Dans le cadre de la célébration du 35e anniversaire du Musée panrusse des arts et métiers art folklorique l’exposition permanente actualisée « Décoratif et arts appliqués La Russie du XVIIIe au premier tiers du XIXe siècle.

"Pierre le Grand a défié la Russie, et elle lui a répondu par Pouchkine" - slogan A. N. Herzen définit le plus précisément le sens et les limites de l'époque à laquelle est consacrée l'exposition de ces salles. Les objets présentés ici sont des jalons vivants qui ont marqué la formation et l’épanouissement de la culture russe au sein de la tradition culturelle européenne du Nouvel Âge. Ils capturent les changements dans le mode de vie et les orientations artistiques, la transformation des anciens et l'émergence de nouvelles formes de sujets, de techniques et même de types d'art décoratif et appliqué.

La conception de la nouvelle exposition est basée sur le principe de la démonstration des objets exposés comme des objets artistiques uniques, combinés en blocs thématiques, stylistiques et typologiques. Cette solution permet d'évaluer l'importance de chaque objet du point de vue de l'époque, du style, de l'évolution d'un type particulier d'art décoratif et appliqué, et concentre l'attention sur sa valeur artistique intrinsèque.

Le scénario d'inspection est construit sur la base de la solution spatiale de l'exposition, non seulement de manière significative (en termes de typologie, de thème, de style et de chronologie), mais aussi visuellement - de l'époque de Pierre le Grand à Biedermeier.

Terrina ( soupière ) avec couvercle 1795

Les thèmes centraux de la nouvelle exposition sont : « L'ère du changement : le tournant des XVIIe et XVIIIe siècles », qui comprend les « primitifs du XVIIIe siècle », qui traduisaient les réalités des temps modernes sous la forme de art traditionnel; "Classique Russe XVIIIe siècle", représentant l'époque de Pierre à Paul dans de hauts exemples de l'art de cour, ainsi que "Empire russe" et "Dans les chambres", démontrant deux facettes de la culture russe du premier tiers du XIXe siècle - le brillant style impérial et la formation de la culture confidentialité, corrélé au phénomène du Biedermeier allemand. Parallèlement, l'exposition permet de visualiser les œuvres dans la rangée habituelle - par type d'art, en mettant en valeur les meubles, le métal artistique, le verre, la porcelaine, la céramique, l'art de la taille de la pierre, les os et les perles.

Des objets d'église uniques comme la croix reliquaire et la Panagia, qui datent du XVIIe siècle, méritent une attention particulière. Ils étaient fabriqués selon une technique alors coûteuse : l’émail filigrane. Parmi les premières pièces exposées figurent des coffres avec des cadres métalliques et des garnitures décoratives, des encriers et des ustensiles en laiton de l'Oural datant du XVIIe et du début du XVIIIe siècle. Les tasses en laiton de l'usine Demidov dans l'Oural sont un exemple frappant de vaisselle en métal représentative de cérémonie pour la décoration de la table.

Les articles de service de table et les articles de plateau étaient ensuite fabriqués en différentes techniques. Par exemple, deux gobelets en verre bleu foncé portant les monogrammes « EML » et « WGS », produits par l'Imperial Glass Factory, sont un exemple rare d'objets peints de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Les monogrammes latins sur les tasses appartiennent à l'envoyé suédois en Russie en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - « WGS » - et à sa mère Ebbe Maria Lagerbring - « EML ». Les coupes ont été conservées pendant plus de deux siècles au château de Skarhult, Skåne (Suède), constituant un trésor familial.

Lors de l'exposition, vous pourrez voir des exemples uniques de mobilier de palais russe des XVIIIe et XIXe siècles, parmi lesquels les tables d'échecs et de cartes réalisées selon la technique de la marqueterie sont particulièrement intéressantes. Parmi les meubles exposés typiques de la première moitié du XIXe siècle, il convient de noter deux armoires d'une rare qualité de style jacobéen. Deux chaises conçues par Ossip Ivanovitch Bove appartiennent également à la même époque. Sont également intéressantes la pendule « Minine et Pojarski » réalisée par le bronzier parisien Pierre-Philippe Thomire et, reproduisant en format intérieur, le célèbre monument à Ivan Martos dressé sur la Place Rouge.

Au-dessus de I.O. Fauteuil Premier quart du 19ème siècle

Une place particulière dans l'exposition est occupée par la tapisserie « Le sauvetage des pêcheurs », réalisée en Flandre dans un atelier inconnu dans la seconde moitié du XVIIe – début du XVIIIe siècle. Elle entre au VMDPNI en 1999 avec la collection du Musée d'Art Populaire du nom. S.T. Morozova. Le thème de la tapisserie est emprunté à la Bible : au centre de la composition est représenté l'un des miracles : « Marcher sur les eaux ». Le treillis a été restauré en plusieurs étapes - il a été partiellement restauré par des spécialistes du Musée d'art populaire. S. T. Morozov, et déjà en 2014, des restaurateurs spécialisés ont achevé la restauration complète Musée panrusse arts et métiers et art populaire. Ainsi, le treillis a trouvé nouvelle vie et sera présenté à l'exposition pour la première fois.

Les sections thématiques correspondantes présentent des luminaires en verre et en cristal, des objets d'intérieur en porcelaine et en bronze de la fin des XVIIIe et XIXe siècles. Chaque exposition est un exemple de référence d'un style particulier, capturant l'esprit de son époque et représentant les possibilités de compétences artistiques et techniques.

Une telle solution spatiale pour l'exposition permettra au musée d'organiser des excursions et des programmes spéciaux de la manière la plus efficace et la plus intéressante. Les expositions les plus intéressantes et significatives seront présentées avec des annotations étendues, ainsi qu'un support avec des codes QR, grâce auxquels les visiteurs pourront obtenir des informations plus détaillées. L'exposition est équipée système moderne matériel d'éclairage. Grâce à sa grande interactivité, la nouvelle exposition promet d'être plus vivante et intéressante, ainsi que de promouvoir un dialogue créatif avec les visiteurs, en particulier avec les enfants et les jeunes.

Coffre de mariage. Italie. 17ème siècle

Groupe sculptural "Hiver". De la série "Quatre Saisons". Allemagne. Meissen

Articles de service. France. Rompre. 1780-1784. Porcelaine tendre, peinture. Congélateur

Salle de l'art français des XVIIIe-XIXe siècles

Armoire. Augsbourg. 17ème siècle Bois, sculpture, métal blanc, dorure, 196x135x61

Bureau-cylindre. Russie. Fin du XVIIIe siècle.

Vase. Russie. Premier quart du XIXe siècle. Verre, peinture dorée. Hauteur 35,5

Congélateur. Russie. Manufacture Impériale de Porcelaine. Premier quart du XIXe siècle. Porcelaine, peinture. Hauteur 40

Les collections d'art décoratif et appliqué sont également associées au nom d'A.P. Bogolyubov, qui a fait don de 40 pièces de porcelaine ancienne, pour la plupart saxonnes, lors de l'ouverture du musée. Divers ustensiles et meubles comptaient alors 92 pièces. En 1897, après la mort de Bogolyubov, un autre groupe de choses fut reçu dans son testament, notamment des meubles, du verre, du bronze et de l'argenterie.

Les collections de Bogolyubov, en particulier la porcelaine, ont été considérablement reconstituées au cours des premières années post-révolutionnaires grâce au Fonds des musées d'État, qui a reçu toutes les œuvres d'art nationalisées. En 1970, le musée a reçu des échantillons de porcelaine russe et d'Europe occidentale (plus de 300 pièces), légués par O. A. Gordeeva, un célèbre ophtalmologiste de Saratov.

L’histoire de cet art subtil et exquis remonte à des siècles. La porcelaine est née au tournant des VIIe-VIIIe siècles en Chine. En Europe, ils l'ont appris au XIIIe siècle. Le célèbre voyageur vénitien Marco Polo a rapporté plusieurs vases en porcelaine d'Orient. L’Europe était en proie à une « fièvre de la porcelaine » ; tout le monde voulait avoir des produits fabriqués à partir de ce matériau blanc brillant, peints de couleurs vives et inaltérables. Il existe des informations selon lesquelles lorsque des objets en porcelaine étaient brisés, ils continuaient de toute façon à être stockés ; les éclats étaient souvent sertis dans des métaux précieux et portés comme bijoux. La porcelaine était appréciée non seulement pour sa beauté, mais aussi pour ses propriétés jusqu'alors inédites. La surface vitrée de la porcelaine n'était pas exposée aux influences chimiques et était impénétrable. Des légendes sont nées sur la porcelaine. Le secret de sa fabrication n’a pu être percé qu’au début du XVIIIe siècle. Mais en cours de route, de nombreux nouveaux matériaux ont été découverts, selon apparence semblable aux produits des artisans chinois. C'est ainsi qu'apparaissent le verre de lait à Venise, la céramique hispano-mauresque et la faïence en Angleterre et en Hollande.

Le premier en Europe à se procurer de la porcelaine fut I.F. Betger, qui découvrit des gisements d'argile blanche (kaolin) près de Meissen en Saxe. Le secret de la production de porcelaine, avec lequel l'Europe se débattait depuis des siècles, a été découvert. Bientôt, la porcelaine de la manufacture de Meissen se fit connaître dans toute l'Europe. Et maintenant, les produits de cette plante sont populaires parmi les amateurs d'art.

Dans la collection de notre musée, la porcelaine de Meissen est très bien et complètement présentée. Cela comprend les objets légués par Bogolyubov et les objets en porcelaine de la collection de O. A. Gordeeva, ainsi que d'autres objets exposés.

La porcelaine de Meissen du XVIIIe siècle est la plus intéressante. Cette époque est considérée comme la période classique du développement de la porcelaine européenne. A cette époque, le maître s'efforce de mettre en valeur la blancheur et la finesse de la porcelaine, en servant la matière en tenant compte de ses propriétés naturelles.

