Image musicale

La musique en tant qu'art vivant naît et vit de l'unité de tous les types d'activités. La communication entre eux se fait à travers des images musicales. Dans l'esprit du compositeur, sous l'influence des impressions musicales et de l'imagination créatrice, naît une image musicale qui s'incarne ensuite dans une œuvre musicale. Écouter une image musicale, - c'est-à-dire contenu de la vie incarné dans sons musicaux, détermine toutes les autres facettes de la perception musicale.

autrement dit, une image musicale est une image incarnée dans la musique (sentiments, expériences, pensées, réflexions, actions d'une ou plusieurs personnes ; toute manifestation de la nature, un événement dans la vie d'une personne, d'un peuple, de l'humanité... etc. .)

Une image musicale est le caractère combiné, les moyens musicaux et expressifs, les conditions socio-historiques de création, les caractéristiques de construction et le style du compositeur.

Les images musicales sont :

Lyrique - images de sentiments, de sensations ;-épique - description ;-dramatique - images de conflits, de collisions ;-images-contes de fées-contes de fées, irréels ;-comique- drôleetc.

Profitant des riches possibilités du langage musical, le compositeur crée une image musicale dans laquelleincarne l'une ou l'autre des idées créatives, l'un ou l'autre contenu de la vie.

Images lyriques

Le mot lyrique vient du mot « lyre » - il s'agit d'un instrument ancien qui était joué par des chanteurs (rhapsodes), racontant divers événements et émotions vécues.

Les paroles sont un monologue du héros dans lequel il raconte ses expériences.

L'image lyrique révèle l'individu monde spirituel créateur Dans une œuvre lyrique, il n'y a pas d'événements, contrairement au drame et à l'épopée, seulement la confession du héros lyrique, sa perception personnelle de divers phénomènes..

Voici les principales propriétés des paroles :-sentiment-humeur-manque d'action.Des œuvres qui reflètent l'image lyrique :

1. Beethoven « Sonate n° 14 » (« Clair de lune »)2. Schubert "Sérénade"3. Chopin "Prélude"4. Rachmaninov "Vocaliser"5. Tchaïkovski "Mélodie"

Images dramatiques

Le drame (grec Δρα´μα - action) est l'un des types de littérature (avec les paroles, l'épopée et l'épopée) qui transmet les événements à travers les dialogues des personnages. Depuis l’Antiquité, il existe sous forme folklorique ou littéraire chez divers peuples.

Le drame est une œuvre décrivant le processus d’action.Le sujet principal de l’art dramatique était les passions humaines dans leurs manifestations les plus vives.

Les principales propriétés du drame :

Une personne se trouve dans une situation difficile et difficile qui lui semble désespérée.

Il cherche une issue à cette situation

Il entre en lutte - soit avec ses ennemis, soit avec la situation elle-même

Ainsi, le héros dramatique, contrairement au héros lyrique, agit, se bat et, à la suite de cette lutte, gagne ou meurt - le plus souvent.

Dans le drame, ce ne sont pas les sentiments qui sont au premier plan, mais les actions. Mais ces actions peuvent être causées précisément par des sentiments, et des sentiments très forts - des passions. Le héros, sous la puissance de ces sentiments, commet des actions actives.

Presque tous les héros shakespeariens appartiennent à des images dramatiques : Hamlet, Othello, Macbeth.

Ils sont tous submergés par des passions fortes, ils sont tous dans une situation difficile.

Hamlet est tourmenté par la haine des meurtriers de son père et par un désir de vengeance ;

Othello souffre de jalousie ;

Macbeth est très ambitieux, son principal problème est la soif de pouvoir, à cause de laquelle il décide de tuer le roi.

Le drame est impensable sans un héros dramatique : il en est le nerf, le centre, la source. La vie tourbillonne autour de lui, comme l’eau bouillonnant sous l’action de l’hélice d’un navire. Même si le héros est inactif (comme Hamlet), alors c'est une inaction explosive. "Le héros cherche une catastrophe. Sans catastrophe, il n'y a pas de héros." Qui est-il - un héros dramatique ? Esclave de la passion. Ce n’est pas lui qui regarde, mais elle qui l’entraîne vers le désastre.Œuvres incarnant des images dramatiques :1. Tchaïkovski "Reine de pique"
"La Dame de Pique" est un opéra basé sur l'histoire du même nom de A. S. Pouchkine.

L'intrigue de l'opéra :

Le personnage principal de l'opéra est l'officier Herman, allemand de naissance, pauvre et rêvant d'un enrichissement rapide et facile. C'est un joueur dans l'âme, mais il n'a jamais joué aux cartes, même s'il en a toujours rêvé.

Au début de l'opéra, Herman est amoureux de la riche héritière de la vieille comtesse, Lisa. Mais il est pauvre et n’a aucune chance de se marier. C'est-à-dire qu'une situation désespérée et dramatique apparaît immédiatement : la pauvreté et, en conséquence de cette pauvreté, l'incapacité d'atteindre la fille qu'il aime.

Et puis, par hasard, Herman découvre que la vieille comtesse, la patronne de Lisa, connaît le secret des 3 cartes. Si vous misez sur chacune de ces cartes 3 fois de suite, vous pourrez gagner une fortune. Et Herman se fixe pour objectif d'apprendre ces 3 cartes. Ce rêve devient sa passion la plus forte, pour cela il sacrifie même son amour : il utilise Lisa comme moyen de pénétrer dans la maison de la comtesse et de découvrir le secret. Il prend rendez-vous pour Lisa chez la comtesse, mais ne se rend pas chez la fille, mais chez la vieille femme et, sous la menace d'une arme, lui demande de lui dire 3 cartes. La vieille femme meurt sans le lui dire, mais la nuit suivante, son fantôme lui apparaît et lui dit : « Trois, sept, as ».

Le lendemain, Herman avoue à Lisa qu'il est responsable de la mort de la comtesse, Lisa, incapable de résister à un tel coup, se noie dans la rivière, et Herman se rend dans une maison de jeu, parie trois et sept l'un après l'autre, gagne, puis mise un as pour tout l'argent qu'il a gagné, mais au dernier moment, au lieu d'un as, la dame de pique apparaît dans ses mains. Et Herman voit face à cette Dame de Pique une vieille comtesse. Tout ce qu'il gagne, il le perd et se suicide.

