conversația sa îndreptat către modul în care diferiți artiști descriu aceeași temă.
Date: două tablouri pe tema felului în care albii de pe nave au fugit din Rusia bolșevică.

a) Ivan Vladimirov (1869−1947). „Fuga burgheziei din Novorossiysk” (1926)

b) Dmitri Belyukin (n. 1962). "Rusia Albă. Exodul". 1992-4

Care dintre ele descrie corect evenimentul din punct de vedere istoric? În care dintre acești artiști ar trebui să ai încredere? argumentează comentatorii.

Aici, să folosim exemplul acestora (precum și alte picturi) pentru a analiza ce este în general „adevăr” în picturi și în cine trebuie să avem încredere.
După cum se dovedește, unii oameni nu înțeleg.

Deci, pentru a se bucura în mod corespunzător de sensul unei opere de artă, istoria ei etc. (și nu doar separat perfecțiunea estetică, armonie), este foarte util să înțelegem ce a fost POARTĂ artistul care a creat această lucrare.

1) Exprima-te
(admirarea de sine, admirarea lucrurilor preferate)

Am pus asta în fruntea listei pentru că în secolele 20 și 21 acest obiectiv pentru artiști este resimțit de public (și de artiștii înșiși, poate) ca o prioritate.

Societatea în această perioadă a devenit atât de bogată, încât s-a format un asemenea exces de resurse încât un număr imens de oameni, atât profesioniști, cât și neprofesioniști, s-au putut angaja în artă. Toți cărora le place să deseneze (să scrie poezie, muzică, să facă fotografii pe Instagram etc.). Respiră cum pot să sculptez găluște / să desenez clovni / să brodez cu cusături de satin, etc., cât de frumoasă sunt eu, și copiii mei, și iahtul meu.

Cu toate acestea, atunci când utilizați în interior opere de absolut orice fel de artă (pictură, literatură etc.), REAMINĂȚI ÎNTOTDEAUNA că această libertate, acest scop, această idee de artă ca „instagram al artistului” este o realizare care a devenit disponibilă creatorilor. numai în ultimul timp. În secolele precedente, cu cât mai departe - cu atât mai puternică, o astfel de poziție era inacceptabilă, licențialitatea, era percepută ca un târg de vanitate. În niciun caz, privind lucrările „vechilor maeștri”, nu-i judeca din poziția „a făcut-o pentru că a vrut”. Desigur, nu aș vrea - nu ar face-o, dar până în epoca impresionismului, acest „dorit” se împletește în lista de obiective atunci când se creează o operă de artă. foarte foarte coada. Nu judeca singur, din postura unei persoane a secolului XXI.

2) Exprimați-vă demonii interiori
(sau fantezii erotice)

Dar acesta, dimpotrivă, este scopul clasic al artei, unul dintre cele mai vechi.
Primul scop public al creării artei, cel mai probabil, a fost religios (șamanism pentru o bună vânătoare de mamuți, ritualuri funerare etc.), dar scopul individual, personal al primilor autori a fost și acela de a-și exprima emoțiile, temerile, visele.

Dar și aici, o trăsătură foarte importantă care distinge un om al vremurilor moderne - și un om al trecutului, un artist al modernismului (începând cu impresioniștii) - este din nou gradul de libertate în exprimarea acestor fantezii.

Nu merită să reproșăm artei avangardiste și contemporane că sunt de neînțeles și nu sunt realiste; li s-a întâmplat, pentru că viața însăși în secolul XX s-a schimbat la nivel global. Uite, a fost o revoluție sexuală și a devenit posibil să mergi pe străzi practic în pantaloni scurți, sau chiar fără chiloți. Cât despre artă, cum ar trebui să răspundem la această libertate prăbușită, la noile oportunități de a face tot ce dorește? Artiștii desenează femei fără chiloți în artă complet liber timp de cinci sute de ani, acest lucru nu va surprinde pe nimeni. Deci revoluția sexuală în artele vizuale s-a exprimat prin respingerea realismului, a asemănării naturale; de fapt, din toate regulile artei plastice s-au inventat ultimii cinci sute de ani. Aceasta este o reacție complet normală a artiștilor la ceea ce se întâmpla la nivel global în societate în general. Sunt roșcate pentru a fi cumsecade când toți cei din jur fac ce vor?

Deci, amintiți-vă, artistul secolelor anterioare, exprimându-și demonii, avea limite clare impuse de societate. Și pentru a exprima acest lucru, a trebuit să găsească nișa potrivită permisă de cenzură (societate), o nișă decentă.
De regulă, acestea erau tot felul de orori ale artei religioase.

În cazul fanteziilor erotice, a fost mai ușor - nu erau tabuizate de artă (cu excepția porno-ului pur și simplu, precum și a lucrurilor mici prea realiste, cum ar fi părul pubian).

Libertatea începe să apară odată cu dezvoltarea personalității autorului, a individualității, atunci când artistul încetează să se mai simtă meșter și devine „poet”. Așa că la sfârșitul secolului al XVIII-lea primim mirajele lui Goya, William Blake, Fuseli etc., tot felul de romantism. Și astfel individualitatea nu a fost întotdeauna încurajată, de exemplu, a fost pur și simplu indecent să pună semnătura unui autor pe arta religioasă medievală în unele epoci (de aceea cunoaștem atât de puțini maeștri ai acestor epoci).

În general, nu ar trebui să măsurați singur, ar trebui să încercați să interpolați.

3) Bani

De asemenea, un obiectiv străvechi de a crea o lucrare, la fel de extrem de populară.
Un obiectiv foarte, foarte demn. Ea este cea care îi obligă pe artiști să-și termine munca până la capăt, pentru că altfel clientul nu va plăti, ea este cea care îi face pe oameni să se ridice de la sobă și să caute de lucru pentru a hrăni copiii, a le îmbunătăți abilitățile și nu. se transformă în UG.
Pentru că piața întotdeauna dictează (dictează), și nimeni nu a cumpărat tablouri proaste.

(Îți poți imagina cât de tare ar fi dacă Leonardo da Vinci ar fi plătit numai după fapt și ar fi, de asemenea, obligat să ofere o garanție de 10 ani? Și-ar aplica mintea ageră la problemele de siguranță și ar veni mult mai mult la noi .. Dar, vai, a reușit să-și ridice marca personală și a fost plătit pur și simplu pentru nume).

Dar din nou, trebuie să înțelegeți diferența dintre un artist modernist și un „maestru vechi”. Economia s-a schimbat foarte mult și afectează. Economie și progres tehnic. Crearea unui tablou a fost în primul rând un meșteșug, o muncă și nu o gândire a unui geniu. Să luăm arhitectura, este mai neschimbată în acest sens: te hotărăști să-ți construiești un conac. Ne-am dus la arhitect, ne-am exprimat dorințele, am semnat un contract. A desenat o schiță, a aprobat-o, a construit o casă din cărămidă, a terminat-o cu marmură, l-a plătit pe arhitect, apoi folosești casa în scopul propus. Același lucru s-a întâmplat și cu pictura: în 1311, comunitatea catedralei a decis să comande un altar, spune Duccio, și-a exprimat dorințele, a semnat punct cu punct un contract. Duccio ia o scândură de lemn scumpă, perfect pregătită și chiar uriașă ca dimensiune și formă complicată. Vopsele: lapis lazuli zdrobit, albastru pal, adus din India, si costa bani infernali; aurirea, de asemenea, nu este cumva ieftină etc.

Un arhitect normal în plină zi de construcție a unui conac nu va inspira să schimbe conceptul, pentru că el este Autorul, Creatorul, și-a dorit el, știe că acest banchet nu este pe cheltuiala lui. De asemenea, artistul trebuia pur și simplu să-și facă bine treaba, să livreze comanda la timp (designerii moderni vor înțelege acum. Și să-i lase pe ei să invidieze: în acele vremuri nu existau e-mailuri, așa că nimeni nu putea cere adesea să „se joace cu fonturile”).

Piața de artă a mers pentru o lungă perioadă de timp la situația cinematografică cunoscută nouă astăzi: când un artist atât de genial stă într-un studio plin de picturile sale șic. Apoi vine la el o cunoștință și își aduce prietenii americani înstăriți, care îi spun entuziasmați: „Dar noi luăm asta, și asta, și asta! și ce mai ai, împachetează-l!”.
Înainte de asta a mai fost o etapă, care nu mai poate fi comparată cu arhitectura, ci cu prăjiturile. Aici ai o brutărie acasă și bani pentru materii prime pentru 10 prăjituri. Nu există clienți anumi care au semnat un contract cu tine pentru prăjiturile tale, dar știi că, în principiu, oamenii vin la tine. Nu vei face 20 de prăjituri pentru că atât de mulți clienți nu ajung la tine. Trebuie să vinzi tot ce ai copt, altfel nu vei avea bani să cumperi materii prime noi. Vedeți, vopselele erau scumpe, pânzele erau scumpe (dar mai ieftine decât lemnul de modă veche, data viitoare vă voi spune în detaliu), închirierea unui atelier este scumpă,. În secolul al XVII-lea, în Olanda, de ce „micii olandezi” pictau atât de activ naturi moarte, scene cotidiene și peisaje? Pentru că țara a devenit foarte prosperă și fiecare localnic și-a putut permite (și a permis) să vină la „magazinul de picturi gata făcute” și să aleagă o frumusețe pentru el însuși pe perete. În consecință, a apărut o pătură foarte groasă de artiști care au servit acestor burghezi.

Și în sfârșit, în secolul al XIX-lea, apare stilul de viață al artistului, care ni se pare un manual: cu o grămadă de pânze pictate „pe masă”, care ar fi frumos de vândut, dar nu poți, oricum, e ceva. să mănânce, dar lăsați-l să atârne pe pereți nevândut.
Nu mă opresc în mod deliberat pe aspectele sociale, ideologice, psihologice, ci doar despre economie.
Artiștii au aspirat la Paris nu numai pentru că era distractiv să petreci acolo, ci și pentru că orașul a creat un mediu pentru serviciul lor: dealeri de vopsele și pânze (comandă în vrac, așa că vând mai ieftin), o mulțime de mansardă pentru închiriază, modelele vin intenționat la muncă, cumpărătorii vin intenționat să cumpere și așa mai departe.
Astăzi, în general, a devenit atât de ieftin încât oricine poate face artă și poate câștiga bani într-un mod complet diferit (poate de aceea avem atât de mult gunoi până la urmă?)