Meissen - la première production européenne de porcelaine - est surtout célèbre pour ses petites pièces en plastique. Dans les images de dames, de messieurs, de compositions allégoriques et de pastorales, l'une des qualités du style rococo s'est manifestée avec une force particulière : l'illusion d'un flux de lignes continu et fluide. Les noms de Johann Joachim Kaendler et Peter Reinicke sont associés au développement de l'art plastique de Meissen. Leurs œuvres combinaient des éléments de sculpture et d’art décoratif et appliqué lui-même. La fantaisie des contours et la beauté des couleurs caractérisent les sculptures réalisées à partir de leurs modèles.

Deux figures allégoriques de la série « Les Quatre Saisons » - « Hiver » et « Printemps », réalisées d'après les modèles de Johann Joachim Kaendler, révèlent traits de caractère Style rococo en porcelaine. Les saisons sont représentées en images dieux antiques assis sur les nuages. L'hiver est personnifié par Saturne et Hébé, le printemps par Mars et Flore. Les groupes sculpturaux sont décorés de stucs finement travaillés et peints couleurs vives fleurs pour lesquelles la plante Meissen était célèbre au XVIIIe siècle.

La petite collection de produits de l'usine de Berlin se distingue par une haute qualité artistique. Il s’agit principalement d’objets destinés à la mise en table et à la décoration intérieure. La « coupe carrosse » est peinte d’après les motifs d’A. Watteau dans le pourpre le plus délicat qui fit la gloire de cette production. Les corps des théières, des cafetières et des vases décoratifs sont décorés de motifs pastoraux et floraux, très appréciés au XVIIIe siècle.

Le groupe d'articles de l'usine de Vienne est représenté entre le XVIIIe et le début du XIXe siècle, lorsque la porcelaine européenne a développé les caractéristiques d'un nouveau style - le style Empire. Soucieux d'accroître le caractère décoratif, les maîtres viennois ont donné leur propre version de la peinture. Des copies de peintures de maîtres de la Renaissance étaient le plus souvent placées dans le miroir des assiettes dans un riche cadre ornemental en or.

Chaque pays a suivi son propre chemin vers la porcelaine, développant à la fois une technologie particulière et un caractère particulier d'ornementation, parfois au sein du même style. Dans toute l'Europe, les plats français aux fonds colorés étaient célèbres : turquoise, rose, bleu, peints dans des médaillons encadrés d'ornements dorés. Cette porcelaine était fabriquée à la manufacture de Sèvres, principale production de porcelaine en France.

C'est exactement ainsi que sont peints la sorbetière bleue, le plateau et l'ustensile à épices qui faisaient partie du service ayant appartenu au prince Yusupov. Ce service a nécessité de nombreuses années de réalisation et a été décoré par de grands peintres sur porcelaine. La sorbetière a été peinte par Vincent Jr., auteur du tableau du célèbre service à camée, commandé par Catherine II de Sèvres et aujourd'hui conservé à l'Ermitage. Le service de Yusupov était en « porcelaine tendre ». Et les propriétés spécifiques de ce matériau n'auraient pas pu être plus cohérentes avec le style rococo avec ses contours doux et ses lignes ondulées habituelles. Les particularités de la masse de Sèvres ont également déterminé la nature du tableau : aucun autre matériau céramique ne produit des tons aussi profonds et sonores avec de nombreuses nuances.

En Russie, la porcelaine a été produite pour la première fois au milieu du XVIIIe siècle par D.I. Vinogradov à la Fabrique impériale de porcelaine (IFZ) de Saint-Pétersbourg. Dans la collection du musée, la porcelaine russe est représentée par des produits provenant de nombreuses entreprises privées. Le musée peut être fier des magnifiques exemples des usines IPP, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, qui ont leur propre charme unique.

Les réalisations des maîtres russes dans le style du classicisme du début du XIXe siècle, ou style Empire, sont bien connues. La porcelaine russe de ce style, ainsi que d’autres branches des arts appliqués, en fournit d’excellents exemples.

Le style Empire s'inspire de l'Antiquité. Les motifs décoratifs sont dominés par des couronnes de lauriers, des lions, des griffons, des attributs militaires, etc. Les formes révèlent la solidité des masses et leur caractère statique. Selon les lois de ce style, un vase de décoration de table en forme de deux figures classiques supportant un bol de forme ovale a été réalisé par les artisans de l'IFZ. La couleur blanche des personnages en biscuit (porcelaine non émaillée) est contrastée ton bleu et dorure du socle. L’amour du style Empire pour la luminosité et le contraste des couleurs est évident. Un autre vase est également un groupe sculptural : Vénus pose un carquois de flèches sur Cupidon. De tels vases étaient fabriqués pour de grands ensembles de cérémonie ou d'anniversaire et placés au centre de la table de cérémonie.

Les caractéristiques du même style sont évidentes dans la sorbetière à trois pattes de lion, de couleur foncée, ressemblant à du vieux bronze. Sa couleur se mariait à merveille avec l'éclat de la dorure.

Les produits des usines privées sont plus originaux. On peut parler de porcelaine sacerdotale, Gardner ou Safronov. Ces usines sont représentées par des objets qui ne sont pas uniques, contrairement à l'IFZ, mais par des ustensiles dits ordinaires associés à la vie d'une classe particulière. Il est facile de deviner l'appartenance sociale des théières dites « de taverne » aux couleurs vives, ornées de simples peintures florales, créées à l'usine Popov dans les années 1830-1850.

La source à partir de laquelle les artisans ont puisé les formes des plats et les motifs de la peinture est l’art populaire traditionnel russe. Cette voie sera la plus fructueuse à l'heure de l'interstyle imminent ; elle protégera largement les usines privées russes en cette période difficile de la perte de la « céramique », inévitable à l'ère de l'éclectisme. peint sur fond blanc avec de petites feuilles d'or et des roses, dans des coupes vert vif réalisées par les artisans de la fabrique du curé, l'essentiel n'a pas été perdu : l'équilibre de la forme et objectif fonctionnel sujet.

La collection de porcelaine soviétique est relativement petite. Elle est représentée par la porcelaine de propagande, qui dans les années 20 était l'un des moyens de propagande révolutionnaire.

Plat et tasses peints d'après les dessins de S. Chekhonin et N. Altman, sculptures de N. Danko, assiettes de A. Shchekatikhina-Pototskaya avec des slogans révolutionnaires et des emblèmes de la jeunesse État soviétique- cette première porcelaine du Pays des Soviets parlait la langue de son époque. Il a été exposé dans des vitrines spéciales à Moscou sur Kuznetsky Most et à Petrograd sur Nevsky. "Cette porcelaine était une nouvelle d'un avenir merveilleux, pour lequel le pays soviétique a mené de terribles batailles contre la faim, la dévastation et l'intervention", a écrit E.Ya Danko, artiste et historiographe de la manufacture Lomonossov (anciennement fabrique impériale de porcelaine). , dans ses mémoires.

La verrerie conservée au musée A.N. Radishchev est venue de la même manière que la porcelaine : en 1897, selon la volonté d'A.P. Bogolyubov, par l'intermédiaire du Fonds national des musées, provenant de collections privées.

Une petite mais intéressante collection de verre russe de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle a été léguée au musée par E.P. Razumova en 1973.

Des verreries russes, publiques et privées, apparaissent au début du XVIIIe siècle à Moscou et à Saint-Pétersbourg, près de Smolensk et de Kalouga. La demande d'objets en verre est croissante. Le nombre d'usines augmente également. La célèbre usine Maltsev est apparue sur la rivière Gus près de Vladimir et l'usine Bakhmetyev près de Penza dans le village de Nikolskoye.

Le plus premières œuvres L'industrie du verre du XVIIIe siècle de notre collection sont des produits provenant d'usines privées. Il s'agit avant tout d'un damas de verre vert avec un simple ornement floral et l'inscription : "Fabriqué ce vase dans l'usine de Gavril en 726..." Il s’agit d’un des premiers exemples de vaisselle ordinaire russe, qui était fabriquée en grande quantité et n’était ni épargnée ni entretenue. Au lieu de celui perdu et cassé, ils en ont acheté un nouveau. Par conséquent, peu de plats de ce type ont survécu. Shtof est également intéressant car c'est un élément de signature. Il indique la date et le lieu de fabrication. On sait qu'en 1724, l'usine Gavrilov et Loginov a été fondée dans la région de Moscou. Il n’y a pas d’autres informations sur cette production. Notre damassé donne une idée de la nature des produits d'une entreprise peu connue.

Le verre en Russie n'était pratiquement pas marqué. Ce n'est qu'à partir des années 20 du 19ème siècle (à l'époque de Nicolas Ier) que la verrerie impériale a commencé à apposer des cachets sur ses produits. Bien entendu, la présence d'une marque n'est pas le seul moyen de déterminer le lieu et l'heure de fabrication d'un article particulier. Les monuments remarquables de la verrerie sont les gobelets du XVIIIe siècle, hauts, de forme conique, souvent munis de couvercles, décorés d'armoiries sculptées des personnages régnants ou de monogrammes. Les Benzels étaient encadrés de pousses et de boucles de plantes, appelées « rocaille ». Sur le dessus des coupes, près du bord, il y a un motif de « fosses » gravées et polies avec des bras. Les poteaux des pieds étaient réalisés sous la forme d'un balustre avec des « pommes », qui étaient parfois enfilées sur le poteau jusqu'à cinq pièces. La gravure de ces objets était superficielle et large. Ces qualités distinguent les coupes russes des coupes de Bohême et d'Allemagne conservées au musée.

Apparemment, de nombreux verres colorés, carafes et bouteilles étaient produits dans des usines privées. Le verre coloré était très populaire en Russie. Contrairement à l'Europe occidentale, on fabriquait ici des plats en verre coloré uni, qui grandes quantités est apparu au milieu du XVIIIe siècle. Cela est dû aux expériences réussies de M. Lomonosov.

