieniksi paloiksi. Hän ajattelee sitä, että hän ei ole nähnyt häntä lähes neljännesvuosisataan, eikä ole kirjoittanut yli kymmeneen vuoteen. Tolik menee kotikylään tapaamaan naista, joka synnytti hänet. Mutta kun he tapaavat, hän ei uskalla soittaa hänen äidilleen, ja tämä kieltäytyy uskomasta, että hän on hänen poikansa. Äiti oli elänyt liian kauan odottamisessa. Vuosien mittaan hän oli kyllästynyt itkemiseen ja myöntyi siihen tosiasiaan, ettei hänen poikaansa ollut enää. Kävi ilmi, että pojan pettäminen on sietämätöntä äidin sydämelle.

Tolik ei ymmärtänyt mitään. Vieraillessaan äitinsä luona hän jätti kotonsa ikuisiksi ajoiksi, "leikkasi leveän viipaleen elämän leipää ja heitti sen tielle". Kulikova kuvaa näitä tapahtumia tarinassaan "He tapasivat". Teoksen analyysi kuitenkin viittaa siihen, että tämä tarina on keskeneräinen. Tolikin todelliset omantunnon piinat ovat vielä edessä. Päähenkilön henkinen maailma ja syy hänen niin sydämettömään asenteeseensa äitiään kohtaan on mahdollista paljastaa ottamalla huomioon taiteelliset tekniikat, joita Kulikova käyttää tarinassa "Met Met".

Titovien talon kuvan analyysi

Kaikki Tolikin uudessa asunnossa on ilo. Ja tuoksu siinä on miellyttävä, ja tiettyä luottamusta tulevaisuuteen on ilmassa. Hän oli niin kyllästynyt vuokra-asuntojen vaeltelemiseen, ettei edes monen päivän ikävä muuttoon valmistautuminen voinut varjostaa onnea oman asunnon hankkimisesta. Ja nyt hän tuntee niin vahvaa luottamusta tulevaisuuteen, että hänestä näyttää olevan melkein kuolematon. Ei ihme, että hän on työskennellyt niin kovasti kaikki nämä vuodet. Hän onnistui silti "varastamaan paikan maapallolla".

Tässä teoksessa Ljudmila Kulikova loi kuvan iloisesta ja hyväntuulisesta ihmisestä. "Näitkö toisianne" on tarina, joka alkaa kuvauksella ihanteellisen perheonnesta. Mutta vain ensi silmäyksellä muistot äidistä voivat tuntua satunnaisilta. Tolik, ehkä kaikki nämä vuodet, piilotti ajatuksensa hänestä kaukana, sielunsa pohjalle. Hänellä oli elämässään liikaa huolia ja muita huolia. Hänen täytyi rakentaa oma pesä, varmistaa poikiensa tulevaisuus, huolehtia rakastetusta vaimostaan. Mutta vain tavoite saavutettiin - ja kuin mato täydellisessä omenassa, ajatukset äidistä heräsivät. Vain muutaman päivän kestävät tapahtumat näkyvät tässä Ljudmila Kulikovan teoksessa. "Svidessya" on pieni pala historiaa, joka kestää eliniän. Surullinen tarina äidin odotuksesta, jonka poika oli unohtanut kotitalousongelmien takia, halusta "panettaa ylimääräinen penni syrjään". Terävä kontrasti uuteen taloon luo kuvan laiminlyötystä kotasta, jonka Kulikova piirtää.

"Treffi": talon teema

Kylä, jossa äiti asuu, on kuvattu harmailla, synkillä väreillä. Talot olivat rappeutuneet ja juurtuneet maahan. Epätoivo ja autio vallitsee ympärillä. Itse kota ei ole valaistu, tilanne siinä on melko ruma. Tarina "He tapasivat" on rakennettu vastateosille. Toisaalta Titovien perhe-elämästä on elämää vahvistava kuva. Toisaalta mökissä vallitseva eloton tunnelma. Tämä vastustus on pohjana ajatukselle, jonka Ljudmila Kulikova esitti työhön. "Sviditsya", jonka hahmoja kuvataan erittäin säästeliäästi, on se, jossa talot ja tilanne niissä "puhuvat". Se on kuva kotasta, joka paljastaa sen emäntänsä sisäisen maailman.

Olga Gerasimovnan kuva

Äiti ei tunnistanut häntä. Mutta viimeisessä lauseessa, joka päättää Kulikovan tarinan "He tapasivat", käy selväksi, että tämän teoksen sankaritar ei unohtanut mitään. Pitkät odotusvuodet tappoivat hänet. Hän ei enää odottanut poikaansa, ja hänen näkeminen elossa ja vahingoittumattomana merkitsi vakuuttamista tämän petoksesta. Vaikka "nähdä" on sana, joka ei koske häntä, koska hän menetti näkönsä.

Hänen äitinsä kuva vaikutti Tolikille täysin vieraalta: lyhyt vanha nainen, jolla oli näkymätön silmät ja poltetut sormet. Onko tämä todella se nainen, jolta hän niin usein sai kirjeitä armeijassa ja jonka viestit päättyivät aina yksinkertaiseen sanontaan "Toljan pojalle Oljan äidiltä"?

äidin kirjeet

Ne ärsyttivät häntä suuresti. Pitkät kirjeet rakastavalta äidiltä eivät kiinnostaneet häntä, ja hän repäisi ne heti luettuaan ne. Oli paljon mukavampaa lukea nuorten tyttöjen viestejä. Aihe, joka on aina ajankohtainen, nostettiin esiin tarinassa "Meet" Kulikova. Työ perustuu vanhempien ja lasten monimutkaiseen suhteeseen. Vaikeudet voivat kuitenkin olla luonteeltaan erilaisia. Äidin ja pojan välillä on usein erimielisyyksiä tästä tai toisesta asiasta. Lapset ovat usein kyllästyneitä liialliseen huolenpitoon, jota yksi nykyaikaisista venäläisistä kirjailijoista kutsui aikoinaan "rakkauden terroriksi". Mutta sankari Kulikova ei kokenut liiallista huoltajuutta eikä kärsinyt äitinsä määräämästä mielipiteestä. Hän vain häpesi häntä. Syy tähän huonoon tunteeseen voidaan paljastaa työn lisäanalyysillä.

isättömyyttä

Yhdessä kirjeessä äiti kertoo Tolikille isänsä kuolemasta. Hän ei muista tätä miestä ollenkaan. Tolik varttui isättömänä. Kun hän vieraillessaan äitinsä luona yrittää vakuuttaa tämän olevansa hänen rakas poikansa Tolja, hän muistaa yhden ystävänsä, jonka väitetään olleen myös yksinhuoltajaäidin poika. Maininta lapsuuden ystävästä, joka oli yhtä isätön, on yksi harvoista, jotka tuhlaajapojan mieleen tulevat. Eikä tämä ole sattumaa.

Kasvaminen ilman isää ei ole helppoa. Ja se on erityisen vaikeaa, kun elämä tapahtuu pienessä kylässä, jossa kaikki tietävät toisistaan ​​kaiken. Pojan isän poissaolo ei mene jälkiä jättämättä. Jotkut teini-ikäiset kypsyvät ikätoveriaan aikaisemmin pitäen huolta äidistään. Toiset päinvastoin pyrkivät kaikin keinoin unohtamaan loukkaavan sanan "isätön", pakenemaan häntä, piiloutumaan. Luoda täysivaltainen oikea perhe jonnekin kaukana. Se oli Tolik. Hän halusi niin kovasti oman kodin ja todellisen perheen onnen ilon, että hän epäröimättä pyyhki muististaan ​​kaiken, mikä liittyi lapsuuteen, ja ennen kaikkea äitinsä.

