Architecture (latin architectura, des racines grecques αρχι et τεκτονική - constructeur, construction, architecture, art de la construction), l'art de concevoir et de construire des bâtiments et d'autres structures qui créent un environnement matériellement organisé nécessaire aux personnes pour leur vie et leurs activités, conformément à leur objectif, leurs capacités techniques modernes et leurs visions esthétiques de la société. Il existe une différence significative entre l'architecture, la peinture et la sculpture : l'architecture utilise presque exclusivement des formes géométriques et ne recourt qu'à des formes organiques dans l'ornementation ; la peinture et la sculpture représentent principalement des formes animales et végétales et ce n'est que dans les accessoires qu'elles se tournent vers des formes architecturales, c'est-à-dire géométriques.

Dans sa subordination aux lois mathématiques connues dans le domaine des proportions, l'architecture se rapproche le plus de la musique, qui obéit également aux lois mathématiques dans le domaine des relations sonores ; en ce sens, l’architecture est très justement appelée musique « pierre » ou « gelée ». Chaque œuvre d'art contient deux éléments principaux : une idée abstraite et sa représentation matérielle, c'est-à-dire l'essence et la forme. La combinaison de ces éléments en un tout cohérent représente le but de l’art ; et si cet objectif est atteint, alors l'œuvre peut certainement être qualifiée d'élégante. Par conséquent, toute œuvre architecturale élégante doit, par sa présentation extérieure, révéler pleinement la signification intérieure et la destination du bâtiment. En vertu de cette loi, il est impossible, par exemple, de donner à une église l'aspect extérieur d'un théâtre ou de donner à un bâtiment d'un étage une façade intérieure à deux étages.

En tant que forme d'art, l'architecture entre dans la sphère de la culture spirituelle, façonne esthétiquement l'environnement humain et exprime des idées sociales dans des images artistiques. Le développement historique de la société détermine les fonctions et les types de structures (bâtiments avec un espace interne organisé, structures formant des espaces ouverts, ensembles de bâtiments et autres biens immobiliers), les systèmes structurels techniques et la structure artistique des structures architecturales. En architecture, arts décoratifs et appliqués, design - ces types d'arts plastiques où il est impossible de distinguer sujet de l'image, – la classification des genres est remplacée par des divisions typologiques basées sur les fonctions de l'œuvre (en architecture, on distingue les types de palais, temples, immeubles d'habitation, etc., qui à leur tour sont divisés en de nombreux sous-types). L'organisation architecturale de l'espace des agglomérations, la création de villes, les agglomérations de banlieue, la planification de l'architecture à petite échelle, la régulation des systèmes d'habitation sont devenues un domaine particulier - l'urbanisme.

En architecture, les principes fonctionnels, techniques et esthétiques (utilité, solidité, beauté) sont interconnectés. Le but et les fonctions d'une structure architecturale déterminent son plan et sa structure volumétrique-spatiale, les équipements de construction - la possibilité, la faisabilité économique et les moyens spécifiques de sa création, la céramique de construction - les matériaux et produits céramiques utilisés dans la construction. Selon leur destination, les matériaux et produits céramiques sont répartis dans les types suivants : produits muraux, produits de toiture, éléments de sol ; produits pour revêtement de façades, produits pour revêtement de murs intérieurs, granulats pour béton léger, produits d'isolation thermique, produits sanitaires, carrelages, briques routières.
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Les produits muraux comprennent la brique, les pierres creuses et les panneaux fabriqués à partir de celles-ci. Produits de toiture – tuiles. Éléments de sol ; les produits pour le revêtement des façades sont les briques de parement, les carreaux de petit format et autres, les panneaux de composition, les détails architecturaux et artistiques. Produits pour revêtement mural intérieur - carreaux émaillés et pièces façonnées pour ceux-ci (corniches, angles, fenêtres figurées, ceintures). Charges pour béton léger – argile expansée, agloporite. Produits d'isolation thermique - céramiques cellulaires, céramiques perlites, etc. L'origine figurative et esthétique de l'architecture est associée à son fonction sociale et se manifeste dans la formation de la structure volumétrique-spatiale et structurelle de la structure. Moyens d'expression de l'architecture - composition, tectonique, échelle, proportions, rythme, plasticité des volumes, texture et couleur des matériaux, synthèse des arts, etc. Dans la seconde moitié du XXe siècle, les changements sociaux, scientifiques et techniques ont provoqué l'émergence de nouvelles fonctions, systèmes structurels, moyens artistiques de l'architecture, méthodes de construction industrielle.

(latin sculptura, de sculpo - couper, sculpter), sculpture, plastique, type d'art dont les œuvres ont une forme tridimensionnelle, tridimensionnelle et sont constituées de matériaux solides ou plastiques. Sculpture, sculpture, art plastique - au sens large du terme, l'art de créer à partir d'argile, de cire, de pierre, de métal, de bois, d'os et d'autres matériaux une image d'une personne, d'animaux et d'autres objets naturels dans leur sens tactile, corporel formes. La sculpture représente principalement des humains, moins souvent des animaux, ses principaux genres sont les portraits, les images historiques, quotidiennes, symboliques, allégoriques, les genres animaliers et mythologiques. Artistique des moyens d'expression sculptures – construction d'une forme tridimensionnelle, modelage plastique (sculpture), développement de la silhouette, de la texture et dans certains cas aussi des couleurs.

