Le roman Cathédrale Notre-Dame comme œuvre romantique. Victor Hugo "Cathédrale Notre-Dame": description, personnages, analyse de l'œuvre

Les ballades de Hugo, telles que « Le Tournoi du roi Jean », « La Chasse au Burgrave », « La Légende de la Nonne », « La Fée » et d'autres sont riches en signes de saveur nationale et historique dès le début. période de son œuvre, Hugo aborde l'un des problèmes les plus urgents du romantisme, celui du renouveau de la dramaturgie, de la création du drame romantique. En antithèse du principe classique de la « nature ennoblie », Hugo développe la théorie du grotesque : c'est un moyen de présenter le drôle, le laid sous une forme « concentrée ». Ces lignes directrices esthétiques et bien d’autres concernent non seulement le théâtre, mais aussi, essentiellement, l’art romantique en général, c’est pourquoi la préface du drame « Cromwell » est devenue l’un des manifestes romantiques les plus importants. Les idées de ce manifeste sont mises en œuvre dans les drames de Hugo, tous écrits sur des sujets historiques, et dans le roman « Cathédrale Notre-Dame ».

L'idée du roman naît dans une atmosphère de fascination pour les genres historiques, qui a commencé avec les romans de Walter Scott. Hugo rend hommage à cette passion aussi bien dans le théâtre que dans le roman. A la fin des années 1820. Hugo envisage d'écrire un roman historique et, en 1828, il conclut même un accord avec l'éditeur Gosselin. Cependant, le travail est compliqué par de nombreuses circonstances, la principale étant que son attention est de plus en plus attirée par la vie moderne.

Hugo n'a commencé à travailler sur le roman qu'en 1830, littéralement quelques jours avant la Révolution de Juillet. Ses réflexions sur son époque sont étroitement liées au concept général de l'histoire humaine et aux idées sur le XVe siècle, sur lesquelles il écrit son roman. Ce roman s'intitule Notre-Dame de Paris et est publié en 1831. La littérature, qu'il s'agisse d'un roman, d'un poème ou d'un drame, décrit l'histoire, mais pas de la même manière que la science historique. La chronologie, la séquence exacte des événements, les batailles, les conquêtes et l'effondrement des royaumes ne sont que l'aspect extérieur de l'histoire, a soutenu Hugo. Dans le roman, l'attention se concentre sur ce que l'historien oublie ou ignore - du « mauvais côté » des événements historiques, c'est-à-dire du côté intérieur de la vie.

Suivant ces idées nouvelles pour son époque, Hugo crée la « Cathédrale Notre-Dame ». L'écrivain considère l'expression de l'esprit de l'époque comme le principal critère de véracité Roman historique. C’est en cela qu’une œuvre d’art diffère fondamentalement d’une chronique qui expose les faits de l’histoire. Dans un roman, le « plan » proprement dit ne doit servir que de base générale à l’intrigue, dans laquelle les personnages fictifs peuvent jouer et les événements tissés par l’imagination de l’auteur peuvent se développer. La vérité d’un roman historique ne réside pas dans l’exactitude des faits, mais dans la fidélité à l’air du temps. Hugo est convaincu que dans le récit pédant des chroniques historiques, on ne peut pas trouver autant de sens qu'il y en a dans le comportement de la foule anonyme ou des « Argotins » (dans son roman, il s'agit d'une sorte de corporation de vagabonds, de mendiants, de voleurs et d'escrocs). , dans les sentiments de la danseuse de rue Esmeralda, ou du sonneur de cloches Quasimodo, ou chez un moine érudit, pour les expériences alchimiques duquel le roi s'intéresse également.

La seule exigence immuable de la fiction de l'auteur est de répondre à l'esprit de l'époque : les personnages, la psychologie des personnages, leurs relations, leurs actions, le cours général des événements, les détails de la vie quotidienne - tous les aspects de l'histoire représentée. la réalité doit être présentée telle qu’elle aurait pu l’être. Pour avoir une idée d'une époque révolue, il faut trouver des informations non seulement sur les réalités officielles, mais aussi sur la morale et le mode de vie quotidien des gens ordinaires, il faut étudier tout cela puis le recréer dans un roman. Les traditions, légendes et sources folkloriques similaires existant parmi le peuple peuvent aider l'écrivain, et l'écrivain peut et doit compléter les détails manquants avec le pouvoir de son imagination, c'est-à-dire recourir à la fiction, en se rappelant toujours qu'il doit corréler les fruits de son imagination avec l'esprit de l'époque.

Les romantiques considéraient l'imagination comme la plus haute capacité créatrice et la fiction comme un attribut indispensable d'une œuvre littéraire. La fiction, grâce à laquelle il est possible de recréer le véritable esprit historique de l’époque, selon son esthétique, peut être encore plus véridique que le fait lui-même.

La vérité artistique est supérieure à la vérité factuelle. Suivant ces principes du roman historique de l'époque romantique, Hugo combine non seulement des événements réels avec des événements fictifs, et des personnages historiques authentiques avec des inconnus, mais donne clairement la préférence à ces derniers. Tous les personnages principaux du roman - Claude Frollo, Quasimodo, Esmeralda, Phoebus - sont de sa fiction. Seul Pierre Gringoire fait exception : il possède un véritable prototype historique - il a vécu à Paris au XVe - début du XVIe siècle. poète et dramaturge. Le roman met également en scène le roi Louis XI et le cardinal de Bourbon (ce dernier n'apparaît qu'occasionnellement). L'intrigue du roman n'est basée sur aucun événement historique majeur et seuls des faits réels peuvent être attribués à descriptions détaillées Cathédrale Notre-Dame et Paris médiéval.

Contrairement aux héros littérature XVII– XVIIIe siècles, les héros de Hugo cumulent des qualités contradictoires. Utilisant largement la technique romantique des images contrastées, parfois délibérément exagérées, virant au grotesque, l'écrivain crée des personnages complexes et ambigus. Il est attiré par les passions gigantesques et les actes héroïques. Il vante la force de son caractère de héros, son esprit insoumis, insoumis, et sa capacité à lutter contre les circonstances. Dans les personnages, les conflits, l’intrigue et le paysage de « La Cathédrale Notre-Dame », le principe romantique consistant à refléter la vie – des personnages exceptionnels dans des circonstances extraordinaires – a triomphé. Le monde des passions débridées, des personnages romantiques, des surprises et des accidents, l'image d'un homme courageux qui ne succombe à aucun danger, c'est ce que Hugo glorifie dans ces œuvres.

Hugo soutient qu’il existe une lutte constante entre le bien et le mal dans le monde. Dans le roman, encore plus clairement que dans la poésie de Hugo, se dessine la recherche de nouvelles valeurs morales, que l'écrivain trouve, en règle générale, non pas dans le camp des riches et des puissants, mais dans le camp des dépossédés et méprisé les pauvres. Tous les meilleurs sentiments - gentillesse, sincérité, dévouement désintéressé - leur sont donnés par l'enfant trouvé Quasimodo et la gitane Esmeralda, qui sont les véritables héros du roman, tandis que les antipodes, aux commandes du pouvoir séculier ou spirituel, comme le roi Louis XI ou le même archidiacre Frollo, sont différents de la cruauté, du fanatisme, de l'indifférence à l'égard de la souffrance des hommes.

Hugo a tenté de justifier le principe principal de sa poétique romantique – la représentation de la vie dans ses contrastes – avant même la « Préface » de son article sur le roman « Quentin Dorward » de W. Scott. « La vie, écrit-il, n’est-elle pas un drame bizarre dans lequel le bien et le mal, le beau et le laid, le haut et le bas se mélangent – une loi qui opère dans toute la création ? »

Le principe des oppositions contrastées dans la poétique de Hugo reposait sur ses idées métaphysiques sur la vie. la société moderne, dans lequel le facteur déterminant du développement est censé être la lutte entre des principes moraux opposés - le bien et le mal - qui existent depuis l'éternité.

Hugo consacre une place importante dans la « Préface » à la définition du concept esthétique du grotesque, le considérant comme un élément distinctif de la poésie romantique médiévale et moderne. Que veut-il dire par ce concept ? « Le grotesque, à l’opposé du sublime, comme moyen de contraste, est, à notre avis, la source la plus riche que la nature révèle à l’art. »

Hugo a contrasté les images grotesques de ses œuvres avec les images conventionnellement belles du classicisme épigone, estimant que sans introduire dans la littérature des phénomènes à la fois sublimes et vils, à la fois beaux et laids, il est impossible de transmettre la plénitude et la vérité de la vie avec tout le métaphysique. compréhension de la catégorie « grotesque » La justification par Hugo de cet élément de l'art était néanmoins un pas en avant sur le chemin du rapprochement de l'art avec la vérité de la vie.

Dans le roman, il y a un « personnage » qui rassemble tout le monde autour de lui personnages et résume presque toutes les principales intrigues du roman en une seule boule. Le nom de ce personnage est inclus dans le titre de l'œuvre de Hugo - Cathédrale Notre-Dame.

Dans le troisième tome du roman, entièrement consacré à la cathédrale, l'auteur chante littéralement un hymne à cette merveilleuse création du génie humain. Pour Hugo, la cathédrale est « comme une immense symphonie de pierre, une création colossale de l'homme et des gens... un merveilleux résultat de l'union de toutes les forces de l'époque, où de chaque pierre jaillit l'imagination d'un travailleur, emportant des centaines de formes, disciplinées par le génie de l'artiste... Cette création de mains humaines est puissante et foisonnante, comme une création Dieu, à qui elle semblait emprunter un double caractère : diversité et éternité..."

La cathédrale est devenue la principale scène d'action ; les destins de l'archidiacre Claude, Frollo, Quasimodo et Esmeralda y sont liés. Les sculptures en pierre de la cathédrale témoignent de la souffrance humaine, de la noblesse, de la trahison et du juste châtiment. En racontant l'histoire de la cathédrale, nous permettant d'imaginer à quoi elles ressemblaient au XVe siècle lointain, l'auteur obtient un effet particulier. La réalité des structures de pierre que l'on peut observer encore aujourd'hui à Paris confirme aux yeux du lecteur la réalité des personnages, de leurs destins et la réalité des tragédies humaines.

Les destins de tous les personnages principaux du roman sont inextricablement liés au Concile, à la fois par le contour extérieur des événements et par les fils des pensées et des motivations internes. Cela est particulièrement vrai des habitants du temple : l'archidiacre Claude Frollo et le sonneur Quasimodo. Dans le cinquième chapitre du livre quatre, nous lisons : « …Un sort étrange est arrivé à la cathédrale Notre-Dame à cette époque – le sort d'être aimé avec tant de révérence, mais de manières complètement différentes, par deux créatures aussi différentes que Claude et Quasimodo. . L'un d'eux, semblant de demi-homme, sauvage, soumis uniquement à l'instinct, aimait la cathédrale pour sa beauté, pour son harmonie, pour l'harmonie que dégageait cet ensemble magnifique. Un autre, doué d'une imagination ardente enrichie de connaissances, aimait son sens intérieur, le sens caché en lui, aimait la légende qui lui était associée, sa symbolique cachée derrière les décors sculpturaux de la façade - en un mot, aimait le mystère qui restait pour l'esprit humain depuis des temps immémoriaux, la Cathédrale Notre-Dame."

Pour l'archidiacre Claude Frollo, la cathédrale est un lieu de résidence, de service et de recherche mi-scientifique, mi-mystique, un contenant pour toutes ses passions, ses vices, son repentir, son abandon et, finalement, sa mort. Le pasteur Claude Frollo, un scientifique ascétique et alchimique, incarne un esprit rationaliste et froid, triomphant de tous les bons sentiments, joies et affections humains. Cet esprit qui prime sur le cœur, inaccessible à la pitié et à la compassion, est pour Hugo une force maléfique. Les passions basses qui ont éclaté dans l'âme froide de Frollo conduisent non seulement à sa propre mort, mais sont la cause de la mort de toutes les personnes qui comptaient quelque chose dans sa vie : il meurt aux mains de Quasimodo. jeune frère L'archidiacre Jehan, la pure et belle Esmeralda meurt sur la potence, livrée par Claude aux autorités, l'élève du curé Quasimodo, d'abord apprivoisé par lui puis, de fait, trahi, s'engage volontairement à mort. La cathédrale, faisant en quelque sorte partie intégrante de la vie de Claude Frollo, participe ici encore à part entière à l'action du roman : depuis ses galeries, l'archidiacre regarde Esmeralda danser sur la place ; dans la cellule de la cathédrale, équipée par lui pour pratiquer l'alchimie, il passe des heures et des jours en études et recherches scientifiques, ici il supplie Esmeralda d'avoir pitié et de lui donner de l'amour. La cathédrale devient finalement le lieu de sa terrible mort, décrite par Hugo avec une puissance stupéfiante et une authenticité psychologique.

Dans cette scène, la Cathédrale semble aussi presque un être animé : seules deux lignes sont consacrées à la façon dont Quasimodo pousse son mentor de la balustrade, les deux pages suivantes décrivent la « confrontation » de Claude Frollo avec la Cathédrale : « Le sonneur recula de quelques se met derrière l'archidiacre et soudain, dans un accès de rage, se précipitant sur lui, il le pousse dans l'abîme sur lequel se penche Claude... Le curé tombe... Le tuyau d'évacuation sur lequel il se tenait arrêta sa chute. Désespéré, il s'y accrochait à deux mains... Un abîme béait sous lui... Dans cette terrible situation, l'archidiacre ne prononça pas un mot, ne poussa pas un seul gémissement. Il se contenta de se tortiller, faisant des efforts surhumains pour gravir le toboggan jusqu'à la balustrade. Mais ses mains glissaient sur le granit, ses jambes, grattant le mur noirci, cherchaient en vain un appui... L'archidiacre était épuisé. La sueur coulait sur son front chauve, le sang coulait sous ses ongles sur les pierres et ses genoux étaient meurtris. Il entendait comment, à chaque effort qu'il faisait, sa soutane, accrochée au caniveau, se craquait et se déchirait. Pour comble de malheur, la gouttière se terminait par un tuyau en plomb qui pliait sous le poids de son corps... La terre disparaissait peu à peu sous lui, ses doigts glissaient le long de la gouttière, ses bras s'affaiblissaient, son corps s'alourdissait... Il regardait les sculptures impassibles de la tour, suspendues comme lui au-dessus de l'abîme, mais sans crainte pour lui, sans regret pour lui. Tout autour était en pierre : juste devant lui se trouvaient la gueule ouverte des monstres, en dessous de lui, au fond de la place, se trouvait le trottoir, au-dessus de sa tête se trouvait un Quasimodo qui pleurait.

Un homme avec une âme froide et un cœur de pierre dans les dernières minutes de sa vie s'est retrouvé seul avec une pierre froide - et n'attendait de lui aucune pitié, compassion ou miséricorde, car lui-même n'a donné de compassion, de pitié à personne. , ou la miséricorde.

Le lien avec la cathédrale de Quasimodo - ce vilain bossu à l'âme d'enfant amer - est encore plus mystérieux et incompréhensible. Voici ce qu'écrit Hugo à ce propos : « Au fil du temps, des liens forts unissaient le sonneur de cloches à la cathédrale. À jamais coupé du monde par le double malheur qui pesait sur lui - sa sombre origine et sa difformité physique, enfermé depuis l'enfance dans ce double cercle infranchissable, le pauvre garçon avait l'habitude de ne rien remarquer de ce qui se trouvait de l'autre côté des murs sacrés. qui l'abritaient sous leur auvent. Au fur et à mesure qu'il grandissait et se développait, la Cathédrale Notre-Dame lui a servi d'œuf, puis de nid, puis de foyer, puis de patrie, puis enfin d'univers.

Il y avait sans aucun doute une sorte d’harmonie mystérieuse et prédestinée entre cette créature et le bâtiment. Quand, encore tout bébé, Quasimodo, au prix d'efforts pénibles, avançait au galop sous les voûtes sombres, lui, avec sa tête humaine et son corps animal, ressemblait à un reptile, surgissant naturellement parmi les dalles humides et sombres. .

Ainsi, évoluant à l'ombre de la cathédrale, y vivant et dormant, ne la quittant presque jamais et subissant constamment son influence mystérieuse, Quasimodo finit par devenir comme lui ; il semblait avoir grandi pour devenir l'édifice, devenir l'un de ses éléments constitutifs... Il est presque sans exagération de dire qu'il prenait la forme d'une cathédrale, tout comme les escargots prennent la forme d'une coquille. C'était sa maison, son antre, sa coquille. Entre lui et le temple antique, il y avait un profond attachement instinctif, une affinité physique… »

En lisant le roman, on voit que pour Quasimodo la cathédrale était tout - un refuge, une maison, un ami, elle le protégeait du froid, de la méchanceté et de la cruauté humaines, elle satisfaisait le besoin de communication d'un monstre rejeté par les gens : " Ce n’est qu’avec une extrême réticence qu’il tourna son regard vers les gens. Une cathédrale peuplée de statues de marbre de rois, de saints, d'évêques, qui au moins ne lui riaient pas au nez et le regardaient avec un regard calme et bienveillant, lui suffisait amplement. Les statues de monstres et de démons ne le détestaient pas non plus - il leur ressemblait trop... Les saints étaient ses amis et le protégeaient ; les monstres étaient aussi ses amis et le protégeaient. Il leur déversa longtemps son âme. Accroupi devant une statue, il discuta avec elle pendant des heures. Si à ce moment-là quelqu'un entrait dans le temple, Quasimodo s'enfuirait, comme un amant pris dans une sérénade.