Sokeus

Mitä Kulikovan tarinan otsikko tarkoittaa? Nähdään ... Tämän teoksen sankaritar lausuu tämän sanan useammin kuin kerran. Hän puhuu halustaan ​​"nähdä" poikansa kirjeessä hänelle. Ja hän sanoo lauseen "Tässä tapasimme" sen jälkeen, kun hän jätti hänet viimeisen kerran.

Hän halusi katso poika. Mutta koska tämä halu oli hänen ulottumattomissaan, hän menetti näkönsä. Äidin sokeudella tarinassa on symbolinen merkitys. Heti kun Olga Gerasimovnan toivo "nähdä" poikansa haihtui, hän menetti myös näkemisen tarpeen. Hänen näkönsä oli poissa.

Epäonnistunut parannus

Sinä yönä, jonka Tolik vietti äitinsä luona, hän ei sulkenut silmiään. Hän muisteli menneitä vuosia. Siitä, kuinka vaikeaa oli ansaita rahaa vaimonsa turkista, merimatkoista, uudesta asunnosta. Tolik halusi kertoa tästä Olga Gerasimovnalle perustellakseen itsensä hänen silmissään. Mutta ei voinut. Hän itsepintaisesti kieltäytyi tunnustamasta häntä pojaksi. Mutta vaikka hän olisi kertonut hänelle vaikeuksista, jotka hän oli voittanut kaikki nämä vuodet, hän tuskin olisi ymmärtänyt häntä. Ei ole mitään tekosyytä miehelle, joka ei ole suurimman osan elämästään käyttänyt aikaa nähdäkseen äitiään.

Muut sankarit

Kirjoittaja kertoi melko vähän muista hahmoista. He ovat Tolikin vaimo ja neljä poikaa. Kyllä, heistä ei ole mitään sanottavaa, koska ne ovat osa iloista aurinkoista kuvaa perheen onnellisuudesta. Tarinan sankari eli ja työskenteli yksinomaan heille viimeiset 24 vuotta, mistä hän oli vilpittömästi vakuuttunut. Todellisuudessa hän petti äitinsä oman itsekkyytensä ja heikkoutensa vuoksi.

Takaisin uuteen elämään

Tolik jätti äitinsä jälleen. Hänen kasvonsa näyttivät viime hetkellä surullisilta hänestä. Tämän tarinan päähenkilö lähtee ja heittää syrjään kaiken, mikä yhdistää hänet kotiinsa. Hän ei koskaan näe äitiään enää, mutta hän muistaa hänet useammin kuin kerran. Vuosien mittaan elämän turhamaisuus tulee yhä merkityksettömämmäksi. Ja samalla sydämen kipu unohdetusta äidistä kuumenee. Valitettavasti hänellä ei kuitenkaan ole enää ketään "näkemässä" häntä.

Psykologisen proosan tyyliin hän loi tarinan "He tapasivat" Kulikovan. Tämä genre sisältää ihmissielun tutkimuksen ja analyysin yhden tai kahden sankarin esimerkillä. Tässä teoksessa voidaan lukea kaikkien hylättyjen äitien kohtalo ja heidät pettäneiden poikien henkinen ahdistus.

Uskonnolliset teemat ovat melko suosittuja Rafaelin aikalaisten keskuudessa. Suurin ero tämän kuvan ja vastaavien välillä on kuitenkin sen täynnä eläviä tunteita yhdistettynä melko yksinkertaiseen juoneeseen.

Sävellys

Huomion keskipisteessä on Madonnan naishahmo, joka pitää pientä poikaansa sylissään. Neidon kasvot ovat täynnä surua, ikään kuin hän tietäisi etukäteen, mikä poikaansa odottaa tulevaisuudessa, mutta vauva päinvastoin osoittaa kirkkaita, positiivisia tunteita.

Neitsyt vastasyntyneen Vapahtajan käsivarsissa ei kävele lattialla, vaan pilvien päällä, mikä symboloi hänen ylösnousemustaan. Loppujen lopuksi hän toi siunauksen syntisten maahan! Äidin kasvot lapsen sylissä ovat kirkkaat ja pienintä yksityiskohtaa myöten harkitut, ja vauvan kasvoja tarkkaan katsomalla huomaa aikuisen ilmeen hänen hyvin nuoresta iästään huolimatta.

Kuvaamalla jumalallista lasta ja hänen äitiään mahdollisimman inhimillisenä ja yksinkertaisena, mutta samalla pilvien päällä kävelemässä kirjailija korosti sitä tosiasiaa, että riippumatta siitä, onko kyseessä jumalallinen poika vai ihminen, synnymme kaikki samanlaisina. Tällä tavalla taiteilija välitti ajatuksen siitä, että vain oikeamielisillä ajatuksilla ja tavoitteilla on mahdollista löytää itselleen sopiva paikka taivaasta.

Tekniikka, suorituskyky, tekniikat

Maailmanluokan mestariteos, tämä kuva sisältää täysin yhteensopimattomia asioita, kuten ihmisen kuolevaisen ruumiin ja hengen pyhyyden. Kontrastia täydentävät kirkkaat värit ja selkeät yksityiskohdat. Ei ole ylimääräisiä elementtejä, tausta on vaalea ja sisältää kuvia muista valohenkeistä tai laulavista enkeleistä Madonnan takana.

Naisen ja vauvan vieressä on kuvattu pyhiä, jotka kumartavat Vapahtajan ja hänen äitinsä - ylipapin ja pyhän Barbaran - edessä. Mutta ne näyttävät korostavan kuvan kaikkien hahmojen tasa-arvoa polvistuvasta asennosta huolimatta.

Alla on kaksi hauskaa enkeliä, joista on tullut todellinen symboli paitsi tälle kuvalle, myös koko kirjoittajan teokselle. He ovat pieniä ja mietteliäs kasvot aivan kuvan alaosasta katsovat mitä Madonnan, hänen poikkeuksellisen poikansa ja ihmisten elämässä tapahtuu.

Kuva herättää edelleen paljon keskustelua asiantuntijoiden keskuudessa. Esimerkiksi sitä tosiasiaa, että ei ole yksimielisyyttä siitä, kuinka monta sormea ​​paavin kädessä on, pidetään erittäin mielenkiintoisena. Jotkut eivät näe kuvassa viittä vaan kuusi sormea. On myös mielenkiintoista, että legendan mukaan taiteilija maalasi Madonnan rakastajatar Margherita Lutilta. Mutta kenen kanssa vauva piirrettiin, ei tiedetä, mutta on mahdollista, että kirjoittaja maalasi lapsen kasvot aikuiselta.

Olga SKURATOV,
opettaja koulussa numero 199, Moskova

Boris Mikhailovich Nemensky - taiteilija ja soturi

Boris Mihailovich Nemensky - Venäjän kansantaiteilija, suuren isänmaallisen sodan osallistuja, Venäjän taideakatemian kirjeenvaihtajajäsen, Venäjän koulutusakatemian täysjäsen, plastiikkataiteen ja taidepedagogian laitoksen johtaja, professori, valtiopalkinnon saaja Venäjän federaation presidentin, innovatiivisen yleisen taidekasvatusjärjestelmän luojan, "Oikeuden puolustajan" ritarikunnan komentajan palkinnot ja palkinnot hänen suuresta panoksestaan ​​Venäjän hyväksi tapahtuvassa koulutus-, koulutus- ja kulttuuritoiminnassa, myönnetty Venäjän hyväksi. Yhdistyneiden kansakuntien julkisten palkintojen neuvosto.

Teokset B.M. Nemenskyt ovat valtion Tretjakov-galleriassa, Venäjän museossa sekä muissa venäläisissä ja ulkomaisissa museoissa, ne koristavat yksityisiä kokoelmia Saksassa, Englannissa, Ranskassa ja Japanissa.