On distingue une sculpture ronde (statue, groupe, figurine, buste), vue sous différents côtés, et un relief (type de sculpture dans lequel l'image est convexe ou en retrait par rapport au plan de fond ; les principaux types sont bas-relief et haut-relief). La sculpture monumentale (monuments, monuments) est associée à l'environnement architectural, se distingue par l'importance de ses idées, un haut degré de généralisation et de grandes dimensions ; la sculpture monumentale et décorative comprend tous les types de décoration de structures architecturales (Atlantes, cariatides, frises, parc, fontaine et sculpture de fronton) ; la sculpture de chevalet a des dimensions proches de la réalité ou plus petites, et un contenu spécifique et approfondi.

Concernant le matériau et le mode d'exécution de l'image, la sculpture, au sens large du terme, se divise en plusieurs branches : le modelage, ou modelage - l'art de travailler avec une substance molle, comme la cire et l'argile ; fonderie, ou toreutique - l'art de réaliser une sculpture à partir de métal en fusion ; la glyptique, ou sculpture au sens strict, est l'art de sculpter une image à partir de pierre, de métal, de bois et de substances solides en général ; Parmi les genres de sculpture, on peut d'ailleurs citer la gravure, la sculpture sur bois massif et pierres précieuses et fabrication de matrices pour pièces de monnaie et médailles (art des médailles). Les matériaux de sculpture sont le métal, la pierre, l'argile, le bois, le plâtre, etc. Les méthodes de traitement sont le modelage, la sculpture, le moulage, le forgeage, la ciselure, etc.

Toute l'histoire de l'art. Par. Kotelnikova T.M.

M. : 20 07 - 16 h 16.

Le livre contient : des essais historiques racontant les principaux maîtres et mouvements des beaux-arts depuis civilisations anciennesÀ nos jours; index pour un accès facile à toutes les informations ; artistes, architectes, sculpteurs, artistes décorateurs arts appliqués; styles, écoles, directions. Disponibilité de la présentation matérielle, présentation logique et bonne langue littéraire les livres feront de l’étude de l’histoire de l’art non seulement un processus éducatif, mais aussi une lecture passionnante.

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Contenu
1 L'art dans le monde antique 7
2 Grèce antique 18
3 Rome antique 33
4 Du christianisme primitif aux Carolingiens 42
5 Art roman 51
6 gothique 64
7 Peinture et architecture des XIV-XV siècles 81
8 La nouvelle fonction de l'art à la Renaissance 94
9 Maîtres Haute Renaissance 130
10 Maniérisme 153
11 Classicisme et caravagisme 176
12Baroques 190
13 Du rococo au classicisme 220
14 La peinture à l'ère du romantisme 242
15 Impressionnisme et symbolisme 263
16 Architecture et arts et métiers art XIXèmeà 288
17 Peinture italienne de la fin du XXème siècle en 299
18 Aux origines de l'avant-garde : expressionnisme et cubisme 306
19 L'Italie et les mouvements d'avant-garde 323
20 Art abstrait 335
21 Retour à la figurativité : de Chagall à la « Nouvelle matérialité » 347
22 Dada et le surréalisme 356
23 Architecture de la première moitié du XXe siècle en 370
24 Avant et après la Seconde Guerre mondiale 384
25 formulaires art contemporain 396
Indice 410

L’art sert d’expression des pensées, des sentiments et de la personnalité unique de l’artiste, mais c’est aussi un miroir de la culture et de l’histoire de l’époque dans laquelle cette personne était destinée à créer. L'énergie de la créativité, qui définit toute l'histoire de l'art, lie par un seul fil des maîtres séparés dans le temps. Et si vous regardez de ce point de vue, il n'est pas nécessaire de considérer divers mouvements artistiques et leurs représentants séparément, car ce sont différentes phases d'un grand mouvement continu. Une génération est remplacée par une autre ; Les idées, les théories et les passions vieillissent, tout comme les gens, laissant place à de nouvelles tendances. Lorsqu'un artiste, grâce à sa propre créativité, réussissait à donner vie à un nouveau processus de recherche spirituelle et artistique profonde, de nouveaux styles naissaient et le fil qui les liait au passé ne s'interrompait jamais, aussi mince qu'il puisse paraître.

Peinture- image sur le plan image monde réel, transformé par l'imagination créatrice de l'artiste ; isoler le sentiment esthétique élémentaire et le plus populaire - le sens de la couleur - dans une sphère particulière et en faire l'un des moyens d'exploration artistique du monde.

Dans la peinture ancienne, la relation entre les phénomènes représentés n’était pas tant spatiale que sémantique. Sur l'île de Cham (Australie, golfe de Carpentarie), dans une ancienne grotte au mur blanc, des kangourous sont peints à la peinture noire et rouge, poursuivis par trente-deux chasseurs, dont le troisième dans l'ordre est deux fois plus grand que le d'autres, car il représente le leader.

Les artistes égyptiens antiques, par souci d'accent sémantique, représentaient également la figure d'un chef militaire plusieurs fois plus grande que les figures de ses guerriers. Ce furent les premiers accents compositionnels de la peinture qui ne connaissaient pas la perspective. Dans l’Antiquité, le graphisme et la peinture étaient proches non seulement l’un de l’autre, mais aussi de la littérature. La peinture et les graphiques de la Chine ancienne et de l’Égypte ancienne sont liés par le récit. L’image est une chaîne d’événements, une histoire déroulée en plusieurs figures. Déjà à ce stade précoce de son développement, la peinture exprime sur le plan différents points de vue sur le sujet. Les artistes de l'Egypte ancienne peignaient les deux yeux sur un visage représenté de profil, et les peintres du sud de la Mélanésie représentent des plans cachés à la vue directe : un disque est dessiné au-dessus de la tête d'une personne, indiquant l'arrière de la tête, ou un double visage, véhiculant un « regard circulaire. L'artiste antique ne percevait pas la beauté du paysage.