À la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle, apparaissent de hautes carafes à facettes avec bouchons. formes différentes, des verres surélevés sur des pieds fins, des verres élégants aux bords étincelants - des plats élégants qui servaient à décorer tables de fête et les fournisseurs. Les plats à facettes sont fabriqués à partir de verre incolore additionné de plomb, ce qui leur confère un éclat particulier. Il est appelé cristal et est taillé avec ce qu'on appelle un « bord en diamant ». Cette technique est encore utilisée en verrerie.

La seconde moitié du XIXe siècle est une période d'intérêt accru pour les arts décoratifs et appliqués, notamment pour leur histoire. La collection d’antiquités se généralise. Ce n’est pas un hasard si, à la même époque, l’intérêt pour les meubles anciens s’est accru. Les collectionneurs collectionnent des meubles sculptés et dorés du XVIIIe siècle, des commodes, des armoires marquetées, des coffres de mariage italiens et allemands et des armoires massives en chêne et noyer d'Allemagne du XVIIe siècle. Il y avait des objets similaires dans la collection de Bogolyubov.

L’engouement pour les meubles anciens donne naissance aux contrefaçons qui inondent les antiquaires. Les uns après les autres, des ateliers se créent à Paris, Venise, Saint-Pétersbourg, produisant des meubles anciens, parfois impossibles à distinguer de l'original - le bois est si doucement poli, les proportions de ses parties structurelles sont si fidèlement respectées.

Les premiers meubles de la collection du musée remontent aux XVIe et XVIIe siècles. Il s'agit de meubles d'Allemagne, de France, d'Italie, de Hollande, collectés par A.P. Bogolyubov. Bien entendu, notre collection de meubles de cette époque ne donne pas lieu de parler de l'intérieur existant, mais elle nous permet d'imaginer caractéristiques nationales des œuvres d'art mobilier de différents pays dans un cadre chronologique assez large.

Les meubles ne sont pas durables ; le matériau utilisé pour leur production est le bois, qui est facilement exposé à diverses influences. Beaucoup d'entre elle sont mortes des deux catastrophes naturelles soit à cause des guerres, soit pour des raisons liées à l'influence de la mode. Le meuble est un bien de consommation. Cela signifie qu'avec le temps, il s'use et doit être remplacé par un neuf. Peu de meubles provenant des maisons des gens ordinaires ont survécu. Néanmoins, les principales étapes de l'histoire de l'art du meuble dans certains pays européens peuvent être retracées dans les objets de notre collection.

Dans l'Italie du XVIe siècle, une chaise en bois massif avec un dossier sculpté, un coffre de mariage, un travail vénitien et un autel ont été réalisés. Pour fabriquer ce meuble, on a utilisé du noyer brun, un matériau caractéristique de l'Italie, qui permet à l'artisan d'obtenir un grand effet artistique. Les motifs sculptés sont tirés du patrimoine de l'art ancien. Dans le coffre de mariage, évidemment d'œuvre florentine, on est surpris par la rare unité de forme et d'ornement qui distinguait les fabricants de meubles italiens du XVIe au début du XVIIe siècle.

Les meubles de cette époque dans leur logique constructive s'apparentent aux structures architecturales. L'autel est conçu sous la forme d'un portail avec des colonnes entrelacées de vignes, avec un podium dans une niche pour la figure de la Mère de Dieu - ces éléments architecturaux sont extrêmement caractéristiques du mobilier des XVIe-XVIIe siècles. Cela se ressent particulièrement dans les meubles d'armoires fabriqués dans le sud de l'Allemagne. Le placard se transforme en quelque chose comme un bâtiment à deux étages, dont chaque étage est séparé par une corniche. Les gradins sont décorés de colonnes ou de pilastres. Les portes d'armoires ressemblent à des portails ou à des fenêtres surmontées de plateaux ou de frontons. Tous ces détails architecturaux sont renforcés avec de la colle et constituent en fait une décoration qui cache la structure du meuble, composé de deux coffres. Cette impression est renforcée par les poignées de coffre rabattables sur ses façades latérales. C'est exactement ainsi qu'est conçu le meuble, décoré de loupe (une excroissance sur le bois, un défaut du bois qui donne une texture riche et belle). Les armoires étaient nécessairement équipées d'étagères et les vêtements y étaient rangés pliés. Ils pourraient également servir à ranger divers ustensiles.

La forme d'une chaise pliante, appelée chaise curule, peut également être considérée comme traditionnelle pour l'Allemagne des XVIe et XVIIe siècles. Pour les anciens, c'était un symbole de pouvoir. Ce n'est qu'en s'asseyant sur une telle chaise que la justice et les représailles pourraient être exercées. Une telle chaise était généralement portée par les consuls, les hauts chefs militaires et les dictateurs. Les pieds-supports légèrement incurvés, constitués de plusieurs planches étroites, sont croisés et reliés par des barres transversales pour plus de solidité, et une planche amovible insérée dans la partie supérieure de la chaise comme entretoise constitue le dossier.

Depuis le XVIe siècle, une forme unique de chaise est apparue en Allemagne, qui s'est répandue dans l'art du meuble de ce pays au XVIIe siècle - la chaise dite paysanne. Notre musée possède également toute une série de produits similaires avec différentes versions du même ornement. Le prototype d'une telle chaise était au début simplement une souche d'arbre, débarrassée de ses branches et renforcée pour plus de stabilité sur trois pieds. Et pour les habitations urbaines confortables, des chaises à quatre pieds ont été fabriquées - des exemples de haut savoir-faire. Seule la planche qui sert de dos est décorée. Il peut être fabriqué non seulement en noyer, mais aussi en chêne et en pin. Cela dépend de l'endroit où l'article a été fabriqué. En sculpture, on utilise généralement des motifs ornementaux grotesques qui, avec l'imagination du maître, se transforment souvent en un motif de conte de fées.

Le XVIIème siècle apporte beaucoup de nouveautés dans l’art du meuble. Cela est principalement dû aux transformations sociales en Europe, qui ont conduit à un changement dans la position du tiers-état. Parvenue au pouvoir, elle cultive la modestie, la simplicité et le caractère sacré du foyer familial. Les meubles néerlandais sont très demandés et exportés dans tous les pays. A l'autre pôle se trouve la France, dans l'art de laquelle triomphe un style magnifique et solennel.

Dans notre collection de meubles, il n'y a qu'une seule pièce typique d'un décor de palais du XVIIe siècle. C'est ce qu'on appelle une armoire - une armoire avec de nombreux tiroirs, compartiments et une planche coulissante. Il a été réalisé par des artisans de la ville d'Augsbourg, décoré sur la façade de superpositions métalliques avec des images d'animaux et des colonnes dorées torsadées. La planche est faite de bois précieux.

De tels bureaux sont apparus au XVIe siècle. Leur patrie est l'Espagne. Les premières armoires étaient des coffrets sur socle. Au XVIIe siècle, il s'agissait déjà de grands cabinets, qui devenaient partie intégrante de la décoration de la pièce, appelé cabinet. Les médailles, les lettres et les bijoux étaient rangés dans des armoires.

La majeure partie de la collection de meubles russes, qui comprend oeuvres XVIII-XIX siècles, fabriqués soit dans de petits ateliers privés, soit par des fabricants de meubles de domaines nobles. Les artisans ont introduit dans leurs œuvres divers goûts artistiques, toutes les connaissances et compétences qu'ils avaient accumulées, les techniques de transformation du bois, de finition et de décoration. Ils se reflétaient principalement dans les formes des meubles de maison de l’époque, fortement influencées par l’art populaire. Cela se manifeste non seulement dans les formes et le décor, mais également dans le choix et le traitement du bois. Déjà à la fin du XVIIIe siècle, le bouleau et le peuplier de Carélie devenaient les matériaux de prédilection. Ils ne sont utilisés qu'en Russie.

Chaque pays dans l'art du meuble était soit l'ancêtre d'un certain style, comme l'Italie à la Renaissance, soit le berceau d'un célèbre fabricant de meubles, comme T. Chippendale en Angleterre ou J. Jacob en France.

Le mobilier russe est représenté principalement par les meubles de l'intérieur noble du premier tiers. XIXème siècle. Ce fut l’une des époques les plus brillantes de l’histoire des arts décoratifs et appliqués en Russie, et en particulier du meuble. L'art des premières décennies du XIXe siècle était dominé par le style Empire, originaire de France et devenu la propriété de toute l'Europe. La Russie donne sa propre version spéciale et originale de ce style, où elle est devenue un représentant d'idées élevées et progressistes. Le caractère décoratif caractéristique du style Empire, le désir de monumentalité et de généralisation des formes ont déterminé le choix du matériau du mobilier et la nature de son interaction avec la forme et le décor. Les principaux matériaux utilisés par les fabricants de meubles russes seront l'acajou et le bouleau de Carélie, qu'ils appréciaient pour leur belle texture de bois.

Les meubles conservés dans notre musée ont été principalement fabriqués par des artisans serfs et représentent cette version du style Empire largement utilisée dans la vie de la noblesse russe. C'est plus simple que les meubles de palais. Ces meubles sont arrivés au musée après la Grande Révolution socialiste d'Octobre en provenance des domaines et des maisons de ville environnants et ont une valeur non seulement artistique, mais aussi historique.

Le mobilier de siège est particulièrement varié. Deux fauteuils jumelés aux dossiers sculptés ajourés et décorés de lyres dorées sont un exemple de mobilier de maison russe du premier quart du XIXe siècle. Il existe des formes presque dépourvues de décoration, plaquées de bouleau de Carélie doré aux yeux noirs.