Seul un sentiment nouveau, plus fort et jusqu'alors inconnu, pourrait ébranler ce lien inextricable et incroyable entre une personne et un bâtiment. Cela s'est produit lorsqu'un miracle, incarné dans une image innocente et belle, est entré dans la vie d'un paria. Le nom du miracle est Esmeralda. Hugo confère à cette héroïne tous les meilleurs traits inhérents aux représentants du peuple : beauté, tendresse, gentillesse, miséricorde, simplicité et naïveté, incorruptibilité et fidélité. Hélas, dans les temps cruels, chez les gens cruels, toutes ces qualités étaient plus des inconvénients que des avantages : la gentillesse, la naïveté et la simplicité n'aident pas à survivre dans le monde de la colère et de l'intérêt personnel. Esmeralda est morte, calomniée par son amant Claude, trahie par ses proches, Phoebus, et non sauvée par Quasimodo, qui l'adorait et l'idolâtrait.

Quasimodo, qui a réussi, pour ainsi dire, à faire de la cathédrale le « tueur » de l'archidiacre, plus tôt, avec l'aide de la même cathédrale - sa « partie » intégrante - tente de sauver la gitane en la volant de la place de exécution et en utilisant la cellule de la Cathédrale comme refuge, c'est-à-dire un lieu où les criminels persécutés par la loi et l'autorité étaient inaccessibles à leurs poursuivants, derrière les murs sacrés du refuge les condamnés étaient inviolables. Cependant, la mauvaise volonté des gens s’est avérée plus forte et les pierres de la cathédrale Notre-Dame n’ont pas sauvé la vie d’Esmeralda.

38. Le sens des images de Claude Frollo, Quasimodo et Esmeralda dans le roman de V. Hugo « Cathédrale Notre-Dame »

Gypsy Esmeralda fait plaisir à la foule avec son art et toute son apparence. Elle est loin d'être pieuse et ne renonce pas aux plaisirs terrestres. Cette image reflète le plus clairement le regain d'intérêt pour l'homme, qui devient caractéristique principale vision du monde dans une nouvelle ère. Esmeralda est inextricablement liée au peuple. Hugo utilise un contraste romantique, mettant en valeur la beauté de la jeune fille avec des images des classes inférieures de la société, dans la représentation desquelles il utilise le grotesque. Esmeralda est gitane (mais seulement de par son éducation) et française (d'origine).

Sa beauté unique a rendu Frollo fou, et il l'a détruite parce qu'il ne pouvait pas la comprendre et ne pouvait pas se l'approprier. Esmeralda incarne l'idéal de Hugo. C'est sa vision subjective et romantique de la liberté et de la beauté, qui vont toujours de pair. La belle danseuse porte les traits de la nouvelle culture de la Renaissance (nationalité, unité du spirituel et du physique, humanité), qui remplace l'ascétisme médiéval, et cela ne peut être changé (la première scène du roman a un contenu symbolique, qui montre l'inévitable perte de l'église de son ancienne autorité). L'image opposée dans le roman - l'image du sombre scélérat, l'archidiacre Claude Frollo (créé d'après le cardinal-bourreau de Marion Delorme), révèle les nombreuses années de lutte de Hugo contre l'Église.

Le pouvoir royal et son soutien - église catholique- sont dépeints dans le roman comme des forces hostiles au peuple. Le judicieusement cruel Louis XI est très proche de la galerie des criminels couronnés des drames de Hugo. Les sentiments de Claude Frollo sont déformés : l'amour, la faveur parentale, la soif de connaissance sont bloqués par l'égoïsme et la haine. Il exprime aussi une des caractéristiques des gens de la Renaissance, mais c'est avant tout un homme du Moyen Âge, un ascète qui traite avec mépris tous les plaisirs de la vie. Il était protégé de la vie publique par les murs de la cathédrale et de son laboratoire, et son âme est donc en proie à des passions sombres et maléfiques. Claude Frollo voudrait supprimer tous les sentiments terrestres, qu'il considère comme honteux, et se consacrer à l'étude de la synthèse complète des connaissances humaines.

Mais malgré l'objection des sentiments humains, il tomba lui-même amoureux d'Esmeralda. Cet amour est destructeur. Sans la force de le surmonter, Claude Frollo s'engage sur la voie du crime, vouant Esmeralda au tourment et à la mort. Le châtiment vient à l'archidiacre de la part de son serviteur, le sonneur des cloches de la cathédrale, Quasimodo. Pour créer cette image, Hugo utilise particulièrement largement le grotesque. Quasimodo est un monstre extraordinaire. Son visage et sa silhouette sont à la fois drôles et effrayants. Grotesque Quasimodo, laid, handicapé mental, incroyablement fort physiquement, toute sa vie il n'a connu que des insultes et de la cruauté.

Et il a répondu avec cruauté contre cruauté. Même Frollo, qui aurait élevé l'orphelin, ne peut regarder le malheureux qu'avec dégoût. Quasimodo ressemble à des chimères, des animaux fantastiques dont les images ornent la cathédrale. Quasimodo est l'âme de la cathédrale. Le vilain monstre est également tombé amoureux de la belle Esmeralda, mais pas pour sa beauté, mais pour sa gentillesse. Et son âme, qui se réveille du sommeil dans lequel l'a plongé Claude Frollo, se révèle belle. Une bête à sa manière apparence, Quasimodo est un ange dans l'âme. L'amour de Quasimodo pour Esmeralda est un grand amour pour la Madone de la Renaissance. C'est ainsi que Dante aimait Béatrice, c'est ainsi que Pétrarque traitait Laura. Avant de rencontrer Esmeralda, Quasimodo ne savait pas que l'amour, la beauté et la bonté existent dans le monde. L'acte bienveillant de la jeune fille de la Cour des Miracles est devenu pour Quasimodo un « événement sincère » et a bouleversé sa vie. Quasimodo incarne la compréhension de l'auteur de la nature et du destin du peuple, opprimé et impuissant, déraisonnable et servilement obéissant. Mais pas toujours. Avant de rencontrer Esmeralda, la vie de Quasimodo se déroulait comme dans un état de sommeil. Il ne voyait devant lui que l'immense structure de la cathédrale, il la servait et en faisait partie. Maintenant, il a vu autre chose et est prêt à donner sa vie pour cette autre chose.

La protestation de Quasimodo est une protestation inconsciente, cruelle et même terrible. Mais il est difficile de lui en vouloir, on ne peut que sympathiser avec lui. Ainsi Hugo s'exprime à travers l'art romantique propre attitude aux événements révolutionnaires, à un peuple qui s'est éveillé et ne peut plus être différent. L'image de Claude Frollo est complétée par une section portant le titre expressif « L'aversion du peuple ». De l'extérieur, avec brio, mais en réalité, la haute société sans cœur et dévastée s'incarne à l'image du capitaine Phoebus de Chateaupert, qui, comme l'archidiacre, est incapable de sentiments altruistes.

La grandeur spirituelle et le grand humanisme ne sont inhérents qu'aux personnes défavorisées issues du bas de la société ; ce sont les véritables héros du roman. La danseuse de rue Esmeralda symbolise la beauté morale de l'homme ordinaire, le sonneur de cloches sourd et laid Quasimodo symbolise l'éternité du sort social des opprimés. Au centre du roman se trouve la cathédrale Notre-Dame, symbole de la vie spirituelle des Français. La cathédrale a été construite par des centaines d'artisans anonymes ; la description de la cathédrale devient l'occasion d'un poème en prose inspiré sur la vie nationale française. La cathédrale abrite les héros populaires du roman ; leur destin y est étroitement lié ; autour de la cathédrale se trouvent des gens vivants qui ne cessent de se battre. La cathédrale, éternelle et immobile, est le personnage principal du roman. Ce n'est pas seulement un immense bâtiment sur l'île de la Cité, qui unit le Paris universitaire et le Paris bourgeois, c'est Être vivant, qui observe la vie de Claude Frollo, Esmeralda, Quasimodo.

Le Concile incarne la loi éternelle, la loi éternelle de la nécessité, de la mort de l'un et de la naissance de l'autre. En même temps, la cathédrale est un symbole de l'esclavage du peuple, un symbole de l'oppression féodale, des superstitions sombres et des préjugés qui retiennent captives les âmes des gens. Ce n'est pas sans raison que dans l'obscurité de la cathédrale, sous sa voûte se confondant avec d'étranges chimères de pierre, assourdi par le rugissement des cloches, Quasimodo, « l'âme de la cathédrale », dont l'image grotesque personnifie le Moyen Âge, vit seul. .

En revanche, l'image magique d'Esmeralda incarne la joie et la beauté de la vie terrestre, l'harmonie du corps et de l'âme, c'est-à-dire idéaux de la Renaissance. La danseuse Esmeralda vit parmi la foule parisienne et offre au petit peuple son art, son amusement et sa gentillesse. Victor Hugo n’a pas idéalisé le Moyen Âge ; il a montré avec vérité les côtés sombres de la société féodale. En même temps, son œuvre est profondément poétique, remplie d'un ardent amour patriotique pour la France, pour son histoire, pour son art, dans lequel, comme le croyait Hugo, vit l'esprit épris de liberté et le talent du peuple français. La concentration de traits opposés et l’intensification des passions créent un puissant effet pictural et font de l’œuvre de Hugo l’une des plus brillantes de l’histoire de la littérature mondiale.

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"Notre Dame" comme roman historique romantique

Réalisé par un étudiant de 3ème année OZ

Chepurnaya P.V.

INTRODUCTION

La personnalité de Victor Hugo frappe par sa polyvalence. L'un des prosateurs français les plus lus au monde, il est pour ses compatriotes avant tout un grand poète national, un réformateur du vers et du théâtre français, ainsi qu'un publiciste patriote et un homme politique démocrate. Mais il y a un roman qui lui a valu non seulement une renommée entièrement française, mais aussi mondiale en tant que romancier. Il s'agit du roman « Cathédrale Notre-Dame » de Lunacharsky A.V. Victor Hugo. Le parcours créatif d'un écrivain. M., 1931 p.19.

Hugo a commencé à travailler sur ce roman deux jours avant le début de la Révolution de Juillet, c'est-à-dire le 25 juillet 1830. Le livre a été publié le 16 mars 1831 - pendant les jours anxieux de troubles et de destruction de l'archevêché par les personnes. Des événements politiques turbulents ont déterminé la nature du roman, qui était historique dans sa forme, mais profondément moderne dans ses idées. Captivé par la ferveur révolutionnaire du peuple français, l'écrivain a cherché à retrouver dans l'histoire lointaine les prémices de leurs futures grandes actions, a cherché à explorer les profonds changements qui s'opèrent dans la conscience et l'âme des hommes dans des temps troublés, au tournant de deux époques.

Hugo a conçu son roman comme une image épique du Paris médiéval, tenant compte de l'état des mœurs, des croyances, des arts et enfin de la civilisation du XVe siècle. Evnin E.M. Victor Hugo. M., 1976 p.33.

La « Cathédrale Notre-Dame » de Victor Hugo est souvent étudiée et discutée, tant dans notre pays que dans le monde. Dans le roman, vous pouvez trouver une couche sociale, romantique et historique. Cette polyvalence séduit à la fois les lecteurs et les chercheurs depuis plus d’un siècle et demi.

Dans la littérature romantique française, « Notre Dame de Paris » était une œuvre marquante genre historique. Par le pouvoir de son imagination créatrice, Hugo cherchait à recréer la vérité de l’histoire, qui constituerait une instruction instructive pour les temps modernes.

Victor Hugo a réussi non seulement à exposer les contradictions sociales de cette époque, mais aussi à transmettre la saveur de l'époque. À cette fin, il a soigneusement étudié tous les ouvrages historiques, chroniques, chartes et autres documents à partir desquels il était possible de glaner des informations sur la morale et les convictions politiques du Moyen Âge français à l'époque de Louis 11 Evnin E.M. Victor Hugo. M., 1976 p. 33. Mais dans le roman, le « plan » historique ne sert que de base générale à l'intrigue, dans laquelle agissent des personnages fictifs et se développent des événements créés par l'imagination de l'auteur. En fait, un seul événement historique est indiqué dans le roman (l'arrivée des ambassadeurs pour le mariage du Dauphin et de Marguerite en janvier 1842), et vrais personnages(Louis XIII, cardinal de Bourbon, ambassadeurs) sont éclipsés par de nombreux personnages de fiction. Tous les personnages principaux du roman - Claude Frollo, Quasimodo, Esmeralda, Phoebus - sont de sa fiction. Seul Pierre Gringoire fait exception : il possède un véritable prototype historique - il a vécu à Paris au XVe - début du XVIe siècle. poète et dramaturge. L'intrigue du roman n'est basée sur aucun événement historique majeur, et seules des descriptions détaillées de la cathédrale Notre-Dame et du Paris médiéval peuvent être attribuées à des faits réels. La vérité d’un roman historique ne réside pas dans l’exactitude des faits, mais dans la fidélité à l’air du temps. Hugo accorde une attention particulière au vocabulaire de ses personnages. Cela se voit le plus clairement dans la façon dont le vocabulaire du roman est développé, reflétant le langage parlé par toutes les couches de la société au XVe siècle. Par exemple, les chansons des gens de cette époque :

Jean Balut, notre cardinal,

J'ai perdu le compte des diocèses

Il est rapide.

Et son ami Verdun

Soudainement perdu, apparemment

Tout jusqu'à l'os. Hugo V. Cathédrale Notre-Dame. M., 2003 p.456.

Cathédrale romaine Hugo Notre Dame Paris

il y a une terminologie du domaine de l'architecture, des citations du latin, des archaïsmes, l'argot de la foule de la Cour des Miracles, un mélange d'espagnol, d'italien et de latin. Dans la compréhension de l'auteur du roman, le peuple n'est pas seulement une masse sombre et ignorante, une victime passive des oppresseurs : il est plein de forces créatrices et de volonté de se battre, l'avenir lui appartient. Bien que Hugo n'ait pas dressé un tableau général du mouvement populaire en France au XVe siècle, il a vu dans le peuple cette force irrésistible qui, dans des soulèvements continus, a fait preuve d'une énergie indomptable, obtenant la victoire souhaitée. L’image d’un peuple en éveil s’incarne dans Quasimodo. La scène dans laquelle Esmeralda donne à boire à Quasimodo, qui souffre au pilori, est pleine de signification secrète : c'est un peuple languissant dans l'esclavage qui reçoit un souffle de liberté vivifiant. Si avant de rencontrer Esmeralda, le bossu était en quelque sorte l'un des monstres de pierre de la cathédrale, pas tout à fait humain (d'après le nom latin qui lui a été donné - Quasimodo, « presque », « comme si ») Hugo V. Cathédrale Notre Dame. M., 2003 p. 163 puis, tombé amoureux d'elle, il devient presque un surhomme. Le sort de Quasimodo est une garantie que le peuple reviendra également à la vie. Le peuple, dans la compréhension de l'auteur du roman, est une force formidable, dans l'activité aveugle de laquelle les idées de justice se frayent un chemin (seuls les « clochards » ont pu prendre la défense d'Esmeralda innocemment condamnée) . Dans les scènes de la prise de la cathédrale par les masses populaires, Hugo fait allusion à la future prise de la Bastille en 1789, à la révolution que le stockeur gantois Jacques Copenola prédit au roi Louis XI «... quand les bruits de la sonnette d'alarme retentit d'en haut, quand les canons rugissent, quand la tour s'effondre dans un rugissement infernal, quand soldats et citoyens rugissent et se précipitent dans un combat mortel - c'est alors que l'heure sonnera. M., 2003 p. 472. Ces scènes contiennent une allusion à la continuité des événements du passé et du présent lointain, qui se reflète dans les réflexions de l'écrivain sur son époque, capturées dans les troisième et quatrième livres du roman. Cela a été facilité par ces événements politiques mouvementés (la Révolution de Juillet, les émeutes du choléra, la destruction de l'archevêché par le peuple), au cours desquels la « Cathédrale » a été créée.

Les traits du romantisme dans le roman se sont manifestés par un contraste frappant entre positif et caractères négatifs héros, un décalage inattendu entre le contenu externe et interne de la nature humaine. Hugo utilise de nombreuses comparaisons, métaphores, antithèses et fait preuve d'une ingéniosité étonnante dans l'utilisation des verbes. Le style et la composition du roman sont contrastés : par exemple, la solennité ironique des audiences du tribunal est remplacée par l'humour simple de la foule lors de la fête des bouffons ; le mélodrame du chapitre « La Pantoufle » (la scène de reconnaissance) - la scène terrifiante du supplice de Quasimodo sur la place de Grève ; L'amour romantique d'Esmeralda pour Phoebus contraste avec l'amour de Claude Frollo pour Esmeralda.

Les personnages exceptionnels montrés dans des circonstances extraordinaires sont aussi un signe de romantisme. Les personnages principaux du roman - Esmeralda, Quasimodo, Claude Frollo - sont l'incarnation de l'une ou l'autre qualité humaine.

Esmeralda symbolise la beauté morale de l'homme ordinaire. Hugo confère à cette héroïne tous les meilleurs traits inhérents aux représentants du peuple : beauté, tendresse, gentillesse, miséricorde, simplicité et naïveté, incorruptibilité et fidélité. Le beau Phoebus et son épouse Fleur-de-Lys incarnent la haute société, extérieurement brillants, intérieurement vides, égoïstes et sans cœur. Le centre des forces obscures est l'archidiacre Claude Frollo, un représentant de l'Église catholique. Dans Quasimodo, l’idée humaniste démocratique de Hugo s’incarne : laid d’apparence, rejeté par son statut social, le sonneur de cloches de la cathédrale se révèle être un personnage hautement moral. On ne peut pas en dire autant des personnes occupant une position élevée dans la hiérarchie sociale (Louis XI lui-même, chevaliers, gendarmes, fusiliers, courtisans). C'est en Esmeralda, Quasimodo, les exclus de la Cour des Miracles que Hugo voit les héros populaires du roman, pleins de force morale et de véritable humanisme.