Ensiaskeleet

Boris Mihailovich Nemensky syntyi 24. joulukuuta 1922 Moskovassa. Hänen äitinsä Vera Semjonovna oli hammaslääkäri ja hänen isänsä Mihail Iljitš oli rahoittaja, joka työskenteli pitkään kansankomissaarien neuvostossa vallankumouksen jälkeen. Nämä erinomaiset ihmiset toivat hämmästyttävän kahden kulttuurin sulautumisen poikansa elämään: venäläiset tulivat äidin - kyläpapin tyttären - kautta, kaupungin raznochhinnaya isän - Presnyasta kotoisin olevan nuoren miehen kautta. Perheessä alkoi monimutkainen taiteilijan persoonallisuuden muodostumisprosessi.

Boris Nemenskyn koko elämä liittyy Moskovaan. Hän vietti lapsuutensa Sretenkassa pääkaupungin sydämessä. Täällä otettiin ensimmäiset askeleet taiteen maailmaan Pioneerien palatsin studiossa, jota johti nuori lahjakas taiteilija ja opettaja A.M. Mihailov. Tämän henkilön innostus, hänen innostus studioopiskelijoiden luovuudesta oli suuri: tapaamiset ja keskustelut kuuluisien taiteilijoiden kanssa, ensimmäinen teosten näyttely Tretjakovin galleriassa ja paljon muuta jättivät lähtemättömän jäljen poikien sieluihin, vaikuttivat elämänpolun lisävalinta. Boris Mihailovitšin vanhemmat seurasivat poikansa intohimoa huolellisesti, vaikkakin hieman huolestuneena. Epäiltyään valitun polun oikeellisuutta, tavattuaan K. Yuonin, isä neuvoi poikaansa menemään taidekouluun vuoden 1905 muistoksi. Vuonna 1940 Boris Nemensky hyväksyttiin välittömästi kolmannelle vuodelle.

Edessä

Sota tuhosi kaikki suunnitelmat rauhallisesta elämästä. Nuori taiteilija pakotettiin valmistumaan taidekoulusta jo evakuoinnissa Saratovissa vuonna 1942. Mutta nuori mies ei käyttänyt hyväkseen suuntaa jatkaa opintojaan Surikovin instituutissa, evakuoitiin Keski-Aasiaan, hän palasi kotikaupunkiinsa. Moskovassa sotilas Nemensky nimitettiin palvelemaan M.B.:n mukaan nimettyyn sotataiteilijastudioon. Grekov. Tämän studion taiteilijat menivät etulinjoihin, tekivät luonnosta luonnosta taistelukentillä sodan ytimessä. Yksikään merkittävä sotilasoperaatio ei toteutunut ilman studiotaiteilijoiden osallistumista. Heidän luonnoksensa, luonnoksensa, maalauksensa osallistuivat joukkojen kiertonäyttelyihin. Suurin osa teoksista ei ole säilynyt, mutta eloonjääneet ovat Venäjän museoissa ja yksityisissä kokoelmissa.

Ensimmäiset palvelukuukaudet Grekovin studiossa eivät olleet helppoja nuorelle miehelle. Loppujen lopuksi taide on oma tuomionsa elämästä, eikä hän vielä tuntenut tätä elämää. On vaikea aloittaa työtä, todella todistaa itsensä, päätellen eturintamaa vain vanhempien tovereiden tarinoista ja teoksista. Nuori taiteilija ei onnistunut ollenkaan, hänet kutsuttiin usein "matolle" viranomaisille, jopa kysymys siitä, että hänet karkotettiin studiosta.

Ensimmäinen työmatka osui vuoden 1943 aattona Kalininin rintamalle Velikiye Lukin alueelle. Nuorekas maksimalismi kutsui etulinjaan, sinne, missä taistelut raivosivat, missä näytti olevan "oikeaa" tehty. Tältä matkalta Boris Mikhailovich toi luonnoksia ja luonnoksia, mutta kirjoittajan itsensä mukaan ne katosivat kokeneempien studiotyöntekijöiden teosten joukkoon. Vaikutelmien runsaus, jatkuva työ luonnosta, kyky oppia vanhemmilta tovereilta teki kuitenkin tehtävänsä: etüüdit ja piirustukset muuttuivat joka kerta vakavammiksi, osaavammiksi.

Monta vuotta myöhemmin taiteilija B.M. Nemensky katuu sitä, että hyökkäysten ja taistelujen sotilaallisen "eksoottisuuden" takana hän ei aluksi voinut nähdä pääasiaa - sotilasta, yksinkertaista miestä päällystakkeessa, joka päätti voiton kohtalon, hänen sisäisen maailmansa, tunteensa, ajatuksensa. . Ja juuri tämä pääasia jokaisella myöhemmällä rintamamatkalla täyttää taiteilijan ajatukset ja sydämen yhä syvemmin ja on sitten yksi hänen työnsä tärkeimmistä teemoista. Se on rintama, josta tulee mestarille "elämän ja taiteen koulu", joka auttaa ymmärtämään paremmin ihmisiä ja itseään, ottamaan uusia rohkeita askeleita ammatissa.

Taiteilijat palasivat ajoittain vakituisista yksiköistä etulinjan päämajaan - Moninsky-upseeritaloon Moskovan lähellä - luovuttamaan valmiita teoksia ja vaihtamaan kokemuksia. Nuori taiteilija kokeilee näinä viikkoina maalaustelinemaalausta, etsii omaa tyyliään ja työstää ideaa. Ensimmäisen kuvan idea (hetki, jolloin haavoittunut lentäjä kuljetettiin järjestysmiesten toimesta) ja sen toteutus kesti noin kuukauden. Jo sodan jälkeen Boris Mihailovitš muistaa, että halu tehdä "kaikki on oikein" sommittelu- ja kuvaratkaisussa, sodan aikaisten vaatimusten sanelema "tosiasia", varjossi sitten "sisältökapasiteetin".

Yhdessä ystävänsä Mihail Gavrilovin kanssa Nemenski tekee uuden yrityksen: syntyy idea maalata kangas neuvostokansan karkotuksesta Saksaan. Mutta lopulta tekijät jättivät teoksen tajuten, että kuva osoittautuu epämiellyttäväksi ja ilmaisuttomaksi. Syntyi uusi, tutumpi juoni - "Palaa alkuperäisiin paikkoihinsa". Luovuuden ilo ja pettymyksen katkeruus vierailevat Boris Nemenskyn luona useammin kuin kerran. Tänä aikana alkaa tulla ymmärrys siitä, että taiteessa on vähän tietoa ja ymmärrystä, tarvitaan jotain lisää - omia kokemuksia, omaa kipua ja iloa.

Monia vuosia myöhemmin tästä laista tulee päälaki uudessa esteettisen kasvatuksen järjestelmässä, jonka B.M. Nemensky. ”Tunnetta ei voi lainata: jokainen kuva on tunnustus. Tunteiden aitouden täytyy elää siinä, muuten kylmä asettuu parhaimmillaankin vain ammattimaisuuden herkkuun, ilotulitukseen.