Herman dans l'opéra de Tchaïkovski est complètement différent de celui de Pouchkine.

Herman de Pouchkine est froid et calculateur, Lisa n'est pour lui qu'un moyen sur le chemin de l'enrichissement - un tel personnage ne pouvait pas captiver Tchaïkovski, qui avait toujours besoin d'aimer son héros. Beaucoup de choses dans l'opéra ne correspondent pas à l'histoire de Pouchkine : le temps de l'action, les caractères des personnages.

Herman de Tchaïkovski est un héros ardent et romantique doté de fortes passions et d'une imagination débordante ; il aime Lisa, et ce n'est que progressivement que le secret des trois cartes déplace son image de la conscience d'Herman.

2.Beethoven "Symphonie n°5"Toute l’œuvre de Beethoven peut être qualifiée de dramatique. Sa vie personnelle devient une confirmation de ces propos. Le combat est le sens de toute sa vie. La lutte contre la pauvreté, la lutte contre les normes sociales, la lutte contre la maladie. L'auteur lui-même a dit à propos de l'œuvre « Symphonie n°5 » : « Alors le destin frappe à la porte !

3. Schubert "Le roi des forêts"Il montre la lutte entre deux mondes : le réel et le fantastique. Puisque Schubert lui-même est un compositeur romantique et que le romantisme se caractérise par une fascination pour le mysticisme, la collision de ces mondes est très clairement exprimée dans cette œuvre. Le monde réel est représenté à l'image d'un père, il essaie de regarder le monde avec calme et sensibilité, il ne voit pas le Roi des Forêts. Monde fantastique - Forest King, ses filles. Et le bébé se retrouve à la jonction de ces mondes. Il voit le Roi des Forêts, ce monde l'effraie et l'attire, et en même temps il se rapporte au monde réel, il demande la protection de son père. Mais finalement, le monde fantastique l’emporte, malgré tous les efforts du père."Le cavalier pousse, le cavalier galope,Dans ses mains gisait un bébé mort. »

Dans cette œuvre, images fantastiques et dramatiques s'entremêlent. De l'image dramatique, nous voyons une lutte acharnée et irréconciliable, du fantastique, un regard mystique.

Images épiquesEPOS, [grec. épopée - mot]Une épopée est généralement un poème qui parle de personnages héroïques. des actes.

Les origines de la poésie épique trouvent leurs racines dans les récits préhistoriques de dieux et d’autres êtres surnaturels.

L'épopée, c'est le passé, parce que raconte les événements passés de la vie du peuple, son histoire et ses exploits ;

^ Les paroles sont réelles, parce que son objet, ce sont les sentiments et les humeurs ;

Le théâtre est l'avenir, parce que l'essentiel est l'action à l'aide de laquelle les héros tentent de décider de leur sort, de leur avenir.

Le premier et simple schéma de division des arts associés aux mots a été proposé par Aristote, selon lequel une épopée est l'histoire d'un événement, le drame le représente en personnes et les paroles répondent par le chant de l'âme.

Le lieu et le moment de l'action des héros épiques ressemblent à l'histoire et à la géographie réelles (dans lesquelles l'épopée est radicalement différente des contes de fées et des mythes, qui sont complètement irréels). Cependant, l’épopée n’est pas entièrement réaliste, même si elle est basée sur des événements réels. Une grande partie est idéalisée et mythifiée.

C'est la propriété de notre mémoire : on embellit toujours un peu notre passé, surtout s'il concerne notre grand passé, notre histoire, nos héros. Et parfois c’est l’inverse : certains événements historiques et les personnages nous semblent pires qu'ils ne l'étaient réellement. Propriétés de l'épopée :

Héroïsme

L'unité du héros avec son peuple, au nom duquel il accomplit des exploits

Historicité

Fabuleux (parfois le héros épique combat non seulement de vrais ennemis, mais aussi des créatures mythiques)

Évaluativité (les héros de l'épopée sont bons ou mauvais, par exemple les héros des épopées - et leurs ennemis, toutes sortes de monstres)

Objectivité relative (l'épopée décrit des événements historiques réels et le héros peut avoir ses propres faiblesses)Les images épiques dans la musique sont des images non seulement de héros, mais aussi d'événements, d'histoire, elles peuvent aussi être des images de la nature représentant la patrie à une certaine époque historique.

C’est la différence entre l’épopée, le lyrisme et le drame : ce qui vient en premier, ce n’est pas le héros avec ses problèmes personnels, mais l’histoire.Œuvres à caractère épique :1. Borodine "Symphonie héroïque"2. Borodine "Prince Igor"

Borodine Alexander Porfirievich (1833-1887), l'un des compositeurs de la "Mighty Handful".

Toute son œuvre est imprégnée du thème de la grandeur du peuple russe, de l’amour de la patrie et de l’amour de la liberté.

C'est le sujet à la fois de la « Symphonie héroïque », qui capture l'image de la puissante patrie héroïque, et de l'opéra « Prince Igor », créé sur la base de l'épopée russe « Le conte de la campagne d'Igor ».

«Le conte de la campagne d'Igor» («Le conte de la campagne d'Igor, Igor, fils de Sviatoslav, petit-fils d'Oleg) est le monument le plus célèbre (considéré comme le plus grand) de la littérature russe médiévale. L'intrigue est basée sur la campagne infructueuse de 1185. par les princes russes contre les Polovtsiens, dirigés par le prince Igor Svyatoslavich.

3. "Porte Bogatyr" de Moussorgski

Images de contes de fées

Le nom lui-même suggère le scénario de ces œuvres. Ces images sont incarnées de la manière la plus vivante dans les œuvres de N.A. Rimsky-Korsakov. Il s'agit de la suite symphonique "Schéhérazade", basée sur les contes de fées "1001 Nuits" et ses célèbres opéras de contes de fées "La Fille des neiges", "Le Conte du tsar Saltan", "Le Coq d'or", etc. Des images féeriques et fantastiques apparaissent en étroite unité avec la nature dans la musique de Rimski-Korsakov. Le plus souvent ils personnifient, comme dans les œuvres art folklorique, l'un ou l'autre forces élémentaires et les phénomènes naturels (Frost, Leshy, Sea Princess, etc.). Les images fantastiques contiennent, outre des éléments musicaux, pittoresques, féeriques et fantastiques, également des caractéristiques de l'apparence extérieure et du caractère de personnes réelles. Une telle polyvalence (elle sera discutée plus en détail lors de l’analyse des œuvres) confère à la fantaisie musicale de Korsakov une originalité et une profondeur poétique particulières.