Notre-Dame fut la plus grande réalisation de Hugo, le jeune leader des Romantiques. Selon l'historien Michelet, "Victor Hugo en a construit une autre à côté de l'ancienne cathédrale - une cathédrale poétique aussi solide dans ses fondations que la première, et élevant ses tours tout aussi hautes". Victor Hugo. Le parcours créatif d'un écrivain. M., 1931 p.19.

Ce n'est pas pour rien que l'image de la cathédrale occupe une place centrale dans le roman. Église chrétienne a joué un rôle important dans le système de servage. L'un des personnages principaux, l'archidiacre de la cathédrale, Claude Frollo, incarne la sombre idéologie des ecclésiastiques. Fervent fanatique, il se consacrait à l’étude des sciences, mais la science médiévale était étroitement associée au mysticisme et à la superstition. Homme d’une intelligence extraordinaire, Frollo sentit bientôt l’impuissance de cette sagesse. Mais les préjugés religieux ne lui permettent pas d'aller au-delà. Il expérimente « l’horreur et l’étonnement d’un servant d’autel » avant l’impression, comme avant toute autre innovation. Il a artificiellement supprimé les désirs humains en lui-même, mais n'a pas pu résister à la tentation que lui causait la gitane. Le moine fanatique devint frénétique, cynique et grossier dans sa passion, révélant jusqu'au bout sa bassesse et sa dureté de cœur.

L'image sombre de la cathédrale apparaît dans le roman comme un symbole du catholicisme, qui a réprimé l'homme pendant des siècles. La cathédrale est un symbole de l'esclavage du peuple, un symbole de l'oppression féodale, des superstitions sombres et des préjugés qui retiennent captives les âmes des gens. Ce n'est pas pour rien que dans l'obscurité de la cathédrale, sous ses arcades se confondant avec d'étranges chimères de marbre, assourdi par le rugissement des cloches, Quasimodo, « l'âme de la cathédrale », dont l'image grotesque personnifie le Moyen Âge, vit seul. . En revanche, la charmante image d'Esmeralda incarne la joie et la beauté de la vie terrestre, l'harmonie du corps et de l'âme, c'est-à-dire les idéaux de la Renaissance, qui a remplacé le Moyen Âge. La rupture des époques traverse les destins, le cœur des héros de « Cathédrale ». Ce n'est pas un hasard si Esmeralda est comparée à la Mère de Dieu tout au long du roman. La lumière vient d'elle. Ainsi l'auteur le suggère métaphoriquement : la divinité des temps modernes est la liberté, à l'image d'Esmeralda - la promesse d'une liberté future.

Rock, la mort des héros, c'est le Moyen Âge. L'ère vieillissante et mourante, sentant approcher sa fin, poursuit avec plus d'acharnement nouvelle vie. Le Moyen Âge se venge d'Esmeralda pour sa liberté et de Quasimodo pour s'être libéré du pouvoir de la pierre. Les lois, les préjugés et les habitudes du moyen âge les tuent.

Hugo n’a pas idéalisé le Moyen Âge, comme le faisaient de nombreux écrivains romantiques ; il a montré avec vérité les côtés sombres du passé féodal. En même temps, son livre est profondément poétique, plein d'un ardent amour patriotique pour la France, son histoire, son art, dans lesquels vit, selon l'écrivain, l'esprit épris de liberté du peuple français.

CONCLUSION

L'éclat des couleurs avec lesquelles la vie médiévale est représentée est tiré dans une bien plus grande mesure de l'imagination romantique que de sources authentiques Lunacharsky A.V. Victor Hugo. Le parcours créatif d'un écrivain. M., 1931 p.19.

"Notre Dame de Paris" est construit sur les contrastes du bien et du mal, de la miséricorde et de la cruauté, de la compassion et de l'intolérance, du sentiment et de la raison. Le roman est rempli de personnages solides et larges, de passions fortes, d'exploits et de martyres au nom des croyances.

Le héros romantique Quasimodo change selon le modèle classique : un héros au caractère extraordinaire change dans une situation exceptionnelle.

Hugo prône la simplicité, l'expressivité, la sincérité du discours poétique, l'enrichissement de son vocabulaire en incluant des dictons populaires par opposition au classicisme.

L'historicisme du roman réside davantage dans « l'aura » du Moyen Âge créée par l'auteur (à travers la parole, l'architecture, les noms, les rituels) que dans la description d'événements ou de personnages historiques réels.

Le roman est construit comme un système d’oppositions polaires. Ces contrastes ne sont pas seulement dispositif artistique pour l'auteur, mais le reflet de ses positions idéologiques, de ses conceptions de la vie.

« Notre-Dame de Paris » est devenue l'un des meilleurs exemples de roman historique, incorporant une image diversifiée et pittoresque de la vie médiévale française.

BIBLIOGRAPHIE

1. Cathédrale Hugo V. Notre-Dame. M., 2003

2. Evnina E.M. Victor Hugo. M., 1976

3. Lounatcharski A.V. Victor Hugo. Le parcours créatif d'un écrivain. M., 1931

4. Meshkova V.I. oeuvres de Victor Hugo. Saratov, 1971

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Contrairement aux héros de la littérature des XVIIe et XVIIIe siècles, les héros de Hugo combinent des qualités contradictoires. Utilisant largement la technique romantique des images contrastées, parfois délibérément exagérées, virant au grotesque, l'écrivain crée des personnages complexes et ambigus. Il est attiré par les passions gigantesques et les actes héroïques. Il vante la force de son caractère de héros, son esprit insoumis, insoumis, et sa capacité à lutter contre les circonstances. Dans les personnages, les conflits, l'intrigue et le paysage de la « Cathédrale Notre-Dame », le principe romantique du reflet de la vie - des personnages exceptionnels dans des circonstances extraordinaires - a triomphé. Le monde des passions débridées, des personnages romantiques, des surprises et des accidents, l'image d'un homme courageux qui ne succombe à aucun danger, c'est ce que Hugo glorifie dans ces œuvres.

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CHISINAU 2011

PRINCIPES ROMANTIQUES DANS LE ROMAN DE V. HUGO « LA CATHÉDRALE NOTRE DAMY DE PARIS ».

Véritable exemple de la première période du développement du romantisme, son exemple classique reste le roman « Notre Dame de Paris » de Victor Hugo.

Dans son œuvre, Victor Hugo a créé des images romantiques uniques : Esmeralda - l'incarnation de l'humanité et de la beauté spirituelle, Quasimodo, dans le corps laid duquel se trouve un cœur réactif.

Il est significatif que ce soit précisément cette idée morale du premier roman d’Hugo que F. M. Dostoïevski ait hautement apprécié. Proposant la traduction en russe de « Cathédrale Notre-Dame », il écrit dans la préface, publiée en 1862 dans la revue « Time », que l'idée decet ouvrage est « la restauration personne morte, écrasé par l’oppression injuste des circonstances… Cette pensée est la justification des parias humiliés et rejetés de la société. "Qui ne penserait", écrit encore Dostoïevski, "que Quasimodo est la personnification du peuple médiéval opprimé et méprisé... chez qui l'amour et la soif de justice s'éveillent enfin, et avec lui la conscience de sa vérité et de son chemin encore inexploré". des pouvoirs infinis "

L'AMOUR DE QUASIMODO ET CLAUDE FROLLO POUR ESMERALDA. ROMANTISME DANS "LA CATHÉDRALE NOTRIE MARIE DE PARIS".

Il existe une différence fondamentale entre l'amour de Quasimodo et celui de Claude Frollo pour Esmeralda. La passion de Claude Frollo est égoïste. Il n'est occupé que par ses propres expériences, et Esmeralda n'existe pour lui que comme objet de ses expériences. Par conséquent, il ne reconnaît pas son droit à une existence indépendante et perçoit toute manifestation de sa personnalité comme une désobéissance, comme une trahison. Lorsqu'elle rejette sa passion, il ne supporte pas l'idée que la jeune fille puisse aller chez quelqu'un d'autre et il la livre lui-même entre les mains du bourreau. La passion destructrice de Claude Frollo s'oppose à l'amour profond et pur de Quasimodo. Il aime Esmeralda de manière totalement désintéressée, sans prétendre à rien et sans rien attendre de sa bien-aimée. Sans rien exiger en retour, il la sauve et lui donne refuge dans la Cathédrale ; De plus, il est prêt à tout pour le bonheur d'Esmeralda et veut lui amener celui dont elle est amoureuse - le beau capitaine Phoebus de Chateaupert, mais il refuse lâchement de la rencontrer. Par amour, Quasimodo est capable d'un exploit d'abnégation - aux yeux de l'auteur, il est un véritable héros.

Le troisième sommet du triangle amoureux dans le roman est l'image de la belle Esmeralda. Elle incarne dans le roman l'esprit de la Renaissance qui approche, l'esprit de l'époque remplaçant le Moyen Âge, elle est toute joie et harmonie. Un esprit rabelaisien éternellement jeune, vif et joyeux bouillonne en elle ; cette jeune fille fragile, par son existence même, défie l'ascétisme médiéval. Les Parisiens perçoivent le jeune gitan avec une chèvre blanche comme une vision surnaturelle et belle, mais, malgré l'idéalisation extrême et le mélodrame de cette image, elle a ce degré de vitalité atteint avec une typification romantique. Esmeralda contient les principes de justice et de bonté (l'épisode du sauvetage du poète Pierre Gringoire de la potence à la Cour des Miracles), elle vit largement et librement, et son charme aérien, son naturel, sa santé morale s'opposent également à la laideur de Quasimodo et l'ascèse sombre de Claude Frollo. Le romantisme de cette image affecte également l'attitude d'Esmeralda envers l'amour - elle ne peut pas changer ses sentiments, son amour est sans compromis, c'est littéralement l'amour jusqu'à la tombe et, par amour, elle va à la mort.

Les personnages secondaires du roman sont également hauts en couleur : le jeune aristocrate Fleur de Lys, le roi, son entourage ; Les photos du Paris médiéval sont magnifiques. Ce n'est pas pour rien qu'Hugo a consacré autant de temps à l'étude de l'époque historique : il en dessine l'architecture ajourée et multicolore ; la polyphonie de la foule populaire transmet les particularités de la langue de l'époque et, en général, le roman peut être qualifié d'encyclopédie de la vie médiévale.

Le caractère unique du romantisme de "Notre Dame de Paris" de Hugo réside dans le fait qu'une intrigue très riche et complexe, pleine de secrets et d'intrigues, est jouée par des personnages brillants et exceptionnels, révélés par des images contrastées. Les personnages romantiques en général sont statiques ; ils ne changent pas avec le temps, ne serait-ce que parce que l'action dans les œuvres romantiques se développe très rapidement et couvre une courte période de temps. Le héros romantique semble apparaître un court instant devant le lecteur, comme arraché aux ténèbres par un éclair éblouissant. Dans une œuvre romantique, les héros se révèlent à travers le contraste des images et non à travers le développement des personnages. Ce contraste prend souvent un caractère mélodramatique exceptionnel et des effets mélodramatiques typiquement romantiques apparaissent. Le roman de Hugo dépeint des passions exagérées et hypertrophiées. Hugo utilise les catégories traditionnelles de l'esthétique romantique - la lumière et les ténèbres, le bien et le mal - mais les remplit d'un contenu très spécifique. Hugo pensait qu'une œuvre d'art ne devait pas copier servilement la réalité, mais la transformer, la présenter sous une forme « condensée », concentrée. Il a comparé une œuvre littéraire à un miroir concentrant, fusionnant des rayons individuels de vie en une flamme vive et multicolore. Tout cela a fait de Notre-Dame l'un des exemples les plus brillants de prose romantique, a déterminé le succès du roman auprès de ses premiers lecteurs et critiques et continue de déterminer sa popularité aujourd'hui.

Le monde majestueux et monumental de Hugo incarnait à la fois les côtés sublimes et vulnérables du romantisme. Une curieuse déclaration à propos de Hugo M. Tsvetaeva : « Les éléments ont choisi cette plume pour leur héraut. Chaque ligne est une formule. La magnificence des lieux communs vient d'être créée. La rose est toujours parfumée. Un mendiant est un mendiant complet. La fille est toujours innocente. Dans la taverne, ils se saoulent toujours. Le chien ne peut s'empêcher de mourir sur la tombe du propriétaire. des surprises. »

Bibliographie:

Ressources Internet :

http://www.licey.net/lit/foreign/gugoLove
http://etelien.ru/Collection/15/15_00139.htm

PRINCIPES ROMANTIQUES DANS LE ROMAN DE V. HUGO
"LA Cathédrale Notre-Dame de Paris"
INTRODUCTION
Véritable exemple de la première période de développement du romantisme, son exemple classique reste le roman « Notre Dame de Paris » de Victor Hugo.
Dans son œuvre, Victor Hugo a créé des images romantiques uniques : Esmeralda est l'incarnation de l'humanité et de la beauté spirituelle, Quasimodo, dans le corps laid duquel se trouve un cœur réactif.
Contrairement aux héros de la littérature des XVIIe et XVIIIe siècles, les héros de Hugo combinent des qualités contradictoires. Utilisant largement la technique romantique des images contrastées, parfois délibérément exagérées, virant au grotesque, l'écrivain crée des personnages complexes et ambigus. Il est attiré par les passions gigantesques et les actes héroïques. Il vante la force de caractère du héros, son esprit rebelle et sa capacité à faire face aux circonstances. Dans les personnages, les conflits, l'intrigue et le paysage de la « Cathédrale Notre-Dame », le principe romantique du reflet de la vie - des personnages exceptionnels dans des circonstances extraordinaires - a triomphé. Un monde de passions débridées, de personnages romantiques, de surprises et d'accidents, l'image d'un homme courageux qui ne succombe à aucun danger, c'est ce que chante Hugo dans ces œuvres.
Hugo soutient qu’il existe une lutte constante dans le monde entre le bien et le mal. Dans le roman, encore plus clairement que dans la poésie de Hugo, se dessine la recherche de nouvelles valeurs morales, que l'écrivain trouve, en règle générale, non pas dans le camp des riches et des puissants, mais dans le camp des dépossédés et méprisé les pauvres. Tous les meilleurs sentiments - gentillesse, sincérité, dévouement désintéressé - leur sont donnés par l'enfant trouvé Quasimodo et la gitane Esmeralda, qui sont les véritables héros du roman, tandis que les Antipodes, à la tête du pouvoir séculier ou spirituel, comme le roi Louis XI ou le même archidiacre Frollo se distinguent par la cruauté et le fanatisme, l'indifférence à l'égard de la souffrance des gens.
Il est significatif que ce soit précisément cette idée morale du premier roman d’Hugo que F. M. Dostoïevski ait hautement apprécié. Proposant la traduction en russe de « Notre Dame de Paris », il écrit dans la préface, publiée en 1862 dans la revue « Time », que l'idée de cette œuvre est « la restauration d'une personne perdue, écrasée par l'oppression injuste ». des circonstances... Cette idée est la justification des parias humiliés et rejetés de la société. « Qui ne penserait, écrit encore Dostoïevski, que Quasimodo est la personnification du peuple médiéval opprimé et méprisé... chez qui l'amour et la soif de justice s'éveillent enfin, et avec lui la conscience de sa vérité et de son des pouvoirs infinis inexplorés.

Chapitre 1.
LE ROMANTISME COMME TENDANCE LITTÉRAIRE
1.1 Cause
Le romantisme comme idéologie et direction artistique est apparu dans la culture en fin XVIII siècle. Le mot français romantique signifiait alors « étrange », « fantastique », « pittoresque ».
Au XIXe siècle, le mot « romantisme » devient un terme pour désigner un nouveau mouvement littéraire, opposé au classicisme.
Dans la compréhension moderne, le terme « romantisme » prend un sens différent et élargi. Il désigne un type de créativité artistique opposé au réalisme, dans lequel le rôle décisif n'est pas joué par la perception de la réalité, mais par sa recréation, l'incarnation de l'idéal de l'artiste. Ce type de créativité se caractérise par une conventionnalité démonstrative. de forme, de fantastique, de grotesque des images et de symbolisme.
L'événement qui a servi d'impulsion pour réaliser l'incohérence des idées du XVIIIe siècle et pour changer la vision du monde des gens en général fut la Grande Révolution bourgeoise française de 1789. Au lieu du résultat escompté – « Liberté, égalité et fraternité » – cela n’a apporté que la faim et la dévastation, et avec elles la déception à l’égard des idées des Lumières. La déception face à la révolution comme moyen de changement existence sociale a provoqué une forte réorientation de la psychologie sociale elle-même, un détournement d'intérêt de la vie extérieure d'une personne et de ses activités dans la société vers les problèmes de la vie spirituelle et émotionnelle de l'individu.
Dans cette atmosphère de doute, de changements de points de vue, d'évaluations, de jugements et de surprises, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, un nouveau phénomène de la vie spirituelle est apparu : le romantisme.
L'art romantique se caractérise par : une aversion pour la réalité bourgeoise, un rejet décisif des principes rationalistes des Lumières et du classicisme bourgeois, une méfiance à l'égard du culte de la raison, caractéristique des éclaireurs et des écrivains du nouveau classicisme.
Le pathos moral et esthétique du romantisme est principalement associé à l'affirmation de la dignité de la personne humaine, la valeur intrinsèque de sa vie spirituelle et créatrice. Cela s'exprime dans les images des héros de l'art romantique, caractérisé par la représentation de personnages extraordinaires et de passions fortes, ainsi que par un désir de liberté sans limites. La révolution a proclamé la liberté individuelle, mais la même révolution a donné naissance à l’esprit d’acquisition et d’égoïsme. Ces deux facettes de la personnalité (le pathétique de la liberté et de l'individualisme) se sont manifestées de manière très complexe dans la conception romantique du monde et de l'homme.