Voiton kevät

Koko etulinjan tilanne ja tapahtumien osallistujien sisäinen mieliala vaati totuutta ja vakuuttavuutta, mikä asetti erityisen vastuun sotataiteilijalle, jonka työt olivat kysyttyjä ja ymmärrettyjä vaikeina aikoina, jolloin näyttäisi siltä, ​​että Musien olisi pitänyt olla hiljaa. "Muistan, että istuin kerran koko päivän syvällä ja pehmeällä tuolilla, seisoen aivan keskellä yhtä Berliinin keskustaan ​​johtavaa katua. Risteyksessä käytiin tappelu... Kadun molemmin puolin, kuten kaksi pitkää tulivuoren tuuletusaukkoa, muodostivat sen päälle läpäisemättömän, sumisevan teltan tulen ja savun ylle. Ja katua pitkin he kävelivät edestakaisin, sotilaat patruunuineen juoksivat ja kantoivat pois haavoittuneita, liikkuvia varusteita. Kun kulkimme eteenpäin ja palavat talot romahtivat, taistelijat raahasivat tuoliani yhä kauemmas. "Täällä, täällä, tule, sotilas, hahmottele kuinka Hitlerin luola palaa, niin he tarvitsevat sitä!" (1-6)

(1)

(2)

(3)

(4)

(5)

(6)

8. toukokuuta 1945 - sodan loppu... Iloitsee, kaikkialla neuvostosotilaiden ryhmät juhlimassa kauan odotettua voittoa, konekiväärin ilotulitus... Ja Brandenburgin portilla hyökkäystikkaita kiipeävä taiteilija sotilaan luona päällystakki istuu ja piirtää paikoin vielä tupakoivaa kaupunkia yrittäen saada kiinni ja vangita väriin hämmästyttävän kipeän voiton ilon tunteen. Tämä luonnos ei valitettavasti ole säilynyt, mutta viimeiset huhti-toukokuussa 1945 tehdyt etulinjan teokset on tallennettu Boris Mihailovitšin työpajaan. (7-8) He tuntevat tietynlaista hämmennystä, kuten suuren teon jälkeen, kun kauan odotettu rauhan hetki koittaa. Voiton vakavuus sekoittuu kirkkaaseen uuden iloisen elämän odotuksen tunteeseen, "kun kevään henkäyksestä ei tullut vain kevät, vaan sodan voittaneen rauhanomaisen elämän henkäys, kun tuntui tiedostamatta, että heti sodan jälkeen kaikki maan päällä olisi yhtä hyvin kuin koskaan ennen."

(7)

(8)

Voitokas vuosi 1945 on myös Boris Nemenskyn ensimmäisen luovan voiton vuosi. Kaksikymmentäkaksivuotiaan nuoren maalaama maalaus "Äiti" (9) ei ainoastaan ​​herätä heti huomiota, vaan siitä tulee alku taiteilijan luovan menetelmän muodostumiselle ja se ottaa erityisen paikan venäläisen maalauksen historia.

Äiti . (1945 )

(9)

Tämä kuva ei jättänyt heti ketään välinpitämättömäksi, ei kriitikkoja eikä katsojia, roiskuen koti-ikävää, hiljaista arkuutta sodan erottamia äitiä ja poikia kohtaan. Yleisin motiivi tuolta ajalta: sotilaat nukkumassa lattialla talonpoikaismajassa. Mutta se kuulosti uudella tavalla nuoren taiteilijan harjalla. Halu maalata kuva tavallisista venäläisistä naisista, jotka äitinä tapasivat sotilaita joka kylässä, jokaisessa kaupungissa, halu kirjoittaa äidistään, joka myös ympäröi kreikkalaisten taiteilijoiden huolenpitoa hänen Moskovan asunnossaan ennen tai jälkeen rintamamatkoja. , johti kiitollisuuden ilmaisuun nais-äideille, "suuret kiitokset tavallisille venäläisille naisille, jotka lämmittivät meitä äidillisellä kiintymyksellä, naisille, joiden surua ja heidän palvelustaan ​​Isänmaalle ei voida mitata eikä palkita." Ei ole sattumaa, että nuoren sotilaan kuvassa, joka on huolellisesti peitetty lämpimällä huivilla, arvataan kirjoittajan piirteet. Koko unionin näyttelyssä esillä oleva maalaus tuli heti kuuluisaksi, ja Tretjakovin galleria osti sen.

Teokset B.M. Nemensky ovat maalauksia-meditaatioita täynnä polyfonista sisältöä. Niiden luomisprosessi on aina pitkä, mutta tämä ei tarkoita, että itse kangas olisi maalattu pitkään, sen taiteilija pyrkii vain "kirjoittamaan nopeasti, yhdellä hengityksellä". Se on prosessi, joka on monimutkainen ja joskus tuskallinen - idean syntymästä sen kypsymiseen: lukuisia luonnoksia, luonnoksia, luonnoksia, epäilyksiä.

Nemensky kehittää vähitellen omaa työskentelytyyliään teoksen parissa. Taiteilijan erityinen luova menetelmä alkaa muotoutua. Sävellystä etsiessään hän ei korjaa vanhoja kankaita, vaan kirjoittaa uusia, mikä "nopeuttaa työprosessia, antaa sille välittömän keveyden". Jos taiteilija aluksi tuhosi vanhat kankaat, niin ajan myötä hän tuli siihen tulokseen, että ne ovat hyödyllisiä vertailuun työprosessissa.

Surikovin instituutti

Sodan päätyttyä, ollessaan jo Neuvostoliiton taiteilijoiden liiton jäsen, Boris Mikhailovich jatkoi koulutustaan ​​ja hänestä tuli opiskelija V.I.:n mukaan nimetyssä Moskovan taideinstituutissa. Surikov. Odottamatta opintojen alkaessa alkoivat vaikeudet. Opiskelija Boris Nemenskylle kerrottiin heti ensimmäisellä katselukerralla, että hänen polkunsa oli väärä, että oli välttämätöntä "unohda kaikki ja oppia uudelleen". Ehdotettujen työsääntöjen ja taiteilijan sisäisten tunteiden väliset ristiriidat hahmottuivat terävästi.

Kolmantena vuonna Nemenskyn ehdottamat uuden koostumuksen luonnokset eivät jälleen saaneet hyväksyntää. Mutta jo muodostunut sisäinen asenne - luottaa enemmän itseensä, tunteisiinsa ja työkokemukseen - antaa nuorelle taiteilijalle voimaa aloittaa työskentely mitä tahansa. Ja vain kuusi kuukautta myöhemmin opiskelija B. Nemensky saa valtion palkinnon maalauksesta "Kaukaa ja läheltä".

Tietoja kaukana ja lähellä (1950)

(10)

Kuvan materiaalina olivat vaikutelmat ja kokemukset kreikkalaisen opiskelijan aivan ensimmäisestä työmatkasta vuoden 1942 lopulla aktiiviseen yksikköön, joka miehitti syvästi vihollisasemiin leikkaavan sillanpään. Kenttäpostia toimitettiin harvoin ja epäsäännöllisesti tälle rintaman sektorille. Tällaisissa olosuhteissa kirjaimet, jotka sotilaat lukivat ääneen ja monta kertaa, saivat erityisen arvon. Työ tällä kankaalla paljasti taiteilijan lahjakkuuden, joka ei vain rakasta, vaan myös osaa purkaa ihmisen kasvot. Tunnettu taidekriitikko N.A. Dmitrieva panee merkille tämän työn erityislaadun - "herkän, huolellisen kirjoittamisen taito, kyky veistää ja työstää kasvoja pienessä mittakaavassa, välittäen ... piilotetun tunteen varjot."

Taiteilijan opinnäytetyössään ehdottama luonnos hylättiin myös "alkeissävellyksen" osalta. Tämä lyyrinen teos armon sisaresta, täynnä runoutta, kirjoitetaan valmistumisen jälkeen.