A cette époque, une autre pièce apparut à l'intérieur du domaine noble, la soi-disant salle du canapé, et son accessoire indispensable était le canapé. Il s'agit généralement de canapés moelleux et rectangulaires, le dessus des dossiers et des coudes est plaqué de bouleau de Carélie ou d'acajou, qui se sont répandus au cours de ces années. À l'intérieur, le canapé était combiné avec des fauteuils et une table basse. De telles variations se retrouvent également dans notre exposition et témoignent de l'intérieur déjà établi à l'époque Empire. Ce meuble diffère du meuble de façade : il y a moins de dorure, au lieu du bronze, on utilise du bois doré sur gesso, et l'une des méthodes traditionnelles de transformation du bois, si appréciées des artisans russes, est préservée : la sculpture.

Les activités de collection du musée se poursuivent. DANS dernières années les collections d'arts décoratifs et appliqués se sont enrichies d'expositions intéressantes, dont les meilleures ont trouvé leur place dans l'exposition.

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"Arts décoratifs et appliqués du XVIIIe siècle."

Introduction

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, l’art appliqué russe connaît un essor significatif. Cela a été facilité par le développement de l'économie, du commerce, de la science et de la technologie et, dans une large mesure, par les liens étroits avec l'architecture et beaux-Arts. Le nombre de grandes et petites usines, usines, ateliers produisant des tissus, du verre, de la porcelaine et des meubles a augmenté. Les propriétaires terriens installèrent sur leurs domaines divers ateliers basés sur le travail des serfs.

L'un des phénomènes les plus brillants de la culture russe est l'art populaire russe, dont l'histoire remonte à autant de siècles que d'habitants sur terre.

Les arts décoratifs et appliqués russes et l'artisanat populaire sont des phénomènes originaux qui n'ont pas d'analogue dans la culture mondiale. Depuis des temps immémoriaux, la terre russe est célèbre pour ses artisans, des personnes capables de créer et de créer une vraie beauté de leurs propres mains. À travers l'art de l'artisanat populaire, le lien entre le passé et le présent est retracé.

L’artisanat populaire est exactement ce qui rend notre culture riche et unique. Les touristes étrangers emportent avec eux des objets peints, des jouets et des produits textiles en souvenir de notre pays. Presque chaque coin de Russie possède son propre type d’artisanat.

Principaux types d'artisanat

JOUET DYMKOVO

Jouet Dymkovo (jouet Viatka, Kirov), artisanat d'art populaire russe ; existe depuis longtemps dans la colonie de Dymkovo (maintenant sur le territoire de la ville de Kirov). Un jouet Dymkovo est sculpté en argile, cuit et peint sur le sol à la détrempe, et des feuilles d'or sont incluses. Représente des animaux, des cavaliers, des dames en crinolines, des scènes de conte de fées et de tous les jours. Originalité artistique Les jouets Dymkovo se caractérisent par une plasticité massive et laconique, soulignée par une peinture décorative harmonieuse en forme de grand ornement géométrique ( Couleurs différentes cercles, cellules, etc.).

Le jouet Dymkovo est l'artisanat en argile le plus célèbre de Russie. Il se distingue par sa forme plastique extrêmement simple et claire, sa silhouette généralisée et sa peinture ornementale lumineuse sur fond blanc.

Traditionnellement, l'industrie du jouet de Dymkovo n'a pas de production de masse.

Khokhloma - vieux russe artisanat populaire, né au XVIIe siècle dans la région de la Volga (village de Semino, province de Nijni Novgorod). C'est peut-être le type de russe le plus célèbre peinture folklorique. Il s'agit d'une peinture décorative sur des ustensiles et des meubles en bois, réalisée dans des tons rouges et noirs (moins souvent verts) et dorés sur fond doré. Ce qui est surprenant, c'est que lorsqu'on peint, ce n'est pas de l'or, mais de la poudre d'étain argenté qui est appliquée sur le bois. Ensuite, le produit est recouvert d'un composé spécial et traité trois ou quatre fois au four. Puis apparaît cette délicieuse couleur doré miel, grâce à laquelle les ustensiles en bois clair semblent massifs.

JOUET BOGORODSKAYA

Des poulets en bois panachés sur un support, des figurines de forgerons, un homme et un ours - tirez la barre et ils frapperont avec des marteaux sur une petite enclume... Les jouets amusants, connus en Russie depuis des temps immémoriaux, sont devenus le principal artisanat populaire pour les habitants du village de Bogorodskoye près de Moscou.

Le « jouet Bogorodskaya » doit sa naissance au village de Bogorodskoye, aujourd'hui situé dans le district de Sergiev Posad de la région de Moscou. Au XVe siècle, le village appartenait au célèbre boyard moscovite M.B. Pleshcheev, après la mort duquel le village ainsi que les paysans ont été hérités par son fils aîné Andrei, puis par son petit-fils Fedor.

Depuis 1595, le village de Bogorodskoye est devenu la propriété du monastère Trinité-Serge et les paysans sont devenus serfs du monastère. Ce sont les paysans qui ont jeté les bases de XVIe-XVIIe siècles les fondements de la sculpture sur bois, qui ont glorifié Bogorodskoye, l'actuelle « capitale du royaume du jouet », dans le monde entier.

MATRYOSHKA

La matriochka est le souvenir russe le plus célèbre et le plus apprécié, un phénomène mondial. La première poupée russe est apparue à la fin du XIXe siècle, mais elle a acquis une reconnaissance sans précédent comme l'une des images globales de la Russie, un symbole de l'art populaire russe. Le prédécesseur et prototype de la poupée gigogne russe était la figurine d'un vieil homme chauve et de bonne humeur, le sage bouddhiste Fukuruma, qui contenait plusieurs autres figures imbriquées les unes dans les autres. Cette figurine a été ramenée de l'île de Honshu. Les Japonais affirment d'ailleurs qu'un moine russe inconnu a été le premier à sculpter un tel jouet sur l'île de Honshu.

La poupée russe amovible en bois s’appelait une matriochka. Dans la province pré-révolutionnaire, le nom Matryona, Matresha était considéré comme l'un des noms russes les plus courants, basé sur le mot latin « mater », signifiant mère. Ce nom était associé à la mère d'une famille nombreuse, en bonne santé et à la silhouette corpulente. Par la suite, il est devenu un mot familier et a commencé à désigner un produit en bois tournant, détachable et peint de couleurs vives. Mais à ce jour, la poupée gigogne reste un symbole de maternité et de fertilité, puisque la poupée avec sa grande famille de poupées exprime parfaitement la base figurative de cet ancien symbole de la culture humaine.

La première poupée gigogne russe, sculptée par Vasily Zvezdochkin et peinte par Sergei Malyutin, avait huit sièges : une fille avec un coq noir était suivie d'un garçon, puis à nouveau d'une fille, et ainsi de suite. Toutes les figures étaient différentes les unes des autres, et la dernière, la huitième, représentait un bébé emmailloté.

ÉCHARPE EN DUVET ORENBURG

Les bases de l'art appliqué, grâce auquel Orenbourg s'est fait connaître dans le monde entier, ont été posées par les femmes cosaques à la fin du XVIIe siècle, lorsque les pionniers russes, établis dans l'Oural, ont noué des relations commerciales avec la population locale.

Le climat rigoureux de ces lieux exigeait des vêtements chauds mais légers. Les femmes cosaques ont facilement adopté l'artisanat en duvet de chèvre des Kazakhs et des Kalmouks. Seul le style de tricot des peuples des steppes était continu et les femmes Yaik ont ​​​​commencé à utiliser des ornements en dentelle russe.

FOULARD PAVLOPOSAD

Lumineux et légers, les châles féminins Pavloposad sont toujours à la mode et pertinents. Et aujourd'hui, les créations originales sont complétées par divers éléments tels que des franges, créées dans différents styles. gammes de couleurs et restent un merveilleux accessoire pour presque tous les looks.

Les foulards imprimés Pavlovsky Posad, en laine et demi-laine, décorés de motifs imprimés colorés traditionnels, sont originaires de la ville de Pavlovsky Posad, près de Moscou, dans les années 1860-80. La région de Pavlovsky Posad (le territoire de l'ancien district de Bogorodsky) est l'un des plus anciens centres textiles russes. Au XVIIIe - première moitié du XIXe siècle. Les châles et les tissus de sarafan de Bogorodsk se distinguaient par la beauté particulière de l'ornement tissé avec du fil d'or. Plus tard, le tissage de la soie s’est répandu ici, et ce à partir des années 1860. Débute la production d'écharpes en laine et mi-laine, décorées de motifs imprimés colorés. Peu à peu, la production s'est développée et a acquis un caractère national prononcé.

FINIFE DE ROSTOV

L'émail de Rostov est un artisanat d'art populaire traditionnel unique né dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. comme métier de peinture d'icônes. Dans cette série, il est lié à Palekh, Mstera, Kholui, seul le matériau est assez rare - la peinture sur émail. « Émail » vient du nom grec tsEggpt (phengos), qui signifie « chatoyant ». Des peintures spéciales (inventées en 1632 par le joaillier français Jean Toutin) à base de verre additionnées d'oxydes métalliques sont appliquées sur un support métallique (acier, cuivre, argent, feuille d'or) et fixées par cuisson au four. L'émail de Rostov est l'un des dix meilleurs métiers populaires de Russie.

Gjel est le nom d'une région pittoresque près de Moscou, à 60 kilomètres de Moscou. Le mot « Gjel » est incroyablement populaire aujourd'hui. L'harmonie, les contes de fées et les histoires vraies sont associés à la beauté. La porcelaine avec une élégante peinture bleue et la majolique multicolore sont désormais connues non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger. Les produits Gjel attirent tous ceux qui aiment la beauté, riche en imagination et en harmonie, ainsi que le grand professionnalisme de leurs créateurs. Gjel est le berceau et le centre principal de la céramique russe. C'est ici que se sont formés ses meilleurs traits et que les plus hautes réalisations de l'art populaire ont été révélées.