Les mélodies de type instrumental de Rimski-Korsakov se distinguent par une grande originalité, complexe dans la structure mélodique-rythmique, mobile et virtuose, qui sont utilisées par le compositeur dans la représentation musicale de personnages fantastiques.

Ici, nous pouvons également citer des images fantastiques en musique.

musique fantastique
quelques idées

Personne ne doute désormais que les œuvres de science-fiction, publiées chaque année en grand nombre, et les films de science-fiction, dont de nombreux films sont également produits, notamment aux États-Unis, sont très populaires. Qu’en est-il de la « musique fantastique » (ou, si vous préférez, de la « fiction musicale ») ?

Tout d’abord, si vous y réfléchissez bien, la « musique fantastique » existe depuis un certain temps déjà. N'est-il pas possible d'inclure des chansons et des ballades anciennes (folklore) dans ce sens ? différents peuples partout sur la Terre pour louer héros légendaires et divers événements (dont fabuleux - mythologiques) ? Et vers le XVIIe siècle, apparaissent des opéras, des ballets et diverses œuvres symphoniques, créés sur la base de divers contes de fées et légendes. La pénétration de la fantaisie dans la culture musicale a commencé à l'ère du romantisme. Mais nous pouvons facilement trouver des éléments de son « invasion » dans les œuvres de romantiques musicaux tels que Mozart, Gluck et Beethoven. Cependant, les motifs les plus clairement fantastiques se retrouvent dans la musique des compositeurs allemands R. Wagner, E. T. A. Hoffmann, K. Weber, F. Mendelssohn. Leurs œuvres sont remplies d'intonations gothiques, de motifs de contes de fées et d'éléments fantastiques, étroitement liés au thème de la confrontation entre l'homme et la réalité environnante. On ne peut s'empêcher de rappeler le compositeur norvégien Edvard Grieg, célèbre pour ses toiles musicales basées sur des épopées folkloriques, et les œuvres d'Henrik Ibsen « Procession des nains », « Dans la grotte du roi de la montagne », Danse des elfes"
, ainsi que le Français Hector Berlioz, dans l'œuvre duquel le thème des éléments des forces de la nature est clairement exprimé. Le romantisme s’est également manifesté d’une manière unique dans la culture musicale russe. Pleines d’images fantastiques, les œuvres de Moussorgski « Tableaux d’une exposition » et « Nuit sur le mont chauve », qui dépeignent un sabbat de sorcières la nuit d’Ivan Kupala, ont eu une influence colossale sur la culture rock moderne. Moussorgski a également créé l'interprétation musicale de l'histoire de N.V. Gogol « La Foire Sorochinskaya ». À propos, la pénétration de la fiction littéraire dans la culture musicale est plus clairement visible dans les œuvres des compositeurs russes : « La Dame de pique » de Tchaïkovski, « La Sirène » et « L'Invité de pierre » de Dargomyzhsky, « Ruslan et Lyudmila » par Glinka, « Le Coq d'Or » de Rimski-Korsakov, « Le Démon » de Rubinstein, etc. Au début du XXe siècle, une véritable révolution musicale fut réalisée par le courageux expérimentateur Scriabine, apologiste de l'art synthétique, qui se tenait à les origines de la musique légère. Dans la partition symphonique, il a écrit la partie légère sur une ligne distincte. Ses œuvres telles que « Le Poème divin » (3e Symphonie, 1904), « Poème du feu » (« Prométhée », 1910) et « Poème de l'extase » (1907) sont remplies d'images fantastiques. Et même des « réalistes » reconnus comme Chostakovitch et Kabalevsky ont utilisé la technique de la fantaisie dans leurs œuvres musicales. Mais peut-être que la véritable floraison de la « musique fantastique » (musique de science-fiction) commence dans les années 70 de notre siècle, avec le développement de la technologie informatique et l'apparition des célèbres films « 2001 : L'Odyssée de l'espace » de S. Kubrick. (où, d'ailleurs, les classiques classiques ont été utilisés avec beaucoup de succès, des œuvres de R. Strauss et I. Strauss) et "Solaris" de A. Tarkovski (qui dans son film, avec le compositeur E. Artemyev, l'un des premiers russes " synthétiseurs", a créé un "fond sonore" tout simplement merveilleux, mêlant des sons cosmiques mystérieux à la musique ingénieuse de J.-S. Bach). Est-il possible d'imaginer la célèbre « trilogie » de J. Lucas « Star Wars » et même « Indiana Jones » (réalisée par Steven Spielberg - mais c'était l'idée de Lucas !) sans la musique enflammée et romantique de J. Williams ? , interprété par un orchestre symphonique.

Entre-temps (au début des années 70), le développement de la technologie informatique atteint un certain niveau : les synthétiseurs musicaux apparaissent. Cette nouvelle technique ouvre de brillantes perspectives aux musiciens : il devient enfin possible de laisser libre cours à l'imagination et au modelage, de créer des sons étonnants, carrément magiques, de les intégrer à la musique, de « sculpter » le son comme un sculpteur !.. C'est peut-être cela une véritable science-fiction en musique. Ainsi, à partir de ce moment, une nouvelle ère commence, une galaxie de premiers maîtres synthétiseurs et auteurs-interprètes de leurs œuvres apparaît.

Images comiques

Le destin du comique en musique fut dramatique. De nombreux critiques d’art ne mentionnent pas du tout la bande dessinée en musique. Les autres nient l'existence de la comédie musicale ou considèrent ses possibilités comme minimes. Le point de vue le plus répandu a été bien formulé par M. Kagan : « Les possibilités de créer une image comique en musique sont minimes. (...) Ce n'est peut-être qu'au XXe siècle que la musique a commencé à rechercher activement ses propres moyens, purement musicaux, pour créer des images comiques. (...) Et pourtant, malgré les découvertes artistiques importantes faites par les musiciens du XXe siècle, en créativité musicale la bande dessinée n’a pas gagné et ne gagnera apparemment jamais la place qu’elle a longtemps occupée dans la littérature, le théâtre dramatique, les beaux-arts et le cinéma.