Masha (1956)

Kenttäsairaalan sisaresta, melkein tytöstä, on tullut suosikki monien katsojien keskuudessa. Kuva vangitsee ystävällisyydellä, vilpittömyydellä ja lievällä surun sävelellä, se "elää satukuvaa, kerrottua omalla tavallaan, kuin sotilas, totuudenmukaisesti, taiteettomasti, vilpittömästi" (L.A. Nemenskaya). Kylmän aamuikkunan ja pöytävalaisimen kaksoisvalaistuksessa tytön hahmo vaikuttaa hyvin koskettavalta. Hänen katseensa on suunnattu jonnekin sisäänpäin, keskittyen joihinkin hienovaraisiin, vaikeasti havaittaviin muistoihin tai unelmiin. Kirjoittaja pystyi välittämään hämmästyttävän tilan "unelman ja todellisuuden välillä, todellisuuden ja unen välillä". Luova etsintä oli pitkä, monet kasvot kirjoitettiin. Ja seurauksena kuva vaikutti niin läpitunkevalta, että monet sodan läpi käyneet sotilaat vakuuttivat, että kuvassa oli heidät pelastanut sairaanhoitaja.

Mennyt nykyhetki Tulevaisuus

Kaikilla ensimmäisillä Boris Mihailovich Nemenskyn sotilaallisen teeman maalauksilla oli erityinen osoite - ihmiset, jotka kävivät läpi suuren isänmaallisen sodan upokkaan. Taiteilijan tunteet ja muistot sulautuivat yleisön elämän vaikutelmiin, jotka tulivat esiin sotilaan rakkauden ikuisesta teemasta kotimaahansa, nämä olivat teoksia "ei siitä, kuinka hän taisteli, vaan siitä, miksi hän taisteli, minne hän vei hänen henkistä voimaa."

Mutta aika kului, Suuri isänmaallinen sota alkoi vähitellen jäädä historiaan, kasvoi uusi katsoja, joka ei enää muistanut sitä. Kuitenkin 50-luvulla. sodan teema liittyi paitsi menneisyyteen myös tulevaisuuteen, kietoutuen ajan poliittisiin ongelmiin. Taiteilijalle armeijateeman roolin uudelleen miettiminen taiteessa alkoi keskustelulla, joka näyttää olevan yksi lyyrisimmistä sodan maalauksista - "Kevään henkäys".

Kevään henkeä.

Kuten kaikki mestarin teokset, kuvan juoni on omaelämäkerrallinen. Päiväkirjasta 15. toukokuuta 1944 Ukrainan rintamalla:

"Puutarhat kukkivat! Ja metsässä, jossa pysähdyimme, uskomaton lintujen humina - varsinkin aamunkoitteessa... Ja kukkia - jonkinlaisia ​​vaaleansinisiä kukkia harmaalla, vielä viime vuoden lehtien peitossa, maassa. Me rakastimme nousta ennen muita ja kuunnella ja katsella tätä musiikkia. Silti se on outoa: onko todella välttämätöntä ryhtyä sotilaaksi nähdäkseen ja ymmärtääkseen kaiken tämän alkuperäisen kauneuden? »

Kuka olisi silloin voinut tietää, että tämä aihe ei vain kiehtoisi taiteilijaa, vaan hengelliseksi ahdistukseksi ja iloksi muodostuneena olisi sodan jälkeisen kuvan teema.

Heräävän kevätluonnon hauras maailma avautuu nuorelle taistelijalle, joka kuuntelee herkästi aamun hiljaisuutta, taistelujen välisen hengähdystauon hetkellä: sumussa virtaavia koivuja, pajunpisaroita, kultaleppäpöyhkeitä ... Iloa tällainen löytö sekoitetaan ahdistukseen. B. Nemenskyn muistelmien mukaan juuri sellaisina rintaman hetkinä poikasotilas sai uuden isänmaan tunteen ja henkilökohtainen vastuu sen kohtalosta vahvistui.

Mutta juuri tämä kuvan syvyys ja inhimillisyys aiheutti kriitikoiden vakavia hyökkäyksiä, taiteilijaa syytettiin isänmaallisuuden puutteesta ja ideologisen käsitteen heikkoudesta, "liiallisesta innostuksesta" hahmojensa sisäisiä kokemuksia kohtaan. Yleisö nousi puolustamaan taiteilijaa sydämestä tulevan kuvan koskettamana. He täyttivät vieraskirjoja, osallistuivat keskusteluihin näyttelyiden aikana ja kirjoittivat kirjeitä sanomalehdille. "Hän paljastaa sotilaan sielun", jotkut sanoivat. "Monet maalaukset kuvaavat sitä, mikä on pinnalla, mutta sinun on kuvattava, mikä on sisällä ... Nemensky loi syvän kuvan Neuvostoliiton ihmisestä, kuvan, joka on otettu elämästä ..." - toiset poimivat. (yksitoista)

(11)

Maa on poltettu. (1957)

Tämä kuva on uuden vaiheen alku taiteilijan työssä (12). Se ei ainoastaan ​​tuo katsojaa takaisin menneen sodan tapahtumiin, vaan saa ajattelemaan, tapahtuuko tämä uudestaan. Taiteilija alkaa ajatella laajamittaisissa, yleistetyissä kuvissa, johdattaen katsojansa yleismaailmallisiin ajattomiin ongelmiin.

(12)

Räjähdysten kuoppaama, toukkien kaivertama, poltettu maa on tämän kuvan täysi sankari. Huutava väri korostaa kaikkea tapahtumien dramatiikkaa, se ei ole niinkään maan väri kuin traagisen kokemuksen väri. "Tämä kangas on todennäköisesti peltomaata, iloa ja työtä varten luodusta maasta, sodasta, joka muuttaa sen helvetin kaltaiseksi muukalaisesta, kuolleesta, asumiskelvottomasta planeettasta, autiomaaksi", kirjoittaja kirjoittaa. Ihmisiä ei edes heti havaita haudan murtuessa. Taiteilija pyrkii välittämään yleisölle näiden sotilaiden väsymyksen tunteen ja osoittamaan heidän kestävyyttään missä tahansa. Tämän sotilaan sydämessä elää hallitsematon himo maailmaan, työhön, kotimaahan, kaikkeen, mikä antaa voimaa kestää ja kestää. N.A:n mukaan kuva talonpoikassoturista, joka pitelee kämmenessään muutamia elossa olevia jyviä kaivannoksen pohjalla. Dmitrieva, "yksi Nemenskin korkeimmista saavutuksista ja ehkä yksi voimakkaimmista ihmiskuvista Neuvostoliiton maalauksessa".

"Sotilasisät"

Yksi pääteemoista, joihin B.M. Nemensky, - isyyden teema: "Epävarmuus, herkkäuskoisuus, lapsuuden avoimuus - ja isän voima, oikea ja vaikein velvollisuus päättää ja vastata." Muisto tunteista palaa sodan ensimmäisiin päiviin, kun vetäytyvien fasistien käytännössä maan pinnalta pyyhkimässä jäätyneessä kaupungissa taistelijat löysivät ihmeellisesti selviytyneen tytön. Hän oli ryppyinen, kuin vanha nainen, eikä voinut edes itkeä. ”Muistan, kuinka paljon huolta ja tuskaa oli kaikissa sotilaiden toimissa tyttöä kohtaan. Kuinka paljon kiusallista hellyyttä ... ja tuskin hillittyä vihaa: katastrofin syylliset olivat aivan nurkan takana ”, taiteilija kirjoittaa muistelmissaan.