Deci, pentru a înțelege de ce este desenată o imagine, încercați să o înțelegeți din punct de vedere al banilor - artistul a scris-o pentru o anumită comandă? doar de vânzare la burghezi, pe masă (pentru că a primit-o), cadou mamei sau pentru ce?

4) Slavă
(si conjunctura)

De asemenea, un motiv foarte înțeles. Adevărat, nu foarte vechi, amintește-ți asta. Artiștii au început să fie ghidați de scopul de a obține faimă atunci când creează opere de artă doar dintr-o anumită perioadă (doar faimă, nu reputație + mulți clienți). În Evul Mediu, așa cum spuneam, pictura era doar un meșteșug, precum bijuteriile sau mobilierul. În Renaștere, artiștii încep să ridice capul și treptat, cu ajutorul inteligenței scrise adiacente (de exemplu, Vasari), creează un cult în jurul ocupației lor, transformând-o din meșteșug în Artă. Să vă semnați numele devine o normă. Treptat (încet) a fi artist devine cool (deși înalta societate încă nu le acceptă cu adevărat). Un proces similar cu acțiunea - în orice moment, personalul de serviciu cel mai de jos este interzis să fie îngropat în pământ consacrat și este privit la egalitate cu curvele; acum au devenit celebrități de rang regal.

În general, în opera multor artiști există lucrări de program pe care autorul le-a scris fără o comandă anume din partea patronului, ci pur și simplu pentru că i-a venit inspirația. După ce l-a creat, a înțeles clar (ei bine, cel puțin el spera) că va „reuși” cu ei, va deveni celebru. Dacă stelele converg, iar în imagine a fost posibil să se combine estetica (frumusețea) cu acest evaziv, plutind în aer, atunci imaginea începe să tună. Și chiar rămâne în istorie ca o capodoperă. (Atenție, copii: o capodoperă nu este sinonim cu cuvântul „pictură”, un artist poate picta 200 de pânze și doar 1 capodoperă într-o viață și își vor aminti de el doar datorită lui).

Scris la câteva luni după evenimentul descris.

Marii artiști sunt tocmai cei care pot desena bine (corecți din punct de vedere anatomic, îmbină armonios culorile etc.) + în același timp simt Spiritul vremurilor și sunt capabili să-l reflecte. Prin urmare, într-o generație pot fi mulți desenatori buni, dar puțini maeștri cu adevărat mari (chiar și în Renaștere). Pe unii, găsește doar o singură dată într-o viață și creează această „capodopera plină de spirit” (de exemplu, „Căsătoria inegală” a lui Pukirev sau). Alții, precum David sau Repin, vor produce constant astfel de hituri. Să nu credeți că artistul stă pe un scaun și spune „acum voi desena o capodopera și merit faima pentru ea”. Deci, desigur, nu funcționează. Pentru artiștii (scriitori, muzicieni) din această categorie înaltă de îndemânare, capodoperele se nasc datorită unei combinații de abilități înnăscute excelente, exerciții constante (dezvoltarea abilităților). Și, de asemenea, datorită intuiției incredibil de dezvoltate. Și intuiția, după cum știți, este pompată, dacă repeți ceva de un milion de ori, atunci creierul face un salt calitativ ascuțit și începe să producă rezultate rapid și spontan. Și autorului rezultatului i se pare că creierul nu a făcut de fapt nicio muncă, a coborât din cer - și astfel a fost inventată expresia că autorul a fost vizitat de Muză.

În general, artiștii de acest nivel pictează tablouri nu de dragul Gloriei și nu pentru a scăpa de demonii lor, ci din motive mai complexe. Ele devin ca un radioreceptor, captând așteptările societății din jur, precum și ale comunității artistice din jur, ale stilului care este acum la modă și așa mai departe. - și reușesc să arunce totul pe pânză, trecând prin ei înșiși.
Și așa se dovedește o capodopera.
Scrieți-l, nu încercați să repetați acasă.

Și aici, în această categorie de obiective, ar trebui să includem mai mulți artiști practici care prind conștient valul, semnalele radio transmise de societate (dar în primul rând de stat). Și produc tablouri nu doar pentru a deveni celebri (și a intra în istoria artei), ci mai mult pentru a trăi bine și a avea tot felul de bunătăți. În unele cazuri, un astfel de oportunism, servilism este o alegere personală a autorului sau, în general, norma pentru acea epocă (vezi odele lui Derzhavin dedicate împărătesei). În secolul al XX-lea, în condițiile statelor totalitare, după cum înțelegeți, întrebarea nu era doar în obținerea de bani, ci uneori era banală în supraviețuire. Dar, după cum arată numeroase studii psihologice despre tot felul de sindroame Stockholm, cel mai rău lucru este că oamenii, inclusiv artiștii, încep să creadă sincer și să glorifice. Deci, să rămână un oportunist cu sânge rece în astfel de condiții - poate nu este o opțiune atât de proastă, nu?

5) Predica

Și așa, cei mai răbdători și inteligenți dintre cititorii mei, care au ajuns în acest loc în foaia mea, acum că ați înțeles despre obiectivele fundamentale, de bază, am ajuns la cel care este asociat cu două tablouri despre albi în Crimeea, cu care a început acest text.

Acest scop al unei opere de artă este de a exprima ideile autorului, ideea lui despre lume, despre ceea ce este bine și rău. Să sărim peste primele două mii de ani, totul este simplu acolo: atunci artistul a crezut în zei, apoi în Dumnezeu și și-a exprimat credința, rugăciunea, creând o „icoană”, o imagine de rugăciune și, astfel, înțelegând Lord. Pictorii buni de icoane continuă să facă asta astăzi. Ceea ce avem nevoie este New Age, când devine posibil să predicăm prin artă nu numai credința. Mai sus, am scris că începând din Renaștere, artiștii se transformă treptat în mintea publicului de la artizani în Creatori, figurile lor sunt romantizate. Artiștii devin Personalități, vedete, cel mai important lucru este că și în capul lor; ei decid că sunt arbitrii opiniilor și trebuie să-i învețe pe oameni adevărul, să predice. (De ce nu? Principalul lucru este că cu gust, dar nu toată lumea reușește).

Deci, arta are o misiune.
(Apropo, despre ce obiective are arta, trebuie să vorbim separat - nu coincid deloc cu scopurile artiștilor).

Și acum înțelegi ce chestie. Este un lucru când artiștii cu o școală puternică, stând pe umerii giganților, erau angajați în „predici”. Și atunci aceste lucrări ale secolului al XIX-lea sunt uneori enervante, moralitatea s-a schimbat dureros, iar istoria a oferit tot felul de lecții.
Dar în secolul al XX-lea, din anumite motive, artiștilor le plăcea în mod special să facă asta - Vasiliev, Glazunov, Ryzhenko, Nesterenko ... Și dacă parcurgeți această listă de la bun început, obțineți o situație interesantă. Tema celor dragi (pisici, copii) nu este interesantă pentru ei - mici, sunt atrași de realizările globale. Nu au demoni și fantezii erotice, sau nu sunt deloc interesante (și acest lucru privează imediat creativitatea de boabe de piper, vezi Konstantin Vasiliev, care, spre deosebire de ceilalți pe care i-am enumerat, are încă fetișurile sale și cum acest lucru îl distinge pozitiv. , îl face special, memorabil).

* Pictura rusă este la fel de fundamental diferită de arta europeană ca și literatura. Punctul de vedere al artiștilor noștri – fie scriitori sau pictori – asupra lumii este preeminent tendențios. Ivan Nikolaevici Kramskoy

* Pictura durează în felul ei. Martin Heidegger

*Pictura este cunoașterea lumii, accesibilă doar unei lungi experiențe umane. Vis și memorie în același timp. Și pătrunderea în știința mângâierii, pe care ardoarea unui tânăr îndrăgostit o neglijează. Louis Aragon

* În pictură, ca și în alte genuri de artă, nu există o singură tehnică care să poată fi adaptată unei formulări verbale. Auguste Renoir

*Omenirea a prețuit întotdeauna acele opere de artă în care drama inimii umane sau pur și simplu caracterul interior al unei persoane este exprimată cât mai deplin posibil. Adesea, imaginea unui singur personaj este suficientă pentru ca numele artistului să rămână în istoria artei. Ivan Nikolaevici Kramskoy
*Nu este vorba de a învăța să desenezi, este de a învăța să gândești. Stendhal (Henri-Marie Bayle)

*Lumea este în cele din urmă în jurul nostru, nu în fața noastră. Adâncimea imaginii picturale vine de nicăieri, așezându-se, crescând pe pânză. Maurice Merleau-Ponty

*Acțiunile succesive nu pot deveni, ca atare, obiecte de pictură; trebuie să se mulţumească cu acţiuni simultane, sau corpuri care, prin poziţia lor, implică acţiune. Gotthold Ephraim Lessing

* Dacă o poză stârnește zvonuri, și chiar animate, înseamnă că există ceva în ea; prin urmare, arta poate juca un rol de ordin ceva mai înalt decât decorarea și distracția vieții. Ivan Nikolaevici Kramskoy

*Fiecare imagine ar trebui să fie unică și ar trebui să fie o imagine nouă într-o serie de reprezentări ale minții umane despre lume. Henri Matisse

* „Și apoi am văzut o cioară în zăpadă. O cioară stă în zăpadă și întinde o aripă, stă ca o pată neagră în zăpadă. Așa că nu am putut uita acest loc de mulți ani. Apoi i-am scris lui boier Morozova"
„Esența unei imagini istorice este ghicitul” Vasily Ivanovich Surikov.

* Despre progresul lucrării lui Repin la pictură: „Se va înfuria brusc, se va înfuria din tot sufletul, va apuca o paletă și pensule și va începe să scrie pe pânză ca într-un fel de furie”
"Ce este arta? Sau mai îndeaproape: ce sunt artiștii? O parte a unei națiuni care și-a propus în mod liber și spontan sarcina de a satisface nevoile estetice ale oamenilor săi."
„..cea mai înaltă autoritate judiciară a artistului a fost și va fi întotdeauna impresia pe care mii de telespectatori o suportă din imagine.” Ivan Nikolaevici Kramskoy.