1.2. Caractéristiques principales
La déception à l’égard du pouvoir de la raison et de la société s’est progressivement transformée en « pessimisme cosmique », elle s’est accompagnée d’humeurs de désespoir, de désespoir et de « tristesse mondiale ». Le thème interne du « monde terrible », avec sa puissance aveugle relations matérielles, la mélancolie de l'éternelle monotonie de la réalité quotidienne, a traversé toute l'histoire de la littérature romantique.
Les romantiques étaient sûrs que « ici et maintenant » est l'idéal, c'est-à-dire une vie plus significative, plus riche et plus épanouissante était impossible, mais ils ne doutaient pas de son existence - c'est ce qu'on appelle le double monde romantique. C'était la recherche d'un idéal, le désir de celui-ci, la soif de renouveau et de perfection qui les remplissait. leur vie a un sens.
Les romantiques rejettent résolument le nouvel ordre social. Ils ont mis en avant leur propre « héros romantique » - une personnalité exceptionnelle, spirituellement riche, qui se sentait seule et agitée dans le monde bourgeois naissant, mercantile et hostile à l'homme. Les héros romantiques se sont soit détournés de la réalité par désespoir, soit se sont rebellés contre elle, ressentant douloureusement le fossé entre l'idéal et la réalité, impuissants à changer la vie qui les entourait, mais préférant mourir plutôt que de l'accepter. La vie de la société bourgeoise paraissait si vulgaire et prosaïque aux romantiques qu'ils refusaient parfois de la décrire et coloraient le monde de leur imagination. Les romantiques dépeignent souvent leurs héros comme étant dans une relation hostile avec la réalité environnante, insatisfaits du présent et culpabilisés envers le monde de leurs rêves.
Les romantiques niaient la nécessité et la possibilité d’un reflet objectif de la réalité. C’est pourquoi ils ont proclamé que l’arbitraire subjectif de l’imagination créatrice était la base de l’art. Les intrigues des œuvres romantiques ont été choisies pour inclure des événements exceptionnels et des décors extraordinaires dans lesquels les héros agissaient.
Les romantiques étaient attirés par tout ce qui est inhabituel (l'idéal peut être là) : la fantaisie, le monde mystique des forces d'un autre monde, le futur, les pays exotiques lointains, l'originalité des peuples qui les habitent, les époques historiques passées. L’exigence d’une recréation fidèle du lieu et du temps est l’une des réalisations les plus importantes de l’ère du romantisme. C’est à cette époque que se crée le genre du roman historique.
Mais les héros de leurs œuvres eux-mêmes étaient exceptionnels. Ils s'intéressaient aux passions dévorantes, aux sentiments forts, aux mouvements secrets de l'âme, ils parlaient de la profondeur et de l'infinité intérieure de la personnalité et de la solitude tragique d'une personne réelle dans le monde qui les entourait.
Les romantiques étaient vraiment seuls parmi les gens qui ne voulaient pas remarquer la vulgarité, le prosaïsme et le manque de spiritualité de leur vie. Rebelles et chercheurs, ils méprisaient ces gens. Ils préféraient être rejetés et incompris plutôt que, comme la plupart de leur entourage, de se vautrer dans la médiocrité, la monotonie et la banalité d’un monde incolore et prosaïque. La solitude est un autre trait du héros romantique.
Parallèlement à une attention accrue à l'individu caractéristique Le romantisme avait le sens du mouvement de l’histoire et de l’implication de l’homme dans celui-ci. Le sentiment d'instabilité et de variabilité du monde, la complexité et la contradiction de l'âme humaine ont déterminé la perception dramatique, parfois tragique, de la vie par les romantiques.
Dans le domaine de la forme, le romantisme oppose l'« imitation classique de la nature » à la liberté créatrice de l'artiste, qui crée son propre monde particulier, plus beau, et donc plus réel, que la réalité environnante.

Chapitre 2.
VICTOR HUGO ET SON ŒUVRE
2.1 Principes romantiques de Victor Hugo
Victor Hugo (1802-1885) est entré dans l'histoire littéraire comme le chef et le théoricien du romantisme démocratique français. Dans la préface du drame « Cromwell », il expose de manière vivante les principes du romantisme en tant que nouveau mouvement littéraire, déclarant ainsi la guerre au classicisme, qui avait encore une forte influence sur toute la littérature française. Cette préface s'appelait le « Manifeste ». » des romantiques.
Hugo revendique une liberté absolue pour le théâtre et la poésie en général. « A bas toutes sortes de règles et de schémas ! "- s'exclame-t-il dans le "Manifeste". Les conseillers du poète, dit-il, devraient être la nature, la vérité et sa propre inspiration ; en dehors d'elles, les seules lois obligatoires pour le poète sont celles qui, dans toute œuvre, découlent de son intrigue.
Dans la « Préface de Cromwell », Hugo définit sujet principal de toute la littérature moderne - une représentation des conflits sociaux dans la société, une représentation de la lutte intense de diverses forces sociales se rebellent les unes contre les autres
Hugo a tenté de justifier le principe principal de sa poétique romantique – la représentation de la vie dans ses contrastes – avant même la « Préface » de son article sur le roman « Quentin Dorward » de W. Scott. « La vie, écrit-il, n’est-elle pas un drame bizarre dans lequel le bien et le mal, le beau et le laid, le haut et le bas se mélangent – une loi qui opère dans toute la création ? »
Le principe des oppositions contrastées dans la poétique de Hugo était basé sur ses idées métaphysiques sur la vie de la société moderne, dans lesquelles le facteur déterminant du développement est censé être la lutte des principes moraux opposés - le bien et le mal - qui existent depuis l'éternité.
Hugo consacre une place importante dans la « Préface » à la définition du concept esthétique du grotesque, le considérant comme un élément distinctif de la poésie romantique médiévale et moderne. Qu'entend-il par ce concept ? « Le grotesque, à l’opposé du sublime, comme moyen de contraste, est, à notre avis, la source la plus riche que la nature révèle à l’art. »
Hugo a contrasté les images grotesques de ses œuvres avec les images conventionnellement belles du classicisme épigone, estimant que sans introduire dans la littérature des phénomènes à la fois sublimes et vils, à la fois beaux et laids, il est impossible de transmettre la plénitude et la vérité de la vie avec tout le métaphysique. Comprenant la catégorie « grotesque », la justification de cet élément de l'art Hugo était néanmoins un pas en avant sur le chemin du rapprochement de l'art avec la vérité de la vie.
Hugo considérait l'œuvre de Shakespeare comme le summum de la poésie des temps modernes, car dans l'œuvre de Shakespeare, à son avis, il y avait une combinaison harmonieuse d'éléments de tragédie et de comédie, d'horreur et de rire, de sublime et de grotesque - l'amalgame de ces éléments constituent le drame, qui « est une création typique de la troisième ère de la poésie, pour la littérature moderne ».
Hugo le romantique proclamait une imagination libre et sans restriction créativité poétique. Il considérait que le dramaturge avait le droit de s'appuyer sur des légendes, et non sur de véritables faits historiques, et de négliger l'exactitude historique. Selon lui, « il ne faut pas chercher dans le drame une histoire pure, même si elle est « historique ». Elle expose des légendes, pas des faits. C’est une chronique, pas une chronologie.
La « Préface de Cromwell » insiste avec persistance sur le principe d’une représentation véridique et multiforme de la vie. Hugo parle de la « véracité » (« le vrai ») comme du trait principal de la poésie romantique. Hugo soutient que le drame ne devrait pas être un miroir ordinaire donnant une image plate, mais un miroir concentrant, qui « non seulement n'affaiblit pas les rayons colorés, mais, au contraire, les collecte et les condense, transformant le scintillement en lumière et la lumière en lumière ». flamme." Derrière cette définition métaphorique se cache le désir de l’auteur de choisir activement les phénomènes lumineux les plus caractéristiques de la vie, et de ne pas simplement copier tout ce qu’il a vu. Le principe de typification romantique, qui se résume au désir de sélectionner dans la vie les traits, les images et les phénomènes les plus marquants et les plus uniques par leur originalité, a permis aux écrivains romantiques d'aborder efficacement le reflet de la vie, ce qui distinguait leur poétique de la dogmatique. poétique du classicisme.
Les caractéristiques d’une compréhension réaliste de la réalité sont contenues dans la discussion de Hugo sur la « couleur locale », par laquelle il entend la reproduction du véritable cadre de l’action, des caractéristiques historiques et quotidiennes de l’époque choisie par l’auteur. Il dénonce la mode largement répandue consistant à appliquer hâtivement des touches de « couleur locale » produit fini. Le drame, selon lui, doit être imprégné de l’intérieur de la couleur de l’époque, il doit apparaître en surface, « comme la sève qui monte de la racine d’un arbre jusqu’à sa dernière feuille ». Cela ne peut être réalisé que grâce à une étude minutieuse et persistante de l’époque représentée.
Hugo conseille aux poètes de la nouvelle école romantique de représenter une personne dans le lien inextricable entre sa vie extérieure et son monde intérieur, exigeant une combinaison dans une seule image du « drame de la vie avec le drame de la conscience ».
Le sens romantique de l’historicisme et la contradiction entre l’idéal et la réalité se réfractent de manière unique dans la vision du monde et dans l’œuvre de Hugo. Il voit la vie comme pleine de conflits et de dissonances, car il y a une lutte constante entre deux principes moraux éternels - le Bien et le Mal. Et les « antithèses » (contraste) criantes sont destinées à exprimer cette lutte - la principale principe artistiqueécrivain, proclamé dans la « Préface de Cromwell », dans laquelle s'opposent les images du beau et du laid, qu'il dessine. il est une image de la nature, de l'âme de l'homme ou de la vie de l'humanité. Dans l’histoire, l’élément du Mal, le « grotesque », fait rage ; des images de l’effondrement des civilisations, de la lutte des peuples contre des despotes sanglants, des images de souffrance, de désastres et d’injustice parcourent toute l’œuvre de Hugo. Et pourtant, au fil des années, Hugo est devenu de plus en plus fort dans sa compréhension de l’histoire comme un mouvement rigoureux du Mal au Bien, des ténèbres à la lumière, de l’esclavage et de la violence à la justice et à la liberté. Cet optimisme historique, contrairement à la plupart des romantiques, Hugo l'a hérité des Lumières du XVIIIe siècle.
Attaquant la poétique de la tragédie classique, Hugo rejette le principe de l'unité de lieu et de temps, incompatible avec la vérité artistique. La scolastique et le dogmatisme de ces « règles », affirme Hugo, entravent le développement de l'art. Cependant, il préserve l'unité de l'action, c'est-à-dire l'unité de l'intrigue, comme étant conforme aux « lois de la nature » et contribuant à donner. le développement de l'intrigue la dynamique nécessaire.
Protestant contre l'affectation et la prétention du style des épigones du classicisme, Hugor prône la simplicité, l'expressivité, la sincérité du discours poétique, enrichissant son vocabulaire en y incluant des dictons populaires et des néologismes à succès, car « le langage ne s'arrête pas dans son développement. L’esprit humain avance toujours, ou, si vous préférez, change, et le langage change avec lui. » Développant la position sur le langage comme moyen d’exprimer la pensée, Hugo note que si chaque époque apporte quelque chose de nouveau au langage, alors « chaque époque doit avoir des mots exprimant ces concepts.
Le style de Hugo se caractérise par descriptions détaillées; Les longues digressions ne sont pas rares dans ses romans. Parfois, ils ne sont pas directement liés à l'intrigue du roman, mais ils se distinguent presque toujours par leur poésie ou leur valeur pédagogique. Le dialogue de Hugo est vivant, dynamique, coloré. Son langage regorge de comparaisons et de métaphores, de termes liés au métier des héros et à l'environnement dans lequel ils vivent.
La signification historique de la « Préface de Cromwell » réside dans le fait qu'Hugo a porté un coup fatal à l'école du classicisme avec son manifeste littéraire, dont elle ne pouvait plus se remettre. Hugo a exigé la représentation de la vie dans ses contradictions, ses contrastes, dans le choc de forces opposées, et a ainsi rapproché l'art d'une représentation réaliste de la réalité.

Chapitre 3.
DRAME ROMAIN « LA CATHÉDRALE DE LA CATHÉDRALE NOTRE DIEU DE PARIS »
La Révolution de Juillet 1830, qui renversa la monarchie des Bourbons, trouva en Hugo un ardent défenseur. Il ne fait aucun doute que le premier roman significatif de Hugo, Notre-Dame de Paris, commencé en juillet 1830 et achevé en février 1831, reflète également l'atmosphère d'essor social provoquée par la révolution. Plus encore que dans les drames de Hugo, Notre-Dame de Paris. Paris « incarnait les principes de la littérature avancée formulés dans la préface de « Cromwell ». Les principes esthétiques énoncés par l'auteur ne sont pas seulement un manifeste de théorie, mais les fondements de la créativité profondément réfléchis et ressentis par l'écrivain.
Le roman a été conçu à la fin des années 1820. Il est possible que l’idée soit venue du roman « Quentin Dorward » de Walter Scott, dont l’action se déroule en France à la même époque que la future « Cathédrale ». Cependant, le jeune auteur a abordé sa tâche différemment de son célèbre contemporain. Dans un article de 1823, Hugo écrivait qu'« après le roman pittoresque mais prosaïque de Walter Scott, il faudra créer un autre roman, qui sera à la fois dramatique et épique, pittoresque, mais aussi poétique, rempli de réalité, mais à la fois ». à la fois idéal, véridique. C’est exactement ce que l’auteur de « Notre Dame de Paris » a tenté d’accomplir.
Comme dans ses drames, Hugo se tourne vers l'histoire à Notre-Dame ; À ce stade, son attention fut attirée sur la fin du Moyen Âge français, Paris à la fin du XVe siècle. L'intérêt des romantiques pour le Moyen Âge est né en grande partie en réaction à l'accent classique mis sur l'Antiquité. Le désir de surmonter l'attitude dédaigneuse envers le Moyen Âge, qui s'est propagée grâce aux écrivains des Lumières du XVIIIe siècle, pour qui cette époque était un royaume de ténèbres et d'ignorance, inutile dans l'histoire du développement progressif de l'humanité, a joué un rôle ici. Et enfin, presque principalement, le Moyen Âge a attiré les romantiques par son caractère inhabituel, à l'opposé de la prose de la vie bourgeoise, du quotidien ennuyeux. Ici, croyaient les romantiques, on pouvait rencontrer des personnages solides, grands, des passions fortes, des exploits et des martyres au nom de convictions. Tout cela était encore perçu dans une aura d'un certain mystère associé à une connaissance insuffisante du Moyen Âge, qui était compensée par le recours à des contes et légendes populaires qui avaient une signification particulière pour les écrivains romantiques. Par la suite, dans la préface de son recueil de poèmes historiques « Légende des âges », Hugo affirme paradoxalement que la légende doit avoir les mêmes droits que l'histoire : « Le genre humain peut être considéré de deux points de vue : du point de vue historique et du point de vue historique. légendaire. La seconde n’est pas moins vraie que la première. Le premier n’est pas moins révélateur que le second. Le Moyen Âge apparaît dans le roman de Hugo sous la forme d'une légende historique sur fond d'une saveur historique magistralement recréée.
La base, le noyau de cette légende est, en général, inchangé tout au long du parcours créatif de Hugo mature, la vision du processus historique comme une confrontation éternelle entre deux principes mondiaux - le bien et le mal, la miséricorde et la cruauté, la compassion et l'intolérance. , les sentiments et la raison. Le champ de cette bataille et différentes époques et attire l’attention de Hugo dans une mesure infiniment plus grande que l’analyse d’une situation historique spécifique. D'où l'historicisme bien connu, le symbolisme des héros de Hugo, le caractère intemporel de son psychologisme. Hugo lui-même a ouvertement admis que l'histoire en tant que telle ne l'intéressait pas dans le roman : « Le livre n'a aucune prétention à l'histoire, sauf peut-être à décrire avec. une certaine connaissance et un certain soin, mais seulement un aperçu et par à-coups, de l'état des mœurs, des croyances, des lois, des arts et enfin de la civilisation au XVe siècle. Cependant, ce n'est pas là l'essentiel du livre. S’il a une vertu, c’est qu’il s’agit d’une œuvre d’imagination, de fantaisie et de fantaisie. »
On sait que pour les descriptions de la cathédrale et de Paris au XVe siècle, les images de la morale de l'époque Hugo ont étudié une grande partie matériel historique et s'est permis d'étaler son savoir, comme il le faisait dans ses autres romans. Les chercheurs du Moyen Âge ont soigneusement vérifié la « documentation » de Hugo et n’y ont trouvé aucune erreur grave, malgré le fait que l’écrivain n’a pas toujours tiré ses informations de sources primaires.
Et pourtant, l’essentiel du livre, si l’on utilise la terminologie de Hugo, c’est « le caprice et la fantaisie », c’est-à-dire quelque chose qui a été entièrement créé par son imagination et qui n’a que très peu de lien avec l’histoire. La plus grande popularité du roman est assurée par les éternels problèmes éthiques qui y sont posés et les personnages fictifs du premier plan, qui sont depuis longtemps passés (principalement Quasimodo) dans la catégorie des types littéraires.