Kuvassa tositarina saa symbolisen äänen: sotilas on elämän pelastaja, sotilaan tunteet, kuten isän tunteet, ovat halu suojella. Tuhoutuneiden uunien ja kuorikraatterien taustalla pieni tyttö, sotilaiden ympäröimänä, on kuin pelastetun elämän kipinä tiiviissä suojarenkaassa. Valo tulee pienestä hahmosta, joka valaisee sotilaiden kasvot, hän on se, joka "lämmittää heidän sydämensä, antaa voimaa jatkaa tehtäväänsä." (13)

(13)

Surun symboli

Sotaan liittyvät teemat B.M.:n teoksissa. Nemenskyn teoksista tulee vetoomus paitsi menneisyyteen, myös nykyhetkeen ja tulevaisuuteen, kietoutuneena maailman häiritseviin ongelmiin. Taiteilija nostaa esiin sotaan, elämään, ihmiseen suhtautumisen ongelmat: ”Näin pellon muuttuneen autiomaaksi, polttavan kaupunkeja ja kyliä Venäjän, Ukrainan, Puolan, Saksan maaperällä. En edes tietoisuuden kanssa - vihaan sotaa kehoni jokaisen solun kanssa. Vihaan sitä, mitä se tuo ja mikä siihen johtaa: ihmisten typerää vihaa ihmistä kohtaan, ihmisten vihaa ihmisiä kohtaan, fasismin ruokkima, edelleen ruokittu!

nimetön korkeus. (Se olemme me, Herra!) 1960–1995.

Tämä teos on taiteilijan suosikki idea. Näyttelyssä ilmestyneessä ensimmäisessä versiossa maalauksen nimi oli "Nimetön korkeus" (kuva 22) ja viimeisessä "Tämä olemme me, Herra" (kuva 23). Kirjoittaja on toistuvasti palannut tähän aiheeseen. "Koko työprosessi osoittautui ikään kuin sisäiseksi kiistaksi, joka puristi itsestään pois sodan vuosien aikana kertyneen vihan ja epäluottamuksen, ikään kuin yhden ainoan idean: saksalaisen pilkkomisen. on fasisti." Kaiken kaikkiaan tästä teoksesta on viisi valmista versiota, joissa jokaisessa taiteilija paljastaa teeman uudella tavalla.

Kuvan juoni on peräisin Velikiye Lukin taistelualueen ensimmäisen matkan etulinjan jaksosta. "Kävelin jalan, sotilaitaiteilijan täydessä varusteessa. Kävelin pitkään, väsyneenä. Ja hän istui lumen alta esiin työntyvän kiven tai kannon päälle pureskellakseen keksejä ja antaakseen jalkojaan levätä. Yhtäkkiä huomasin, että lumi heilutti ruohoa aivan allani. Mutta talvella ruoho ei ole pehmeää, se ei voi heilua kevyestä tuulesta. Katsoin ylös ja nousin ylös. Kävi ilmi, että istuin kuolleen saksalaisen sotilaan päällä - melkein kokonaan peitettynä. Punertavat hiukset huojuivat ... Ja olin hämmästynyt - poika, ikäiseni nuori mies ja jopa jotain minun kaltaistani ... "

Kuvan juoni on kaksi taistelussa kuollutta nuorta sotilasta, venäläinen ja saksalainen. "Sota katkaisi heidän elämänsä ja levitti heidän ruumiinsa kevään maahan. Yksi - vaaleassa, huuhtoutuneessa tunikassa, taivasta päin, levitettynä ylösalaisin krusifiksiin. Toinen, työnsi kätensä alle, hautasi nenänsä. He ovat aitoja kuin sotilaita, mutta voit nähdä, kuinka samalla he näyttävät nukkuvilta lapsilta” (L.A. Nemenskaya).

Esiintyessään liittovaltion näyttelyssä kuva aiheutti paljon keskustelua, keskusteluja käytiin taiteilijoiden liitossa, kirjailijoiden liitossa, "Taiteilija"-lehden sivuilla, kuva esitettiin näyttelyissä seitsemässä kaupungissa. maan, johon yleisö jätti palautetta. Yksi virallisen kritiikin pääsyytöksistä on "pasifismi" ja "abstrakti humanismi". Mutta katsoja ei ollut samaa mieltä kriitikkojen kanssa. Kuuluisa kirjailija Konstantin Simonov tuki myös taiteilijaa vaikeina aikoina. Yhden mestarin albumin esipuheessa hän kirjoitti: ”Mistä taiteilija halusi kertoa meille tällä maalauksellaan? Nuoren miehen saavutuksesta, joka puolusti ja puolusti Neuvostomaataan tässä epäinhimillisessä sodassa? Kyllä, siitä. Mutta ei vain tästä. Ja mielestäni myös sitä, että kyseenalaistamatta inhimillisen sodan kauneutta, emme saa unohtaa, että sota itsessään ei ole kaukana paras tapa ratkaista ihmisten välisiä kiistoja ... Joten - katson kuvaa ... ja ajattele, että se oli henkilökohtainen kokemus sodasta, joka vaati Nemenskyltä tämän kuvan luomista, kaukana pasifismista, mutta muistuttaen meitä pakottavasti siitä, että uutta sotaa ei pitäisi olla, sillä ei ole oikeutta olla. Jaan tämän tunteen, rakastan tätä kuvaa, joka ei vastaa vain muistojani, vaan myös ajatuksiani tulevaisuudesta.

Vuonna 1986 maalaus oli esillä taiteilijan henkilökohtaisessa näyttelyssä Moskovassa. LA. Nemenskaja muistelee, että kirjailijan huomion kiinnitti yksi katsoja, joka ei poistunut tyhjästä varjostetusta salista pitkään aikaan. Tämä, kuten kävi ilmi, oli mies, joka taisteli osana Neuvostoliiton joukkoja Afganistanissa. Kuva heijasteli myös hänen henkilökohtaista traagista kokemustaan. Ja kymmenen vuotta myöhemmin, kun maalauksen uusi versio oli esillä Isänmaallisen sodan museossa Poklonnaya-kukkulalla, samanlainen tapaaminen järjestetään Tšetšenian sodan veteraanien kanssa.

Maalaus "Nimetön korkeus" "rekisteröityi" pitkään taiteilijan ateljeeseen, sille ei ollut paikkaa missään pysyvässä museonäyttelyssä. Vuonna 1985 hän melkein kuoli räjähtäneestä putkesta purkautuvaan kuumaan veteen. Ja sitten Nemensky suostui siirtämään kankaan Saksaan, Aachenin kaupungin modernin taiteen museoon. Kuuluisa saksalainen keräilijä P. Ludwig, joka oli vilpittömästi intohimoinen venäläiseen taiteeseen, vakuutti taiteilijan, että monet katsojat näkisivät hänet siellä. Kuitenkin kuukautta myöhemmin Boris Mikhailovich päättää luoda kankaan uudelleen kutsuen sitä "Tämä olemme me, Herra". Tässä viimeisessä versiossa kirjoittaja minimoi tietyn sodan merkit, mikä sai todetun ongelman kuulostamaan uudella voimalla, ajan ja tilan ulkopuolella. (neljätoista)

(14)

Sodan rampaama naisten kohtaloiden teema kuulosti erityisen traagiselta muutama vuosikymmen sodan päättymisen jälkeen. ”Olin erityisen huolissani sodan synnyttämästä naisten yksinäisyydestä - teemasta kuolleiden sotilaiden morsiamet ja vaimot. He siunasivat aviomiehiään saavutuksesta, auttoivat vaikeina aikoina ja tekevät sitä edelleen, he tekevät sen kuolemaansa asti. (15-16)

(15)

(16)

Tappiot (1963–1969)

Maalaus on osa kvadriptyykkiä, joka on omistettu naisten traagisille kohtaloille. Tämä on surun ja yksinäisyyden symboli, surun ikuisesti menneen onnen vuoksi joko pienellä hautakummalla tai "nimettömällä korkeudella". Kirjailijan muistelmien mukaan "ei vain venäläiset, vaan myös saksalaiset ja japanilaiset naiset itkivät kuvissa (yksi - punainen - versio jäi Tokioon näyttelyn jälkeen)".