L'artiste ancien connaît bien l'anatomie non seulement des animaux, mais aussi des humains. Gymnastique, musique et art, ressentir la beauté et la force du corps humain, qui a de profondes racines socio-historiques. Les Jeux Olympiques et les images sculpturales de héros remplissent des fonctions sociales et esthétiques similaires : élever les guerriers nécessaires à la démocratie esclavagiste - les défenseurs de la Grèce et les mineurs d'esclaves pour son développement économique.

La peinture médiévale donnait une image conventionnellement plate du monde. La composition mettait l’accent non pas sur la distance de l’objet à l’œil de l’observateur, mais sur sa signification et sa signification. Ces mêmes caractéristiques sont inhérentes à la peinture d'icônes russe. Le Moyen Âge ne connaissait pas encore la différence anatomique entre un adulte et un enfant : dans les peintures, l'Enfant Jésus est un adulte de taille réduite. Les beaux-arts médiévaux scrutent le monde intérieur de l’homme et pénètrent dans les profondeurs de son esprit. Le culte de la beauté du corps nu est remplacé par une mode vestimentaire qui drape le corps et tombe jusqu'au sol. Une robe monastique est caractéristique, dissimulant les contours de la silhouette d’une personne, la rendant informe et asexuée.

La Renaissance ravive le culte du corps nu, soulignant non seulement sa beauté et sa puissance, mais aussi son attrait sensuel. La joie d'être, le plaisir spirituel et sensuel de la vie transparaissent dans des peintures qui glorifient la beauté du corps féminin, sa chasteté giorgionienne, la splendeur rubensienne, la beauté terrestre et céleste de Titien et la spiritualité grecque.

La peinture joue un rôle de premier plan dans le système des formes d'art de la Renaissance. Les artistes affirment la signification humaine universelle de la peinture, qui, comme la littérature, ne nécessite pas de traduction dans une autre langue. Léonard de Vinci a écrit : « … si le poète sert l'esprit par l'oreille, alors le peintre - par les yeux, plus digne d'être ressenti... Un tableau, tellement plus utile et beau, vous l'aimerez davantage... Choisissez un poète qui décrirait la beauté d'une femme à son amant, et choisissez un peintre qui la représenterait, et vous nous verrons où la nature inclinera le juge amoureux.

Les génies apparaissent toujours dans les domaines les plus nécessaires de la pratique sociale. Et ce n'est pas un hasard si la Renaissance a produit de grands artistes comme Michel-Ange, Léonard de Vinci, Rubens, Titien.

Le pathétique anti-ascétique et anti-scolastique de l'époque, l'impulsion pour la richesse de la vie, pour ses joies spirituelles et sensuelles, trouvent leur pleine expression précisément dans la peinture (« Printemps » de Botticelli). Les artistes transmettent l'anatomie humaine liée à l'âge (l'enfant dans les bras de la Madonna Litta de Léonard de Vinci n'est pas un nain, mais en réalité un bébé), ils révèlent l'anatomie dynamique d'une personne à différents rythmes et nettetés, angles , directions de mouvement (les fresques du plafond de la Chapelle Sixtine de Michel-Ange).

Au cours de la Renaissance, des principes détaillés de composition perspective-spatiale se sont développés. La disposition des personnages sur la photo révèle leurs relations de vie. La Renaissance découvre les lois de la perspective ou, plus largement encore, la libre utilisation de l’espace. L'idée de perspective a été développée par Brunelleschi et Alberti, qui ont enseigné comment organiser l'espace dans un tableau selon les principes d'une pyramide tronquée formée par les rayons provenant des objets jusqu'à notre œil. La maîtrise de l'espace se manifeste non seulement par la construction de la perspective (par exemple dans « La Cène » de Léonard de Vinci), mais aussi par la création d'un espace « dématérialisé ».

Dans le 19ème siècle Le processus de démarcation précédemment évoqué entre peinture et graphisme est en train de s’achever. La spécificité du graphisme réside dans les relations linéaires, la reproduction de la forme des objets, la transmission de leur éclairage, le rapport entre la lumière et l'ombre. La peinture capture les relations entre les couleurs du monde ; en couleur et à travers la couleur elle exprime l'essence des objets, leur valeur esthétique, vérifie leur finalité sociale, leur correspondance avec l'environnement. Le processus de démarcation entre peinture et graphisme a été complété par les impressionnistes. Ils ne véhiculent rien en dehors de la couleur, tout ce qui est linéaire est pour eux secondaire ; Ce n'est pas le dessin, mais les relations de couleurs des objets représentés qui deviennent le principal porteur de signification esthétique. La peinture s'affranchit du dessin, qui était auparavant son objectif principal, et se rapproche de la musique, s'éloignant de la littérature.

Au 20ème siècle La nature de la peinture change radicalement. Il est influencé par la photographie, le cinéma, la télévision, l'ampleur et la variété des impressions l'homme moderne, percevant la réalité depuis de grandes hauteurs, à des vitesses élevées, sous des angles inattendus et depuis des points de vue variables et mobiles. Le monde intellectuel et psychologique de l'homme s'approfondit. L’avènement de la photographie et sa maîtrise de la couleur posent de nouveaux défis à la peinture. La photographie peut désormais simplement capturer un objet comme souvenir. Dans la peinture du XXe siècle. Le rôle du principe subjectif augmente, l'importance de la vision personnelle, la perception individuelle de la vie devient plus aiguë (rappelez-vous « March Snow » de Grabar).