Ainsi, la bande dessinée est drôle et a une grande signification. La tâche est de « corriger par le rire ». Le sourire et le rire ne deviennent des « compagnons » du comique que lorsqu'ils expriment le sentiment de satisfaction que suscite la victoire spirituelle d'une personne sur ce qui contredit ses idéaux, ce qui est incompatible avec eux, ce qui leur est hostile. lui, car exposer ce qui contredit l'idéal, se rendre compte de sa contradiction signifie vaincre le mal, s'en libérer. Par conséquent, comme l’a écrit le principal esthéticien russe M. S. Kagan, la collision du réel et de l’idéal est à la base du comique. Il ne faut pas oublier que le comique, contrairement au tragique, ne se produit que s'il ne provoque pas de souffrance pour autrui et n'est pas dangereux pour l'homme.

Les nuances de la bande dessinée sont l'humour et la satire. L'humour est une moquerie douce et bon enfant des défauts individuels et des faiblesses d'un phénomène globalement positif. L'humour est un rire amical, bon enfant, mais pas édenté.

La satire est le deuxième type de bande dessinée. Contrairement à l’humour, le rire satirique est un rire menaçant, cruel et flétrissant. Afin de blesser autant que possible le mal, les difformités sociales, la vulgarité, l'immoralité, etc., le phénomène est souvent délibérément exagéré et exagéré.

Toutes les formes d’art ont la capacité de créer de la comédie. Inutile de parler de littérature, de théâtre, de cinéma, de peinture, c'est tellement évident. Scherzo, quelques images d'opéras (par exemple Farlaf, Dodon) - réalisent le comique en musique. Ou rappelons-nous le final du premier mouvement de la Deuxième Symphonie de Tchaïkovski, écrit sur le thème de la chanson humoristique ukrainienne « Crane ». C'est une musique qui fait sourire l'auditeur. Les « Tableaux d'une exposition » de Moussorgski sont pleins d'humour (par exemple, « Le Ballet des poussins non éclos »). Le Coq d’or de Rimski-Korsakov et de nombreuses images musicales du deuxième mouvement de la Dixième Symphonie de Chostakovitch sont résolument satiriques.

L'architecture est la seule forme d'art dépourvue de sens de l'humour. Le comique en architecture serait un désastre à la fois pour le spectateur, l'habitant et le visiteur du bâtiment ou de la structure. Un paradoxe étonnant : l'architecture a un énorme potentiel pour incarner le beau, le sublime, le tragique, pour exprimer et affirmer les idéaux esthétiques de la société - et est fondamentalement privée de la capacité de créer une image comique.

En musique, la comédie comme contradiction se révèle à travers des algorithmes et des incohérences artistiques spécialement organisés, qui contiennent toujours un élément de surprise. Par exemple, combiner différentes mélodies est un outil musical et comique. L'air de Dodon dans l'opéra « Le Coq d'or » de N. A. Rimsky-Korsakov est construit sur ce principe, où la combinaison de primitivité et de sophistication crée un effet grotesque (dans la bouche de Dodon, on peut entendre les intonations de la chanson « Chizhik-Pyzhik ») .
Dans les genres musicaux associés à l’action scénique ou à programme littéraire, la contradiction du comique est saisie et rendue visible. Pourtant, la musique instrumentale peut exprimer le comique sans recourir à des moyens « extra-musicaux » R. Schumann, après avoir joué pour la première fois le Rondo en sol majeur de Beethoven, selon ses propres mots, se mit à rire, puisque cette œuvre lui paraissait la meilleure. La blague la plus drôle du monde. Quelle ne fut pas sa surprise lorsqu'il découvrit par la suite dans les papiers de Beethoven une note selon laquelle ce rondo s'intitulait « La rage pour un sou perdu, versé sous la forme d'un rondo ». À propos du finale de la Deuxième Symphonie de Beethoven, le même Schumann a écrit qu'il s'agit du plus grand exemple d'humour dans la musique instrumentale. Et dans les moments musicaux de F. Schubert, il entendait les factures impayées du tailleur - une frustration quotidienne si évidente y résonnait.

La musique utilise souvent la surprise pour créer un effet comique. Ainsi, dans l'une des symphonies londoniennes de J. Haydn, il y a une plaisanterie : un coup soudain de timbales secoue le public, l'arrachant à sa distraction rêveuse. Dans Valse avec surprise de J. Strauss, le déroulement fluide de la mélodie est perturbé de manière inattendue par le claquement d'un coup de pistolet. Cela provoque toujours une réaction joyeuse de la part du public. Dans "Le Séminaire" du député Moussorgski, les pensées mondaines véhiculées mouvement fluide les mélodies sont soudain interrompues par des crépitements, personnifiant la mémorisation de textes latins.

Le fondement esthétique de tous ces moyens de comédie musicale est l’effet de surprise.

Marches comiques

Les marches comiques sont des marches plaisanteries. Toute blague est basée sur de drôles d’absurdités, de drôles d’incohérences. C’est ce qu’il faut rechercher dans la musique des marches comiques. Il y avait aussi des éléments comiques dans la marche de Chernomor. La solennité des accords de la première section (à partir de la cinquième mesure) ne correspondait pas aux petites durées « vacillantes » de ces accords. Le résultat était une drôle d’absurdité musicale qui dressait de manière très figurative le « portrait » d’un nain maléfique.

Par conséquent, la Marche de Chernomor est aussi en partie comique. Mais seulement en partie, car il y a beaucoup plus dedans. Mais la Marche de Prokofiev de la collection « Musique pour enfants » est conservée dans l’esprit d’une marche comique du début à la fin.

De manière générale, en parlant d'image comique en musique, les œuvres musicales suivantes viennent immédiatement à l'esprit :

"Les Noces de Figaro" de Wolfgang Amadeus Mozart, où déjà dans l'ouverture (introduction à l'opéra) se font entendre des notes de rire et d'humour. Et l'intrigue de l'opéra lui-même raconte l'histoire d'un propriétaire stupide et drôle, le Comte, et d'un serviteur joyeux et intelligent, Figaro, qui ont réussi à déjouer le Comte et à le mettre dans une position stupide.