Quel âge a cet artisanat populaire russe ? Les recherches archéologiques sur le territoire de Gjel confirment l'existence de poteries ici depuis le début du XIVe siècle. Et ce n'est pas surprenant, la terre de Gjel a longtemps été riche en forêts, rivières, argiles de haute qualité, ... "que je n'ai jamais vues avec une plus belle blancheur". Depuis lors, au cours de son histoire de plus de six siècles, Gjel a connu différentes périodes.

La fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle sont devenus une période de crise profonde. Il semblait que l'art de Gjel avait péri pour toujours.

La période d'après-guerre est associée au début du renouveau de l'artisanat et à la recherche de son propre langage figuratif. Cela a nécessité des années de travail minutieux et inlassable, ainsi que la formation de nouveaux maîtres. En conséquence, cela a conduit au succès. Jouet matriochka Dymkovsky Gjel appliqué

En 1972, l'association Gjel est créée sur la base de six petites installations de production implantées dans plusieurs villages. Les équipes créatives ont développé de nouveaux designs. Des formes de produits complètement nouvelles ont été créées. La peinture s'est enrichie et répond aux exigences artistiques d'aujourd'hui.

PLATEAU TAGIL

La peinture de laque de l'Oural sur métal est née au XVIIIe siècle. dans les usines de Nijni Tagil. Le plateau Tagil est plus ancien que celui de Zhostovo. C'est Nijni Tagil qui est considéré comme le berceau de la peinture sur métal russe. L'usine de l'Oural Demidovs, étant le principal client des produits peints, a soutenu l'industrie de la laque de toutes les manières possibles. La peinture sur métal Tagil ne peut être confondue avec aucune autre : elle se caractérise par une richesse de couleurs, une pureté et une grâce dans le traitement des couleurs, une composition complète et un motif raffiné d'ornements.

La peinture de Zhostovo est un artisanat populaire de peinture artistique de plateaux métalliques qui existe dans le village de Zhostovo, district de Mytishchi, région de Moscou. L'artisanat des plateaux en métal peint est né au milieu du XVIIIe siècle. dans l'Oural, où se trouvaient les usines métallurgiques de Demidov. Seulement dans la première moitié du XIXe siècle. Les plateaux ont commencé à être fabriqués dans les villages de la province de Moscou - Zhostovo, Troitsky, Novoseltsev. La pêcherie de la région de Moscou est rapidement devenue la principale.

Les plateaux de Zhostovo sont des peintures, principalement de motifs floraux, dont les créateurs étaient de simples paysans russes. Ils ont apporté à la peinture sur laque la gaieté des couleurs, la simplicité et la clarté des images, la précision des caractéristiques et la clarté du dessin.

La peinture est réalisée selon des techniques de coups de pinceau libres, sans dessin préalable. Le plus souvent, un fond noir est utilisé. Les volumes de fleurs et de feuilles semblent pousser du fond du fond. Cela se fait en passant progressivement des tons sombres aux tons plus clairs. Les fleurs semblent prendre vie dans le tableau.

La technologie moderne de fabrication des plateaux diffère peu de celle utilisée auparavant par les artisans du village de Zhostovo. Feuille mince Le fer est pressé dans la forme souhaitée, les bords du plateau sont roulés pour donner de la rigidité et la surface est nivelée. La surface avant du plateau est apprêtée et masticée, puis poncée et recouverte de vernis noir (moins souvent d'une couleur différente). Les plateaux sont séchés dans des fours à des températures allant jusqu'à 90 degrés C. Le revêtement est effectué trois fois, après quoi la surface colorée du plateau devient brillante.

FEDOSKINO

Miniature Fedoskino, un type de peinture miniature traditionnelle en laque russe Peinture à l'huile sur papier mâché, qui s'est développé à la fin du XVIIIe siècle. dans le village de Fedoskino près de Moscou.

La production de produits en papier mâché est née en 1798, lorsque le marchand P.I. Korobov a organisé la production de visières dans le village de Danilkov, qu'il a acheté (qui fait actuellement partie de Fedoskino). Quelques années plus tard, Korobov visita l'usine de Johann Stobwasser à Brauschweig, y adopta la technologie des produits en papier mâché et commença à produire dans son usine les tabatières alors populaires, décorées de gravures collées sur le couvercle, parfois peintes et vernies. Dans le deuxième quart du XIXe siècle. Les tabatières, les boîtes à perles, les boîtes et autres produits ont commencé à être décorés de miniatures pittoresques réalisées avec des peintures à l'huile de manière picturale classique.

Les artisans travaillaient à l'usine contre rémunération, beaucoup d'entre eux venaient des ateliers de peinture d'icônes de Sergiev Posad et de Moscou, certains avaient éducation artistique, reçu à l'école Stroganov. Les noms de certains d'entre eux sont connus - S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov et d'autres.

Les motifs préférés de la peinture des miniaturistes de Fedoskino sont devenus des sujets populaires à cette époque : les « troïkas », les « tea parties », les scènes de la vie paysanne russe et petite-russe. Les plus appréciés étaient les cercueils décorés de compositions complexes à plusieurs figures - des copies de peintures d'artistes russes et d'Europe occidentale.

La miniature de Fedoskino est peinte avec des peintures à l'huile en trois ou quatre couches - ombrage (esquisse générale de la composition), copie ou repeinture (travail plus détaillé), glaçage (modélisation de l'image avec des peintures transparentes) et surlignage (finition du travail avec des peintures claires qui transmettent des reflets sur les objets) sont réalisés successivement.

La miniature Palekh n'a pas d'analogue dans le monde entier. Il est réalisé sur du papier mâché et ensuite transféré sur la surface de boîtes de différentes formes et tailles.

L'art original et subtil des miniatures en laque de Palekh incorporait comme base les principes de la peinture russe ancienne et art folklorique. Actuellement, les miniatures de Palekh font partie intégrante de l’art décoratif et appliqué russe dans son ensemble. Parallèlement au développement de traditions anciennes, il porte en lui une vision poétique du monde, caractéristique des contes et chansons populaires russes.

La naissance de cet art à Palekh n’est pas fortuite. C'était le résultat naturel du développement de traditions séculaires dans de nouvelles conditions historiques, héritant du savoir-faire de nombreuses générations de peintres d'icônes. L’ancienne expérience Palekh est riche et diversifiée. Les traditions de l'art russe ancien sont étudiées et préservées depuis longtemps à Palekh.

Le style indépendant Palekh de peinture d'icônes ne s'est formé qu'au milieu du XVIIIe siècle. Il a absorbé et développé les principes et éléments de base des écoles de Novgorod et Stroganov et de la peinture de la région de la Volga de la seconde moitié du XVIIe siècle. Aux XVIIe et XIXe siècles, les maîtres de Palekh ont exécuté à plusieurs reprises des commandes d'icônes dans le style de Novgorod ou dans le caractère de la boue de Moscou.

Conclusion

La capacité d'identifier les qualités esthétiques d'un matériau a toujours distingué les artisans russes, qui se sont manifestés dans toutes les sphères de la vie, de la vie quotidienne à l'architecture, où l'habileté s'exprimait dans l'art de tailler la pierre.

L'épanouissement de l'art de la joaillerie en Russie a commencé au milieu du XVIIIe siècle et s'est poursuivi tout au long du siècle.

Durant cette période, les orfèvres connaissent un grand succès. Conformément aux nouveaux goûts, les formes des services en argent sont simples et claires. Ils sont décorés de flûtes et d'ornements anciens. Sur des verres en argent et des tabatières, les artisans de Veliky Ustyug reproduisent à partir de gravures des images de scènes anciennes et de victoires des troupes russes.

Un phénomène marquant dans les arts appliqués du XVIIIe siècle sont les produits artistiques en acier des maîtres de Toula : meubles, boîtes, bougeoirs, boutons, boucles, tabatières.

L'essor des arts appliqués russes art XVIII siècle a été associé au travail des architectes Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin et d'un certain nombre d'architectes formés artistes folkloriques. Mais sa véritable gloire a été créée en grande partie par des artisans serfs restés inconnus - fabricants de meubles, sculpteurs, tisserands, tailleurs de pierre, bijoutiers, verriers, céramistes...

Littérature

Histoire de l'art russe. Rédacteurs responsables I.A. Bartenev, R.I. Vlasova - M., 1987

Histoire de l'art russe. Éd. C'EST À DIRE. Grabar. T. 1-12 (sections des arts décoratifs et appliqués). M. : 1953-1961

Arts décoratifs et appliqués russes. Éd. I.A. Léonova. T.1-3. M. : 1962-1965

Rybakov B.A. Art appliqué russe des X-XIII siècles. L. : 1971

Vasilenko V.M. Art appliqué russe. Origines et formation. je siècle AVANT JC. - XIIIe siècle ANNONCE M. : 1977

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L'histoire de la Russie de la fin du XVIIe au premier quart du XVIIIe siècle est indissociable du nom de l'une des plus grandes personnalités politiques de Russie - Pierre Ier. Des innovations importantes ont envahi à cette époque non seulement le domaine de la culture et de l'art, mais aussi l'industrie - métallurgie, construction navale, etc. Au début du XVIIIe siècle, apparaissent les premiers mécanismes et machines pour le traitement des métaux. Beaucoup a été fait dans ce domaine par les mécaniciens russes Nartov, Surnin, Sobakin et d'autres.

Dans le même temps, les bases du système public d'enseignement général et spécial sont posées. En 1725, l'Académie des sciences est créée et un département des métiers d'art est ouvert.

A. Nartov. Tour. L'époque de Pierre. XVIIIe siècle

Au XVIIIe siècle, de nouveaux principes d'architecture et d'urbanisme se forment. Cette période est marquée par le renforcement des traits caractéristiques du baroque d'Europe occidentale (Hollande, Angleterre) dans la formation des produits.