Les éléments générateurs de sens de la peinture sont une base plate traitée, des bords réguliers de l'image et un cadre (ces éléments étaient absents dans la peinture rupestre). Dans les temps modernes, sont apparues des peintures qui ne représentaient pas l’espace profond et n’étaient pas encadrées. Son analogue était une sculpture sans piédestal - suspendue ou posée au sol. Des parties du plan pictural, la place de l'image de l'objet sur celui-ci, ont une signification symbolique. Dans le portrait de Munch, le sujet égocentrique est positionné légèrement sur le côté dans un espace vide. Cela crée un effet artistique et sémantique de tristesse et d’aliénation, renforcé par la pose de la personne représentée.

Architecture. Lorsqu'une personne apprenait à fabriquer des outils, sa maison n'était plus un trou ou un nid, mais un bâtiment pratique qui acquérait progressivement un aspect esthétique. La construction est devenue architecture.

L'architecture est la formation de la réalité selon les lois de la beauté lors de la création de bâtiments et de structures conçus pour répondre aux besoins humains en matière de logement et d'espaces publics. L'architecture crée un monde maîtrisé utilitaire-artistique fermé, délimité par la nature, opposé à l'environnement élémentaire et permettant aux gens d'utiliser l'espace humanisé en fonction de leurs besoins matériels et spirituels. L’image architecturale exprime le but du bâtiment et la conception artistique du monde et de la personnalité, l’idée qu’une personne se fait d’elle-même et l’essence de son époque.

Architecture - l'art et les bâtiments ont un certain style. Grâce à l'architecture, une partie intégrante de la « seconde nature » apparaît : l'environnement matériel créé par le travail humain et dans lequel se déroulent sa vie et ses activités.

L’architecture a tendance à ressembler à un ensemble. Ses structures s'intègrent habilement dans le paysage naturel (naturel) ou urbain (urbain). Par exemple, le bâtiment de l’Université d’État de Moscou s’intègre parfaitement dans le paysage du Mont des Moineaux, d’où il offre une vue sur la capitale et sur les lointains de la plaine de la Russie centrale. L'ancien bâtiment du CMEA (aujourd'hui hôtel de ville), qui ressemble à un livre ouvert, s'intègre avec succès dans le paysage urbain de Moscou.

Les formes d'architecture sont déterminées : 1) naturellement (en fonction des conditions géographiques et climatiques, de la nature du paysage, de l'intensité de l'ensoleillement, de la sécurité sismique) ; 2) socialement (selon la nature du système social, les idéaux esthétiques, les besoins utilitaires et artistiques de la société ; l'architecture est plus étroitement liée que les autres arts au développement des forces productives, au développement de la technologie).

L'architecture est un art, une ingénierie et une construction qui nécessitent une énorme concentration d'efforts collectifs et de ressources matérielles (la cathédrale Saint-Isaac, par exemple, a été construite par un demi-million de personnes en quarante ans). Les œuvres architecturales sont créées pour durer éternellement. Le créateur du « livre de pierre » et son « lecteur » sont le peuple. Une œuvre architecturale est une immense symphonie de pierre, une puissante création populaire, comme l’Iliade, un résultat étonnant de la combinaison de toutes les forces de toute une époque.

Même dans les temps anciens, l’architecture interagissait avec la sculpture monumentale, la peinture, les mosaïques et les icônes. Dans cette synthèse, l'architecture domine. Parfois la littérature, sous forme de citation d’un texte littéraire, entre dans un rapport de subordination avec l’architecture et la sculpture. Il existe également un cas connu d'interaction subordonnée de la musique avec l'architecture : l'une des pagodes birmanes est suspendue à des cloches, qui créent un nuage argenté du tintement le plus léger et le plus doux autour de la structure. La musique d'orgue était associée aux cathédrales gothiques.

La base de la composition architecturale est la structure volumétrique-spatiale, la relation organique des éléments d'un bâtiment ou d'un ensemble de bâtiments. L'échelle de la structure est sémiotiquement significative et détermine en grande partie la nature de l'image artistique, sa monumentalité ou son intimité. L'architecture ne reproduit pas la réalité de manière picturale, mais est de nature expressive. Le rythme, le rapport des volumes, les lignes sont les moyens de son expressivité. L'un des modernes structures artistiques- arythmie du rythme, dissonance en harmonie (par exemple, un ensemble de bâtiments dans la ville du Brésil).

L'architecture est née dans les temps anciens, au plus haut niveau de barbarie, lorsque les lois non seulement de la nécessité, mais aussi de la beauté ont commencé à s'appliquer dans la construction.

Dans l'Egypte ancienne, d'immenses tombeaux ont été construits (la hauteur de la pyramide de Khéops à Gizeh est d'environ 150 m), des temples avec de nombreuses colonnes puissantes (dans le temple d'Amon à Karnak, la hauteur des colonnes est de 20,4 m et le diamètre est de 3,4 m). Cette architecture se caractérise par la clarté géométrique des formes, l'absence de divisions, la disproportion entre l'échelle de la structure et celle de la personne et une monumentalité qui submerge l'individu. Des structures grandioses ont été créées non pas pour satisfaire les besoins matériels du peuple, mais au nom d'objectifs spirituels et religieux et ont servi la cause de l'organisation sociale des Égyptiens sous le règne despotique du pharaon.

DANS Hellas antique l'architecture prend une apparence démocratique. Les édifices religieux (par exemple le temple du Parthénon) affirment la beauté, la liberté et la dignité du citoyen grec. De nouveaux types de bâtiments publics apparaissent : théâtres, stades, écoles. Les architectes suivent le principe humaniste de la beauté formulé par Aristote : la beauté n’est ni trop grande ni trop petite. L'homme agit ici comme une mesure de la beauté et de l'ampleur du bâtiment qui, contrairement aux bâtiments de l'Égypte ancienne, ne supprime pas, mais exalte l'individu, ce qui correspond aux objectifs sociaux de la démocratie athénienne. Architectes la Grèce ancienne créer un système de commande qui a joué un rôle important dans le développement de l'architecture. DANS Rome antique Les structures en béton cintrées et voûtées sont largement utilisées. De nouveaux types de bâtiments apparaissent : forums, arcs de triomphe, reflétant les idées d'État et de puissance militaire.