Ce n’est pas pour rien que la musique de Mozart a été utilisée dans le film « Trading Places » avec Eddie Murphy.

En général, dans l’œuvre de Mozart, il existe de nombreux exemples de bande dessinée, et Mozart lui-même était qualifié de « ensoleillé » : tant de soleil, de légèreté et de rire peuvent être entendus dans sa musique.

Je voudrais également attirer votre attention sur l’opéra « Ruslan et Lyudmila » de Mikhaïl Ivanovitch Glinka. Les deux personnages Farlaf et Chernomor ont été écrits par le compositeur non sans humour. Farlaf gros et maladroit, rêvant d'une victoire facile (rencontre avec la sorcière Naina, qui lui promet :

Mais n'aie pas peur de moi :
Je vous suis favorable ;
Rentre chez toi et attends-moi.
Nous emmènerons Lyudmila en secret,
Et Svetozar pour ton exploit
Il vous la donnera pour épouse.) Farlaf est si heureux que ce sentiment l'envahit. Pour la caractérisation musicale de Farlaf, Glinka choisit la forme rondo, construite sur des retours répétés à la même pensée (une pensée le possède), et même la basse (voix masculine grave) l'oblige à chanter à un rythme très rapide, presque en crépitant, ce qui donne un effet comique (il semblait essoufflé).

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Légendes des diapositives :

Genres de musique classique

Musique vocale Musique instrumentale En quels groupes toute musique peut-elle être divisée en fonction de la méthode d'interprétation ?

Musique vocale Non accompagné Avec accompagnement Grande forme Chœurs miniatures a capella opéra opérette cantate oratorio musical Chœur de Georgy Sviridov « Matin d'hiver » Cantate de Sergueï Prokofiev « Alexandre Nevski » https://yadi.sk/d/-k6X8UT4cKqCu ♪ ♪ https:// yadi. sk/i/ZczaGRpGcKqNP

La cantate est une œuvre pour chœur, solistes et orchestre symphonique en plusieurs parties. Cantate de Sergueï Prokofiev «Alexandre Nevski», partie IV «Lève-toi, peuple russe!» ♪ https://yadi.sk/i/n95OXbvUcKqVL ♪ Georgy Sviridov « L'hiver chante » de la cantate « À la mémoire de Yesenin » https://yadi.sk/i/s9qbpwCxcKqyg

L'oratorio est de plus grande taille et possède une intrigue dramatique. ♪ G.-F. Haendel « Alléluia » de l'oratorio « Création » https://yadi.sk/i/4LUzjabTcKqj2

L'opérette (italien : opérette - petit opéra) est une représentation théâtrale dans laquelle des numéros musicaux individuels alternent avec des dialogues sans musique. Les opérettes sont écrites sur une intrigue comique.

Théâtre de comédie musicale de Saint-Pétersbourg

Une comédie musicale est une œuvre musicale et scénique dans laquelle s'entremêlent dialogues, chansons, musique et où la chorégraphie joue un rôle important. Les intrigues sont souvent tirées d'œuvres littéraires célèbres, de drames mondiaux (« My Fair Lady » de Bernard Shaw, « Kiss Me, Kate ! » de Shakespeare, « Man of La Mancha » de Cervantes, « Oliver ! » de Dickens).

Musique vocale Non accompagné Avec accompagnement Grande forme Chœurs miniatures a capella opéra opérette cantate oratorio chanson musicale romance vocalise sérénade ballades ensembles

Musique instrumentale grande forme musique de chambre concert symphonique ouverture suite symphonique poème symphonique ballet sonate étude prélude toccata fugue nocturne impromptu jeu de ballade ensembles

Le Concerto est une œuvre pour instrument soliste et orchestre symphonique en trois parties. Une symphonie est une œuvre pour orchestre symphonique en quatre mouvements. Etude est une miniature instrumentale pour l'entraînement à la technique du spectacle.

Aperçu:

Lycée GBOU n°238 avec étude approfondie de la langue anglaise

Quartier Admiralteysky de Saint-Pétersbourg

Professeur Dolmatova Marina Borisovna

Développement d'un cours de musique en 7e.

Sujet: « Variété d'images musicales. Cantate"

Objectifs:

• développement de la sphère émotionnelle des étudiants, en nourrissant leur goût musical et esthétique, leur intérêt et leur amour pour la musique hautement artistique, leur désir de l'écouter et de l'interpréter.
• transfert d'expérience spirituelle positive de générations, concentrée dans l'art de la musique.
• éducation à la citoyenneté et à l’amour de la Patrie.

Tâches:

Révéler les caractéristiques du genre cantate

Continuer la formation d'idées émotionnelles-figuratives en utilisant l'exemple

Cantates de S. Prokofiev «Alexandre Nevski»

Répétez et consolidez vos connaissances sur les genres de la musique classique, approfondissant votre compréhension

Liens entre l'image musicale et le genre de l'œuvre.

Continuer à travailler sur les compétences vocales et chorales en chant

O. Yurgenstein « The Clock » et la chanson « Trezzini Palace » de A. Gorodnitsky

Technologie:

éléments technologie de jeu, éléments technologiques pour l'éducation développementale et différenciée, technologies de l'information.

Type de cours : combiné

Matériel musical :fragments audio, vidéo et cinématographiques (cantate de S.S. Prokofiev « Alexandre Nevski », film de S. Eisenstein « Alexandre Nevski », G.-F. Haendel Alléluia de l'oratorio « Messie », G. Sviridov « Matin d'hiver »), O. Yurgenstein "Horloge", A. Gorodnitsky "Palais Trezzini"

Équipement: ordinateur, projecteur multimédia, piano, guitare, batterie

Outils.

PENDANT LES COURS

Organisation du temps

Salutation, attitude motivationnelle envers la coopération, travail réussi. Annonce des objectifs du cours.

Le premier bloc du cours est théorique

L'art musical, comme tout autre, a son propre langage, sa propre manière d'expression, ses propres caractéristiques. C'est dans la musique qu'une personne exprime ses pensées et ses sentiments d'une manière inhabituellement forte et vivante.