À la suite des initiatives de Pierre Ier, les produits de formes russes traditionnelles disparaissent rapidement de la vie royale et aristocratique du palais, tout en restant dans les maisons des masses de la population rurale et urbaine, ainsi que dans l'usage de l'église. C'est dans le premier quart du XVIIIe siècle qu'apparaît une différence significative dans le développement stylistique, qui reste longtemps caractéristique de la créativité professionnelle et de l'artisanat artistique populaire. Dans ce dernier pays, les traditions séculaires des arts appliqués russes, ukrainiens, estoniens, etc. se développent directement et organiquement.

Les normes de la vie noble exigent une démonstration de richesse, de sophistication et de splendeur dans la vie d'une personne souveraine. Les formes de vie anciennes, y compris celle de Pierre le Grand (encore pragmatique et stricte), furent finalement supplantées au milieu du XVIIIe siècle. La position dominante dans l'art russe est occupée par le style dit rococo, qui complète logiquement les tendances du baroque tardif. Les intérieurs cérémoniels de cette époque, par exemple certaines salles des palais de Peterhof et de Tsarskoïe Selo, sont presque entièrement décorés de sculptures élaborées.

Les caractéristiques générales de l'ornementation rocaille (courbure des lignes, disposition abondante et asymétrique de fleurs, feuilles, coquillages, yeux stylisés ou proches de la nature, etc.) sont pleinement reproduites dans l'architecture et le mobilier russes de l'époque, les céramiques, les vêtements, les carrosses, armes de cérémonie, etc. d. Mais le développement de l'art appliqué russe a néanmoins suivi une voie tout à fait indépendante. Malgré la similitude inconditionnelle des formes de nos propres produits avec ceux d'Europe occidentale, il n'est pas difficile de remarquer les différences entre eux. Ainsi, mais par rapport aux produits français, les meubles russes ont des formes beaucoup plus libres et sont plus doux dans leurs contours et leurs dessins. Les maîtres conservaient encore les compétences de la sculpture populaire, plus vaste et plus généralisée qu'en Occident. Non moins caractéristique est la polychromie des produits russes et l'association de la dorure et de la peinture, rarement rencontrée en France, mais acceptée partout en Russie.

Depuis les années 60 du XVIIIe siècle, une transition vers le classicisme s'amorce dans l'architecture russe avec ses formes laconiques et strictes, tournées vers l'Antiquité et marquées par une grande retenue et grâce. Le même processus se produit dans les arts appliqués.

Dans l'agencement, l'équipement et la décoration des hôtels particuliers et des palais (architectes Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.), une nette symétrie et une clarté proportionnelle apparaissent. Les murs des pièces (entre les fenêtres ou en face d'elles) sont cachés par des miroirs et des panneaux en damas de soie, des tissus décoratifs en coton et des étoffes.

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Canapé - Style rococo. Russie (fragment). Milieu du XVIIIe siècle

Chaise de style classique. Russie. Seconde moitié du XVIIIe siècle.

Les planchers sont en bois d'essences diverses, et parfois recouverts de toile ou de tissu ; les plafonds sont peints (par exemple selon la technique de la grisaille, imitant le modelage du relief). A la place du parquet empilé, on utilise des planches d'épicéa « sous cire ». Les murs et les plafonds sont souvent recouverts de tissu ou recouverts de papier peint. Si des cheminées en marbre aux dimensions impressionnantes sont installées dans les pièces principales, dans les pièces intimes, des poêles plus traditionnels sont construits sur des tables ou des pieds recouverts de carrelage. La différence dans les lampes est tout aussi perceptible : dans les halls, il y a des lustres, des candélabres, des appliques fabriqués à la main et coûteux, dans les chambres il y a des chandeliers et des lampes beaucoup plus modestes. Il y a encore plus de contraste dans les formes des meubles formels et domestiques. Tout cela ne parle pas tant du désir des propriétaires de palais et de demeures d'économiser de l'argent, mais de leur considération de l'environnement en question comme un facteur important dans l'atmosphère psychologiquement appropriée.

La plupart des meubles et un certain nombre d'autres produits à la fin du XVIIIe et dans la première moitié du XIXe siècle n'étaient pas constamment nécessaires ; si cela n'était pas nécessaire, ils étaient soit supprimés, soit déplacés vers des parties des locaux inutilisées. Les sièges doivent être couverts. Dans le même ordre d'idées, les meubles transformables avec plan de travail ont connu un grand développement - des tables à thé et à cartes, une table à manger pliante, une table pour les travaux d'aiguille, un système de tables de hauteur inégale qui s'emboîtent les unes sous les autres, etc. le confort de vie, la différenciation subtile de son support fonctionnel et la variété d'apparence des locaux dans différentes situations du quotidien. Dans le même temps, un certain nombre de processus quotidiens qui se déroulaient à l'extérieur du bâtiment pendant la saison chaude - sur la terrasse et dans le parc - ont été particulièrement mis en avant. En conséquence, de nouveaux types de produits se sont répandus - meubles de jardin, auvents, lampes de parc, etc. Au XVIIIe siècle, des ateliers de serfs étaient organisés dans des domaines individuels, produisant des lots assez importants de meubles, porcelaines, tapis et autres produits.

A la fin du XVIIIe siècle, dans l'équipement des grands palais, la séparation de la conception même des produits (meubles, lampes, horloges, tapisseries et autres ustensiles et meubles) en tant que domaine particulier d'activité créatrice de leur production artisanale avait déjà un effet notable. Le rôle des designers est principalement joué par les architectes et les artistes professionnels. La production de produits destinés au marché de masse utilise des machines et des méthodes mécaniques de traitement des matériaux, faisant de l'ingénieur une figure de proue de la production. Cela conduit à la distorsion et à la perte des hautes qualités esthétiques inhérentes aux produits de consommation, à la séparation de l'industrie et de l'art. Cette tendance était naturelle dans les conditions de développement capitaliste de la société et l'une des principales de tout le XIXe siècle.

Au cours du développement intensif des relations capitalistes en Russie au XIXe siècle, la capacité de production industrielle a augmenté. Au milieu du 19ème siècle, il y avait déjà un besoin urgent de personnel artistiquement professionnel composé de développeurs de produits et d'artisans. Pour leur formation, des établissements d'enseignement spécialisés ont été ouverts à Moscou (comte Stroganov) et à Saint-Pétersbourg (baron Stieglitz). Leur nom même – « écoles de dessin technique » – témoigne de l'émergence d'un nouveau type d'artiste. Depuis 1860, une formation artisanale spéciale pour les maîtres interprètes s'est développée. De nombreux livres sont publiés sur la technologie de transformation de divers matériaux : bois, bronze, fer, or, etc. Des catalogues professionnels sont publiés, remplaçant le magazine Economic Store précédemment publié. Depuis le milieu du XIXe siècle, des sciences liées aux questions d'hygiène du travail et d'utilisation des articles ménagers se sont formées. Cependant, tout au long du XIXe siècle, tous les produits d'usine de masse sont restés artistiquement complètement subordonnés à l'idée indivisiblement dominante de la beauté en tant que conception décorative et ornementale des produits. La conséquence en fut l'introduction d'éléments stylistiques du classicisme dans la forme de la plupart des produits : finitions de profilés complexes, colonnes cannelées, rosaces, guirlandes, ornements basés sur des motifs anciens, etc. même sous la forme d'équipements industriels - machines-outils.

Dans l'évolution stylistique des arts appliqués et des produits ménagers au XIXe siècle, on distingue chronologiquement conventionnellement trois périodes principales : la poursuite des tendances du classicisme dans la lignée du style dit Empire (le premier quart du siècle) ; classicisme tardif (vers 1830-1860) et éclectisme (après les années 1860).

Le premier quart du XIXe siècle a été marqué par une montée générale de l'esprit idéologique et de l'ampleur de la construction dans l'architecture russe, ce qui a provoqué un renouveau significatif dans les arts appliqués.

Fauteuil de style Empire. Premier quart du XIXe siècle.

La victoire dans la guerre de 1812 accélère et achève dans une certaine mesure le processus de formation de la culture nationale russe, qui acquiert une importance paneuropéenne. Les activités des architectes les plus célèbres - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, étroitement liées au classicisme de l'époque précédente, n'ont eu lieu que dans la première décennie du siècle. Ils sont remplacés par une galaxie de maîtres aussi merveilleux que Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, qui ont apporté de nouvelles idées et un esprit stylistique différent à l'art russe.

La sévérité et la monumentalité sont des traits caractéristiques de l'architecture et des formes de divers objets ménagers de style Empire. Dans ces derniers, les motifs décoratifs changent sensiblement, ou plutôt leur typologie s'élargit grâce à l'utilisation de symboles décoratifs de l'Égypte ancienne et de Rome - griffons, sphinx, faisceaux, attributs militaires (« trophées »), couronnes entrelacées d'une guirlande, etc. avec des exemples du début du classicisme en général, la quantité de décor, son « poids visuel » dans la conception compositionnelle des produits augmente. La monumentalisation, parfois comme un grossissement des formes, se produit en raison de la plus grande généralisation et géométrisation des motifs ornementaux classiques - bordures, couronnes, lyres, armures, etc., qui s'éloignent de plus en plus de leurs véritables prototypes. La peinture d'objets (scènes, paysages, bouquets) disparaît presque totalement. L’ornement a tendance à être inégal, contournant et applicatif. La plupart des produits, en particulier les meubles, deviennent grands, massifs, mais variés en termes de configuration et de silhouette. La lourdeur du style Empire dans le mobilier a presque disparu dès les années 1830.

À partir du milieu du XIXe siècle, de nouvelles recherches commencent dans le domaine de l'architecture, de la créativité appliquée et industrielle.

Un mouvement artistique paneuropéen est né, appelé « Biedermeier », du nom de la bourgeoisie de l'un des personnages. écrivain allemand L. Eichrodt (l'ouvrage a été publié dans les années 1870) avec son idéal de confort et d'intimité.