Au Moyen Âge, l'architecture est devenue la principale et la plus sous forme de masse l'art, dont les images étaient accessibles même aux personnes analphabètes. Les cathédrales gothiques s'élevant vers le ciel exprimaient un élan religieux vers Dieu et le rêve terrestre passionné de bonheur des gens.

L'architecture de la Renaissance développe sur de nouvelles bases les principes et les formes des classiques anciens.

Le classicisme a canonisé les techniques de composition de l'Antiquité.

De la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle, à l'époque de la formation des États nationaux, accompagnée de guerres, le baroque se développe ( un grand nombre de décorations en stuc, complexité des divisions et des rapports spatiaux, faste, exaltation, contraste des formes). Les bâtiments baroques servaient à glorifier et à affirmer l'absolutisme (comme le château de Versailles) et le catholicisme (par exemple l'église romane de Santa Maria della Vittoria).

Au début du XVIIIe siècle. en France, le style rococo est né et s'est répandu dans toute l'Europe (par exemple, le palais de Sanssouci à Potsdam) comme expression des goûts de l'aristocratie (décoration, ornementation fantaisiste des formes, asymétrie délibérée et complexité des lignes sinueuses, et à l'intérieur - de riches tableaux et de grands miroirs créant l'impression de légèreté et d'immatérialité des murs).

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Le rococo cède la place à l'Empire - un style monumental et majestueux basé sur les traditions du classicisme et le style de l'époque des empereurs romains. Il exprime la puissance militaire et la grandeur du pouvoir (par exemple, l'Arc de Triomphe à Paris, supérieur aux arcs du monde antique, ou la colonne Vendôme, reprenant la colonne Trajane à Rome).

Les réalisations de l'architecture russe sont représentées dans les Kremlins, les fortifications, les palais, les édifices religieux et civils. L'architecture russe est riche en créations nationales originales (le clocher d'Ivan le Grand, la cathédrale Saint-Basile, les bâtiments en bois avec leurs solutions de conception claires et leurs riches formes ornementales, comme les églises de Kiji). Le « baroque russe » affirme l'unité de l'État russe, l'essor de la vie nationale (les œuvres de Rastrelli : le Palais d'Hiver et les ensembles de Tsarskoïe Selo).

Aux XVIII-XIX siècles. les principes du classicisme russe sont développés : clarté et expressivité de l'image architecturale, construction simple et médias artistiques. Dans le 19ème siècle L'éclectisme s'affirme.

Au 20ème siècle de nouveaux types de bâtiments apparaissent : industriels, de transports, administratifs maisons à plusieurs étages et les zones résidentielles. Leur construction est réalisée selon des méthodes industrielles utilisant de nouveaux matériaux et des éléments standards fabriqués en usine. Cela change les critères esthétiques et ouvre de nouveaux moyens d'expression en architecture (en urbanisme par exemple, le problème se pose expression artistique développement de masse).

L’embellissement qui caractérise l’architecture soviétique des années 30 aux années 50 freine son développement. L'abandon de la décoration a réduit le coût de la construction, augmenté son ampleur et son rythme et a orienté les esprits créatifs des architectes vers la recherche de solutions architecturales simples et expressives. À cet égard, la Maison des anciens combattants du cinéma, un complexe de bâtiments situé sur Novy Arbat à Moscou, est révélatrice.

Sculpture- l'art visuel spatial, maîtrisant le monde en images plastiques imprimées dans des matériaux capables de transmettre l'aspect vital des phénomènes.

Les œuvres sculpturales sont sculptées dans du marbre, du granit et d'autres pierres, sculptées dans du bois et sculptées dans de l'argile. Les matériaux souples sont considérés comme temporaires: lorsqu'on travaille avec eux, on suppose généralement qu'ils seront ensuite coulés en matériaux plus durables - fonte, bronze. De nos jours, le nombre de matériaux adaptés à la sculpture s'est élargi : des œuvres en acier, en béton et en plastique ont vu le jour.

L’homme est le sujet principal, mais pas le seul, de la sculpture. Les artistes animaliers créent des figures d'animaux. Une sculpture circulaire ne peut recréer que les détails de l’environnement entourant une personne. Des types de sculpture tels que le bas-relief et le haut-relief sont proches de la peinture et du graphisme et peuvent représenter des paysages.

La sculpture véhicule toujours du mouvement. Même le repos complet est perçu dans la sculpture comme un mouvement interne, comme un état durable, étendu non seulement dans l'espace, mais aussi dans le temps. Le sculpteur ne dispose que d'un seul moment d'action, mais il porte la marque de tout ce qui l'a précédé et suivi. Cela donne à la sculpture une expressivité dynamique. Sculptural image d'une personne décédée une personne transmet le mouvement caché diffusé dans le corps, sa paix éternelle et les derniers efforts de lutte, figés à jamais. C'est l'image du Christ mort allongé sur les genoux de la Mère de Dieu dans la sculpture « Pieta » de Michel-Ange. Le mouvement dort dans le corps de Dieu le Fils, tombant des genoux de la mère et en même temps, pour ainsi dire, résistant à cette chute sans vie.

La perception de la sculpture se déroule toujours de manière séquentielle dans le temps, qui est utilisé dans la composition sculpturale et contribue à transmettre le mouvement. La visibilité panoramique, le changement de position, l'angle de vision révèlent différents côtés d'une image tridimensionnelle.