3.1. Organisation parcellaire
Le roman est construit sur un principe dramatique : trois hommes recherchent l'amour d'une femme ; la gitane Esmeralda est aimée de l'archidiacre de la cathédrale Notre-Dame Claude Frollo, du sonneur des cloches de la cathédrale, le bossu Quasimodo et du poète Pierre Gringoire, bien que la rivalité principale surgit entre Frollo et Quasimodo. Dans le même temps, la gitane fait part de ses sentiments au beau mais vide noble Phoebus de Chateaupert.
Le roman-drame de Hugo peut être divisé en cinq actes. Dans le premier acte, Quasimodo et Esmeralda, ne se voyant pas encore, apparaissent sur la même scène. Cette scène est la place de Grève. Ici Esmeralda danse et chante, et ici passe une procession portant le pape des bouffons, Quasimodo, sur une civière avec une solennité comique. La gaieté générale est gênée par la sombre menace du chauve : « Blasphème ! Blasphème! La voix envoûtante d’Esmeralda est interrompue par le cri terrible du reclus de la Tour Roland : « Veux-tu sortir d’ici, sauterelle égyptienne ? Le jeu des antithèses se termine sur Esmeralda, tous les fils de l'intrigue sont attirés vers elle. Et ce n'est pas un hasard si le feu de joie festif, illuminant son beau visage, illumine également la potence. Il ne s’agit pas seulement d’une juxtaposition spectaculaire : c’est le début d’une tragédie. L'action de la tragédie, qui a commencé avec la danse d'Esmeralda sur la place Grevsky, se terminera ici - avec son exécution.
Chaque mot prononcé sur cette scène est rempli d'une ironie tragique. Les menaces de l'homme chauve, l'archidiacre de la cathédrale Notre-Dame Claude Frollo, ne sont pas dictées par la haine, mais par l'amour, mais un tel amour est encore pire que la haine. La passion transforme le scribe sec en un méchant prêt à tout pour prendre. possession de sa victime. Au cri : « Sorcellerie ! - signe avant-coureur des futurs ennuis d'Esmeralda : rejeté par elle, Claude Frollo va la poursuivre sans relâche, la conduire devant l'Inquisition et la condamner à mort.
Étonnamment, les malédictions du reclus étaient également inspirées grand amour. Elle est devenue une prisonnière volontaire, pleurant sa fille unique, volée par des gitans il y a de nombreuses années, invoquant des châtiments célestes et terrestres sur la tête d'Esmeralda, la malheureuse mère ne soupçonne pas que la belle gitane est la fille qu'elle pleure. Les malédictions se réaliseront. Au moment décisif, les doigts tenaces de la recluse ne permettront pas à Esmeraldes de s'échapper, ils la retiendront par vengeance contre toute la tribu gitane, qui a privé la mère de sa fille bien-aimée. Pour accroître l'intensité tragique, l'auteur obligera la recluse à reconnaître son enfant à Esmeralda - par des signes commémoratifs. Mais la reconnaissance ne sauvera pas la jeune fille : les gardes sont déjà proches, une issue tragique est inévitable.
Au deuxième acte, celui qui hier était un « triomphant » - le pape des bouffons, devient « condamné » (contraste encore). Après que Quasimodo ait été puni à coups de fouet et laissé au pilori pour être moqué par la foule, deux personnes apparaissent sur la scène de la place de Grève, dont le sort est inextricablement lié à celui du bossu. D'abord, Claude Frollo s'approche du pilori. C'est lui qui a ramassé l'enfant autrefois difforme jeté dans le temple, l'a élevé et en a fait le sonneur de la cathédrale Notre-Dame de Paris. Depuis son enfance, Quasimodo s'est habitué au respect de son sauveur et s'attend désormais à ce qu'il vienne à nouveau à son secours. Mais non, Claude Frollo passe, les yeux traîtreusement baissés. Et puis Esmeralda apparaît au pilori. Il existe un premier lien entre les destins du bossu et de la belle. Après tout, c'était lui, le monstre, que les gitans mettaient dans la crèche où ils lui volaient la charmante petite. Et maintenant, elle monte les escaliers jusqu'à Quasimodo qui souffre et, la seule de toute la foule, à avoir pitié de lui, lui donne de l'eau. A partir de ce moment, l'amour s'éveille dans la poitrine de Quasimodo, rempli de poésie et d'abnégation héroïque.
Si dans le premier acte les voix ont une importance particulière, et dans le deuxième - les gestes, alors dans le troisième - les regards. Le point d’intersection des vues est l’Esmeralda dansante. Le poète Gringoire, qui est à côté d'elle sur la place, regarde la jeune fille avec sympathie : elle lui a récemment sauvé la vie. La capitaine des tirailleurs royaux, Phoebe de Chateaupert, dont Esmeralda est tombée follement amoureuse dès leur première rencontre, la regarde depuis le balcon d'une maison gothique - c'est un regard de volupté. En même temps, d'en haut, depuis la tour nord de la cathédrale, Claude Frollo regarde le gitan - c'est le regard d'une passion sombre et despotique. Et encore plus haut, sur le clocher de la cathédrale, Quasimodo se figea, regardant la jeune fille avec beaucoup d'amour.
Au quatrième acte, le balancement vertigineux des antithèses atteint ses limites : Quasimodo et Esmeralda doivent désormais inverser les rôles. Une fois de plus, la foule s'est rassemblée sur la place Grevskaya - et encore une fois tous les yeux étaient fixés sur le gitan. Mais voilà qu'elle, accusée de tentative de meurtre et de sorcellerie, risque la potence. La jeune fille a été déclarée meurtrière de Phoebe de Chateaupert, celle qu'elle aime plus que la vie elle-même. Et c'est ce que professe celui qui a réellement blessé le capitaine - le véritable criminel Claude Frollo. Pour compléter l'effet, l'auteur fait voir à Phoebus lui-même, qui a survécu à la blessure, le gitan ligoté et allant à l'exécution. « Phœbus ! Mon Phébus ! - Esmeralda lui crie "dans un élan d'amour et de plaisir". Elle s'attend à ce que le capitaine des tireurs, conformément à son nom (Phoebus - "soleil", "beau tireur qui était un dieu"), devienne son sauveur, mais il se détourne lâchement d'elle. Esmeralda ne sera pas sauvée par un beau guerrier, mais par un sonneur de cloches laid et rejeté. Le bossu descendra le mur escarpé, arrachera la gitane des mains des bourreaux et la soulèvera - le clocher de la cathédrale Notre-Dame. Ainsi, avant de monter à l'échafaud, Esmeralda, une jeune fille à l'âme ailée, trouvera un refuge temporaire dans le ciel parmi les oiseaux chantants et les cloches.
Dans le cinquième acte, l'heure du dénouement tragique approche - la bataille décisive et l'exécution sur la place Grevskaya. Voleurs et escrocs, habitants de la Cour parisienne des Miracles, assiègent la cathédrale Notre-Dame de Paris, et seul Quasimodo la défend héroïquement. L'ironie tragique de l'épisode est que les deux camps se battent pour sauver Esmeralda : Quasimodo ne sait pas que l'armée de voleurs est venue libérer la jeune fille, les assiégeants ne savent pas que le bossu, défendant la cathédrale, protège la gitan.
"Ananke" - rocher - le roman commence par ce mot, lu sur le mur d'une des tours de la cathédrale. Par la volonté du destin, Esmeralda se trahira en criant à nouveau le nom de son bien-aimé : « Phoebus ! Viens à moi, mon Phébus ! - et ainsi se détruire. Claude Frollo tombera inévitablement dans ce « nœud fatal » avec lequel il « a serré le gitan ». Le destin obligera l'élève à tuer son bienfaiteur : Quasimodo jettera Claude Frollo de la balustrade de la cathédrale Notre-Dame. Seuls ceux dont les caractères sont trop superficiels pour la tragédie échapperont à un destin tragique. A propos du poète Gringoire et de l'officier Phoebus de Châteaupère, l'auteur dira avec ironie : ils « se sont terminés tragiquement » - le premier ne fera que revenir au drame, le second se mariera. Le roman se termine sur l’antithèse du mesquin et du tragique. Le mariage habituel de Phébus s'oppose à un mariage fatal, un mariage à mort. De nombreuses années plus tard, des restes délabrés seront retrouvés dans la crypte - le squelette de Quasimodo serrant le squelette d'Esmeralda. Lorsqu'ils voudront les séparer les uns des autres, le squelette de Quasimodo deviendra poussière.
Le pathos romantique est apparu chez Hugo déjà dans l'organisation même de l'intrigue. L'histoire de la gitane Esmeralda, de l'archidiacre de la cathédrale Notre-Dame de Paris Claude Frollo, du sonneur Quasimodo, du capitaine des fusiliers royaux Phoebus de Chateaupert et d'autres personnages qui leur sont associés est pleine de secrets, de rebondissements inattendus, coïncidences et accidents mortels. Les destins des héros se croisent de manière complexe. Quasimodo tente de voler Esmeralda sur ordre de Claude Frollo, mais la jeune fille est accidentellement sauvée par des gardes dirigés par Phoebus. Quasimodo est puni pour l'attentat contre Esmeralda. Mais c'est elle qui donne une gorgée d'eau au malheureux bossu lorsqu'il est au pilori et qui, par son acte bienveillant, le transforme.
Il y a une rupture purement romantique et instantanée dans le personnage : Quasimodo passe d'un animal brut à un homme et, tombé amoureux d'Esmeralda, se retrouve objectivement en confrontation avec Frollo, qui joue un rôle fatal dans la vie de la jeune fille.
Les destins de Quasimodo et d'Esmeralda s'avèrent étroitement liés et se situent dans un passé lointain. Esmeralda a été kidnappée par des gitans lorsqu'elle était enfant et parmi eux ont reçu son nom exotique (Esmeralda traduit de l'espagnol signifie « émeraude »), et ils ont laissé à Paris un vilain bébé, qui a ensuite été élevé par Claude Frollo, l'appelant en latin (Quasimodo traduit comme « inachevé »), mais aussi en France Quasimodo est le nom de la fête de Red Hill, pendant laquelle Frollo est allé chercher le bébé.
Hugo pousse à l'extrême l'intensité émotionnelle de l'action, décrivant la rencontre inattendue d'Esmeralda avec sa mère, la recluse de la Tour Roland Gudula, qui déteste toujours la fille, la considérant comme une gitane. Cette rencontre a lieu littéralement quelques minutes avant l'exécution de. Esmeralda, que la mère tente en vain de sauver. Mais ce qui est fatal à ce moment, c'est l'apparition de Phébus, que la jeune fille aime tendrement et à qui, dans son aveuglement, elle a en vain confiance. Il est donc impossible de ne pas remarquer que la raison du développement tendu des événements dans le roman n'est pas seulement le hasard, une combinaison inattendue de circonstances, mais aussi les impulsions émotionnelles des personnages, les passions humaines : la passion oblige Frollo à poursuivre Esmeralda. , qui devient l'impulsion pour le développement de l'intrigue centrale du roman ; l'amour et la compassion pour la malheureuse déterminent les actions de Quasimodo, qui parvient temporairement à la voler des mains des bourreaux, et un aperçu soudain, l'indignation face à la cruauté de Frollo, qui a accueilli l'exécution d'Esmeralda avec un rire hystérique, fait tourner la vilaine cloche - sonner dans un instrument de juste rétribution.

3.2. Système d'images de personnages dans le roman
L'action du roman « Cathédrale Notre-Dame » se déroule à la fin du XVe siècle. Le roman s'ouvre sur l'image d'un homme bruyant fête nationaleà Paris. Voici une foule hétéroclite de citadins et de citadines ; et des marchands et artisans flamands arrivés comme ambassadeurs en France ; et le cardinal de Bourbon, également des étudiants universitaires, des mendiants, des archers royaux, la danseuse de rue Esmeralda et le sonneur de cloches incroyablement laid de la cathédrale, Quasimodo. Telle est la diversité des images qui se présentent au lecteur.
Comme dans d'autres œuvres de Hugo, les personnages sont nettement divisés en deux camps. Les vues démocratiques de l'écrivain sont également confirmées par le fait qu'il ne trouve de hautes qualités morales que dans les classes inférieures de la société médiévale - la danseuse de rue Esmeralda et le sonneur de cloches. Quasimodo. Tandis que l'aristocrate frivole Phoebus de Chateaupert, le fanatique religieux Claude Frollo, le noble juge, le procureur royal et le roi lui-même incarnent l'immoralité et la cruauté des classes dirigeantes.
« La Cathédrale Notre-Dame de Paris » est une œuvre romantique par son style et sa méthode. On y retrouve tout ce qui caractérise la dramaturgie de Hugo. Il contient de l'exagération et des jeux de contrastes, une poétisation du grotesque et une abondance de situations exceptionnelles dans l'intrigue. L'essence de l'image se révèle chez Hugo non pas tant sur la base du développement du personnage, mais par contraste avec une autre image.
Le système d'images du roman repose sur la théorie du grotesque développée par Hugo et le principe du contraste. Les personnages sont alignés en paires contrastées clairement définies : le monstre Quasimodo et la belle Esmeralda, également Quasimodo et l'irrésistible Phoebus ; le sonneur ignorant est un moine érudit qui a appris toutes les sciences médiévales ; Claude Frollo s'oppose également à Phoebus : l'un est un ascète, l'autre est plongé dans la recherche du divertissement et du plaisir. La gitane Esmeralda s'oppose à la blonde Fleur-de-Lys - l'épouse de Phoebe, une fille riche, instruite et appartenant à. haute société. La relation entre Esmeralda et Phoebus est basée sur le contraste : la profondeur de l'amour, la tendresse et la subtilité des sentiments d'Esmeralda - et l'insignifiance et la vulgarité du noble farfelu Phoebus.
La logique interne de l'art romantique de Hugo conduit au fait que les relations entre des héros très contrastés acquièrent un caractère exceptionnel et exagéré.
Quasimodo, Frollo et Phoebus aiment tous les trois Esmeralda, mais dans leur amour chacun apparaît comme l'antagoniste de l'autre. Phoebus a besoin d'une histoire d'amour pendant un moment, Frollo brûle de passion, détestant Esmeralda pour cela comme l'objet de ses désirs. Quasimodo aime la fille de manière altruiste et altruiste ; il affronte Phoebus et Frollo comme un homme dépourvu de la moindre goutte d'égoïsme dans ses sentiments et, ainsi, s'élève au-dessus d'eux. Aigri contre le monde entier, le monstre aigri Quasimodo est transformé par l'amour, éveillant en lui le bon principe humain. Chez Claude Frollo, au contraire, l'amour réveille la bête. Le contraste entre ces deux personnages détermine la sonorité idéologique du roman. Selon Hugo, ils incarnent deux principaux types humains.
Ainsi, un nouveau niveau de contraste apparaît : l'apparence extérieure et le contenu interne du personnage : Phoebus est beau, mais intérieurement terne, mentalement pauvre ; Quasimodo est laid en apparence, mais beau d'âme.
Ainsi, le roman se construit comme un système d’oppositions polaires. Ces contrastes ne sont pas seulement un dispositif artistique pour l'auteur, mais le reflet de ses positions idéologiques et de sa conception de la vie. La confrontation entre principes polaires semble être éternelle dans la vie du roman de Hugo, mais en même temps, comme déjà mentionné, il veut montrer le mouvement de l’histoire. Selon le chercheur en littérature française Boris Revizov, Hugo considère le changement d'époque - le passage du début du Moyen Âge à la fin, c'est-à-dire la période de la Renaissance - comme une accumulation progressive de bonté, de spiritualité, une nouvelle attitude envers le monde. et envers nous-mêmes.
Au centre du roman, l'écrivain a placé l'image d'Esmeralda et en a fait l'incarnation de la beauté spirituelle et de l'humanité. La création d'une image romantique est facilitée par les caractéristiques lumineuses que l'auteur donne à l'apparence de sa personne.

PRINCIPES ROMANTIQUES DANS LE ROMAN DE V. HUGO

"LA CATHÉDRALE NOTRY DADY DE PARIS"

INTRODUCTION

Véritable exemple de la première période du développement du romantisme, son exemple classique reste le roman « Notre Dame de Paris » de Victor Hugo.

Contrairement aux héros de la littérature des XVIIe et XVIIIe siècles, les héros de Hugo combinent des qualités contradictoires. Utilisant largement la technique romantique des images contrastées, parfois délibérément exagérées, virant au grotesque, l'écrivain crée des personnages complexes et ambigus. Il est attiré par les passions gigantesques et les actes héroïques. Il vante la force de son caractère de héros, son esprit insoumis, insoumis, et sa capacité à lutter contre les circonstances. Dans les personnages, les conflits, l’intrigue et le paysage de « La Cathédrale Notre-Dame », le principe romantique consistant à refléter la vie – des personnages exceptionnels dans des circonstances extraordinaires – a triomphé. Le monde des passions débridées, des personnages romantiques, des surprises et des accidents, l'image d'un homme courageux qui ne succombe à aucun danger, c'est ce que Hugo glorifie dans ces œuvres.

Il est significatif que ce soit précisément cette idée morale du premier roman d’Hugo que F. M. Dostoïevski ait hautement apprécié. Proposant la traduction en russe de « Cathédrale Notre-Dame », il écrit dans la préface, publiée en 1862 dans la revue « Time », que l'idée de cette œuvre est « la restauration d'une personne perdue, écrasée par l'oppression injuste de circonstances... Cette idée est la justification des parias humiliés et rejetés de la société. "Qui ne penserait", écrit encore Dostoïevski, "que Quasimodo est la personnification du peuple médiéval opprimé et méprisé... chez qui l'amour et la soif de justice s'éveillent enfin, et avec lui la conscience de sa vérité et de son chemin encore inexploré". des pouvoirs infinis.