Quelles sont les caractéristiques de l’art musical ?

(son musical non spécifique, évolution de la musique au fil du temps)

Qu’expriment les sons musicaux ? Comment nous affectent-ils ? Quelles images les compositeurs créent-ils dans leurs œuvres ? Parfois, ce n’est pas du tout facile à comprendre. Nos oreilles sensibles peuvent nous aider, coeurs ouverts et bien sûr, la connaissance.

Par exemple, nous savons qu’il existe différents genres musicaux.

Qu'est-ce qu'un genre de musique ?

(genres quotidiens - chant, danse, marche et genres de musique classique, différant par la composition des interprètes et la méthode d'exécution).

En écoutant un morceau de musique, déterminez son genre.

fragment vidéo « Matin d'hiver » de G. Sviridov

(choeur de genre a’ capella)

Revenons au tableau « Genres de musique classique » et poursuivons notre connaissance avec eux (travail dans un cahier).

Les genres de musique vocale avec accompagnement peuvent être divisés en œuvres de grande forme, c'est-à-dire celles qui sonnent longtemps, comportent plusieurs parties et, par conséquent, de nombreuses images différentes, et des miniatures, c'est-à-dire de petites compositions vocales. Il me semble que vous nommerez tout de suite le genre de musique vocale le plus vaste et le plus important, car nous le connaissons depuis longtemps.

De quel genre s'agit-il ?

(opéra)

Lors de l’enregistrement d’autres genres de la principale forme de musique vocale, vous pouvez bien sûr également rencontrer des noms familiers.

Aujourd'hui, nous allons nous familiariser avec le genre cantate. Nous nous tournerons vers l’une des œuvres les plus marquantes de ce genre – la cantate « Alexandre Nevski » de Sergueï Sergueïevitch Prokofiev. Vous aurez une tâche difficile : définir le genre de la cantate. Permettez-moi de vous rappeler que pour cela, il faut tout d'abord déterminer la composition des interprètes. Et la deuxième tâche n’est pas moins difficile. Bien sûr, vous savez qui est Alexandre Nevski et pouvez imaginer la gamme d'images musicales de la cantate. Essayez de caractériser la musique du fragment que nous entendrons. Quelle image musicale Prokofiev a-t-il créée ? Alors écoutons.

fragment vidéo de la cantate « Lève-toi, peuple russe »

(Une œuvre pour chœur, orchestre, il peut y avoir des solistes.

L'attrait, la détermination, la volonté d'héroïsme, l'image de la patrie - la partie médiane, basée sur la chanson folklorique russe.)

Entrez le terme «cantate» dans le dictionnaire et le nom de l'exemple donné dans le tableau.

La cantate « Alexandre Nevski » a été créée par Sergueï Prokofiev sur la base de la musique du film. Il comprend 7 parties - "La Russie sous le joug mongol", "Chanson sur Alexandre Nevski", "Les croisés à Pskov", "Lève-toi, peuple russe", "Bataille de glace", "Champ mort" et "L'entrée d'Alexandre dans Pskov». Tous sont interprétés par chœur et orchestre, et un seul – « Dead Field » – est écrit pour mezzo-soprano. Le grand réalisateur Sergueï Eisenstein a réalisé en 1938 le grand film « Alexandre Nevski », dans lequel la musique joue un rôle très important. Nous regarderons un fragment du film, où résonne la musique déjà familière de la chorale « Lève-toi, peuple russe ». Essayons de voir et d'entendre quel rôle joue la musique de Prokofiev, quelle est sa signification dans le film.

fragment de film du film de S. Eisenstein « Alexandre Nevski »

(La musique du film n'est pas seulement un fond sonore, mais une musique réelle. acteur peintures. La musique révèle des images visuelles, les rendant plus lumineuses et plus significatives.

La mélodie principale du chœur « Lève-toi, peuple russe » respire la prouesse au combat et le courage, la détermination à repousser l'ennemi. Il exprime l’état intérieur des personnages du film, qui se lèvent pour défendre la Patrie.)

Pour en revenir aux grands genres de la musique vocale, il faut parler au moins brièvement de l'oratorio. Le latin « oro » signifie « je parle », « je prie ». La composition des interprètes de l'oratorio est la même que celle de la cantate : chœur, solistes et orchestre. Mais l'oratorio, en règle générale, a une intrigue dramatique et diffère de la cantate par sa plus grande taille.

Autrefois, les oratorios étaient écrits uniquement sur des sujets tirés de l'Écriture Sainte.

Écoutons un fragment très célèbre du célèbre oratorio Messie de George Frideric Handel. Je pense que vous reconnaîtrez cette musique et serez capable de dire comment s'appelle cette pièce.

fragment vidéo « Alléluia » de l'oratorio G.-F. Le « Messie » de Haendel

("Alléluia", une parole de louange adressée à Dieu - "louez Dieu")

Pour résumer la première partie de notre leçon, rappelons-nous à quels genres de musique classique nous avons été initiés ?

(cantate, oratorio)

Qu'est-ce qu'une cantate ?

(Œuvre pour chœur, solistes et orchestre en plusieurs parties.)

Quelle cantate avons-nous écoutée ?

(Cantate « Alexandre Nevski » de Sergueï Prokofiev)

Dans la prochaine leçon, en continuant à étudier les genres musicaux, nous nous familiariserons davantage avec les genres de l'opérette et de la comédie musicale.

Deuxième bloc - travail vocal et choral

Et maintenant, d'auditeurs attentifs et avertis, nous deviendrons non moins attentifs et des artistes compétents. Commençons par le chant "Les Heures", dans lequel le travail actif de l'appareil articulatoire est très important.

Interprétation de la chanson chantée « The Hours ».

Travaillez sur la production sonore active, la respiration chantée active et la diction claire. Montrer le rythme dans l'intervalle avec des applaudissements et une transition précise de l'affichage du rythme au chant.

D m b d m b

L'utilisation de trois groupes d'instruments à percussion pour démontrer les accents rythmiques complique la tâche d'interprétation. Par exemple, d en bois (cuillères, boîtes), m métal (triangles) et b Arabans (tambourins).