* „Fiecare elev vara ar trebui să scrie schițe și să studieze din toate părțile ceea ce și-a ales ca specialitate; în plus, atât iarna, cât și vara, să aibă la el un caiet și un album pentru a învăța să deseneze. ei tot ceea ce îi va opri atenția asupra lui însuși și nu se va baza pe memoria și imaginația lui..."
„Peisajul ar trebui să fie nu numai național, ci și mai mult local. Tot ceea ce s-a spus va fi garantat de mulți ani de experiență și de toată dorința mea de a-mi servi peisajul natal și sper că va veni momentul în care toată natura rusească, vie și spiritualizată, va privi de pe pânzele artiștilor ruși.” ȘI. Shishkin

* "Vreau să fiu așa - fără griji, în acest secol scrie totul greu, nimic încurajator. Vreau ceva încurajator și voi scrie doar încurajator" Valentin Aleksandrovici Serov.

„Se spune: arta nu este știință, nu matematică, că este artă, dispoziții și că nimic nu poate fi explicat în artă - priviți și admirați. După părerea mea, nu este așa. Arta este explicabilă și foarte logică, trebuie și poate ști despre asta, este matematic "În acest caz, poate fi explicat. Este posibil să se dovedească exact de ce imaginea este bună și de ce este rea" Nikolai Petrovici Krymov

* „Un pictor care studiază diversitatea lucrurilor din natură, înțelege astfel relația lor, determină locația unui lucru în lume, adică ființa unui lucru” Kuzma
„Culorile sunt enervante și liniștitoare, țipă, se ceartă între ele și trăiesc cu afecțiune una lângă alta. În lupta sau acordul lor, există un efect al culorii asupra unei persoane prin simțul văzului.” Sergheevici Petrov-Vodkin

* „Timpul își ia osteneala să-mi termin lucrările”.
„Culoarea completează tabloul cu decorațiuni, dar ea nu este mai mult decât o doamnă de curte din alaiul ei”
"Desenul nu înseamnă doar realizarea de contururi; desenul nu constă doar din linii. Desenul este și expresivitate, formă internă, plan, modelare."
„În fiecare cap, primul lucru de făcut este să faci ochii să vorbească”.
„Numai în natură se poate găsi frumusețea, care este marele obiect al picturii; acolo trebuie să o cauți și nicăieri altundeva.”
"Fără remuşcări dacă îi copiezi pe cei din antichitate. Lucrările lor sunt o proprietate comună, de unde fiecare poate lua ce vrea. Ele devin proprietatea noastră când ştim să le folosim, Rafael, imitându-le neobosit, a rămas el însuşi".
"Mai multă hotărâre în utilizarea culorilor, mai multă flexibilitate în tonuri. Mai multă confuzie în ipostazele paginilor; sunt prea calculate. Aurirea este mai ușoară în umbră și mai delicată. În general, mai puțină simetrie."
„Contururile exterioare nu trebuie niciodată adâncite... sunt convexe... Pentru a obține o formă perfectă, nu trebuie să apelăm la volume pătrate și unghiulare: trebuie să creăm o formă rotunjită și fără detalii interioare proeminente. Când există doar unul. figura din imagine, trebuie modelată în relief și astfel să caute un efect pictural.”
„Mi s-a reproșat, și poate pe bună dreptate, că îmi repet prea des compozițiile, în loc să creez lucrări noi. Iată părerile mele despre această chestiune: majoritatea lucrărilor pe care le-am îndrăgit din intriga mi s-au părut demne de muncă și ele sunt și mai bune, repetându-le sau terminându-le mai bine, așa cum s-a întâmplat adesea cu primele mele tablouri și, de altfel, cu Capela Sixtină Când un artist, în virtutea dragostei sale pentru artă și a eforturilor depuse de el, are dreptul să sper să-și lase numele generațiilor viitoare, se va strădui neobosit să-și facă lucrările mai frumoase, sau cel puțin mai puțin imperfecte.Un exemplu pentru mine este marele Poussin, care a repetat adesea aceleași comploturi.
„Desenul conține mai mult de trei sferturi din ceea ce este pictura. Dacă ar fi să-mi pun un semn peste ușă, aș scrie: „Școala de desen”, și sunt sigur că aș crea pictori.” Ingres

* „Este greu să luați două sau trei tonuri exact împreună, cinci este și mai dificil și să luați totul exact așa cum simțiți cu ochiul este incredibil de dificil. Educați puțin ochiul la început; apoi deschideți ochiul mai larg și până la urmă tot ce intră în pânză trebuie să vadă împreună, iar atunci ceea ce nu este luat exact va fi detonat, ca o notă greșită într-o orchestră.Un artist cu experiență vede totul în același timp, așa cum un bun dirijor aude vioară, flaut, fagot și alte instrumente în același timp"
"Îmi place să încep din cele mai groase locuri întunecate. Acest lucru nu vă permite să intrați în albiciune. Culoarea va fi bogată, groasă." Konstantin Alekseevich Korovin

* „Folosirea întregii game de intensitate luminoasă, maximul permis de întreaga paletă, precum și utilizarea întregului registru de culori și nuanțe de culoare este posibilă doar pe baza cunoașterii diverselor tehnici de tehnologie.
Aceste nuanțe și saturația cu puterea culorii și luminozitatea în pictură depind în mare măsură de pregătirea texturii în fiecare etapă a lucrării.
Pictura care nu respiră în fiecare dintre culorile sale cu o mie de nuanțe care o îmbogățește, este pictură moartă.
Energia culorilor, precum și energia formei și a expresiei, poartă și energia impactului.
Munca studentească, timidă, deși sinceră, dar protocolară este doar ABC-ul artei. Numai atunci când pictorul, în urma unor căutări lungi, ajunge la două sau trei mișcări decisive ale pensulei, rezolvând simplu și clar problema formei și culorii, apare gradul necesar de persuasiune. Laconismul în pictură, ca și în vorbire, este adesea de dorit ca calea cea mai scurtă către o claritate exhaustivă: alungă tot ce este îndoielnic, confuz și supraîncărcat pe calea sa dreaptă. „K. Yuon

* „Pictura este viața însăși. În ea, natura apare în fața sufletului fără intermediari, fără coperți, fără convenții. Poezia este intangibilă. Muzica este intangibilă. Sculptura este condiționată. Dar pictura, mai ales în peisaj, este ceva real. Poeți, muzicieni , sculptori "Nu vreau să-ți slăbesc gloria. Și soarta ta este frumoasă. Dar toți să fie răsplătiți cu dreptate!"
Dacă aruncăm o privire asupra împrejurimilor, fie că este vorba despre un peisaj sau despre un interior, vom observa că între lucrurile care ne apar ochilor, există un fel de legătură creată de atmosfera care le învăluie și diverse reflexii de lumină, care , ca să spunem așa, implică fiecare obiect într-o anumită armonie generală”
"Ce miracol - să admiri în pictură ceea ce nu admiri în realitate."
„Pictura este o artă nevorbăreață și acesta, după părerea mea, este meritul ei considerabil”.
"Cel mai încăpăţânat realist este totuşi forţat, atunci când transmite natura, să recurgă la anumite convenţii de compoziţie sau de manieră. Dacă vorbim despre compoziţie, el nu poate lua pur şi simplu o singură piesă sau chiar mai multe piese şi să facă din ea o imagine. Trebuie puneți o idee în ea pentru a prezenta privitorului ceva mai mult decât o conexiune aleatorie a părților neînrudite, fără aceasta nu ar exista artă. Când un fotograf înregistrează un peisaj, vedeți întotdeauna doar o parte decupată din întreg; marginea imaginii de aici este la fel de interesantă ca și partea centrală; vă puteți imagina doar întregul peisaj - vedeți doar o bucată care pare să fie aleasă la întâmplare. Secundarul de aici revendică aceeași atenție ca și cel principal; mai des decât nu, acest secundar este primul lucru care atrage privirea și îi jignește.Se cere mai multă îngăduință pentru imperfecțiunea reproducerii într-o fotografie, mai degrabă decât pentru a crea o imaginație creativă.Fotografiile care fac cea mai mare impresie sunt cele în care În unele cazuri, din cauza imperfecțiunii însăși a metodei de transmitere precisă, se lasă anumite goluri, locuri de odihnă pentru ochi, care îi permit să concentreze atenția doar asupra unui număr mic de obiecte. Dacă ochiul ar avea puterea lupei, fotografia ar fi insuportabilă: am observa toate frunzele de pe un copac, toate țiglele de pe acoperiș și tot mușchiul de pe țigle, toate insectele etc. spune despre priveliștile neplăcute pe care o perspectivă reală le dă naștere, - sunt poate mai puțin neplăcute în peisaj, unde părțile care ies în față pot fi mărite, chiar peste măsură, fără să jignească ochiul în felul în care se întâmplă cu figurile umane! Cel mai încăpăţânat realist trebuie să corecteze în imagine această inflexibilitate a perspectivei, care denaturează aspectul obiectelor tocmai datorită acurateţei sale.
„Artiștii care nu sunt coloriști sunt angajați în colorat, nu în pictură. Pictura, în sensul propriu al cuvântului, dacă nu vorbim de picturi monocrome, conține ideea de culoare ca unul dintre fundamentele sale necesare, alături de clarobscurul. , proporție și perspectivă.” Eugene Delacroix

* „Tehnica este limbajul artistului; dezvoltă-l fără încetare, până la virtuozitate. Fără ea, nu vei putea niciodată să le spui oamenilor visele tale, experiențele tale, frumusețea pe care ai văzut-o.” Pavel Petrovici Chistyakov

* „Dumnezeu este Nemăsuratul, și Îl simt în mine. Numai în el cred. Nu cred în ceea ce ating, nici în ceea ce văd. Creierul meu, mintea mi se pare doar o scurtă realitate îndoielnică. Numai Consider că sentimentul meu interior este etern și definit.
"Contactează marii maeștri. Ei ne învață să nu creăm artă săracă...."
„Culoarea trebuie gândită, inspirată, visată”.
„Întreaga valoare a lucrărilor mele constă în faptul că le-am deschis ușa care duce la sacrament. Am compus imaginile, iar acum ar trebui să se dezvolte singure”
„Cerul prin ramuri, sunt perle și pietre prețioase”
„Pictura este tăcere pasională.” Gustave Moreau