Chapitre 1.

LE ROMANTISME COMME DÉVELOPPEMENT LITTÉRAIRE

1.1 Cause

Le romantisme en tant que mouvement idéologique et artistique dans la culture est apparu à la finXVIIIe siècle. Puis le mot françaisromantique signifiait « étrange », « fantastique », « pittoresque ».

DANSAu XIXe siècle, le mot « romantisme » devient un terme pour désigner un nouveau mouvement littéraire, opposé au classicisme.

Dans la compréhension moderne, le terme « romantisme » prend un sens différent et élargi. Il désigne un type de créativité artistique opposé au réalisme, dans lequel le rôle décisif n’est pas joué par la perception de la réalité, mais par sa recréation, incarnation de l’idéal de l’artiste. Ce type de créativité se caractérise par une convention démonstrative de forme, des images fantastiques et grotesques et un symbolisme.

L'événement qui a servi d'impulsion pour réaliser l'incohérence des idées du XVIIIe siècle et pour changer la vision du monde des gens en général fut la Grande Révolution bourgeoise française de 1789. Au lieu du résultat escompté – « Liberté, égalité et fraternité » – cela n’a apporté que la faim et la dévastation, et avec elles la déception à l’égard des idées des Lumières. La déception face à la révolution en tant que moyen de changer l'existence sociale a provoqué une forte réorientation de la psychologie sociale elle-même, un détournement d'intérêt de la vie extérieure d'une personne et de ses activités dans la société vers les problèmes de la vie spirituelle et émotionnelle de l'individu.

Dans cette atmosphère de doute, de changements de points de vue, d'appréciations, de jugements, de surprises, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, un nouveau phénomène de la vie spirituelle est apparu : le romantisme.

L'art romantique se caractérise par : une aversion pour la réalité bourgeoise, un rejet décisif des principes rationalistes des Lumières et du classicisme bourgeois, une méfiance à l'égard du culte de la raison, caractéristique des éclaireurs et des écrivains du nouveau classicisme.

Le pathos moral et esthétique du romantisme est principalement associé à l'affirmation de la dignité de la personnalité humaine, la valeur intrinsèque de sa vie spirituelle et créatrice. Cela s'exprime dans les images des héros de l'art romantique, caractérisé par la représentation de personnages extraordinaires et de passions fortes, ainsi que par un désir de liberté sans limites. La révolution a proclamé la liberté individuelle, mais la même révolution a donné naissance à l’esprit d’acquisition et d’égoïsme. Ces deux facettes de la personnalité (le pathétique de la liberté et de l'individualisme) se sont manifestées de manière très complexe dans la conception romantique du monde et de l'homme.

1.2. Caractéristiques principales

La déception à l'égard du pouvoir de la raison et de la société s'est progressivement transformée en un « pessimisme cosmique » ; elle s'est accompagnée d'humeurs de désespoir, de désespoir et de « tristesse mondiale ». Le thème interne du « monde terrible », avec sa puissance aveugle des relations matérielles, la mélancolie de l'éternelle monotonie de la réalité quotidienne, a traversé toute l'histoire de la littérature romantique.

Les romantiques étaient sûrs que « ici et maintenant » est l'idéal, c'est-à-dire une vie plus significative, plus riche et plus épanouissante est impossible, mais ils ne doutaient pas de son existence - c'est ce qu'on appelle double monde romantique. C'est la recherche de l'idéal, le désir de l'idéal, la soif de renouveau et de perfection qui ont donné un sens à leur vie.

Les romantiques rejettent résolument le nouvel ordre social. Ils ont mis en avant leur "héros romantique" - une personnalité exceptionnelle, spirituellement riche, qui se sentait seule et agitée dans le monde bourgeois naissant, mercantile et hostile à l'homme. Les héros romantiques se sont soit détournés de la réalité par désespoir, soit se sont rebellés contre elle, ressentant douloureusement le fossé entre l'idéal et la réalité, impuissants à changer la vie qui les entourait, mais préférant périr plutôt que de l'accepter. La vie de la société bourgeoise paraissait si vulgaire et prosaïque aux romantiques qu'ils refusaient parfois de la décrire et coloraient le monde de leur imagination. Les romantiques décrivaient souvent leurs héros comme étant dans une relation hostile avec la réalité environnante, insatisfaits du présent et luttant pour un autre monde situé dans leurs rêves.

Les romantiques niaient la nécessité et la possibilité d’un reflet objectif de la réalité. C’est pourquoi ils ont proclamé que l’arbitraire subjectif de l’imagination créatrice était la base de l’art. Les intrigues des œuvres romantiques ont été choisies pour inclure des événements exceptionnels et des décors extraordinaires dans lesquels les personnages agissaient.

Les romantiques étaient attirés par tout ce qui est inhabituel (l'idéal peut être là) : la fantaisie, le monde mystique des forces d'un autre monde, le futur, les pays exotiques lointains, l'originalité des peuples qui les habitent, les époques historiques passées. L’exigence d’une recréation fidèle du lieu et du temps est l’une des réalisations les plus importantes de l’ère du romantisme. C’est à cette époque que se crée le genre du roman historique.

Mais les héros de leurs œuvres eux-mêmes étaient exceptionnels. Ils s'intéressaient aux passions dévorantes, aux sentiments forts, aux mouvements secrets de l'âme, ils parlaient de la profondeur et de l'infinité intérieure de la personnalité et de la solitude tragique d'une personne réelle dans le monde qui les entourait.

Les romantiques étaient vraiment seuls parmi les gens qui ne voulaient pas remarquer la vulgarité, le prosaïsme et le manque de spiritualité de leur vie. Rebelles et chercheurs, ils méprisaient ces gens. Ils préféraient être rejetés et incompris plutôt que, comme la plupart de leur entourage, de se vautrer dans la médiocrité, la monotonie et la banalité d’un monde incolore et prosaïque. Solitude- un autre trait d'un héros romantique.

Parallèlement à une attention accrue portée à l'individu, un trait caractéristique du romantisme était un sens du mouvement de l'histoire et de l'implication humaine dans celle-ci. Le sentiment d'instabilité et de variabilité du monde, la complexité et l'incohérence de l'âme humaine ont déterminé la perception dramatique, parfois tragique, de la vie par les romantiques.

Dans le domaine de la forme, le romantisme s’oppose à la classique « imitation de la nature » liberté de création un artiste qui crée son propre monde spécial, plus beau, et donc plus réel, que la réalité environnante.

Chapitre 2.

VICTOR HUGO ET SON ŒUVRE

2.1 Principes romantiques de Victor Hugo

Victor Hugo (1802-1885) est entré dans l'histoire littéraire comme le chef et le théoricien du romantisme démocratique français. Dans la préface du drame « Cromwell », il expose de manière vivante les principes du romantisme en tant que nouveau mouvement littéraire, déclarant ainsi la guerre au classicisme, qui exerçait encore une forte influence sur toute la littérature française. Cette préface fut appelée le « Manifeste » des romantiques.

Hugo revendique une liberté absolue pour le théâtre et la poésie en général. « A bas toutes sortes de règles et de schémas ! "- s'exclame-t-il dans le "Manifeste". Les conseillers du poète, dit-il, doivent être la nature, la vérité et sa propre inspiration ; à part elles, les seules lois obligatoires pour le poète sont celles qui, dans chaque œuvre, découlent de son intrigue.

Dans la "Préface de Cromwell", Hugo définit le thème principal de toute la littérature moderne - la représentation des conflits sociaux de la société, la représentation de la lutte intense de diverses forces sociales se rebellent les unes contre les autres.

Le principe principal de sa poétique romantique est la représentation de la vie dans ses contrastes.-Hugo a tenté de le justifier avant même la « Préface » dans son article sur le roman « Quentin Durward » de W. Scott. « La vie, écrit-il, n’est-elle pas un drame bizarre dans lequel le bien et le mal, le beau et le laid, le haut et le bas se mélangent – une loi qui opère dans toute la création ? »

Le principe des oppositions contrastées dans la poétique de Hugo était basé sur ses idées métaphysiques sur la vie de la société moderne, dans lesquelles le facteur déterminant du développement est censé être la lutte des principes moraux opposés - le bien et le mal - qui existent depuis l'éternité.

Hugo consacre une place significative dans la « Préface » à la définition du concept esthétique grotesque, le considérant comme un élément distinctif poésie médiévale et poésie romantique moderne. Que veut-il dire par ce concept ? « Le grotesque, à l’opposé du sublime, comme moyen de contraste, est, à notre avis, la source la plus riche que la nature révèle à l’art. »

Hugo considérait l'œuvre de Shakespeare comme le summum de la poésie moderne, car dans l'œuvre de Shakespeare, à son avis, il y avait une combinaison harmonieuse d'éléments de tragédie et de comédie, d'horreur et de rire, de sublime et de grotesque, et la fusion de ces éléments constitue le drame, qui « est une création typique du troisième âge de la poésie, pour la littérature moderne ».

Hugo le romantique a proclamé une imagination libre et sans restriction dans la créativité poétique. Il croyait que le dramaturge avait le droit de s'appuyer sur des légendes plutôt que sur des faits historiques authentiques et de négliger l'exactitude historique. Selon lui, « il ne faut pas chercher dans le drame une histoire pure, même si elle est « historique ». Elle présente des légendes, pas des faits. C’est une chronique, pas une chronologie.

La « Préface de Cromwell » met fortement l'accent sur le principe d'une représentation véridique et multiforme de la vie. Hugo parle de la « véracité » (« le vrai ») comme du trait principal de la poésie romantique. Hugo soutient que le drame ne devrait pas être un miroir ordinaire, donnant une image plate, mais un miroir concentrant, qui « non seulement n'affaiblit pas les rayons colorés, mais, au contraire, les collecte et les condense, transformant le scintillement en lumière et la lumière en flamme." Derrière cette définition métaphorique se cache le désir de l’auteur de choisir activement les phénomènes lumineux les plus caractéristiques de la vie, et de ne pas simplement copier tout ce qu’il a vu. Le principe de typification romantique, qui se résume au désir de choisir dans la vie les traits les plus marquants, les plus uniques dans leur originalité, images, phénomènes, ont permis aux écrivains romantiques d'aborder efficacement le reflet de la vie, ce qui distinguait favorablement leur poétique de la poétique dogmatique du classicisme.

Les caractéristiques d’une compréhension réaliste de la réalité sont contenues dans la discussion de Hugo sur « saveur locale », par quoi il entend la reproduction du cadre authentique de l'action, des traits historiques et quotidiens de l'époque choisie par l'auteur. Il dénonce la mode largement répandue consistant à appliquer à la hâte des touches de « couleur locale » sur l'œuvre finie. Le drame, selon lui, doit être saturé de l’intérieur de la couleur de l’époque ; il doit apparaître en surface, « comme la sève qui monte de la racine d’un arbre jusqu’à sa dernière feuille ». Cela ne peut être réalisé que par une étude minutieuse et persistante de l’époque représentée.

Hugo conseille aux poètes de la nouvelle école romantique de dépeindre l'homme dans le lien inextricable de sa vie extérieure et de son monde intérieur, nécessite une combinaison dans une seule image du « drame de la vie avec le drame de la conscience ».

Sens romantique de l'historicisme et la contradiction entre l’idéal et la réalité se réfractait de manière unique dans la vision du monde et dans l’œuvre de Hugo. Il voit la vie comme pleine de conflits et de dissonances, car il y a une lutte constante entre deux principes moraux éternels - le Bien et le Mal. Et ceux qui crient sont appelés à transmettre cette lutte « antithèses »(les contrastes) est le principe artistique principal de l'écrivain, proclamé dans la « Préface de Cromwell », dans laquelle les images du beau et du laid sont contrastées, qu'il dessine. il est une image de la nature, de l'âme de l'homme ou de la vie de l'humanité. L’élément du Mal, le « grotesque », fait rage dans l’histoire ; des images de l’effondrement des civilisations, de la lutte des peuples contre des despotes sanglants, des images de souffrance, de désastres et d’injustice parcourent toute l’œuvre de Hugo. Et pourtant, au fil des années, Hugo est devenu de plus en plus fort dans sa compréhension de l’histoire comme un mouvement rigoureux du Mal au Bien, des ténèbres à la lumière, de l’esclavage et de la violence à la justice et à la liberté. Hugo, contrairement à la plupart des romantiques, a hérité de cet optimisme historique des éclaireurs du XVIIIe siècle.

Attaquant la poétique de la tragédie classique, Hugo rejette le principe de l'unité de lieu et de temps, incompatible avec la vérité artistique. La scolastique et le dogmatisme de ces « règles », affirme Hugo, entravent le développement de l’art. Il conserve cependant unité d'action, c'est-à-dire l'unité de l'intrigue, conforme aux « lois de la nature » et contribuant à donner au développement de l'intrigue la dynamique nécessaire.

Protestant contre l'affectation et la prétention du style des épigones du classicisme, Hugo prône la simplicité, l'expressivité, la sincérité du discours poétique, l'enrichissement de son vocabulaire en incluant des dictons populaires et des néologismes à succès, car « le langage ne s'arrête pas dans son développement ». . L’esprit humain avance toujours ou, si vous préférez, change, et le langage change avec lui. Développant la position sur le langage comme moyen d’exprimer la pensée, Hugo note que si chaque époque apporte quelque chose de nouveau au langage, alors « chaque époque doit aussi avoir des mots exprimant ces concepts ».

Le style de Hugo se caractérise par des descriptions détaillées ; Les longues digressions ne sont pas rares dans ses romans. Parfois, ils ne sont pas directement liés à l'intrigue du roman, mais ils se distinguent presque toujours par leur poésie ou leur valeur éducative. Le dialogue de Hugo est vif, dynamique, coloré. Son langage regorge de comparaisons et de métaphores, de termes liés au métier des héros et à l'environnement dans lequel ils vivent.

La signification historique de la « Préface de Cromwell » réside dans le fait qu'Hugo a porté un coup fatal à l'école du classicisme avec son manifeste littéraire, dont elle ne pouvait plus se remettre. Hugo a exigé la représentation de la vie dans ses contradictions, ses contrastes, dans le choc de forces opposées, et a ainsi rapproché l'art d'une représentation réaliste de la réalité.

Chapitre 3.

ROMAN-DRAME « LA CATHÉDRALE NOTRIE MARIE DE PARIS »

La Révolution de Juillet 1830, qui renversa la monarchie des Bourbons, trouva en Hugo un ardent défenseur. Il ne fait aucun doute que le premier roman significatif de Hugo, Notre Dame de Paris, commencé en juillet 1830 et achevé en février 1831, reflétait également l’atmosphère d’essor social provoquée par la révolution. Dans une plus grande mesure encore que dans les drames de Hugo, les principes de la littérature avancée formulés dans la préface de Cromwell étaient incarnés dans Notre-Dame. Les principes esthétiques énoncés par l’auteur ne sont pas seulement un manifeste de théoricien, mais les fondements de la créativité profondément réfléchis et ressentis par l’écrivain.

Le roman a été conçu à la fin des années 1820. Il est possible que l’idée soit venue du roman « Quentin Durward » de Walter Scott, dont l’action se déroule en France à la même époque que dans la future « Cathédrale ». Cependant, le jeune auteur a abordé sa tâche différemment de son célèbre contemporain. Dans un article de 1823, Hugo écrivait qu'« après le roman pittoresque mais prosaïque de Walter Scott, il faudra créer un autre roman, qui à la fois dramatique et épique, pittoresque, mais aussi poétique, rempli de réalité, mais en même temps idéal, véridique. C’est exactement ce que l’auteur de « Notre Dame de Paris » a tenté d’accomplir.

Comme dans les drames, Hugo se tourne vers l'histoire à Notre-Dame ; cette fois, son attention se porte sur la fin du Moyen Âge français, Paris à la fin du XVe siècle. L’intérêt des romantiques pour le Moyen Âge est né en grande partie d’une réaction à l’accent classique mis sur l’Antiquité. Le désir de surmonter l'attitude dédaigneuse envers le Moyen Âge, qui s'est propagée grâce aux écrivains des Lumières du XVIIIe siècle, pour qui cette époque était un royaume de ténèbres et d'ignorance, inutile dans l'histoire du développement progressif de l'humanité, a également joué un rôle rôle ici. Et enfin, presque principalement, le Moyen Âge a attiré les romantiques par son caractère inhabituel, à l'opposé de la prose de la vie bourgeoise, du quotidien ennuyeux. Ici, croyaient les romantiques, on pouvait rencontrer des personnages entiers, de grands personnages, des passions fortes, des exploits et des martyres au nom de convictions. Tout cela était encore perçu dans une aura d'un certain mystère associé à une connaissance insuffisante du Moyen Âge, qui était compensée par le recours à des contes et légendes populaires qui avaient une signification particulière pour les écrivains romantiques. Par la suite, dans la préface de son recueil de poèmes historiques « Légende des âges », Hugo affirme paradoxalement qu'il faut accorder à la légende des droits égaux à l'histoire : « Le genre humain peut être considéré de deux points de vue : du point de vue historique et du point de vue historique. légendaire. La seconde n’est pas moins vraie que la première. Le premier n’est pas moins révélateur que le second. Le Moyen Âge apparaît dans le roman de Hugo sous la forme d'une légende historique sur fond d'une saveur historique magistralement recréée.