Yleisön tunteisiin vetoaminen, elämän pohdiskelu on tyypillistä paitsi maalausteoksille, myös Boris Nemenskyn asetelmille. Nämä teokset ovat aina filosofisia, erittäin ytimekkäitä, niissä ei ole satunnaisia ​​esineitä, kaikella täällä on tietty semanttinen kuorma.

Smolenskin maan muisto. (1993)

Monien vuosien ajan Boris Mikhailovich ei kääntynyt asetelman genreen, vaikka esineiden maailma asui monissa hänen maalauksissaan. Mutta entiset opiskelijat toivat Smolenskin läheltä taiteilijalle lävistetyn sotilaan kypärän ja kourallisen käytettyjä patruunoita. Nämä esineet, vuosikymmeniä maassa maalle jääneiden menneiden tapahtumien kaiut, synnyttivät assosiaatioketjun. Taiteilija muisti halkeilevan liesiraudan, jonka hän näki venäläisen kylän säilyneessä uunissa poltettuna maan tasalle, ja kuvaan ilmestyi kaksi samanlaista pyöreää metalliesinettä: toinen rauhallisen elämän kaikuna, toinen sodan liekeistä. . Ne jäätyivät ikään kuin jalustalle pöytälevylle - menneen tragedian asetelma-muistomerkki. Taiteilija ei lisännyt koostumukseen mitään, hihat tarvittiin vain kehyksen suunnitteluun (17).

(17)

Kaikki elämän vaikutelmat saavat elävän välittömän reaktion taiteilijan työstä. (Kull. 28-32) "Ajoittain ajatuksiin ja traumoihin väsyneessä sielussa on kiireellinen tarve koskettaa valoa, iloa. Sitten ensin yrität uppoutua siveltimellä, tunteella, ei aikamme monimutkaisten ongelmien epäharmoniaan, vaan rakkauden, perheen ja lapsuuden harmoniaan. Boris Mikhailovich luo kirkkaita, hauraita, runollisia teoksia. Näin syntyvät genrekohtaukset ja muotokuvat, sydäntä lähellä olevat Pohjois- ja Keski-Venäjän maisemat. ”Runous läpäisee kaikki elämämme huokoset. Sitä ei ehkä huomaa, ei ymmärrä, mutta ilman runollista "virusta" ei tapahtuisi melkein mitään sellaista, mitä tekisimme ilolla - olipa kyseessä perunoiden, kukkien tai lapsen kasvattaminen. Itse asiassa tämä on perusta nimenomaan inhimillisille tunteille - vuosisatojen inhimillisille, normaaleille - korostan, ei erityisille, vaan normaaleille suhteillemme. Perheeseen, luontoon, työhön tai yhteiskuntaan.

Taiteilija-opettaja

B. Nemenskyn taiteilijan toiminta viidenkymmenen vuoden ajan liittyy erottamattomasti B. Nemenskyn opettajan toimintaan. Vuonna 1957 hän aloitti opettajanuransa Moskovan valtion pedagogisessa instituutissa. IN JA. Lenin, ja vuodesta 1966 lähtien hän on opettanut VGIK:n taideosastolla. Vuosien varrella B.M. Nemensky toi esiin koko galaksin mielenkiintoisia alkuperäisiä taiteilijoita. Heidän joukossaan ovat A. Akilov, M. Abakumov, V. Balabanov, A. Bedina, V. Braginsky, G. Guseinov, V. Chumakov, A. Petrov jne. Boris Mihailovitš on yliopiston taiteen osaston luova johtaja Venäjän koulutusakatemian johtaja, keskuksen jatkuva taidekoulutus Moskovassa.

Yli kolmekymmentä vuotta sitten B. Nemenskyn ohjelma "Kuvataide ja taidetyö" ilmestyi peruskouluun. Taiteilija on vakuuttunut siitä, että tavallinen lukutaito millä tahansa alalla, jopa taiteellisella, on vain todiste tietyn taidon hallitsemisesta, mikä, kuten käytäntö osoittaa, ei ollenkaan takaa ihmisen henkistä kehitystä ja henkistä vaurautta. Uudessa ohjelmassa käsiteltiin ensimmäistä kertaa taidetta todellisena tapana kouluttaa yksilöä. B.M. Nemensky julisti ensimmäistä kertaa taiteellisen koulutuksen tärkeyden lapsen tunteiden yleiskoulutusjärjestelmässä - ennen sitä tunne-aistillinen alue pysyi koululaisten koulun ulkopuolisen toiminnan osana. Kommunikointi taiteen kanssa tunteiden ulkopuolella on mahdotonta (koskee sekä taiteilijaa että katsojaa), joten taide muodostaa ihmisen henkilökohtaisen asenteen maailmaan. "Ihmisen tunteet ovat maaperä, jolle uskomukset ja tavat ovat lujimmin kiinnittyneinä, ja erityisen vahvoja - koko elämäksi - hankitaan lapsuudessa, nuoruudessa, nuoruudessa, koska juuri tähän aikaan ihmisen maailmankuva on tunteellisin." Koska emotionaalinen muisti on paljon vahvempi kuin rationaalinen muisti, taiteen avulla lapsi voi menestyä parhaiten hallita sosiaalista kokemusta, jonka sisältö vaikuttaa aktiivisesti ihmisen maailmankuvan muodostumiseen.

"Voimme ja meidän täytyy mitata polkuamme ... tulevaisuudella. Meidän ei tarvitse verrata tekojamme siihen, mikä oli, vaan siihen, mitä pitäisi olla. Loppujen lopuksi tulevaisuus ei tarvitse vain enemmistön, vaan koko kansan, yhdelle ihmiselle, tutustumista kulttuuriin, taiteeseen vuosisatojen aikana kertyneeseen henkiseen rikkauteen ja viisauteen, ”näin taiteilija, opettaja, filosofi Boris Mihailovich Nemensky näkee taiteen päämäärän.

Ehdotettua materiaalia käytettiin menestyksekkäästi työssä 5. luokan opiskelijoiden kanssa kuvataiteen tunneilla, jotka on omistettu Suuren isänmaallisen sodan teeman paljastamiselle maalaustelineessä. Lasten tutustuminen B.M.:n työhön. Nemenskyllä ​​etulinjan taiteilijana ja viiden vuoden opiskeluohjelman laatijana on vahva tunnevaikutus.

Kirjallisuus

Dmitrieva N.A. Boris Mihailovitš Nemensky. - M., 1971.
Nemenskaya L.A. Boris Nemensky. - M.: Valkoinen kaupunki, 2005.
Nemensky B.M. Luottamus. - M.: Nuori vartija, 1984.
Nemensky B.M. Kauneuden viisautta. - M.: Enlightenment, 1987.
Nemensky B.M. Taiteen tuntemus. -M.:. Kustantaja URAO, 2000.
Nemensky B.M. Avaa ikkuna. - M.: Nuori vartija, 1974.

"Äidin onni"
1869.
Yksityinen kokoelma.

"Nuori äiti lapsen kanssa"
1871.
Metropolitan Museum, New York.

"Nuori äiti katsomassa nukkuvaa lasta."
1871.
Yksityinen kokoelma.

"Äitiyden onnellisuus"
1878.
Yksityinen kokoelma.

"isänmaa".
1883.
Yksityinen kokoelma.

"Äiti lapsen kanssa"
1887.
Yksityinen kokoelma.

"Äiti".
1932.

Aleksandr Maksovich Shilov.
"Sellissä (äiti Paisia). Puhtitskin luostari.
1988.