Vous et moi savons à quel point il est difficile d'interpréter un morceau de musique. Il est nécessaire non seulement de chanter avec précision la mélodie et d'apprendre les paroles de la chanson, mais, surtout, de révéler l'image qui y est incrustée. Bien sûr, dans une chanson de barde, comme «Trezini Palace» d'Alexandre Gorodnitsky, l'image est avant tout associée aux paroles de la chanson, et ce n'est pas du tout simple. Mais vous et moi sommes des habitants de Saint-Pétersbourg, ce qui signifie que nous pouvons transmettre à nos auditeurs l’amour pour notre ville dont est remplie la chanson de Gorodnitsky.

Pour créer une atmosphère de confiance, interprétons une chanson avec une guitare, comme les bardes chantent habituellement leurs chansons.

Interprétation de la chanson « Trezini Palace » de A. Gorodnitsky avec accompagnement de guitare(il est préférable d'impliquer les élèves dans la réalisation de l'accompagnement)

Pour conclure notre leçon, je voudrais vous rappeler une fois de plus qu'aujourd'hui nous avons été initiés à deux genres de musique classique.

De quels genres s’agit-il ?

Quels morceaux de musique ont été joués pendant le cours ?

J'ai été très heureux qu'en travaillant en classe aujourd'hui, vous vous soyez révélés non seulement des auditeurs attentifs et sensibles, mais aussi de bons interprètes expressifs.

(le travail des élèves est évalué à la fois après chaque bloc de cours et à la fin)

C'est la vie incarnée dans la musique, ses sentiments, ses expériences, ses pensées, ses réflexions, les actions d'une ou plusieurs personnes ; toute manifestation de la nature, un événement dans la vie d'une personne, d'un peuple, de l'humanité. C'est la vie incarnée dans la musique, ses sentiments, expériences, pensées, réflexions, actions d'une ou plusieurs personnes ; toute manifestation de la nature, un événement dans la vie d'une personne, d'un peuple, de l'humanité.

En musique, il existe rarement des œuvres basées sur une seule image. En musique, il existe rarement des œuvres basées sur une seule image. Seule une petite pièce ou un petit fragment peut être considéré comme unifié dans son contenu figuratif. Seule une petite pièce ou un petit fragment peut être considéré comme unifié dans son contenu figuratif.

Rythme—alternance de sons courts et longs Rythme—alternance de sons courts et longs Texture—manière de présenter le matériel musical Texture—manière de présenter le matériel musical Mélodie—présentation à une voix de l'idée principale d'une œuvre Mélodie—manière à une voix présentation de l'idée principale d'une œuvre

FACTURE Une idée musicale peut s'exprimer de diverses manières. Musique Une idée musicale peut s'exprimer de différentes manières. La musique, comme le tissu, est composée de divers éléments, comme la mélodie, comme le tissu, elle est composée de divers éléments, comme la mélodie, les voix d'accompagnement, les sons soutenus, etc. L’ensemble de cet ensemble de moyens s’appelle texture. voix d'accompagnement, sons soutenus, etc. L’ensemble de cet ensemble de moyens s’appelle texture.

Types de textures musicales Monodia (unisson) (du grec "mono" - un) est la plus ancienne texture à voix unique Monodia (unisson) (du grec "mono" - un) est la plus ancienne texture à voix unique, qui est une seule -mélodie vocale, ou conduite d'une mélodie à plusieurs voix à l'unisson. texture, qui est une mélodie à une voix, ou une mélodie interprétée par plusieurs voix à l'unisson. La texture homophonique-harmonique se compose de mélodie et d'accompagnement. Elle s'est imposée dans la musique des classiques viennois (seconde moitié du XVIIIe siècle) et constitue encore aujourd'hui la texture la plus courante. Texture d'accord - représente une présentation d'accord sans mélodie prononcée. Les exemples incluent les chants d'église - les chorals (assez souvent cette texture est appelée choral), la polyphonie subvocale - caractéristique de la chanson folklorique russe. Il est basé sur l'improvisation libre dans le processus d'interprétation d'une mélodie, lorsque la voix principale est rejointe par d'autres voix - des voix de soutien.

Sergei Vasilievich Rachmaninov Compositeur Compositeur Pianiste Pianiste Chef d'orchestre Né près de Novgorod, dans la patrie du héros épique Sadko. Tout comme Sadko, Rachmaninov aimait sa terre et regrettait toujours d'en être éloigné. Après tout, en 1917, au sommet de sa force créatrice, il quitta définitivement la Russie.

Quand est née cette polonaise passionnée et dramatique, à laquelle le compositeur a donné le nom - Adieu à la Patrie ? Au moment même où le soulèvement polonais de 1794 était réprimé, le compositeur quitta le pays. Imaginez, la Polonaise a 213 ans. Quand est née cette polonaise passionnée et dramatique, à laquelle le compositeur a donné le nom - Adieu à la Patrie ? Au moment même où le soulèvement polonais de 1794 était réprimé, le compositeur quitta le pays. Imaginez, la Polonaise a 213 ans. La durabilité d'une œuvre d'art dépend de la charge d'énergie mentale qui y est investie par l'auteur ; un tel élan créatif peut nourrir les gens de l'énergie des sentiments pendant des siècles. La durabilité d'une œuvre d'art dépend de la charge d'énergie mentale qui y est investie par l'auteur ; un tel élan créatif peut nourrir les gens de l'énergie des sentiments pendant des siècles. Et les voici – les transformations merveilleuses, étonnantes, infinies et variées de la polonaise d’Oginski dans l’âme des gens. Et les voici – les transformations merveilleuses, étonnantes, infinies et variées de la polonaise d’Oginski dans l’âme des gens. « LES ADIEUX POLONASE D’OGINSKY À LA MÈRE-PARIE »

Une chanson basée sur la Polonaise d'Oginsky interprétée par le Chœur Turetsky. Qu'y avait-il d'intéressant dans leur interprétation ? Qu’est-ce qui était intéressant dans leur performance ? Qu’avez-vous ressenti lorsque vous avez quitté la maison, même pour une courte période ? Qu’avez-vous ressenti lorsque vous avez quitté la maison, même pour une courte période ?