* „Totul secret este în luminozitatea generală. Lumina vine, parcă, din interiorul pânzei în sine. Uită-te la venețieni, totul este inundat de o singură lumină și parcă artistul pictează cu o singură vopsea. De ce, la urma urmei, în interiorul unei singure culori aurii există o senzație de draperii roșii sau frunziș verde?Tițian doar saturează umbra cu culoare, iar lumina din întreaga imagine scrie aproape cu aceeași culoare, un singur ton.Planul imaginii, adâncimea și jocul luminii sunt păstrate în același timp! „Nikolai Mihailovici Romadin

* „Când încerci să-i urmărești cu conștiință pe marii maeștri, vezi că în anumite momente toți se cufundă adânc în realitate. Vreau să spun că așa-zisele creații ale marilor maeștri pot fi văzute în realitatea însăși, dacă o privești cu aceiași ochi și cu aceleași sentimente pe care le... Realitatea - aceasta este baza eternă a poeziei autentice, care poate fi găsită dacă cauți din greu și săpi pământul suficient de adânc... "Van Gogh

*"Toată lumea încearcă să înțeleagă pictura. De ce nu încearcă să înțeleagă cântecul păsărilor?"
"Pictura este o ocupație pentru orbi. Un artist nu pictează ceea ce vede, ci ceea ce simte."
"De ce să încerci să înțelegi arta? Nu încerci să înțelegi despre ce cântă o pasăre..."
Un milionar a venit în studioul lui Picasso. 3a a fost interesat de o imagine pictată într-o manieră cubică:
- Ce se arată aici?
- Două sute de mii de dolari - a răspuns artistul.

Când Picasso a fost întrebat de ce nu și-a decorat casa
cu propriile sale tablouri, a răspuns: „Nu îmi permit!”

Îți termin portretul”, i-a spus Picasso bărbatului pe care îl picta. Acum încearcă să fii ca el.

Picasso conduce oaspeții prin expoziția sa.
- Acesta este autoportretul meu. Acesta este portretul soției mele.
- Sper că nu ai copii?

"Un artist este o persoană care scrie ceea ce poate fi vândut. Iar un artist bun este o persoană care vinde ceea ce scrie"

"Sunt artiști care transformă soarele într-o pată galbenă. Dar sunt și aceia care, folosindu-și arta și mintea, transformă pata galbenă în soare"

„Și printre oameni există mai multe copii decât originale”. Pablo Picasso

„Dacă soțul meu a întâlnit vreodată pe stradă o femeie care să semene cu femeile din picturile sale, ar leșina imediat și și-ar pierde cunoștința.” Doamna Picasso

*"Diferenta dintre suprarealisti si mine este ca sunt suprarealist"
„A picta o poză este fie ușor, fie imposibil”
"Când pictez tablouri, mă simt nebun. Singura diferență dintre mine și nebun este că nu sunt nebun." Dali

* Ilustratorul Favorsky, când a făcut ilustrații pentru cărți, a desenat un câine în colț. Când editorul a început să se supără de ce era câinele aici, a dovedit de fiecare dată că câinele era pur și simplu necesar pentru această ilustrație. Dar în cele din urmă, după ce a terminat cu disputele, a fost de acord să scoată câinele din imagine. Când a fost întrebat de ce desenați acest câine de fiecare dată, el a răspuns: „Și dacă nu ar fi existat un câine, ar fi găsit de vină cu altceva” Favorsky

* „În esență, nu există un stil frumos, nici o linie frumoasă, nici o culoare frumoasă, singura frumusețe este adevărul care devine vizibil.” Oh. Rodin

* „Un peisagist poate lucra calm – natura nu insistă niciodată asupra asemănării.” R. G. de la Serna

* „Semnificația unui artist se măsoară prin numărul de semne noi pe care le introduce în limbajul plastic.” A. Matisse

* "Lumina artei va influența numeroase inimi, le va lumina cu o nouă iubire. La început acest sentiment va fi inconștient, dar apoi va purifica conștiința umană." Roerich

* „Desenul nu este o formă, ci un mod de a-l vedea.” Degas

* O operă de artă - ceață sculptată într-o imagine.
* Frumusețea nu este o nevoie, ci un extaz. Nu este o imagine pe care ți-ar plăcea să o vezi, și nu un cântec pe care ți-ar plăcea să o auzi, ci o imagine pe care o vezi chiar dacă închizi ochii și o melodie pe care o auzi chiar dacă închizi urechile. Gibran

* Un artist este o persoană care se îndepărtează de realitate pentru că este incapabil să se împace cu refuzul de a-și satisface instinctele pe care aceasta le cere; el deschide spațiu pentru desenele sale egoiste și ambițioase în domeniul fanteziei. Freud Sigmund

*Artiștii buni creează, artiștii mari fură și artiștii buni livrează la timp... Steve Jobs

*Fiecare copil este un artist. Dificultatea este să rămână un artist dincolo de copilărie. Picasso Pablo

*Toată lumea are dreptul la schimbare, chiar și artiștii. Picasso Pablo

*Cand iti vei da seama
Că nu ești fiul pământului,
Dar călătorul prin universuri,
Când înțelegi că o persoană se naște,
Să se topească din lume
Necesitati si motiv -
Universul libertății și al iubirii, -
Atunci numai Tu vei deveni Maestru. Maximilian Voloshin

* Artistul este un mincinos, dar arta este adevărată.Andre Maurois

*Nu a fost nici distractiv, nici trist - a fost frumos...Vincent van Gogh

* Un artist este un focar al conștiinței lucrurilor și fenomenelor reflectate în el. M.A. Voloshin

* Autobiografiile artiștilor din acele locuri în care se povestește despre cum și-au atins faima sunt de obicei extrase. Ulrich Erkenbrecht

* Artă anti-clasică, dacă poate fi numită artă, doar arta leneșilor. Este doctrina celor care vor să creeze fără muncă și să învețe fără studiu. pictor francez al secolului al XIX-lea Jean Ingres

* Dumnezeu este doar un alt artist. A inventat o girafă, un elefant, o pisică. Nu are un scris de mână stabilit. Pur și simplu încearcă să creeze lucruri. Pablo Picasso

* La douăzeci și cinci de ani, oricine poate fi talentat. Ideea este să fii talentat la cincizeci de ani. Edgar Degas, pictor francez

* În epoca noastră, ziarele încearcă să facă publicul să judece un sculptor nu după sculpturile sale, ci după felul în care își tratează soția; despre un artist după mărimea veniturilor sale și despre un poet după culoarea cravatei. Oscar Wilde

* Am un artist suficient în mine pentru a desena liber în imaginația mea. Imaginația este mai importanta decat cunoasterea. Cunoștințele sunt limitate. Imaginația îmbrățișează lumea. A. Einstein

* Fiecare strat social este curioasă în felul său, iar artistul poate înfățișa cu egal interes manierele reginei și obiceiurile croitoarei. M. Proust

* Cea mai mare laudă pentru un artist este atunci când uiți de laude înainte de munca lui. Gotthold Lessing

* Da, doamnă, Natura [în tablouri - D.D.] se strecoară. Răspunsul artistului J.A. McNeill Whistler „a, la fraza unei doamne că un anumit peisaj îi amintește de picturile sale

* Pentru un artist al secolului al XV-lea, descrierea patului de moarte era un mijloc la fel de sigur de a câștiga popularitate ca și pentru artistul secolului al XX-lea - descrierea patului iubirii. Aldous Huxley

* Singura laudă care ar trebui făcută unui artist este să-și cumpere opera. Pictorul impresionist francez Pierre Renoir
* Dacă aruncați o privire mai atentă la munca lui, se observă că arată ca o cale de zbor atent desenată a unei muscă șocată de obuze. Marina Rodna despre picturile artistului abstract american Jackson Pollock

* Dacă nu există absolut nimic frumos în înfățișarea unei femei, se spune că are ochi frumoși. Dacă un artist este sfidător fără talent - că este sincer devotat lucrării sale. Criticul Stanislav Zelvensky despre expoziția foto a lui Stas Namin

* Dacă arăți bine și ești bine îmbrăcat, nu ai nevoie de un scop în viață. Robert Pant, designer de modă american

* Setea de profit nu a creat încă un singur artist, dar i-a ucis pe mulți. Alston

* Pictura este meseria orbilor. Artistul pictează nu ceea ce vede, ci ceea ce simte, ceea ce înseamnă pentru el ceea ce vede. Pablo Picasso

* Ne pasă de nemulțumirea creativă a artiștilor! Stanislav Jerzy Lec

* INTELECTUAL - o persoană care vorbește complex despre lucruri simple; Un ARTIST este o persoană care pur și simplu vorbește despre lucruri complexe. Charles bukowski

* Un artist adevărat creează următoarea lucrare pentru că nu este mulțumit de cea anterioară. Dmitri Şostakovici

* Fiecare artist care înfățișează cerul ca verde și iarba ca albastră trebuie sterilizat. Adolf Gitler

* Când trebuie să-mi bat joc de natură, primul lucru pe care încerc să-l fac este să uit că am văzut măcar o poză. Peisagist englez John Constable

* Când eram copil, mama îmi spunea: „Dacă te faci soldat, vei fi general; dacă te călugăreşti, vei fi Papa”. În schimb, am devenit artist și am alunecat la Picasso. Pablo Picasso

* Când [artist] Diego Rivera a protestat împotriva modificărilor aduse picturii sale la Rockefeller Center, Nelson Rockefeller l-a convins pur și simplu spunând: „Acesta este peretele meu”. Eugene McCarthy

* COLAGE - un mod inteligent de a transfera pe pânză o varietate de articole de uz casnic, pe care artistul nu dorește să le înfățișeze în mod obișnuit. Marina Rodna

* ARTA CONCEPTUALĂ - arta artiștilor care par să exprime idei filozofice profunde în absolut tot ceea ce fac, chiar dacă toți ceilalți nu văd deloc idei în ea. Marina Rodna

* Numai în eșec artistul își recunoaște adevărata atitudine față de creativitate, abia după înfrângere comandantul își vede greșelile. S. Zweig