La monumentalité est une des possibilités de la sculpture, lui offrant une synthèse avec l'architecture.

Il existe une large généralisation inhérente à la nature même de la sculpture. Pouchkine a noté qu'une sculpture peinte fait moins d'impression qu'une sculpture monochrome ; la coloration enlève sa généralisation.

Les moyens de représentation et d'expressivité de la sculpture sont la lumière et l'ombre. Les plans et les surfaces de la figure sculptée, réfléchissant la lumière et projetant des ombres, créent un jeu spatial de formes qui a un effet esthétique sur le spectateur.

La sculpture en bronze permet une séparation nette entre la lumière et l'ombre, tandis que le marbre, perméable aux rayons lumineux, permet de restituer le jeu subtil de la lumière et de l'ombre. Cette caractéristique du marbre était utilisée par les artistes anciens ; Ainsi, le délicat marbre rosé légèrement translucide de la statue de Vénus de Milo transmet étonnamment la tendresse et l’élasticité du corps d’une femme.

La sculpture est l'une des espèce la plus ancienne art datant de l’époque paléolithique. Pendant le développement société ancienne, sur la base de réalités magiques (de nature syncrétiste et rituelle, images pré-artistiques) nées de besoins pratiques, est né un système de signes qui a ensuite contribué à la réflexion artistique et figurative du monde. Par exemple, une pierre qui personnifiait un animal et servait de cible pour infliger des blessures (une « répétition » de chasse) est remplacée par un animal en peluche naturel, puis par une image sculpturale de celui-ci.

Dans l'Egypte ancienne, la sculpture était associée au culte des morts : la croyance que l'âme est vivante tant que l'image d'une personne existe imposait la création de sculptures durables à partir des matériaux les plus résistants (cèdre du Liban, granit, porphyre rouge, basalte ). La sculpture égyptienne antique se caractérise par sa monumentalité, une certaine simplicité des formes et une tendance aux figures statiques.

DANS La Grèce ancienne la sculpture a atteint le plus haut niveau. Ce n’est pas un hasard si Hegel a associé la période classique (antique) de l’art à la sculpture. Dans la sculpture ancienne, il y a toujours un sentiment de liberté intérieure. Le héros est à l'aise et conserve sa dignité intérieure ; même la souffrance ne déforme pas, ne défigure pas son visage et ne perturbe pas l'harmonie de l'image (par exemple « Laocoon »).

Le Moyen Âge développe des formes monumentales de sculpture en synthèse avec l’architecture. La sculpture gothique combinait des détails naturalistes avec des figures décoratives et dynamiques qui transmettaient une vie spirituelle intense. Des images illusoires, fantasmagoriques, allégoriques apparaissent également (par exemple, les chimères de la cathédrale Notre-Dame).

Les sculpteurs de la Renaissance ont créé une galerie d’images brillamment individualisées de personnes volontaires, proactives et actives.

La sculpture baroque (XVIIe siècle) était solennelle, pathétique, cérémoniale, pleine d'un jeu bizarre d'ombre et de lumière, d'ébullition de masses tourbillonnantes.

La sculpture du classicisme, au contraire, est rationaliste, calme, majestueuse et noblement simple. Au XVIIIe siècle la sculpture gravite vers les caractéristiques du portrait socio-psychologique d'une personne.

Dans le 19ème siècle Le réalisme s'épanouit dans la sculpture : les images acquièrent une polyvalence esthétique, une spécificité historique, un caractère quotidien et psychologique.

Au 20ème siècle les sculpteurs donnent une interprétation généralisée, parfois symbolique, des images sculpturales. La sculpture approfondit le contenu psychologique de l'image, élargissant les possibilités d'expression plastique de la vie spirituelle de l'époque.

Architecture . L'architecture de Rome est fondamentalement différente de la grecque. Les Grecs taillaient des blocs de marbre massifs et les Romains érigaient des murs en brique et en béton, puis utilisaient des supports pour suspendre les revêtements en marbre et fixer les colonnes et les profilés. Les monuments architecturaux captivent par leur puissance. Conçu pour un grand nombre de personnes : basiliques, thermes, théâtres, amphithéâtres, cirques, bibliothèques, marchés et lieux de culte : temples, autels, tombeaux. Les Romains introduisirent des ouvrages d'art (aqueducs, ponts, routes, ports, forteresses, canaux). Le centre idéologique était le temple situé au milieu du côté étroit zone rectangulaire sur son axe principal. Les places de la ville étaient décorées d'arcs de triomphe en l'honneur des victoires militaires, de statues d'empereurs et d'éminents les gens publicsÉtats. Les formes cintrées et voûtées se sont répandues dans les ponts et les aqueducs. Le Colisée (75-80 après JC) est le plus grand amphithéâtre de Rome, destiné aux combats de gladiateurs et autres compétitions.

Sculpture . Dans le domaine de la sculpture monumentale, les Romains sont restés en retard sur les Grecs. Le meilleur était le portrait sculptural. Elle s'est développée dès le début du Ier siècle. avant JC e. Les Romains étudiaient soigneusement le visage d’une personne avec ses caractéristiques uniques. Les Grecs cherchaient à représenter l'idéal, les Romains - pour transmettre avec précision les caractéristiques de l'original. Les yeux de nombreuses statues sont en émail coloré. Les Romains ont été les premiers à utiliser la sculpture monumentale à des fins de propagande : ils ont installé des statues équestres et piétonnes. dans les forums (places) - monuments à des personnalités exceptionnelles.