La base, le noyau de cette légende est, en général, inchangé tout au long de toute la carrière créatrice de Hugo mature, la vision du processus historique comme une confrontation éternelle entre deux principes mondiaux - le bien et le mal, la miséricorde et la cruauté, la compassion et l'intolérance. , les sentiments et la raison. Le champ de cette bataille et les différentes époques attirent infiniment plus l'attention de Hugo que l'analyse d'une situation historique spécifique. D’où le supra-historicisme bien connu, la symbolique des héros de Hugo, le caractère intemporel de son psychologisme. Hugo lui-même admettait franchement que l'histoire en tant que telle ne l'intéressait pas dans le roman : « Le livre n'a aucune prétention à l'histoire, sauf peut-être à décrire avec une certaine connaissance et un certain soin, mais seulement brièvement et par à-coups, l'état de la morale, les croyances, les lois, les arts, enfin la civilisation au XVe siècle. Cependant, ce n’est pas l’essentiel du livre. S’il a une vertu, c’est qu’il s’agit d’une œuvre d’imagination, de caprice et de fantaisie. »

On sait que pour les descriptions de la cathédrale et de Paris au XVe siècle, les représentations des mœurs de l'époque, Hugo a étudié un matériel historique considérable et s'est permis d'afficher ses connaissances, comme il le faisait dans ses autres romans. Les chercheurs du Moyen Âge ont soigneusement vérifié la « documentation » de Hugo et n’y ont trouvé aucune erreur grave, malgré le fait que l’écrivain n’a pas toujours tiré ses informations de sources primaires.

Et pourtant, l’essentiel du livre, pour reprendre la terminologie de Hugo, c’est « le caprice et la fantaisie », c’est-à-dire quelque chose qui a été entièrement créé par son imagination et qui n’a que très peu de lien avec l’histoire. La plus grande popularité du roman est assurée par les éternels problèmes éthiques qui y sont posés et les personnages fictifs du premier plan, qui sont depuis longtemps passés (principalement Quasimodo) dans la catégorie des types littéraires.

3.1. Organisation parcellaire

Le roman est construit sur un principe dramatique : trois hommes recherchent l'amour d'une femme ; La gitane Esmeralda est aimée de l'archidiacre de la cathédrale Notre-Dame Claude Frollo, du sonneur de la cathédrale, du bossu Quasimodo et du poète Pierre Gringoire, bien que la principale rivalité surgisse entre Frollo et Quasimodo. Dans le même temps, la gitane fait part de ses sentiments au beau mais vide noble Phoebus de Chateaupert.

Le roman-drame de Hugo peut être divisé en cinq actes. Dans le premier acte, Quasimodo et Esmeralda, ne se voyant pas encore, apparaissent sur la même scène. Cette scène est la place de Grève. Ici Esmeralda danse et chante, et ici passe une procession, portant le pape des bouffons, Quasimodo, sur une civière avec une solennité comique. La gaieté générale est troublée par la sombre menace du chauve : « Blasphème ! Blasphème! La voix enchanteresse d’Esmeralda est interrompue par le cri terrible du reclus de la Tour Roland : « Veux-tu sortir d’ici, sauterelle égyptienne ? Le jeu des antithèses se termine sur Esmeralda, tous les fils de l'intrigue sont tirés vers elle. Et ce n'est pas un hasard si le feu festif, illuminant son beau visage, illumine également la potence. Il ne s'agit pas seulement d'une juxtaposition spectaculaire - c'est le début de la tragédie. L'action de la tragédie, qui a commencé avec la danse d'Esmeralda sur la place Grevsky, se terminera ici - avec son exécution.

Chaque mot prononcé sur cette scène est accompli ironie tragique. Les menaces de l'homme chauve, l'archidiacre de la cathédrale Notre-Dame de Paris, Claude Frollo, ne sont pas dictées par la haine, mais par l'amour, mais un tel amour est encore pire que la haine. La passion transforme un scribe sec en méchant, prêt à tout pour prendre possession de sa victime. Au cri : « Sorcellerie ! - signe avant-coureur des futurs ennuis d'Esmeralda : rejeté par elle, Claude Frollo va la poursuivre sans relâche, la traduire en justice à l'Inquisition et la condamner à mort.

Étonnamment, les malédictions du reclus étaient également inspirées par un grand amour. Elle est devenue une prisonnière volontaire, pleurant sa fille unique, volée par des gitans il y a de nombreuses années. Invoquant des châtiments célestes et terrestres sur la tête d'Esmeralda, la malheureuse mère ne soupçonne pas que la belle gitane est la fille qu'elle pleure. Les malédictions se réaliseront. Au moment décisif, les doigts tenaces de la recluse ne permettront pas à Esmeralda de se cacher, ils la retiendront par vengeance contre toute la tribu gitane, qui a privé la mère de sa fille bien-aimée. Pour accroître l'intensité tragique, l'auteur obligera la recluse à reconnaître son enfant à Esmeralda - par des signes commémoratifs. Mais aussi reconnaissance ne sauvera pas la fille : les gardes sont déjà proches, fin tragique inévitable.

Dans le deuxième acte, celui qui hier était un « triomphant » - le père des bouffons, devient « condamné » (contraste encore). Après que Quasimodo ait été puni à coups de fouet et laissé au pilori pour être profané par la foule, deux personnages apparaissent sur la scène de la place de Grève, dont le sort est inextricablement lié à celui du bossu. Claude Frollo s'approche d'abord du pilori. C'est lui qui ramassa un jour un enfant laid jeté dans le temple, l'éleva et en fit le sonneur de la cathédrale Notre-Dame. Depuis son enfance, Quasimodo s'est habitué au respect de son sauveur et s'attend désormais à ce qu'il vienne à nouveau à son secours. Mais non, Claude Frollo passe par là, les yeux traîtreusement baissés. Et puis Esmeralda apparaît au pilori. Il existe un premier lien entre les destins du bossu et de la belle. Après tout, c'était lui, le monstre, que les gitans mettaient dans la crèche où ils lui volaient l'adorable petite. Et maintenant, elle monte les escaliers jusqu'à Quasimodo qui souffre et, la seule de toute la foule, à avoir pitié de lui, lui donne de l'eau. A partir de ce moment, l'amour s'éveille dans la poitrine de Quasimodo, rempli de poésie et d'abnégation héroïque.

Si dans le premier acte les voix ont une importance particulière, et dans le deuxième - les gestes, alors dans le troisième - les regards. Le point d’intersection des vues est l’Esmeralda dansante. Le poète Gringoire, qui est à côté d'elle sur la place, regarde la jeune fille avec sympathie : elle lui a récemment sauvé la vie. Le capitaine des tirailleurs royaux, Phoebus de Chateaupert, dont Esmeralda est tombée follement amoureuse dès leur première rencontre, la regarde depuis le balcon d'une maison gothique - c'est un regard de volupté. En même temps, d'en haut, depuis la tour nord de la cathédrale, Claude Frollo regarde le gitan - c'est le regard d'une passion sombre et despotique. Et encore plus haut, sur le clocher de la cathédrale, Quasimodo se figea, regardant la jeune fille avec beaucoup d'amour.

Au quatrième acte, le balancement vertigineux des antithèses atteint ses limites : Quasimodo et Esmeralda doivent désormais inverser les rôles. Une fois de plus, la foule s'est rassemblée sur la place de Grève - et à nouveau tous les regards étaient fixés sur le gitan. Mais voilà qu'elle, accusée de tentative de meurtre et de sorcellerie, risque la potence. La jeune fille a été déclarée meurtrière de Phoebe de Chateaupert, celle qu'elle aime plus que la vie elle-même. Et c'est ce que professe celui qui a réellement blessé le capitaine - le véritable criminel Claude Frollo. Pour compléter l'effet, l'auteur fait voir à Phoebus lui-même, qui a survécu à la blessure, le gitan ligoté et allant à l'exécution. « Phœbus ! Mon Phébus ! - Esmeralda lui crie "dans un accès d'amour et de plaisir". Elle s'attend à ce que le capitaine des tireurs, conformément à son nom (Phoebus - "soleil", "beau tireur qui était un dieu"), devienne son sauveur, mais il se détourne lâchement d'elle. Esmeralda ne sera pas sauvée par un beau guerrier, mais par un sonneur de cloches laid et rejeté. Le bossu descendra le mur escarpé, arrachera la gitane des mains des bourreaux et la soulèvera jusqu'au clocher de la cathédrale Notre-Dame. Ainsi, avant de monter à l'échafaud, Esmeralda, une jeune fille à l'âme ailée, trouvera un refuge temporaire dans le ciel, parmi les oiseaux chantants et les cloches.

Au cinquième acte, l'heure du dénouement tragique approche : la bataille décisive et l'exécution sur la place Greve. Voleurs et escrocs, habitants de la Cour des Miracles parisienne, assiègent la cathédrale Notre-Dame, et seul Quasimodo la défend héroïquement. L'ironie tragique de l'épisode est que les deux camps se battent pour sauver Esmeralda : Quasimodo ne sait pas que l'armée de voleurs est venue libérer la jeune fille, les assiégeants ne savent pas que le bossu, défendant la cathédrale, protège la gitan.

"Ananke" - rocher - le roman commence par ce mot, lu sur le mur d'une des tours de la cathédrale. Par la volonté du destin, Esmeralda se trahira en criant à nouveau le nom de son bien-aimé : « Phoebus ! Viens à moi, mon Phébus ! - et ainsi se détruire. Claude Frollo lui-même tombera inévitablement dans ce « nœud fatal » avec lequel il « tira le gitan ». Rock obligera l'élève à tuer son bienfaiteur : Quasimodo jettera Claude Frollo de la balustrade de la cathédrale Notre-Dame. Seuls ceux dont les caractères sont trop superficiels pour la tragédie échapperont à un destin tragique. A propos du poète Gringoire et de l'officier Phoebus de Châteaupère, l'auteur dira avec ironie : ils « se sont terminés tragiquement » - le premier ne fera que revenir au drame, le second se mariera. Le roman se termine sur l’antithèse du mesquin et du tragique. Le mariage ordinaire de Phébus s'oppose au mariage fatal, au mariage dans la mort. De nombreuses années plus tard, des restes délabrés seront retrouvés dans la crypte - le squelette de Quasimodo serrant le squelette d'Esmeralda. Lorsqu'ils voudront être séparés l'un de l'autre, le squelette de Quasimodo deviendra poussière.

Le pathos romantique est apparu chez Hugo déjà dans l'organisation même de l'intrigue. L'histoire de la gitane Esmeralda, de l'archidiacre de la cathédrale Notre-Dame Claude Frollo, du sonneur Quasimodo, du capitaine des tirailleurs royaux Phoebus de Chateaupert et d'autres personnages qui leur sont associés est pleine de secrets, de rebondissements inattendus, de coïncidences fatales et d'accidents. . Les destins des héros se croisent de manière complexe. Quasimodo tente de voler Esmeralda sur ordre de Claude Frollo, mais la jeune fille est accidentellement sauvée par des gardes dirigés par Phoebus. Quasimodo est puni pour l'attentat contre Esmeralda. Mais c'est elle qui donne une gorgée d'eau au malheureux bossu lorsqu'il est au pilori et qui, par son acte bienveillant, le transforme.

Il est clair pause romantique et instantanée: Quasimodo passe d'un animal brut à un homme et, tombé amoureux d'Esmeralda, se retrouve objectivement confronté à Frollo, qui joue un rôle fatal dans la vie de la jeune fille.

Les destins de Quasimodo et d'Esmeralda s'avèrent étroitement liés dans un passé lointain. Esmeralda a été kidnappée par des gitans lorsqu'elle était enfant et parmi eux a reçu son nom exotique (Esmeralda en espagnol signifie « émeraude »), et ils ont laissé un vilain bébé à Paris, qui a ensuite été recueilli par Claude Frollo, l'appelant en latin (Qusimodo traduit comme « inachevé »), mais aussi en France Quasimodo est le nom de la fête de Red Hill, pendant laquelle Frollo est allé chercher le bébé.

3.2. Système d'images de personnages dans le roman

L'action du roman « Cathédrale Notre-Dame » se déroule à la fin du XVe siècle. Le roman s'ouvre sur l'image d'un festival folklorique bruyant à Paris. Il y a ici une foule hétéroclite de citadins et de citadines ; et des marchands et artisans flamands arrivés comme ambassadeurs en France ; et le cardinal de Bourbon, également des étudiants universitaires, des mendiants, des archers royaux, la danseuse de rue Esmeralda et le sonneur de cloches de la cathédrale, incroyablement laid, Quasimodo. Telle est la diversité des images qui se présentent au lecteur.

Comme dans d'autres œuvres de Hugo, les personnages sont nettement divisés en deux camps. Les vues démocratiques de l'écrivain sont également confirmées par le fait qu'il ne trouve de hautes qualités morales que dans les classes inférieures de la société médiévale - chez la danseuse de rue Esmeralda et le sonneur de cloches Quasimodo. Tandis que l'aristocrate frivole Phoebus de Chateaupert, le fanatique religieux Claude Frollo, le noble juge, le procureur royal et le roi lui-même incarnent l'immoralité et la cruauté des classes dirigeantes.

« Cathédrale Notre-Dame » est une œuvre romantique par son style et sa méthode. On y retrouve tout ce qui caractérise la dramaturgie de Hugo. Il contient également exagération et jeu avec les contrastes, et poétisation du grotesque, et abondance de situations exceptionnelles dans l'intrigue. L'essence de l'image est révélée chez Hugo non pas tant sur la base du développement du personnage, mais par contraste avec une autre image.

Le système d'images du roman est basé sur celui développé par Hugo théorie du grotesque et principe du contraste. Les personnages sont disposés en paires contrastées clairement définies : le monstre Quasimodo et la belle Esmeralda, également Quasimodo et l'irrésistible Phoebus ; le sonneur ignorant est un moine érudit qui a appris toutes les sciences médiévales ; Claude Frollo s'oppose également à Phoebus : l'un est un ascète, l'autre est plongé dans la recherche du divertissement et du plaisir. La gitane Esmeralda contraste avec la blonde Fleur-de-Lys, l'épouse de Phoebe, une jeune fille riche et instruite qui appartient à la haute société. La relation entre Esmeralda et Phoebus est basée sur le contraste : la profondeur de l'amour, la tendresse et la subtilité des sentiments d'Esmeralda - et l'insignifiance et la vulgarité du noble farfelu Phoebus.

La logique interne de l'art romantique de Hugo conduit au fait que les relations entre des héros très contrastés acquièrent un caractère exceptionnel et exagéré.

Quasimodo, Frollo et Phoebus aiment tous les trois Esmeralda, mais dans leur amour chacun apparaît comme l'antagoniste de l'autre. Phoebus a besoin d'une histoire d'amour pendant un moment, Frollo brûle de passion, détestant Esmeralda pour cela comme l'objet de ses désirs. Quasimodo aime la fille de manière altruiste et altruiste ; il affronte Phoebus et Frollo comme un homme dépourvu de la moindre goutte d'égoïsme dans ses sentiments et, ainsi, s'élève au-dessus d'eux. Aigri contre le monde entier, le monstre aigri Quasimodo est transformé par l'amour, éveillant en lui le bon principe humain. Chez Claude Frollo, au contraire, l'amour réveille la bête. Le contraste entre ces deux personnages détermine la sonorité idéologique du roman. Selon Hugo, ils incarnent deux principaux types humains.

C'est ainsi qu'apparaît un nouveau niveau de contraste : l'apparence extérieure et le contenu intérieur du personnage : Phoebus est beau, mais intérieurement terne, mentalement pauvre ; Quasimodo est laid en apparence, mais beau d'âme.

Ainsi, le roman est construit comme un système d’oppositions polaires. Ces contrastes ne sont pas seulement un dispositif artistique pour l'auteur, mais le reflet de ses positions idéologiques et de sa conception de la vie. La confrontation entre principes polaires semble être éternelle dans la vie du roman de Hugo, mais en même temps, comme déjà mentionné, il veut montrer le mouvement de l’histoire. Selon le chercheur en littérature française Boris Revizov, Hugo considère le changement d'époque - le passage du début du Moyen Âge à la fin, c'est-à-dire la période de la Renaissance - comme une accumulation progressive de bonté, de spiritualité, une nouvelle attitude envers le monde. et envers nous-mêmes.

Au centre du roman, l'écrivain a placé l'image d'Esmeralda et en a fait l'incarnation de la beauté spirituelle et de l'humanité. Création image romantique contribuent aux caractéristiques vives que l'auteur donne à l'apparence de ses personnages dès leur première apparition. Étant romantique, il utilise des couleurs vives, des tons contrastés, des épithètes riches en émotions, des exagérations inattendues. Voici un portrait d'Esmeralda : « Elle était de petite taille, mais elle semblait grande - c'était à quel point sa silhouette était élancée. Elle avait la peau foncée, mais il n'était pas difficile de deviner que pendant la journée, sa peau avait cette merveilleuse teinte dorée caractéristique des femmes andalouses et romaines. La jeune fille dansait, voletait, tournoyait... et chaque fois que son visage brillant brillait, le regard de ses yeux noirs vous aveuglait comme l'éclair... Mince, fragile, avec des épaules nues et parfois des jambes fines qui ressortaient sous sa jupe, noire- "Poilée, rapide, comme une guêpe", dans un corsage doré serré jusqu'à la taille, dans une robe colorée et gonflée, avec des yeux brillants, elle ressemblait vraiment à une créature surnaturelle.