* Orice portret tras din inimă este un portret al artistului, nu al celui care a pozat pentru el. Oscar Wilde

* Orice artist bun care se străduiește să creeze adevărate capodopere trebuie să poată mai întâi să-mi ia soția. Salvador Dali

* Memoriile sunt cea mai bună sursă de informații. Să le citești este o plăcere; în plus, vă așteaptă o surpriză plăcută: se dovedește că un mare artist nu este doar înzestrat cu mâini pricepute, ci este și capabil să gândească destul de rezonabil, fără îndemnul unui critic. Marina Dana Rodna

* Întotdeauna am fost suspicios față de artiștii care obțin succes înainte de a muri. John Murray Fitzgibbon

* Un artist adevărat este un diapazon, el poate bate doar o singură notă - a lui. Olga Muravieva

* Un adevărat expert, dorind să-și mențină reputația, imediat după moartea unui artist celebru încearcă să publice cât mai curând un catalog complet al lucrărilor sale, după care prețurile acestora încep să crească necontrolat. Dacă vreuna dintre lucrările artistului nu este inclusă în acest document capital, atunci va fi ulterior foarte dificil să se dovedească nu numai autenticitatea, ci și însăși existența acesteia. Marina Rodna

* Nu trebuie să-ți fie deosebit de frică să atribui artiștilor din trecut un ideal pe care nu l-au avut niciodată. Admirarea este imposibilă fără un amestec de iluzie, iar a înțelege o operă de artă perfectă înseamnă, în general, să o recreezi în lumea interioară. Aceleași lucrări se reflectă diferit în sufletul contemplatorilor. Fiecare generație caută noi emoții în creațiile vechilor maeștri. Cel mai talentat spectator este cel care găsește, cu prețul mai multor interpretări false reușite, cea mai tandră și mai puternică emoție. Prin urmare, umanitatea are un atașament pasional în principal față de astfel de opere de artă și poezie, care conțin locuri întunecate care permit posibilitatea unei înțelegeri diferite. A. Franţa

* Unii devin critici pentru că sunt incapabili să fie artiști, în același mod în care o persoană devine informator pentru că este incapabil să fie soldat. Gustave Flaubert

* Unii artiști pictează flori. Desenez ce cred florile. Sylvester Stallone

* Educația este dezastruoasă pentru oricine are calitatea unui artist. Educația ar trebui lăsată în seama funcționarilor și chiar și ei sunt tentați să bea. George Moore

* Vedeți, trei sferturi din umanitate se gândește mai mult la ceea ce li se arată decât la modul în care se face. Artistul peisagist englez John Sell Cotman

* De ce nu ar trebui arta să fie frumoasă? Lumea este deja plină de necazuri. Pictorul impresionist francez Pierre Renoir

* Adevărul este mereu acolo, trebuie să inventezi doar minciuni. Georges Braque, artist francez

* Vocația poate fi recunoscută și dovedită doar prin sacrificiul pe care un om de știință sau un artist îl aduce pentru pacea și bunăstarea lor. L.N. Tolstoi

* A petrecut o dimineață nefericită comparându-se cu Raphael. Benjamin Haydon, pictor englez, intrare în jurnal

* Rafael a fost însărcinat să picteze Vaticanul nu pentru că era un mare artist, ci pentru că unchiul său era arhitect papal. Lord Melbourne, prim-ministru britanic

* REALISM - reproducerea scrupuloasă a tuturor detaliilor obiectului reprezentat. Se întreprinde astfel încât fiecare privitor să înțeleagă ce anume a vrut artistul să înfățișeze. Marina Rodna

* Astăzi, după cum știți, sunt celebru și foarte bogat. Dar când rămân singur cu mine, îmi lipsește curajul să mă consider un artist, în sensul mare, străvechi al cuvântului... Sunt doar un animator de masă care înțelege nevoile timpului său. Pablo Picasso în 1971

* Situația de aici este ideală: bancherii vorbesc doar despre tablouri, artiștii doar despre bani. Evaluator necunoscut despre licitațiile de artă

* Doar artiștii răi scriu prea mult. A. Matisse

* Pictura bună este ca și bucătăria bună: puteți simți gustul, dar nu îl puteți explica. Artistul și scriitorul francez Maurice de Vlaminck

* Un artist bun nu are nevoie să numească o imagine, unul rău trebuie. proverb polonez

* Indiferent dacă artistul vrea sau nu, mărul tot va cădea la pământ. Regizorul de film Andrey Konchalovsky

* ȘCOALA DE ARTĂ - un loc în care fetele tinere își petrec timpul între facultate și căsătorie. Artistul american Thomas Hart Benton

* ARTIST - cel care face lucruri de care oamenii nu au nevoie. Andy Warhole
* Un artist este o sinteză între teoretician și practică. Novalis
* ARTIST -exhibiționist profesionist. Vincent Van Gogh

* Un artist poate chiar uneori să descopere cu uimire - așa cum i s-a întâmplat lui Miro într-o anumită galerie americană - că toate lucrările expuse acolo sub numele lui sunt false. Și mai rău, a trebuit să suporte un șoc și mai mare când a fost târât în ​​instanță, unde a trebuit să demonstreze că este același Miro. Marina Rodna

* Artistul trebuie să fie demn de înalta societate și să stea departe de el. John Ruskin

* Artistul trebuie să-și deseneze planul cu foc, dar să-l execute cu calm. Johann Winckelmann

* Artistul gândește cu un desen. S. Dali

* Un artist poate chiar să-și atârne tablourile, dar un scriitor nu se poate spânzura decât singur. Eduard Dahlberg (nume complet John Emerich Eduard Dahlberg-Acton)

* Artistul nu abandonează niciodată arta, dar se întâmplă ca arta să abandoneze artistul. G. Kozintsev

* Artistul este obligat să fie vanitoasă, dar are dreptul la modestie. Karl Kraus

* ARTIST - o creatură condusă de demoni. William Faulkner

* Toată lumea poate jigni un artist, dar un artist poate jigni pe toată lumea deodată! Necunoscut

* Artiștii sunt singurii oameni din lume care trăiesc cu adevărat. Restul nu poate decât să spera să meargă în rai. Artistul american John French Sloan

* Artiștii au datoria să ne arate cât de bună este viața. Altfel, am avea îndoieli. Anatole France

* Artiștii de artă pop înfățișează cu insistență tot ceea ce toată lumea știe bine, vede constant și ar fi doar bucuroși să uite. Marina Rodna

* Artiștii, înecându-se în... un flux de verbiaj despre munca lor, încep la rândul lor să vină cu propriile lor teorii estetice. În același timp, se observă un tipar complet logic: cu cât vorbirea lor devine mai filozofică și mai abstrusă, cu atât creează lucrări mai obișnuite și mai plate. Nu e de mirare că Matisse a spus că artistul „trebuie să taie limba pentru a se exprima doar cu ajutorul unei pensule”. Marina Rodna

* Scopul fiecărui artist este să oprească curgerea vieții în sine [în imagine] prin mijloace artistice și să o repare în așa fel încât, chiar și după o sută de ani, dacă cineva aruncă o privire, acțiunea să continue din nou acolo, așa cum in viata. William Faulkner

* O persoană se poate naște poet, dar este forțată să se facă artist. Poetul englez Siegfried Sasson

* Omul se descoperă în lucrările sale. În comunicarea seculară, el se arată așa cum vrea să apară și îl puteți judeca corect numai după acțiunile sale meschine și inconștiente și prin schimbarea involuntară a expresiilor faciale. După ce și-a însușit cutare sau cutare mască, o persoană se obișnuiește în cele din urmă atât de mult încât devine cu adevărat ceea ce a vrut să pară. Dar în cartea lui sau în poza lui este gol și lipsit de apărare. Pretențiile lui nu fac decât să-i sublinieze golul... Nicio încercare de originalitate nu poate ascunde mediocritatea. Un cunoscător cu vederi ascuțite vede chiar într-o schiță adâncurile spirituale cele mai interioare ale artistului care a creat-o. S. Maugham

* Care este diferența dintre un artist și un amator? Doar durerea pe care o simt. Amatorul caută numai plăcerea în artă. Pictorul simbolist francez Redon Odilon

* Este nevoie de multă imaginație pentru a deveni fotograf. Chiar și artistul imaginației are nevoie de mai puțin, pentru că poate inventa. Și în fotografie totul este atât de obișnuit; trebuie să privești mult timp înainte de a învăța să vezi obișnuitul. David Bailey

* Îți voi scrie mai asemănător decât ești. Max Liebermann, artist german

* Am respectat regulile până le-am urât pe toate. Artista abstractă americană Helen Frankenthaler

* Merg la studio în fiecare zi pentru că într-o zi s-ar putea să întâlnesc un înger acolo. Dacă el vine și eu nu? Philip Gaston, artist american de origine canadiană

* [Michelangelo] Buonarotti i-a lăudat [picturile lui Tițian], spunând că îi place foarte mult felul și culoarea lui Tițian, dar este păcat că [artiștii] la Veneția nu sunt învățați să deseneze bine de la bun început. Giorgio Vasari

* Slavă Domnului că îmi doresc întotdeauna mai mult decât pot realiza. Michelangelo Buonarroti

* ÎMBUNĂTĂȚIRE - îmbunătățirea este un fleac, dar perfecțiunea nu este un fleac. Michelangelo Buonarotti

* Creația poate supraviețui creatorului: Creatorul va pleca, învins de natură, Cu toate acestea, imaginea imprimată de el va încălzi inimile de secole. Michelangelo Buonarroti

* Încă studiez. Michelangelo Buonarotti, zicală preferată

* Am terminat capela pe care am pictat-o. Tata este fericit. Michelangelo Buonarotti, într-o scrisoare către tatăl său despre celebra Capela Sixtină din Vatican

* Trăiesc în inimile a mii de suflete
Toți cei care iubesc și, de aceea, eu nu sunt praf,
Și corupția muritoare nu mă va atinge. Michelangelo Buonarroti

* A picta o imagine bună nu este mai ușor decât a găsi o perlă sau un diamant. Este dificil și pune viața în pericol. Vincent van Gogh, într-o scrisoare către fratele său în 1888

* În ciuda tuturor explicațiilor, picturile tale au un asemenea efect, de parcă ne-ai trata cu benzină în loc de vin. Georges Braque, impresie din primele tablouri cubiste de Pablo Picasso

* Ea este mai bătrână decât stâncile printre care stă; ca un vampir, a murit de multe ori și cunoaște secretele mormintelor. Walter Pater despre Mona Lisa

* Rembrandt a pictat aproximativ trei sute de tablouri, dintre care aproape o mie sunt în America.