1. Nainen suhteessa lapsiinsa.
Poika silitti hämmentyneenä äitinsä kättä ja oli hiljaa. ( M. Gorki. Klim Samginin elämä.)

2. Naaras suhteessa pentuihinsa.
Yöllä he vievät ne [karitsat ja lapset] äideilleen. ( Sholokhov. Kasvattu kokonaisena.)

3. Vetoomus naishenkilöön.
Lizanka nousi vanteelta ja alkoi siivota työtään. - Mitä sinä olet, äitini! kuuro, eikö? huusi kreivitär. ( Pushkin. Huippu nainen.)

4. Nunnan nimi sekä papin (papin, diakonin) vaimon nimi, joka yleensä liitetään nimeen tai arvonimikkeeseen.
Äiti Pulcheria itse, Moskovan luostari, lähetti hänelle jousia ja lahjoja pyhiinvaeltajien kanssa. ( Melnikov-Petšerski. Metsissä.)

Missä (tai miten) äiti synnytti- ilman vaatteita, alasti.

"Venäjän kielen sanakirja. Moskova", "Venäjän kieli". 1982

Albrecht Altdorfer.
"Kristus jättää hyvästit äidilleen."
1520.
National Gallery, Lontoo.

Kun ongelmat yllättävät yllättäen ihmisen, hänen sukulaisensa ja ystävänsä saavat usein jonkinlaisen signaalin onnettomuudesta. Samaan aikaan maalaukset putoavat, astiat räjähtävät, kellot pysähtyvät, näyt ilmestyvät, kuolevan ihmisen kaksoiskappaleet ilmestyvät. Kun eräs isoäitinsä huostaan ​​jätetty poika alkoi hukkua jokeen, hänen äitinsä näki tuhansien kilometrien päässä selvästi lapsensa epätoivoisesti vedessä höpertymässä. He kalastivat hänet ulos, ja päätettiin olla kertomatta äidilleen mitään, jottei häiritsisi häntä turhaan. Mutta äiti tuli, kertoi kaikki seikkailun yksityiskohdat, näytti paikan, jossa poika melkein hukkui. Tämä ja monet muut vastaavat tapaukset on kuvattu L. Vasilyevan kirjassa "Etäehdotus".

Anatoli Strožkov. "Elävien olentojen salaperäinen yhteys." "Seitsemän sinetin takana" nro 7 2005.

Vasili Vasilievich Vereshchagin.
"Kirje isänmaalle (Kirje äidille)".
1901.

Äitiä kutsuttiin äidiksi, äidiksi, äidiksi, äidiksi, äidiksi, vanhemmaksi.

Vasily Belov. Poika. Moskova, nuori vartija. 1982

Vasili Grigorjevitš Perov.
Äiti sairaan lapsen kanssa.
1878.

Vasily Ivanovich Surikov.
"Salome tuo Johannes Kastajan pään äidilleen Herodiakselle."
1872.

"Kaksi äitiä. Äiti on adoptoitu ja rakas.
1906.
Samaran alueellinen taidemuseo, Samara.

"Äiti ja tytär".
1886.
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova.

Kaiverrus I.M. Bernigerota.

1700-luvun puoliväli.

"Johanna Elisabeth, Anhalt-Zerbstin prinsessa, syntyperäinen Holstein-Gottorpin prinsessa, keisarinna Katariina II:n äiti."
1870-luku

"Isänmaa kutsuu."
1941.

Elizaveta Merkuryevna Boehm (Endaurova).
"He näyttävät surullisilta ja lempeiltä sinisiltä silmiltä. En unohtanut, tiedätkö, äidin kiintymyksen orpoa!

Ivan Akimovich Akimov.
"Suurruhtinas Svjatoslav, suutelemassa äitiään ja lapsiaan palattuaan Tonavasta Kiovaan."
1773.

"Äiti lapsen kanssa"
1915.

Karl Pavlovich Bryullov.
"Äiti heräämässä lapsen itkusta."
1831.

Carl Steiben.
"Pietari Suuri, jonka äiti pelasti jousimiesten raivolta."

"Äiti".
1913.

"Äiti".
1919.
Piirustus "Flame"-lehdelle.

Leonardo da Vinci.
"Sikiö äidin kohdussa."

"Imettävä äiti".

M. Savitsky.
"Naiset-äidit".
Fragmentti seinämaalauksesta "Isänmaallinen sota. 1944".

Tuntematon artisti.
"Naisen muotokuva (ehdotettu muotokuva runoilija M. Yu. Lermontovin äidistä)".

Nikolai Konstantinovitš Roerich.
"Maailman äiti".
1930.

Nikolai Nevrev.
"Pietari I ulkomaisessa asussa äitinsä, tsaariina Nataljan, patriarkka Andrianin ja opettaja Zotovin edessä."
1903.

"Äiti ja poika".
Vuosien 1716 ja 1742 välillä.

"Äiti opettaa tyttärensä kirjoittamaan."

Ferdinand Georg Waldmüller.
"Kapteeni von Stirl-Holzmeisterin äidin muotokuva".

Frederic Leighton.
"Äiti ja lapsi".

Suuren isänmaallisen sodan teemasta on kirjoitettu valtava määrä kirjoja, musiikkiteoksia, monia elokuvia on kuvattu.
Tämä aihe on todella ehtymätön, koska se on kääntänyt useiden kymmenien miljoonien ihmisten elämän, jakanut sen "ennen" ja "jälkeen".

Valitettavasti kaikki äidit, vaimot ja tyttäret eivät odottaneet poikiaan, aviomiehiään, isiänsä rintamalta, taistelukentiltä.
Uskon, että vain pieni osa ihmisten noina vuosina joutumasta tuskasta ja kärsimyksestä voidaan välittää maalauksissa tai muiden taiteellisten keinojen avulla.

Yksi näistä kohtaloista muodosti perustan V. Igoshevin maalaukselle "Hän odottaa edelleen poikaansa."
Siinä näkyy iäkäs nainen seisomassa vanhan talonsa avoimella portilla.
Hänen silmänsä ovat täynnä kaipuuta, surua, odotusta, kärsimystä.
Luulen, että hän on ollut siinä asemassa pitkään.
Joka päivä nainen menee tähän paikkaan toivoen, että hänen rakas poikansa palaa elävänä ja vahingoittumattomana.
Hän katsoo aina kaukaisuuteen, mutta valitettavasti ihmettä ei tapahdu.
Ehkä hän itse ymmärtää, että ei ole mitään järkeä kärsiä ja odottaa, mutta hän ei voi auttaa itseään.
Hänen sodanjälkeisen elämänsä koko tarkoitus johtuu tästä.

Isoäidin takana on talo, jossa on puhdas, avoin ikkuna.
Ikkunalaudalla on kukkia ja arkkitehtuurit on maalattu siniseksi.
Nainen yrittää parhaansa pitää sen hyvässä kunnossa, mutta vuosi vuodelta hänen on vaikeampi tehdä tämä.
Ikkunan viereen kirjailija maalasi ohuita valkoisia koivuja, ikään kuin muistuttaen, että meidän on elettävä kaikesta huolimatta.

Kuvan tragedioista huolimatta nainen on esillä valkoisessa puserossa ja huivissa sekä mustassa hameessa.
Huivin alta näemme sankarittaren harmaat hiukset.
Hänen kasvonsa ovat ryppyiset ja silmät kapenevat.
Voimme vain arvailla, mitkä ajatukset vierailevat hänen harmaatukkaisessa päässään tällä hetkellä.
Ehkä hän muistaa, kuinka hänen poikansa meni rintamaan, kuinka hän kasvoi... Joka tapauksessa hänen ajatuksensa ovat vain yksi asia - omasta, ainoasta lapsestaan, jota hän ei koskaan enää näe.