Une gitane chantant et dansant sur les places affiche une beauté superlative. Cependant, cette jolie fille est aussi comblée contradictions. Elle peut être confondue avec un ange ou une fée, et elle vit parmi les escrocs, les voleurs et les meurtriers. L'éclat de son visage cède la place à un « grimask », un chant sublime - à des tours comiques avec une chèvre. Quand la fille chante, elle « a l’air soit folle, soit comme une reine ».

Selon Hugo, la formule du théâtre et de la littérature du Nouvel Âge est "Tout est en antithèse." Ce n’est pas sans raison que l’auteur de « La Cathédrale » exalte Shakespeare parce qu’« il s’étend d’un pôle à l’autre », car chez lui « la comédie éclate en larmes, le rire naît des sanglots ». Les principes du romancier Hugo sont les mêmes : un mélange contrasté de styles, une combinaison de « l'image du grotesque et de l'image du sublime », « du terrible et du clown, de la tragédie et de la comédie ».”.

L'amour de Victor Hugo pour la liberté et la démocratie s'exprime à l'image du sonneur de cloches Quasimodo - le plus bas de la classe, la hiérarchie féodale, un paria, et aussi laid, laid. Et encore une fois, cet être « inférieur » s'avère être une manière d'évaluer toute la hiérarchie de la société, tous les « supérieurs », car le pouvoir de l'amour et du sacrifice de soi transforme Quasimodo, fait de lui un Homme, un Héros. En tant que porteur de vraie morale, Quasimodo s'élève avant tout au-dessus du représentant officiel de l'Église, l'archidiacre Claude Frollo, dont l'âme est défigurée par le fanatisme religieux. L'apparence laide de Quasimodo est une technique grotesque courante chez le romantique Hugo, une expression spectaculaire et accrocheuse de la conviction de l'écrivain que ce n'est pas son apparence qui rend une personne belle, mais son âme. Combinaison paradoxale belle âme et son apparence laide transforme Quasimodo en un héros romantique - en un héros exceptionnel.

L'apparition de Quasimodo, le sonneur de la cathédrale Notre-Dame, semble incarnée grotesque- Pas étonnant qu'il ait été élu à l'unanimité pape des bouffons. « Pur diable ! - dit un des étudiants à son sujet. - Regardez-le, un bossu. Quand il s’en va, tu vois qu’il est boiteux. Il vous regardera de travers. Si tu lui parles, tu es sourd. Cependant, ce grotesque n’est pas seulement un degré superlatif de laideur extérieure. L'expression du visage et la silhouette du bossu sont non seulement effrayantes, mais aussi surprenantes par leur incohérence. "... Il est encore plus difficile de décrire le mélange de colère, d'étonnement et de tristesse qui se reflétait sur le visage de cet homme." La tristesse est ce qui contredit l'apparence terrible ; dans cette tristesse se trouve le secret de grandes possibilités spirituelles. Et dans la figure de Quasimodo, malgré les traits repoussants - une bosse sur le dos et la poitrine, des hanches disloquées - il y a quelque chose de sublime et d'héroïque : "... une sorte d'expression formidable de force, d'agilité et de courage."

Même ce chiffre effrayant a un certain attrait. Si Esmeralda est l'incarnation de la légèreté et de la grâce, alors Quasimodo est l'incarnation de la monumentalité, imposant le respect du pouvoir : « il y avait une formidable expression de force, d'agilité et de courage dans toute sa silhouette - une exception extraordinaire à cela. règle générale", qui exige que la force, comme la beauté, découle de l'harmonie... Il semblait que c'était un géant brisé et mal soudé." Mais dans un corps laid, il y a un cœur réactif. Par ses qualités spirituelles, cet homme simple et pauvre s'oppose à la fois à Phoebus et à Claude Frollo.

Le pasteur Claude, un scientifique ascétique et alchimique, personnifie un esprit rationaliste froid, triomphant de tous les sentiments, joies et affections humains. Cet esprit qui prime sur le cœur, inaccessible à la pitié et à la compassion, est pour Hugo une force maléfique. Le centre du bon principe qui s'y oppose dans le roman est le cœur de Quasimodo, qui a besoin d'amour. Quasimodo et Esmeralda, qui ont fait preuve de compassion pour lui, sont aux antipodes complets de Claude Frollo, puisque leurs actions sont guidées par l'appel du cœur, un désir inconscient d'amour et de bonté. Même cette impulsion spontanée les rend infiniment plus élevés que Claude Frollo, qui tentait son esprit avec toutes les tentations de l'érudition médiévale. Si chez Claude l'attirance pour Esmeralda n'éveille que le principe sensuel, le conduit au crime et à la mort, perçus comme une rétribution du mal qu'il a commis, alors l'amour de Quasimodo devient déterminant pour son éveil et son épanouissement spirituel ; la mort de Quasimodo à la fin du roman, contrairement à la mort de Claude, est perçue comme une sorte d'apothéose : c'est le dépassement de la laideur physique et le triomphe de la beauté de l'esprit.

Dans les personnages, les conflits, l'intrigue, le paysage de la « Cathédrale Notre-Dame », le principe romantique du reflet de la vie a triomphé - des personnages exceptionnels dans des circonstances extraordinaires. Les circonstances sont si extrêmes qu’elles prennent l’allure d’un destin irrésistible. Ainsi, Esmeralda meurt à cause des actions de nombreuses personnes qui ne veulent que le meilleur pour elle : toute une armée de vagabonds attaquant la Cathédrale, Quasimodo défendant la Cathédrale, Pierre Gringoire emmenant Esmeralda hors de la Cathédrale, et même sa propre mère, détenant sa fille jusqu'à ce que les soldats apparaissent. Mais derrière le jeu capricieux du destin, derrière son apparent hasard, on voit le schéma des circonstances typiques de cette époque, qui condamnait à mort toute manifestation de libre pensée, toute tentative d'une personne de défendre son droit. Quasimodo n'est pas seulement une expression visuelle de l'esthétique romantique du grotesque - le héros, arrachant Esmeralda aux griffes prédatrices de la « justice », levant la main contre un représentant de l'Église, est devenu un symbole de rébellion, un signe avant-coureur de la révolution.

3.3. Image de la cathédrale Notre-Dame

et son lien inextricable avec les images des personnages principaux du roman

Dans le roman, il y a un « personnage » qui unit tous les personnages autour de lui et regroupe presque toutes les principales intrigues du roman en une seule boule. Le nom de ce personnage est inclus dans le titre de l'œuvre de Hugo - Cathédrale Notre-Dame.

Pour l'archidiacre Claude Frollo, la cathédrale est un lieu de résidence, de service et de recherche mi-scientifique, mi-mystique, un contenant pour toutes ses passions, ses vices, son repentir, son abandon et, finalement, sa mort. Le pasteur Claude Frollo, un scientifique ascétique et alchimique, incarne un esprit rationaliste et froid, triomphant de tous les bons sentiments, joies et affections humains. Cet esprit qui prime sur le cœur, inaccessible à la pitié et à la compassion, est pour Hugo une force maléfique. Les passions viles qui ont éclaté dans l'âme froide de Frollo ne conduisent pas seulement à sa propre mort, mais sont la cause de la mort de toutes les personnes qui comptaient quelque chose dans sa vie : le frère cadet de l'archidiacre, Jehan, meurt aux mains de Quasimodo, le pur et la belle Esmeralda meurt sur la potence, livrée par Claude aux autorités, l'élève du prêtre Quasimodo, d'abord apprivoisée par lui puis, de fait, trahie, se livre volontairement à la mort. La cathédrale, faisant en quelque sorte partie intégrante de la vie de Claude Frollo, participe ici encore à part entière à l'action du roman : depuis ses galeries, l'archidiacre regarde Esmeralda danser sur la place ; dans la cellule de la cathédrale, équipée par lui pour pratiquer l'alchimie, il passe des heures et des jours en études et recherches scientifiques, ici il supplie Esmeralda d'avoir pitié et de lui donner de l'amour. La cathédrale devient finalement le lieu de sa terrible mort, décrite par Hugo avec une puissance stupéfiante et une authenticité psychologique.

3.4. Historicisme romantique

Dans la littérature romantique française, « Notre Dame de Paris » était une œuvre marquante du genre historique. Avec la puissance de son imagination créatrice, Hugo cherchait à recréer la vérité de l’histoire, qui constituerait une instruction instructive pour les temps modernes.

Victor Hugo a réussi non seulement à donner le goût de l'époque, mais aussi à exposer les contradictions sociales de cette époque. Dans le roman, une immense masse de personnes privées de leurs droits s’oppose au groupe dominant constitué de la noblesse, du clergé et des fonctionnaires royaux. Une scène typique est celle dans laquelle Louis XI calcule avarement les coûts de construction d'une cellule de prison, sans prêter attention aux supplications du prisonnier qui y croupit.

Ce n'est pas pour rien que l'image de la cathédrale occupe une place centrale dans le roman. L'Église chrétienne a joué un rôle important dans le système du servage. L'un des personnages principaux, l'archidiacre de la cathédrale, Claude Frollo, incarne la sombre idéologie des ecclésiastiques. Fervent fanatique, il se consacrait à l’étude des sciences, mais la science médiévale était étroitement associée au mysticisme et à la superstition. Homme d’une intelligence extraordinaire, Frollo sentit bientôt l’impuissance de cette sagesse. Mais les préjugés religieux ne lui permettent pas d'aller au-delà. Il expérimente « l’horreur et l’étonnement d’un servant d’autel » avant l’impression, comme avant toute autre innovation. Il a artificiellement supprimé les désirs humains en lui-même, mais n'a pas pu résister à la tentation que lui causait la gitane. Le moine fanatique devint frénétique, cynique et grossier dans sa passion, révélant jusqu'au bout sa bassesse et sa dureté de cœur.

Le roman était imprégné d'une tendance anticléricale nouvelle pour Hugo. L'image sombre de la cathédrale apparaît dans le roman comme un symbole du catholicisme, qui a réprimé l'homme pendant des siècles. La cathédrale est un symbole de l'esclavage du peuple, un symbole de l'oppression féodale, des superstitions sombres et des préjugés qui retiennent captives les âmes des gens. Ce n'est pas pour rien que dans l'obscurité de la cathédrale, sous ses arcades se confondant avec d'étranges chimères de marbre, assourdi par le rugissement des cloches, Quasimodo, « l'âme de la cathédrale », dont l'image grotesque personnifie le Moyen Âge, vit seul. . En revanche, la charmante image d'Esmeralda incarne la joie et la beauté de la vie terrestre, l'harmonie du corps et de l'âme, c'est-à-dire les idéaux de la Renaissance, qui a remplacé le Moyen Âge. La rupture des époques traverse les destins, le cœur des héros de « Cathédrale ».

Ce n'est pas un hasard si Esmeralda est comparée à la Mère de Dieu tout au long du roman. Une lumière émane d’elle, conférant à ses traits « une tendresse idéale, que Raphaël captera plus tard dans la fusion mystique de la virginité, de la maternité et de la divinité ». Ainsi l'auteur le suggère métaphoriquement : la divinité des temps modernes est la liberté, à l'image d'Esmeralda - la promesse d'une liberté future.

L’image d’un peuple en éveil s’incarne dans Quasimodo. La scène dans laquelle Esmeralda donne à boire à Quasimodo, qui souffre au pilori, est pleine de signification secrète : c'est un peuple languissant dans l'esclavage qui reçoit un souffle de liberté vivifiant. Si avant de rencontrer Esmeralda le bossu était pour ainsi dire l'un des monstres de pierre de la cathédrale, pas tout à fait humain (d'après le nom latin qui lui a été donné - Quasimodo, « presque », « comme si »), alors, ayant tombé amoureux d'elle, il devient presque un surhomme. Le sort de Quasimodo est la garantie que le peuple deviendra aussi le créateur de l'histoire, le Peuple avec un P majuscule.

Qu'est-ce qui détruit Esmeralda et Quasimodo ? Leur rocher, c'est le Moyen Âge. Une époque vieillissante et mourante, sentant l’approche de sa fin, poursuit avec plus d’acharnement une nouvelle vie. Le Moyen Âge se venge d'Esmeralda pour sa liberté et de Quasimodo pour s'être libéré du pouvoir de la pierre. Les lois, les préjugés et les habitudes du moyen âge les tuent.

Dans la compréhension de l'auteur du roman, le peuple n'est pas seulement une masse sombre et ignorante, une victime passive des oppresseurs : il est plein de force créatrice et de volonté de se battre, l'avenir lui appartient. Bien qu’il n’ait pas dressé un tableau général du mouvement populaire dans la France du XVe siècle, il a vu dans le peuple cette force irrésistible qui, dans des soulèvements continus, a fait preuve d’une énergie indomptable, obtenant la victoire souhaitée.

Alors qu’il ne s’est pas encore réveillé, qu’il est encore écrasé par l’oppression féodale, « son heure n’a pas encore sonné ». Mais la prise de la cathédrale par le peuple parisien, si vivement représentée dans le roman, n'est qu'un prélude à la prise de la Bastille en 1789 (ce n'est pas un hasard si le roi Louis XI habite ce château), à la révolution qui va se produire. écraser la féodalité. Cette « heure du peuple » est prédite sans équivoque au roi par l'envoyé de la Flandre libre, « le fabricant de bonneterie gantoise Coppenol, aimé du peuple » :

"Quand les sons de la sonnette d'alarme retentiront depuis cette tour, quand les canons rugiront, quand la tour s'effondrera dans un rugissement infernal, quand les soldats et les citadins se précipiteront les uns sur les autres dans un combat mortel, alors cette heure sonnera."

Malgré toute la diversité et le pittoresque des images de la vie populaire de la « Cathédrale Notre-Dame », Hugo n'a pas idéalisé le Moyen Âge, comme l'ont fait de nombreux écrivains romantiques, il a montré avec vérité les côtés sombres du passé féodal. En même temps, son livre est profondément poétique, plein d'un ardent amour patriotique pour la France, son histoire, son art, dans lesquels vit, selon l'écrivain, l'esprit épris de liberté du peuple français.

3.5. Conflit et problèmes du roman

À toute époque historique, à travers toutes ses contradictions, Hugo distingue la lutte entre deux grands principes moraux. Ses héros, tant dans Notre-Dame de Paris que plus encore dans ses romans ultérieurs, ne sont pas seulement des personnages brillants, vifs, socialement et historiquement colorés ; leurs images se transforment en symboles romantiques, deviennent porteuses de catégories sociales, de concepts abstraits et finalement d'idées du Bien et du Mal.

Dans « Notre Dame de Paris », entièrement construite sur des « antithèses » spectaculaires reflétant les conflits de l’ère de transition, l’antithèse principale est le monde du bien et le monde du mal. Le « mal » dans le roman se concrétise - c'est l'ordre féodal et le catholicisme. Le monde des opprimés et le monde des oppresseurs : d'un côté, le château royal de la Bastille, havre d'un tyran sanglant et perfide, la noble maison de Gondelaurier, demeure de dames et de messieurs « gracieux et inhumains », de l'autre, les places parisiennes et les bidonvilles de la « Cour des Miracles » ; où vivent les plus défavorisés. Le conflit dramatique ne repose pas sur la lutte entre la royauté et les seigneurs féodaux, mais sur la relation entre les héros populaires et leurs oppresseurs.

Le pouvoir royal et son soutien, l'Église catholique, sont présentés dans le roman comme une force hostile au peuple. Cela définit l'image du roi calculateur et cruel Louis XI et l'image du sombre archidiacre fanatique Claude Frollo.

En apparence brillante, mais en réalité vide et sans cœur, la société noble est incarnée à l'image du capitaine Phoebus de Chateaupert, un dandy insignifiant et un martinet grossier, qui seul au regard aimant d'Esmeralda peut apparaître comme un chevalier et un héros ; comme l'archidiacre, Phoebus est incapable de sentiments altruistes et altruistes.

Le sort de Quasimodo est exceptionnel dans son accumulation de choses terribles et cruelles, mais il (terrible et cruel) est déterminé par l'époque et la position de Quasimodo. Claude Frollo est l'incarnation du Moyen Âge avec son sombre fanatisme et son ascèse, mais ses atrocités sont générées par la distorsion de la nature humaine dont est responsable l'obscurantisme religieux du catholicisme médiéval. Esmeralda est « l'âme du peuple » poétisée, son image est presque symbolique, mais le destin tragique personnel d'une danseuse de rue est le sort possible de n'importe quelle vraie fille du peuple dans ces conditions.

La grandeur spirituelle et la haute humanité ne sont inhérentes qu'aux exclus du bas de la société ; ce sont les véritables héros du roman. La danseuse de rue Esmeralda symbolise la beauté morale du peuple, le sonneur de cloches sourd et laid Quasimodo symbolise la laideur du sort social des opprimés.

Les critiques ont souligné à plusieurs reprises que les deux personnages, Esmeralda et Quasimodo, sont persécutés dans le roman, victimes impuissantes d'un procès inéquitable et de lois cruelles : Esmeralda est torturée et condamnée à mort, Quasimodo est facilement envoyé au pilori. Dans la société, il est un paria, un paria. Mais ayant à peine esquissé le motif de l'évaluation sociale de la réalité (comme d'ailleurs dans la représentation du roi et du peuple), le romantique Hugo concentre son attention sur autre chose. Il s'intéresse au choc des principes moraux, aux forces polaires éternelles : le bien et le mal, l'altruisme et l'égoïsme, le beau et le laid.

Exprimant sa sympathie pour les « souffrants et les défavorisés », Hugo était rempli d'une foi profonde dans le progrès de l'humanité, dans la victoire finale du bien sur le mal, dans le triomphe du principe humaniste, qui vaincra le mal mondial et établira l'harmonie et la justice dans le monde. le monde.

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