* Numai un rus, care se uită la o imagine frumoasă, poate jura cu admirație.

* O imagine bună printre cei care țipă rău devine rea; rău printre buni - bun. Pablo Picasso

* Am vrut să copiez natura, dar nu am putut. Dar am fost mulțumit când mi-am dat seama că, deși [în imagine] este imposibil să reproduci soarele, strălucirea lui poate fi înfățișată cu culoarea [a întregului tablou]. Paul Cezanne

* A picta fără a avea un talent înnăscut este același lucru cu a arunca o sămânță în valuri. Paolo Veronese

* A reprezenta un obiect înseamnă a-l stăpâni. Pictura este un act care oferă o cunoaștere mai profundă și o posesie mai completă decât sexul, doar somnul sau moartea se pot compara cu ea. Modigliani

* Desenul este doar un rău necesar, deoarece proporțiile sunt ușor de determinat. Culoarea este scopul, începutul și sfârșitul picturii. Criticul de artă german Wilhelm Heinse

* Precizia nu este încă adevărată. Henri Matisse despre pictură

Astăzi vă prezentăm atenției douăzeci de tablouri care merită atenție și recunoaștere. Aceste picturi au fost pictate de artiști celebri și ar trebui să fie cunoscute nu numai de persoana care este angajată în artă, ci și de oamenii muritori obișnuiți, deoarece arta ne pictează viața, estetica ne adâncește viziunea asupra lumii. Dă artei locul cuvenit în viața ta...

1. „Cina cea de Taină”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Pictură monumentală de Leonardo da Vinci înfățișând scena ultimei mese a lui Hristos cu ucenicii săi. Creat în anii 1495-1498 în mănăstirea dominicană Santa Maria delle Grazie din Milano.

Pictura a fost comandată de Leonardo de la patronul său, Ducele Lodovico Sforza și soția sa Beatrice d'Este. Stema lui Sforza este pictată pe lunetele de deasupra picturii, formate dintr-un tavan cu trei arcade. Pictura a fost începută în 1495 și finalizată în 1498; munca era intermitentă. Data începerii lucrărilor nu este exactă, întrucât „au fost distruse arhivele mănăstirii, iar o parte nesemnificativă a documentelor pe care le avem datate 1497, când pictura era aproape finalizată”.

Pictura a devenit o piatră de hotar în istoria Renașterii: profunzimea de perspectivă reprodusă corect a schimbat direcția de dezvoltare a picturii occidentale.

Se crede că în această imagine sunt ascunse multe secrete și indicii - de exemplu, există o presupunere că imaginile lui Isus și Iuda sunt șterse de la o singură persoană. Când Da Vinci a pictat tabloul, în viziunea sa, Isus a personificat bunătatea, în timp ce Iuda era răul pur. Și când maestrul și-a găsit „Iuda” (un bețiv de pe stradă), s-a dovedit că, potrivit istoricilor, acest bețiv a servit drept prototip pentru pictarea imaginii lui Isus cu câțiva ani înainte. Astfel, putem spune că această poză a surprins o persoană în diferite perioade ale vieții sale.

2. „Floarea soarelui”. Vincent van Gogh, 1887

Numele a două cicluri de picturi ale artistului olandez Vincent van Gogh. Prima serie a fost realizată la Paris în 1887. Este dedicat florilor mincinoase. A doua serie a fost finalizată un an mai târziu, la Arles. Ea înfățișează un buchet de floarea soarelui într-o vază. Două tablouri pariziene au fost achiziționate de prietenul lui van Gogh, Paul Gauguin.

Artistul a pictat floarea-soarelui de unsprezece ori. Primele patru picturi au fost create la Paris în august - septembrie 1887. Flori mari tăiate zac ca niște creaturi ciudate care mor în fața ochilor noștri.

3. „Al nouălea val”. Ivan Konstantinovici Aivazovski?, 1850.

Una dintre cele mai faimoase picturi ale pictorului marin rus Ivan Aivazovsky este păstrată în Muzeul Rus.

Pictorul înfățișează marea după cea mai puternică furtună nocturnă și oameni care au naufragiat. Razele soarelui luminează valurile uriașe. Cel mai mare dintre ele - al nouălea ax - este gata să cadă asupra oamenilor care încearcă să scape pe epava catargului.

În ciuda faptului că nava este distrusă și a rămas doar catargul, oamenii de pe catarg sunt în viață și continuă să lupte împotriva elementelor. Tonurile calde ale imaginii fac ca marea să nu fie atât de aspră și dau privitorului speranța că oamenii vor fi salvați.

Creat în 1850, tabloul „Al nouălea val” a devenit imediat cel mai faimos dintre toate porturile sale și a fost achiziționat de Nicolae I.

4. „Nud Maja”. Francisco Goya, 1797-1800

Pictură a artistului spaniol Francisco Goya, pictată în jurul anilor 1797-1800. Perechi cu tabloul „Maja dressed” (La maja vestida). Picturile o înfățișează pe maja - o orășeană spaniolă din secolele XVIII-XIX, unul dintre obiectele preferate ale imaginii artistului. Nudul Maja este una dintre primele lucrări de artă occidentală care înfățișează o femeie complet goală, fără conotații mitologice sau negative.

5. „Zborul îndrăgostiților”. Marc Chagall, 1914-1918

Lucrările la pictura „Deasupra orașului” au început în 1914, iar maestrul a aplicat finisajele abia în 1918. În acest timp, Bella s-a transformat dintr-un iubit nu doar într-un soț adorat, ci și mama fiicei lor Ida, devenind pentru totdeauna muza principală a pictorului. Unirea unei fiice bogate a unui bijutier ereditar și a unui tânăr evreu simplu, al cărui tată și-a câștigat existența descarcând hering, nu poate fi numită decât o alianță greșită, dar dragostea a fost mai puternică și a depășit toate convențiile. Această iubire i-a inspirat, ridicându-i la cer.

Karina înfățișează cele două iubiri ale lui Chagall deodată - Bella și dragul Vitebsk. Străzile sunt prezentate sub formă de case, separate printr-un gard înalt întunecat. Privitorul nu va observa imediat o capră care pășește în stânga centrului imaginii și un bărbat simplu cu pantalonii jos în prim-plan - un umor din partea pictorului, ieșind din contextul general și starea romantică a lucrării, dar acesta este întregul Chagall...

6. „Chipul războiului”. Salvador Dali, 1940

Pictură a artistului spaniol Salvador Dali, pictată în 1940.

Pictura a fost creată în drum spre SUA. Impresionat de tragedia care a izbucnit în lume, de setea de sânge a politicienilor, comandantul începe lucrul la navă. Situat în Muzeul Boijmans-van Beuningen din Rotterdam.

După ce și-a pierdut orice speranță pentru o viață normală în Europa, artistul își părăsește Parisul iubit în America. Războiul acoperă Lumea Veche și încearcă să preia restul lumii. Maestrul nu știe încă că rămânerea în Lumea Nouă timp de opt ani îl va face cu adevărat faimos, iar lucrările sale - capodopere ale artei mondiale.

7. „Tipă”. Edvard Munch, 1893

The Scream (Norwegian Skrik) este o serie de picturi create între 1893 și 1910 de pictorul expresionist norvegian Edvard Munch. Ele înfățișează o figură umană țipând de disperare pe un cer roșu de sânge și pe un fundal de peisaj extrem de generalizat. În 1895, Munch a creat o litografie pe același subiect.

Cerul roșu și fierbinte acoperea fiordul rece, care, la rândul său, dă naștere unei umbre fantastice, asemănătoare cu un fel de monstru marin. Tensiunea distorsionează spațiul, liniile se rup, culorile nu se potrivesc, perspectiva este distrusă.

Mulți critici cred că complotul imaginii este rodul unei fantezii bolnave a unei persoane bolnave mintal. Cineva vede în lucrare o premoniție a unei catastrofe ecologice, cineva rezolvă întrebarea ce fel de mumie l-a inspirat pe autor să facă această lucrare.

8. „Fata cu cercel de perle”. Jan Vermeer, 1665

Tabloul „Fata cu cercel de perle” (olandeză. „Het meisje met de parel”) a fost scris în jurul anului 1665. În prezent stocat în Muzeul Mauritshuis, Haga, Țările de Jos, și este semnul distinctiv al muzeului. Pictura, supranumită Mona Lisa olandeză sau Mona Lisa din Nord, este scrisă în genul Tronie.

Datorită lucrării „Fata cu un cercel de perle” a lui Peter Webber din 2003, un număr imens de oameni departe de pictură au aflat despre minunatul artist olandez Jan Vermeer, precum și despre cel mai faimos tablou al său „Fata cu cercel de perle”.

9. „Turnul Babel”. Pieter Brueghel, 1563

Pictura faimoasă de Pieter Brueghel. Artistul a realizat cel puțin două tablouri pe acest subiect.

Pictura se află la Kunsthistorisches Museum, Viena.

Există o poveste în Biblie despre cum locuitorii Babilonului au încercat să construiască un turn înalt pentru a ajunge la cer, dar Dumnezeu i-a făcut să vorbească diferite limbi, au încetat să se înțeleagă între ei, iar turnul a rămas neterminat.

10. „Femeile algeriene”. Pablo Picasso, 1955

„Femeile din Algeria” – o serie de 15 picturi create de Picasso în 1954-1955, bazate pe picturile lui Eugene Delacroix; picturile se remarcă prin literele atribuite de artist de la A la O. „Versiunea O” a fost scrisă la 14 februarie 1955; de ceva vreme a aparținut faimosului colecționar de artă american al secolului XX, Victor Ganz.

„Femeile din Alger (versiunea O)” de Pablo Picasso a fost vândută cu 180 de milioane de dolari.