Peinture . Rares sont ceux qui ont survécu. Les palais et les édifices publics étaient décorés de peintures murales et de peintures, de scènes mythologiques, croquis de paysage. Les murs ont été peints pour ressembler à du marbre coloré et du jaspe. Un type courant était la mosaïque et le traitement, les métaux précieux et le bronze. Les artistes représentaient des scènes de la vie quotidienne et des natures mortes. Fresques qui recouvraient les murs des maisons de la noblesse Peinture ornementale des intérieurs (Ier siècle avant JC). Les Romains peignaient des meubles et de la vaisselle. Au 3ème siècle. L'art chrétien apparaît sous la forme de peintures des catacombes de Rome. Selon l'intrigue, les peintures sont liées à la religion chrétienne - scènes bibliques, images du Christ et de la Mère de Dieu, mais selon forme artistique ils sont au niveau des peintures anciennes. Lors de la construction des églises chrétiennes, le développement s'est poursuivi peinture monumentale. Des fresques et des mosaïques décoraient les absides, les coupoles et les murs d'extrémité de la nef principale des basiliques. L'art de la mosaïque était largement développé ; il était utilisé pour décorer les murs et les sols des maisons des riches Romains, puis des églises chrétiennes. Les portraits peints sur chevalet étaient très courants, mais nous ne le savons que par sources littéraires, puisque les œuvres des artistes de la période républicaine Maya, Sapolis et Dionysiade et les œuvres d'autres n'ont pas survécu. Les portraits s'inscrivaient dans un cadre rond et ressemblaient à des médaillons

Si nous décrivons les principales étapes de l'histoire de l'art romain antique, elles peuvent être représentées en termes généraux comme suit. Les époques les plus anciennes (VII - V siècles avant JC) et républicaines (V siècle avant JC, Ier siècle avant JC) sont la période de formation de l'art romain.

L'art romain s'épanouit aux Ier et IIe siècles. ANNONCE Dès la fin du règne de Septime Sévère, s'ouvre une crise de l'art romain.

Art roman

Au Xe siècle, au tournant du millénaire, un seul style paneuropéen est apparu pour la première fois dans l'art : le roman. Il est resté dominant au Moyen Âge Europe de l'Ouest tout au long des XIe et XIIe siècles. Le terme « style roman » apparaît au XIXe siècle. (par analogie avec le concept de « langues romanes ») et signifiait « romain ». Le style roman dans l’art hérite en grande partie de l’architecture byzantine. Architectural les bâtiments de cette époque étaient principalement en pierre, avec des plafonds voûtés, et au Moyen Âge, ces structures étaient considérées comme romanes (construites selon la méthode romaine), contrairement aux bâtiments en bois. C'est dans l'art allemand et français qu'il était le plus classiquement répandu. Les raids et les batailles étaient l'essence même de la vie à cette époque. Cette époque dure a donné lieu à des sentiments d’extase guerrière et à un besoin constant d’autodéfense. Il s'agit d'un château-forteresse ou d'un temple-forteresse. Le concept artistique est simple et strict. Trois grands temples situés sur le Rhin sont considérés comme des exemples d'architecture romane tardive et parfaite : les cathédrales urbaines de Worms, Spire et Mayence. Le décor architectural est très sobre, le plastique est plutôt lourd. Mais en entrant dans le temple, il s'ouvre le monde entier des images passionnantes qui capturent l’âme du Moyen Âge. L'art dans l'Europe médiévale est devenu l’œuvre de personnes issues des classes inférieures. Ils introduisaient un sentiment religieux dans leurs créations, mais il n'en était pas de même pour le « supérieur » et le « inférieur ». Nous ne comprendrons pas grand-chose à l’art médiéval si nous ne ressentons pas son lien avec l’ensemble de la structure de la vie des « classes inférieures ». Ils sympathisaient avec le Christ parce qu'il souffrait, ils aimaient la Mère de Dieu parce qu'ils la considéraient comme une intercesseur pour les hommes, dans le Jugement dernier ils voyaient l'idéal du jugement terrestre sur les oppresseurs et les trompeurs.

Jugement dernier. Tympan de la cathédrale Saint-Lazare d'Autun (1130-1140) ;

Veille. Fragment du relief des portes en bronze de l'église Saint-Pierre. Michel à Hildesheim (1008-1015)

Portail royal de la cathédrale de Chartres (vers 1135-1155)

Les monuments architecturaux de style roman sont dispersés dans toute l'Europe occidentale, mais la plupart d'entre eux se trouvent en France. C'est l'église Saint-Martin de Tours, l'église Notre-Dame de Clermont, un chef-d'œuvre architecture romane- Eglise Notre-Dame la Grande à Poitiers. Plusieurs écoles locales se sont développées en langue romane française. Ainsi, l'école bourguignonne se distinguait par sa composition monumentale, l'école poitevine par son riche décor sculptural, et l'école normande par sa décoration stricte.

Les images sculpturales de saints dans les églises romanes sont privées de tous les canons, souvent peu avenants et trapus, ont des visages simples et expressifs. Cela distingue la sculpture romane de la sculpture byzantine, qui créait des images plus raffinées et spirituelles. Avec Images évangéliques et des scènes de sculpture romane juxtaposées à des scènes antiques et histoire médiévale, il y avait des images Vrais gens. Dans le même temps compositions sculpturales parfois, ils étaient saturés des fruits de l'imagination populaire - ils contenaient alors des images de diverses créatures fantastiques et forces du mal (par exemple, des aspics).

De beaux exemples d'art appliqué ont été conservés de l'époque romane. Parmi eux, une place d'honneur est occupée par le célèbre tapis de 70 mètres de Bayeux, associé au nom de la reine Mathilde d'Angleterre. Les scènes brodées racontent l'histoire de la conquête normande de l'Angleterre en 1066.