Fer fabriqué en usine. Russie. Seconde moitié du XIe siècle.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le travail manuel a encore été remplacé par la production de produits ménagers utilitaires. Au fil des siècles, les méthodes et techniques de leur solution artistique, les principes de construction de formes qui se sont développés au fil des siècles, entrent en conflit avec les nouvelles tendances économiques en matière de production de masse et de rentabilité de la production d'objets destinés au marché. La réponse à cette situation changeante est double. Certains maîtres – la majorité d’entre eux – font des compromis. Considérant comme inviolable la vision traditionnelle de toutes les choses quotidiennes en tant qu'objets d'art décoratif et appliqué, ils commencent à adapter les motifs ornementaux du classicisme aux capacités de la machine et des technologies sérielles. Des types « efficaces » de décoration et de finition des produits apparaissent. Dans les années 1830, en Angleterre, Henry Kuhl proposait un slogan apparemment réformiste consistant à décorer les produits industriels avec des éléments « issus du monde des beaux-arts ». De nombreux industriels reprennent volontiers ce slogan, essayant de tirer le meilleur parti de l’attachement des masses de consommateurs aux formes d’ameublement extérieurement décorées et enrichies d’ornements.

D'autres théoriciens et praticiens des arts appliqués (D. Ruskin, W. Morris) proposent au contraire d'organiser un boycott de l'industrie. Leur credo est la pureté des traditions de l'artisanat médiéval.

Dans les pays d'Europe occidentale et en Russie, pour la première fois, des artels et des maîtres artisanaux, dans l'œuvre desquels de profondes traditions populaires étaient encore préservées, ont attiré l'attention des théoriciens et des artistes professionnels. En Russie, les foires de Nijni Novgorod des années 1870-1890 démontrent la viabilité de ces traditions dans des conditions nouvelles. De nombreux artistes professionnels - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich et d'autres - se tournent avec enthousiasme vers les origines populaires de l'art décoratif. Dans diverses régions et provinces de Russie, dans des villes comme Pskov, Voronej, Tambov, Moscou, Kamenets-Podolsk, etc., naissent des entreprises artisanales dont la base est le travail manuel. Le travail des ateliers d'Abramtsovo près de Moscou, de Talashkino près de Smolensk, de l'entreprise P. Vaulin près de Saint-Pétersbourg et de l'artel de céramique Murava à Moscou a été particulièrement important pour la renaissance de l'artisanat créatif et mourant.

Samovar. XIXème siècle

Russie. Deuxième partie

Pompe industrielle. XIXème siècle

Cependant, les produits de tous ces ateliers constituaient une part si insignifiante de la consommation totale qu'ils ne pouvaient avoir aucune influence notable sur la production de masse, bien qu'ils prouvent la légitimité de l'existence, à côté de la production mécanique de masse, d'objets d'art décoratif qui préservent traditions populaires. Cela a ensuite été confirmé par l'invasion de la technologie mécanique dans des domaines des arts décoratifs et appliqués tels que la bijouterie, le tissage de tapis et la couture, ce qui a entraîné une forte baisse de leur qualité artistique.

Sous la forme de l'essentiel des produits manufacturés de la seconde moitié du XIXe siècle, pratiquement rien de nouveau n'a encore été développé. Cependant, la nouveauté de la situation générale contribue déjà à cette époque à la formation de conditions préalables internes à des quêtes innovantes - la prise de conscience des recherches stylistiques en tant que besoin créatif important, en tant que manifestation de l'individualité artistique du maître. Si jusqu'à présent les tendances de style (gothique, Renaissance, baroque, classicisme, etc.) sont nées et se sont répandues, en règle générale, à la suite de tendances générales, presque « globales », spontanément cristallisées dans le développement esthétique du monde, alors de Au milieu du XIXe siècle, l'originalité stylistique est considérée comme une réalisation créative directe d'un artiste ou d'un architecte individuel. À cet égard, l'intérêt pour le patrimoine artistique de tous les temps et de tous les peuples s'intensifie fortement. Ce riche héritage devient source d’imitations, d’emprunts directs ou est soumis à d’étranges processus créatifs.

Table de style Art Nouveau avec chaise. Fin du 19ème siècle

En conséquence, la majeure partie des produits présente un tableau inhabituellement hétéroclite, dans lequel scintillent des réminiscences évidentes ou subtiles de l'Antiquité, de l'époque romane, du gothique, de la Renaissance italienne ou française, de l'art de Byzance et de la Russie antique, du baroque, etc. se mélangeant souvent de manière éclectique dans la conception d'un produit, d'un intérieur ou d'un bâtiment. C’est pourquoi cette période de l’histoire de l’architecture et des arts appliqués a été qualifiée d’éclectique. Des produits (lampes, seaux métalliques, auges, plats, tabourets, etc.) relativement bon marché, mais fabriqués sans aucun but artistique, souvent sous des formes laides et de mauvaise qualité, commencent encore à être introduits dans la vie quotidienne des gens.

La recherche d'un nouveau style s'effectue en tenant compte du besoin réel des conditions de production mécanique, d'une approche fondamentalement nouvelle du façonnage des produits, d'une part, et de la préservation des traditions décoratives du passé, d'autre part. autre. La bourgeoisie, qui à la fin du XIXe siècle occupait une position forte dans l'économie russe, luttait pour sa propre idéologie artistique dans l'architecture et le design - le culte de la liberté rationnelle et relative par rapport aux archaïsmes de la culture noble, encourageant dans l'art tout ce qui pouvait rivaliser avec les styles du passé. C'est ainsi qu'apparaît le style Art Nouveau à la fin du XIXe siècle : « art nouveau » en Belgique, en Grande-Bretagne et aux États-Unis, « Jugendstil » en Allemagne, « style Sécessions » en Autriche, « style libre » en Italie. Son nom - « moderne » (du français moderne) signifiait « nouveau, moderne » - de lat. modo - "tout à l'heure, récemment." Dans sa forme pure, s'estompant et se mélangeant à d'autres mouvements stylistiques, il dura relativement peu de temps, jusqu'aux environs de 1920, soit environ 20 à 25 ans, comme presque tous les mouvements stylistiques des XVIIe et XXe siècles.

L'Art nouveau est diversifié selon les pays et dans le travail de maîtres individuels, ce qui complique la compréhension des problèmes qu'ils ont résolus. Cependant, l'éradication presque complète de tous les motifs et techniques décoratifs et ornementaux précédemment utilisés et leur renouvellement radical sont devenus caractéristiques. Les corniches traditionnelles, rosaces, chapiteaux, flûtes, ceintures « vagues roulantes », etc. sont remplacées par des plantes locales stylisées (lys, iris, œillets, etc.), des têtes féminines aux longs cheveux bouclés, etc. Souvent, il n'y a aucune décoration du tout. , et l'effet artistique est obtenu grâce à l'expressivité de la silhouette, aux divisions de la forme, aux lignes, généralement finement dessinées, comme si elles coulaient librement, palpitaient. Dans les formes des produits Art Nouveau, on peut presque toujours ressentir une certaine volonté fantaisiste de l'artiste, la tension d'une corde bien tendue et des proportions exagérées. Dans les manifestations extrêmes, tout cela est fortement aggravé, élevé au rang de principe. Il y a parfois un mépris de la logique constructive de la forme, un enthousiasme presque feint pour le côté spectaculaire de la tâche, notamment dans la conception des intérieurs, souvent théâtralisés de manière spectaculaire.

Devant tout le monde faiblesses- la prétention, parfois l'audace des formes, une nouvelle approche de la solution du bâtiment, de l'intérieur, de l'ameublement avec la logique d'une solution fonctionnelle, constructive et technologique est née.

Bougeoir de style Art Nouveau. Début du 20e siècle

Ensemble de plats. Fin du 19ème siècle

Coiffeuse d'époque Art Nouveau. Début du 20e siècle

L'Art nouveau, dans la grande majorité de ses exemples, n'a pas abandonné la décoration des produits, mais a seulement remplacé les anciens motifs et techniques décoratifs par de nouveaux. Déjà au début du XXe siècle, à l'époque des triomphes du style nouveau, la mode des styles anciens revenait, timidement d'abord, puis largement, ce qui avait un lien bien connu avec le début des préparatifs de la célébration. du centenaire Guerre patriotique 1812. L'exposition « Art moderne », organisée à Saint-Pétersbourg en 1903, montrait clairement la naissance de la « modernité classique ».

Les résultats de la modernité sont complexes. Il s’agit d’une purification des arts appliqués de l’éclectisme, de « l’anti-machinisme » des champions de l’artisanat et des tentatives infructueuses de restauration des styles du passé. Ce sont les premiers symptômes de l’entrée de l’architecture et des arts appliqués sur la voie du fonctionnalisme et du constructivisme, sur la voie du design moderne. Dans le même temps, révélant bientôt une tendance à nationaliser le style, l'Art nouveau suscite une nouvelle vague de quêtes purement décoratives. De nombreux peintres se tournent vers les arts appliqués et la décoration intérieure (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitant vers la couleur des contes de fées russes, du « pain d'épices », etc. processus historique ultérieur, solutions aux problèmes urgents de la production industrielle de masse, de telles expériences ne pouvaient avoir une signification idéologique et artistique sérieuse, bien qu'elles aient donné une impulsion au développement d'une autre branche des arts appliqués - l'artisanat artistique et en particulier l'art théâtral et décoratif.

La modernité, pour ainsi dire, a ouvert la voie à l'établissement de nouveaux principes esthétiques et créatifs dans l'art de créer des objets du quotidien et a accéléré l'émergence d'un nouveau métier artistique : le design artistique.

La formation du fonctionnalisme et du constructivisme dans des directions particulières dans l'architecture et la conception artistique des pays occidentaux s'est produite à la fin des années 1910 en relation avec la stabilisation de la vie et la réussite économique après la Première Guerre mondiale. Mais principes fondamentaux la nouvelle architecture moderne a été définie dans la période d'avant-guerre dans le travail d'architectes tels que T. Garnier et O. Perret (France), H. Berlaga (Hollande), A. Loos (Autriche), P. Behrens (Allemagne), F. Wright (États-Unis), I. Shekhtel, I. Rerberg (Russie), etc. Chacun d'eux a surmonté à sa manière l'impact de la modernité et a lutté.