11. „Planeta nouă”. Konstantin Yuon, 1921

Pictor sovietic rus, maestru al peisajului, artist de teatru, teoretician al artei. Academician al Academiei de Arte din URSS. Artistul Poporului al URSS. Laureat al Premiului Stalin de gradul I. Membru al PCUS din 1951.

Această uimitoare, creată în 1921 și deloc caracteristică artistului realist Yuon, pictura „New Planet” este una dintre cele mai strălucitoare lucrări care a întruchipat imaginea schimbărilor pe care le-a făcut Revoluția din octombrie în al doilea deceniu al secolului XX. Un nou sistem, un nou mod și un nou mod de a gândi nou-născuta societate sovietică. Ce așteaptă omenirea acum? Viitor luminos? La asta nu s-a gândit încă atunci, dar faptul că Rusia sovietică și întreaga lume intră într-o eră a schimbării este evident, la fel ca și nașterea rapidă a unei noi planete.

12. „Madona Sixtină”. Rafael Santi, 1754

Pictură de Rafael, care se află în Galeria Vechilor Maeștri din Dresda din 1754. Aparține vârfurilor general recunoscute ale Înaltei Renașteri.

Uriașă ca dimensiune (265 × 196 cm, deoarece dimensiunea picturii este indicată în catalogul Galeriei Dresda) pânza a fost realizată de Rafael pentru altarul bisericii mănăstirii Sfântul Sixtus din Piacenza, la comanda Papei. Iulius al II-lea. Există o ipoteză că pictura a fost pictată în 1512-1513 în cinstea victoriei asupra francezilor, care au invadat Lombardia în timpul războaielor italiene, și a încorporării ulterioare a Piacenza în statele papale.

13. „Pocăită Maria Magdalena”. Titian (Tiziano Vecellio), pictat în jurul anului 1565

Un tablou pictat în jurul anului 1565 de artistul italian Titian Vecellio. Aparține Muzeului Ermitaj de Stat din Sankt Petersburg. Uneori, data creării este dată ca „1560”.

Modelul tabloului a fost Giulia Festina, care a lovit-o pe artistă cu un șoc de păr auriu. Pânza finită l-a impresionat foarte mult pe Ducele de Gonzaga, iar acesta a decis să comande o copie a acesteia. Mai târziu, Tițian, schimbând fundalul și pozând femeia, a pictat încă câteva lucrări similare.

14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Portretul doamnei Lisa del Giocondo, (ital. Poza Monna Lisa del Giocondo) - un tablou de Leonardo da Vinci, situat în Luvru (Paris, Franța), unul dintre cele mai cunoscute tablouri din lume, despre care se crede că este un portret al Lisei Gherardini, soția unui negustor de mătase din Florența, Francesco. del Giocondo, pictat în jurul anilor 1503-1505.

Potrivit uneia dintre versiunile propuse, „Mona Lisa” este un autoportret al artistului.

15. „Dimineața într-o pădure de pini”, Șișkin Ivan Ivanovici, 1889.

Pictură a artiștilor ruși Ivan Shișkin și Konstantin Savitsky. Savitsky a pictat urșii, dar colecționarul Pavel Tretiakov și-a șters semnătura, așa că un tablou este adesea menționat ca autor.

Ideea picturii i-a fost sugerată lui Shishkin de către Savitsky, care mai târziu a acționat ca co-autor și a descris figurile de pui. Acești urși, cu unele diferențe de postură și număr (la început erau doi), apar în desene și schițe pregătitoare. Animalele i-au ieșit atât de bine pentru Savitsky, încât chiar a semnat tabloul împreună cu Shishkin.

16. „Nu am așteptat”. Ilya Repin, 1884-1888

Pictură a artistului rus Ilya Repin (1844-1930), pictată în 1884-1888. Face parte din colecția Galeriei de Stat Tretiakov.

Tabloul prezentat la cea de-a 12-a expoziție itinerantă face parte dintr-un ciclu narativ dedicat destinului revoluționarului populist rus.

17. Bal la Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

Pictură pictată de artistul francez Pierre-Auguste Renoir în 1876.

Locul unde se află pictura este Musée d'Orsay. Moulin de la Galette este o tavernă ieftină din Montmartre, unde s-au adunat studenții și tinerii muncitori din Paris.

18. Noapte înstelată. Vincent van Gogh, 1889

De sterrennacht- o pictură a artistului olandez Vincent van Gogh, scrisă în iunie 1889, cu vedere la cerul dinainte de zori peste un oraș fictiv din fereastra de est a locuinței artistului din Saint-Remy-de-Provence. Din 1941 se păstrează la Muzeul de Artă Modernă din New York. Este considerată una dintre cele mai bune lucrări ale lui Van Gogh și una dintre cele mai semnificative lucrări ale picturii occidentale.

19. „Crearea lui Adam”. Michelangelo, 1511.

Fresca de Michelangelo, pictată în jurul anului 1511. Fresca este a patra din cele nouă compoziții centrale de pe tavanul Capelei Sixtine.

Creația lui Adam este una dintre cele mai remarcabile compoziții murale din Capela Sixtină. Într-un spațiu nesfârșit, Dumnezeu Tatăl zboară, înconjurat de îngeri fără aripi, cu o tunică albă fluturând. Mâna dreaptă este întinsă spre mâna lui Adam și aproape o atinge. Întins pe o stâncă verde, trupul lui Adam începe treptat să se miște, se trezește la viață. Întreaga compoziție este concentrată pe gestul a două mâini. Mâna lui Dumnezeu dă impulsul, iar mâna lui Adam îl primește, dând energie vitală întregului corp. Prin faptul că mâinile lor nu se ating, Michelangelo a subliniat imposibilitatea de a lega divinul și umanul. După chipul lui Dumnezeu, potrivit artistului, predomină nu un principiu miraculos, ci o energie creatoare gigantică. În imaginea lui Adam, Michelangelo cântă despre puterea și frumusețea corpului uman. De fapt, nu însăși creația omului apare înaintea noastră, ci momentul în care primește un suflet, o căutare pasionată a divinului, o sete de cunoaștere.

20. „Sărut pe cerul înstelat”. Gustav Klimt, 1905-1907

Pictură a artistului austriac Gustav Klimt, pictată în 1907-1908. Pânza aparține perioadei operei lui Klimt, numită „aur”, ultima lucrare a autorului din „perioada sa de aur”.

Pe o stâncă, la marginea unei pajiști cu flori, într-o aură aurie, îndrăgostiții stau complet cufundați unul în celălalt, îngrădiți de întreaga lume. Din cauza incertitudinii locului a ceea ce se întâmplă, se pare că cuplul înfățișat în imagine trece într-o stare cosmică care nu este supusă timpului și spațiului, dincolo de toate stereotipurile și cataclismele istorice și sociale. Singurătatea completă și chipul bărbatului întors pe spate nu fac decât să sublinieze impresia de izolare și detașare în raport cu observatorul.

Sursa - Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 de tablouri pe care toată lumea ar trebui să le cunoască (istoria picturii) actualizat: 23 noiembrie 2016 de: site-ul web

Marii artiști nu numai că și-au semnat picturile într-un mod larg, ci și-au pictat autoportrete ascunse pe creațiile lor. Unii erau atât de sofisticați încât s-au înfățișat într-un decantor de vin, alții s-au pictat pur și simplu în mulțime, iar unul dintre ei chiar s-a pictat într-o formă feminină.

Bacchus de Michelangelo Merisi da Caravaggio

Tabloul „Bacchus”, scris în 1595 de Michelangelo Merisi da Caravaggio, îl înfățișează pe vechiul zeu al vinificației, al inspirației și al extazului religios. Un tânăr cu frunze și struguri în păr întinde languit un pahar de vin spectatorului, de parcă l-ar invita să i se alăture. Caravaggio, creând această imagine, a vrut să se îndepărteze de imaginea idealizată a zeului antic - pentru a-l coborî pe Bacchus la pământ, artistul și-a înfățișat murdăria sub unghii și a așezat, de asemenea, lângă el o farfurie cu fructe putrezite.

Dar tema veșnică a pământescului și a divinului nu este singurul lucru care face această imagine atât de remarcabilă. După curățarea pânzei, folosind reflectografie, un autoportret al lui Caravaggio a fost găsit în reflexia de pe sticla decantorului, în colțul din stânga jos. Artistul s-a înfățișat lucrând la un șevalet. De asemenea, după ce straturile de praf au fost îndepărtate, a devenit posibil să se vadă reflexia feței lui Bacchus pe suprafața vinului din vas.

Adorarea Magilor de Sandro Botticelli

Tabloul „Adorarea magilor” de Sandro Botticelli a fost scris aproximativ în 1475 la ordinul bancherului florentin Gaspare di Zanobe del Lama, membru al breslei de arte și meșteșuguri din orașul Florența. Creația lui Botticelli a fost destinată capelei funerare din Bazilica Santa Maria Novella.

Pentru mulți istorici de artă, această pictură se remarcă prin faptul că poate fi găsită imaginea unui număr de personaje istorice. De exemplu, artistul și-a înfățișat clientul în dreapta într-un halat albastru, arătând spre sine și privind direct la privitor. Cel mai mare dintre Magi, care a îngenuncheat în fața pruncului, este Cosimo de' Medici, fondatorul dinastiei conducătorilor Florenței și bunicul lui Lorenzo Magnificul. Chiar în centru, cu spatele la privitor, este un bărbat în haine roșii, Pietro Medici, fiul lui Cosimo și tatăl lui Lorenzo. Lorenzo Magnificul însuși este înfățișat, potrivit istoricilor de artă, în profil, într-o haină neagră și roșie. În stânga, în prim plan, cu brațele încrucișate pe mânerul sabiei, stă Giuliano Medici, fratele și iubitul lui Lorenzo, fata care a pozat pentru Botticelli în timpul realizării picturii „Nașterea lui Venus”. Și, în sfârșit, tânărul din extrema dreaptă, care te privește drept în ochi, este un autoportret al lui Botticelli însuși.

Pictura poate fi văzută în Florența, în Galeria Uffizi.

Grădina deliciilor pământești de Hieronymus Bosch

Grădina deliciilor pământești este un triptic pictat de maestrul grotesc Hieronymus Bosch (pe numele real Jeroen Antonison van Aken). Unii îl consideră pe artist un suprarealist al secolului al XV-lea, alții sunt siguri că Bosch a fostadept al ereziei catare, și altele - că picturile pictorului reflectă „disciplinele ezoterice” medievale: astrologia, magia neagră și alchimia. Fiecare pânză este saturată cu un număr imens de simboluri pe care contemporanii noștri le este greu de numărat.