Peinture Le style roman était exclusivement ecclésiastique dans son contenu et plat, niant la tridimensionnalité de l'espace et des figures. Tout comme la sculpture, elle était subordonnée à l'architecture. Le type de technique de peinture le plus courant était la fresque ; le vitrail (peinture à partir de morceaux de verre colorés) a également commencé à se répandre.

9.Gothique -Le gothique a remplacé le style roman, le déplaçant progressivement. Le style gothique est né au milieu du XIIe siècle dans le nord de la France ; au XIIIe siècle, il s'est répandu sur le territoire de l'Allemagne moderne, de l'Autriche, de la République tchèque, de l'Espagne et de l'Angleterre. Le gothique pénétra plus tard en Italie, avec beaucoup de difficulté et de fortes transformations, ce qui conduisit à l'émergence du « gothique italien ». À la fin du XIVe siècle, l’Europe est balayée par ce qu’on appelle le gothique international. Le gothique pénétra plus tard dans les pays d'Europe de l'Est et y resta un peu plus longtemps - jusqu'au XVIe siècle.

Architecture. Le type architectural phare était la cathédrale de la ville : le système de charpente de l'architecture gothique (les arcs brisés reposent sur des piliers ; la poussée latérale des voûtes d'arêtes, disposées sur des nervures, est transférée par des arcs-boutants aux contreforts) a permis de créer une cathédrale. des intérieurs d'une hauteur et d'un espace sans précédent, traversant les murs avec d'immenses fenêtres aux vitraux multicolores. L'aspiration vers le haut de la cathédrale s'exprime par des tours géantes ajourées, des fenêtres et des portails à lancettes, des statues incurvées et des ornements complexes. Les portails et barrières d'autel étaient entièrement décorés de statues, de groupes sculpturaux et d'ornements. Trois thèmes de décoration sculpturale prédominaient sur les portails : le Jugement dernier, un cycle dédié à Marie et un cycle associé au patron du temple ou au saint local le plus vénéré. Des sculptures d'animaux fantastiques (chimères, gargouilles) ont été placées sur les façades et la toiture. Tout cela a eu un fort impact émotionnel sur les croyants. L'art gothique mêlait organiquement lyrisme et tragédie, spiritualité sublime et satire sociale, grotesque fantastique et observations précises de la vie. Les œuvres remarquables de l'architecture gothique sont : en France - la cathédrale Notre Dame de Paris, cathédrales de Reims, Amiens, Chartres ; en Allemagne - la cathédrale de Cologne ; en Angleterre - l'abbaye de Westminster (Londres), etc.

Sculpture. Les principales caractéristiques qui caractérisent la sculpture gothique peuvent être réduites aux suivantes : d'une part, la domination des principes abstraits dans les concepts artistiques est remplacée par un intérêt pour les phénomènes du monde réel, les thèmes religieux conservent leur position dominante, mais ses images changent et sont dotées avec des traits d’une profonde humanité.

Dans le même temps, le rôle des sujets laïcs augmente et l'intrigue commence à occuper une place importante, mais pas immédiatement. Deuxièmement, le plastique rond apparaît et joue un rôle dominant, bien que le relief existe également.

Le Jugement dernier reste l'un des thèmes les plus courants du gothique, mais le programme iconographique s'étoffe. L'intérêt pour la personne et l'attirance pour le caractère anecdotique de l'histoire s'expriment dans la représentation de scènes de la vie des saints. Un exemple remarquable de représentation de légendes sur les saints est le tympan « Histoire de Saint-Étienne » datant du dernier quart du XIIIe siècle sur le portail de la cathédrale Notre-Dame.

L'inclusion de motifs réels est également typique pour de nombreux petits reliefs. Comme dans les églises romanes, les images de monstres et de créatures fantastiques, appelées chimères, occupent une grande place dans les cathédrales gothiques.

Peinture. Au Moyen Âge, la peinture devient l’une des formes d’art les plus importantes. Les changements dans la vie de la société et les nouvelles techniques techniques ont donné aux artistes l'opportunité de créer des œuvres réalistes empreintes d'un profond humanisme, destinées à opérer une véritable révolution dans l'art d'Europe occidentale. Le style joyeux et gracieux des beaux-arts s'est manifesté le plus clairement dans les portraits (peinture et crayon) de maîtres aussi remarquables que J. Fouquet (également connu comme un maître exceptionnel des miniatures), J. et F. Clouet, Corneille de Lyon.

À partir de 2800 avant JC e. jusqu'à 2300 avant JC e. Dans les Cyclades, trente petites îles de la mer Égée en Grèce, est né un style défini comme « l'art cycladique ». Les traits caractéristiques de ce style étaient principalement des figures féminines avec les genoux légèrement fléchis, les bras croisés sous la poitrine et la tête plate. Les tailles de l'art cycladique allaient des statues à taille humaine aux petites figurines ne dépassant pas quelques centimètres de hauteur. Il est raisonnable de supposer que l’idolâtrie était très répandue.

Sculptures cycladiques au Musée Archéologique National d'Athènes

Idole des Cyclades

"Flutiste", Musée Archéologique National. Athènes

"Violon", 2800 avant JC, British Museum, Londres

L'art des Cyclades est devenu une source d'inspiration pour de nombreuses personnes. artistes contemporains qui a apprécié la retenue et la sophistication des lignes et de la géométrie simples, le minimalisme. L'influence de l'art cycladique est visible dans les œuvres de Modigliani, notamment sa sculpture "Tête de femme", ainsi que dans le travail d'autres artistes, dont Picasso.

Amedeo Modigliani, "Tête", 1910, National Gallery of Art, Washington