En 1918, des départements spéciaux pour l'architecture et l'industrie de l'art ont été créés au sein du Département des Beaux-Arts du Commissariat du Peuple à l'Éducation. Une attention particulière est accordée aux questions de formation des spécialistes. En 1920, V.I. Lénine signe un décret portant création des Ateliers artistiques et techniques supérieurs d'État (VKHUTEMAS). Les diplômés ont créé de nouveaux échantillons de tissus, meubles, vaisselle, etc.

La formation en ateliers (transformés en 1927 en Institut d'art et technique de toute l'Union VKHUTEIN) s'est déroulée dans les facultés : architecture, céramique, textile, etc. A la faculté de transformation du bois et des métaux sous la direction de A. Rodchenko, D. . Lisitsky, V. Tatlin et d'autres maîtres recherchaient de nouvelles formes et conceptions de divers objets. Toutes les activités de VKHUTEMAS visaient à développer chez les étudiants les compétences d'une approche intégrée de la conception de l'environnement de la vie quotidienne et de la production.

Dans les années 1920, un mouvement « d’art industriel » a émergé, développant les principes du fonctionnalisme et du constructivisme, qui cherchaient à établir dans l’esprit des artistes l’idéal esthétique d’une production matérielle rationnellement organisée. Toutes les formes d’art antérieures étaient déclarées « productionnistes » bourgeoises et inacceptables pour le prolétariat. D'où leur rejet non seulement des beaux-arts « pratiquement inutiles », mais aussi de toute créativité purement décorative, par exemple la bijouterie. Dans les années 20, les conditions techniques et économiques de notre pays n'étaient pas encore mûres pour la mise en œuvre de leurs idées.

VKHUTEMAS et les « ouvriers de la production » des années 1920 étaient étroitement liés idéologiquement et esthétiquement au Bauhaus et représentaient à plusieurs moments importants avec lui essentiellement un mouvement unique dans la conception artistique de cette époque. Dans le cadre de ce nouveau mouvement, l’esthétique du design moderne s’est formée, surmontant les contradictions des arts appliqués de la période précédente. L'activité artistique pratique des fondateurs du design consistait également à développer un arsenal de moyens artistiques et expressifs de l'art de créer des choses. Dans leurs œuvres (meubles, lampes, vaisselle, tissus, etc.), la plus grande attention a été portée aux propriétés des matériaux et de la forme telles que la texture, la couleur, l'expressivité plastique, la structure rythmique, la silhouette, etc., qui ont acquis une importance décisive dans le composition des produits, sans entrer en conflit avec les exigences de logique constructive et de fabricabilité de la forme. Une autre direction qui s'est développée avec succès dans notre pays dans les années 20 est la conception technique. En 1925, à Moscou, selon la conception de l'éminent ingénieur V. Shukhov, fut érigée la célèbre tour radio, dont la silhouette ajourée devint pendant longtemps un symbole de la radio soviétique. Un an plus tôt, J. Gakkel avait créé, sur la base des dernières avancées technologiques, la première locomotive diesel soviétique, dont la forme semble encore aujourd'hui assez moderne. Dans les années 1920, on s’est rendu compte de la nécessité de mener des recherches scientifiques sur les modèles d’activité humaine dans un environnement créé artificiellement. L'Institut central du travail s'organise, dans ses murs des recherches sont menées sur les questions d'organisation scientifique du travail et de culture de production. L'attention des scientifiques et des concepteurs est attirée sur les questions de biomécanique, d'organoleptique, etc. Parmi les travaux notables de ces années figure la conception d'un poste de travail de conducteur de tramway (N. Bernstein).

Ouais, Gakkel. Locomotive. Début des années 1930

Exposition mise à jour

"Art décoratif et appliqué de la Russie du XVIIIe au premier tiers du XIXe siècle"

Dans le cadre de la célébration de son 35e anniversaire, le Musée panrusse des arts décoratifs, appliqués et populaires a inauguré une exposition permanente actualisée « Les arts décoratifs et appliqués de Russie du XVIIIe au premier tiers du XIXe siècle ».

"Pierre le Grand a défié la Russie, et elle lui a répondu par Pouchkine", tel est le slogan d'A.N. Herzen définit le plus précisément le sens et les limites de l'époque à laquelle est consacrée l'exposition de ces salles. Les objets présentés ici sont des jalons vivants qui ont marqué la formation et l’épanouissement de la culture russe au sein de la tradition culturelle européenne du Nouvel Âge. Ils capturent les changements dans le mode de vie et les orientations artistiques, la transformation des anciens et l'émergence de nouvelles formes de sujets, de techniques et même de types d'art décoratif et appliqué.

La conception de la nouvelle exposition est basée sur le principe de la démonstration des objets exposés comme des objets artistiques uniques, combinés en blocs thématiques, stylistiques et typologiques. Cette solution permet d'évaluer l'importance de chaque objet du point de vue de l'époque, du style, de l'évolution d'un type particulier d'art décoratif et appliqué, et concentre l'attention sur sa valeur artistique intrinsèque.

Le scénario d'inspection est construit sur la base de la solution spatiale de l'exposition, non seulement de manière significative (en termes de typologie, de thème, de style et de chronologie), mais aussi visuellement - de l'époque de Pierre le Grand à Biedermeier.

Les thèmes centraux de la nouvelle exposition sont : « L'ère du changement : le tournant des XVIIe et XVIIIe siècles », qui comprend les « primitifs du XVIIIe siècle », qui traduisaient les réalités des temps modernes sous la forme de art traditionnel; « Classiques du XVIIIe siècle russe », représentant l'époque de Pierre à Paul dans de hauts exemples de l'art de cour, ainsi que « L'Empire russe » et « Dans les chambres », démontrant deux facettes de la culture russe du premier tiers du XIXe siècle siècle - le brillant style impérial et la formation d'une culture de la vie privée, en corrélation avec le phénomène du Biedermeier allemand. Parallèlement, l'exposition permet de visualiser les œuvres dans la rangée habituelle - par type d'art, en mettant en valeur les meubles, le métal artistique, le verre, la porcelaine, la céramique, l'art de la taille de la pierre, les os et les perles.

Des objets d'église uniques comme la croix reliquaire et la Panagia, qui datent du XVIIe siècle, méritent une attention particulière. Ils ont été fabriqués selon une technique coûteuse à l'époque : l'émail filigrane. Parmi les premières pièces exposées figurent des coffres avec des cadres métalliques et des garnitures décoratives, des encriers et des ustensiles en laiton de l'Oural du XVIIe au début du XVIIIe siècle. Les tasses en laiton de l'usine Demidov dans l'Oural sont un exemple frappant de vaisselle en métal représentative de cérémonie pour la décoration de la table.

Les articles de service de table et les articles de plateau ont ensuite été fabriqués selon différentes techniques. Par exemple, deux gobelets en verre bleu foncé portant les monogrammes « EML » et « WGS », produits par l'Imperial Glass Factory, sont un exemple rare de produits peints de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Les monogrammes latins sur les tasses appartiennent à l'envoyé suédois en Russie en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - "WGS" - et à sa mère Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Les coupes ont été conservées pendant plus de deux siècles au château de Skarhult, Skåne (Suède), constituant un trésor familial.

Dans l'exposition, vous pourrez voir des exemples uniques de mobilier de palais russe des XVIIIe et XIXe siècles, parmi lesquels les tables d'échecs et de cartes réalisées selon la technique de la marqueterie présentent un intérêt particulier. Parmi les meubles exposés typiques de la première moitié du XIXe siècle, il convient de noter deux armoires d'une rare qualité de style jacobéen. Deux chaises conçues par Ossip Ivanovitch Bove appartiennent également à la même époque. Sont également intéressantes la pendule « Minine et Pojarski » réalisée par le bronzier parisien Pierre-Philippe Thomire et, reproduisant en format intérieur, le célèbre monument à Ivan Martos dressé sur la Place Rouge.

Une place particulière dans l'exposition est occupée par la tapisserie «Le sauvetage des pêcheurs», réalisée en Flandre dans un atelier inconnu dans la seconde moitié du XVIIe - début du XVIIIe siècle. Elle entre au VMDPNI en 1999 avec la collection du Musée d'Art Populaire du nom. ST. Morozova. Le thème de la tapisserie est emprunté à la Bible : au centre de la composition est représenté l'un des miracles : « Marcher sur les eaux ». Le treillis a été restauré en plusieurs étapes - il a été partiellement restauré par des spécialistes du Musée d'art populaire. ST. Morozov, et déjà en 2014, une restauration complète a été réalisée par des restaurateurs spécialisés du Musée panrusse des arts décoratifs, appliqués et populaires. Ainsi, le treillis a trouvé une nouvelle vie et sera présenté pour la première fois à l'exposition.

Les sections thématiques correspondantes présentent des luminaires en verre et en cristal, des objets d'intérieur en porcelaine et en bronze de la fin des XVIIIe et XIXe siècles. Chaque exposition est un exemple de référence d'un style particulier, capturant l'esprit de son époque et représentant les possibilités de compétences artistiques et techniques.

Une telle solution spatiale pour l'exposition permet au musée d'organiser des excursions et des programmes spéciaux de la manière la plus efficace et la plus intéressante. Les expositions les plus intéressantes et significatives seront présentées avec des annotations étendues, ainsi qu'un support avec des codes QR, grâce auxquels les visiteurs pourront obtenir des informations plus détaillées. L'exposition est équipée d'un système d'éclairage moderne. Grâce à sa grande interactivité, la nouvelle exposition promet d'être plus vivante et intéressante, ainsi que de promouvoir un dialogue créatif avec les visiteurs, en particulier avec les enfants et les jeunes.