Aripa stângă a tripticului îl înfățișează pe Dumnezeu reprezentându-l pe Eva lui Adam în Paradisul senin. În mijlocul tripticului se află scene din Grădina Deliciilor, unde oamenii și animalele fantezie se răsfățesc cu plăcerile lumești. Ei bine, în partea dreaptă a imaginii sunt mașini de tortură complexe, monștri și el însuși, un artist cu un corp care arată ca o carapace, care zâmbește cu răutate la tot acest Iad.

Pictura este păstrată la Muzeul Prado din Madrid.

Judecata de Apoi de Michelangelo

Judecata de Apoi de Michelangelo este înfățișată pe peretele altarului Capelei Sixtine din Vatican. Artistul a lucrat la frescă, a cărei temă principală a fost a doua venire a lui Hristos și apocalipsa, timp de patru ani, din 1537 până în 1541. Criticii de artă consideră că această lucrare a pus capăt Renașterii și a deschis o nouă perioadă de dezamăgire în filosofia umanismului antropocentric.

La picioarele lui Hristos, Michelangelo l-a așezat pe Bartolomeu, care poate fi recunoscut după cuțitul din mână. El ține o piele jupuită pe care, potrivit istoricilor de artă, artistul și-a pictat autoportretul. Unii sunt siguri că Bartolomeu seamănă foarte mult cu Pietro Aretino, dușmanul lui Michelangelo, care l-a insultat. Așa că artistul și-a văzut răscumpărarea. Alții cred că Michelangelo s-a înfățișat pe o piele jupuită ca semn că nu a vrut să termine fresca și a executat acest ordin al Papei sub o constrângere specială.

Fresca poate fi văzută în Capela Sixtină, în Muzeul Vaticanului.

„Mona Lisa” de Leonardo da Vinci

Creată de Leonardo da Vinci, „Mona Lisa” este probabil cea mai vorbită despre pictură din întreaga lume. Acum atârnă sub sticlă impenetrabilă în Luvru și a împodobit cândva baia lui Napoleon. În această creație a lui da Vinci, există un secret pe care istoricii de artă nu îl pot dezvălui în niciun fel: unii sugerează că zâmbetul Mona Lisei este zâmbetul unei gravide care a surprins mișcarea fătului, alții că este zâmbetul ei. iubitul Leonardo Giacomo Salai, psihiatrii văd schizofrenia în expresia facială a Mona Lisei, iar medicii stomatologi sunt siguri că acesta este zâmbetul unei femei fără dinți.

O altă ipoteză este că fata înfățișată cu un zâmbet— Leonardo da Vinci însuși. O comparație computerizată a trăsăturilor anatomice ale feței artistului și ale modelului a arătat că geometric se potrivesc perfect.Puteți vedea singuri comparând autoportretul Mona Lisa și al lui da Vinci, pe care artistul le-a realizat cu creion roșu.

Pictura se află la Luvru, Paris.

„Școala din Atena” Raphael Santi

Rafael Santi, creând fresca „Școala din Atena”, care pur și simplu nu a descris pe ea: Leonardo da Vinci, menționat mai sus, în imaginea lui Platon, și Michelangelo în imaginea lui Heraclit, și Socrate și Alexandru cel Mare. Santi nu a uitat să se deseneze lângă pictorul Sodoma, care a început să lucreze la frescă înaintea lui. În imagine sunt peste 50 de persoane.

Ideea principală a frescei „Școala din Atena” este posibilitatea de armonie armonică între diferitele domenii ale filozofiei și științei. Apropo, acest concept este una dintre cele mai importante idei ale umaniștilor. Raphael Santi, sub bolțile Palatului Vaticanului, a înfățișat o comunitate ideală de gânditori ai epocii clasice. În centrul compoziției se află Aristotel și Platon, care personifică înțelepciunea antică și reprezintă două școli de filozofie.

Fresca se află în Palatul Vatican.

„Portretul Arnolfinis” de Jan van Eyck

„Portretul Arnolfinis” de Jan van Eyck este un alt tablou renascentist care este greu de interpretat - disputele cu privire la cine este reprezentat pe ea continuă până în prezent. Cea mai comună versiune este că artistul i-a pictat pe pânză pe negustorul Giovanni di Nicolao Arnolfini și pe soția sa, probabil în casa lor din Bruges.

Dar mai ales în această lucrare nu ne interesează personajele din prim-plan, ci cine este înfățișat în oglinda de pe perete, care se află pe axa centrală a compoziției, chiar deasupra mâinilor personajelor. Dacă te uiți cu atenție, vei vedea figuri din spate în costume roșii și albastre. Judecând după siluetele hainelor lor, ei sunt bărbat și femeie. Din păcate, trăsăturile fețelor lor sunt imposibil de deslușit. Majoritatea criticilor de artă sunt siguri că inscripția de deasupra oglinzii, pe care scrie „Jan van Eyck a fost aici”, indică direct că unul dintre cei care stau în pragul camerei este artistul însuși.

Pictura este înGaleria Națională din Londra.

Se dovedește că sub tablourile unor artiști celebri se ascund și alte imagini. Uneori, dacă te uiți cu atenție, sunt vizibile cu ochiul liber. Dar mai des sunt găsite de istoricii de artă în timp ce studiază picturile unor maeștri celebri sau restauratori care lucrează la restaurarea picturilor. În recenzia noastră, există șase cele mai interesante cazuri când picturile erau pline de imagini ascunse.

Răspunzând la întrebarea despre picturile ascunse, oamenii de știință observă că motivele apariției lor pe pânzele cunoscute sunt diferite. Uneori, artistului pur și simplu nu i-a plăcut versiunea originală, uneori imaginea trebuia redesenată din cauza opiniei publice și, de asemenea, s-a întâmplat ca artiștii să se trezească în dificultate financiară, să nu își permită să cumpere o pânză nouă și să le folosească pe cele vechi pentru noile lor lucrări.

1. Bustul monarhului în tabloul de Jean Auguste Ingres

Pe partea stângă a picturii artistului neoclasic francez Ingres „Portretul lui Jacques Marquet, baron de Montbreton de Norvin” (1811-12), care îl înfățișează pe șeful poliției din Roma după cucerirea orașului de către Napoleon, chiar și cu cu ochiul liber se vede bustul capului unui copil. Se crede că acesta este un bust al capului fiului lui Napoleon, pe care tatăl său l-a proclamat rege al Romei. În 1814, când Napoleon a fost în cele din urmă învins și a abdicat, Ingres a pictat peste tablou din motive politice și a pictat unul nou deasupra.

2. Femeie în „Chitaristul bătrân” al lui Picasso

Pablo Picasso a avut o perioadă grea în 1901-1904, când nici măcar nu avea bani să cumpere materiale noi pentru muncă. A amorsat adesea pânze vechi și le-a folosit pentru a crea picturi noi. Unul dintre cele mai cunoscute exemple de pentimento din operele lui Picasso este pictura „Bătrânul chitarist”, în care a fost descoperită o figură pictată a unei femei.

Istoricii de artă au observat anterior un contur neclar în spatele gâtului curbat al chitaristului, dar numai prin raze X strălucitoare pe imagine au dezvăluit o imagine veche a unei femei care hrănește un copil mic, iar lângă ei sunt un taur și o oaie.

3. Bărbosul din Camera Albastră a lui Picasso

Tabloul lui Picasso Camera albastră, pictat în 1901, conține și un secret dezvăluit recent de tomografia optică în infraroșu. Dacă pui poza pe verticală, sub un strat de vopsea se găsește un oarecare bărbos cu multe inele pe degete.

4. Curea de umăr în „Portret of Madame X” de John Singer Sargent

„Portretul doamnei X”, care este expus la Muzeul Metropolitan de Artă, este considerat o icoană de stil datorită hainelor negre simple ale doamnei înfățișate pe el, silueta ei impunătoare și expresia facială trufașă. Cu toate acestea, la un moment dat, acest portret a fost considerat o insultă scandaloasă la adresa decenței și a avut un impact foarte negativ asupra carierei artistului în Europa.

Femeia din portret este celebra socialistă pariziană Virginie Gautreau. Paloarea pielii ei, care era considerată simbolul frumuseții la acea vreme, l-a determinat pe un critic contemporan să descrie nuanța pielii lui Gautreau drept „cadaveroasă”. Acest efect a fost obținut prin utilizarea arsenului. De asemenea, Gautreau și-a vopsit părul cu henna pentru un contrast mai mare. Pentru a sublinia frumusețea neobișnuită a lui Gautreau, Sargent a descris-o într-o rochie neagră, una dintre bretelele căreia i-a căzut cochet peste umăr.

Când portretul a fost expus pentru prima dată la Salonul de la Paris, publicul a explodat de indignare, deoarece cureaua de umăr pe jumătate coborâtă s-a dovedit a fi foarte obscenă. Drept urmare, Sargent a rescris acest detaliu al rochiei, ridicându-l peste umăr.

5. Femeie la fereastră

La National Gallery din Londra, în procesul de restaurare a unei pânze din anii 1500 de către un artist necunoscut, a fost descoperit un „machiaj” neobișnuit. S-a dovedit că blonda din imagine este de fapt o brunetă, iar culoarea părului ei a fost rescrisă de artistă peste original. Astăzi, pictura a fost restaurată la starea inițială și este găzduită în Galeria Națională.

6. Balena în „Scena de plajă” a lui Hendrick van Antonissen

Când această pictură olandeză din secolul al XVII-lea a fost donată Muzeului Fitzwilliam, a reprezentat pur și simplu o scenă de plajă. Cu toate acestea, istoricii de artă au fost nedumeriți de ce pictura înfățișează o mulțime adunată lângă apă fără niciun motiv aparent. După restaurare, sub un strat de vopsea, a fost descoperită imaginea unei balene spălate pe țărm. Se crede că balena a fost pictată din motive estetice în secolul al XVIII-lea sau al XIX-lea.

Cunoscătorii de artă vor fi interesați să învețe despre.