Devoirs Exprimez vos sentiments concernant la séparation du foyer dans un essai ou un dessin. Exprimez vos sentiments concernant la séparation du foyer dans un essai ou un dessin. Trouvez ou composez des poèmes sur la séparation du foyer, compilez-les en version informatique sur feuille A4, récitez-les par cœur ou composez de la musique et interprètez-les en classe. Trouvez ou composez des poèmes sur la séparation du foyer, compilez-les en version informatique sur feuille A4, récitez-les par cœur ou composez de la musique et interprètez-les en classe.

Auto-évaluation et évaluation par l’enseignant des activités d’apprentissage des élèves. Algorithme d'auto-évaluation. Vous souvenez-vous de tout ce qui a été discuté en classe ? Étiez-vous actif en classe ? Vos réponses étaient-elles correctes ? Avez-vous maintenu l'ordre en classe ? Avez-vous tout noté sur le sujet de la leçon dans votre cahier ? Avez-vous fait vos devoirs?

Les cours de musique du nouveau programme visent à développer la culture musicale des étudiants. La composante la plus importante de la culture musicale est la perception de la musique. Il n'y a pas de musique en dehors de la perception, parce que... c'est le lien principal et une condition nécessaireétude et connaissance de la musique. C'est la base des activités de composition, d'interprétation, d'écoute, d'enseignement et musicologiques.

La musique en tant qu'art vivant naît et vit de l'unité de tous les types d'activités. La communication entre eux se fait à travers des images musicales, car En dehors des images, la musique (en tant que forme d’art) n’existe pas. Dans l'esprit du compositeur, sous l'influence des impressions musicales et de l'imagination créatrice, naît une image musicale qui s'incarne ensuite dans une œuvre musicale.

Écouter une image musicale, - c'est-à-dire le contenu vital incarné dans les sons musicaux détermine toutes les autres facettes de la perception musicale.

La perception est une image subjective d'un objet, d'un phénomène ou d'un processus qui affecte directement l'analyseur ou le système d'analyseurs.

Parfois, le terme perception désigne également un système d'actions visant à se familiariser avec un objet qui affecte les sens, c'est-à-dire activité de recherche sensorielle d'observation. En tant qu'image, la perception est le reflet direct d'un objet dans la totalité de ses propriétés, dans son intégrité objective. Cela distingue la perception de la sensation, qui est également un reflet sensoriel direct, mais uniquement des propriétés individuelles des objets et des phénomènes affectant les analyseurs.

Une image est un phénomène subjectif qui résulte d'une activité mentale objective-pratique, sensorielle-perceptuelle, représentant un reflet intégral holistique de la réalité, dans lequel les principales catégories (espace, mouvement, couleur, forme, texture, etc.) sont simultanément représentés. En termes d'information, une image est une forme de représentation inhabituellement volumineuse de la réalité environnante.

La pensée figurative est l'un des principaux types de pensée, distinguée avec la pensée visuelle-efficace et verbale-logique. Les images-représentations agissent comme un produit important de la pensée figurative et comme l'un de ses fonctionnements.

La pensée imaginative est à la fois involontaire et volontaire. La première technique, ce sont les rêves, les rêveries. « -2ème est largement représenté dans activité créative personne.

Les fonctions de la pensée figurative sont associées à la présentation de situations et de changements qu'une personne souhaite provoquer du fait de son activité, transformant la situation, à la spécification de dispositions générales.

Avec l'aide de la pensée figurative, toute la variété des différentes caractéristiques factuelles d'un objet est recréée plus complètement. L'image peut capturer la vision simultanée d'un objet sous plusieurs points de vue. Une caractéristique très importante de la pensée imaginative est l’établissement de combinaisons inhabituelles et « incroyables » d’objets et de leurs propriétés.

Diverses techniques sont utilisées dans la pensée figurative. Ceux-ci incluent : une augmentation ou une diminution d'un objet ou de ses parties, l'agglutination (la création de nouvelles idées en attachant des parties ou des propriétés d'un objet dans le plan figuratif, etc.), l'inclusion d'images existantes dans un nouveau contour, la généralisation.

La pensée imaginative n'est pas seulement un stade génétiquement précoce du développement par rapport à la pensée verbale et logique, mais constitue également un type de pensée indépendant chez un adulte, bénéficiant d'un développement particulier dans la créativité technique et artistique.

Les différences individuelles dans la pensée figurative sont associées au type d'idées dominant et au degré de développement des techniques de présentation des situations et de leurs transformations.

En psychologie, la pensée imaginative est parfois décrite comme une fonction particulière : l’imagination.

L'imagination est un processus psychologique consistant en la création de nouvelles images (idées) en traitant le matériau des perceptions et des idées obtenues lors d'expériences antérieures. L'imagination n'est inhérente qu'à l'homme. L'imagination est nécessaire dans tout type d'activité humaine, en particulier lorsqu'il s'agit de percevoir la musique et « l'image musicale ».

Il existe une distinction entre l'imagination volontaire (active) et involontaire (passive), ainsi que l'imagination reconstructive et créatrice. Recréer l'imagination est le processus de création d'une image d'un objet sur la base de sa description, de son dessin ou de son dessin. L'imagination créatrice est la création indépendante de nouvelles images. Cela nécessite la sélection des matériaux nécessaires pour construire une image conformément à son propre design.

Forme spéciale imagination - un rêve. C'est aussi la création indépendante d'images, mais un rêve est la création d'une image désirée et plus ou moins lointaine, c'est-à-dire ne fournit pas directement et immédiatement un produit objectif.

Ainsi, la perception active d'une image musicale suggère l'unité de deux principes - objectif et subjectif, c'est-à-dire ce qui est inhérent à l'œuvre d'art elle-même, et aux interprétations, idées, associations qui naissent dans l'esprit de l'auditeur en relation avec elle. Évidemment, plus l’éventail de ces idées subjectives est large, plus la perception est riche et complète.

Dans la pratique, surtout chez les enfants qui n’ont pas une expérience suffisante de la musique, les idées subjectives ne sont pas toujours adaptées à la musique elle-même. Par conséquent, il est si important d'apprendre aux étudiants à comprendre ce qui est objectivement contenu dans la musique et ce qu'elle introduit ; ce qui dans ce « propre » est déterminé par l’œuvre musicale, et ce qui est arbitraire, artificiel. Si, dans la conclusion instrumentale de « Sunset » d’E. Grieg, les enfants non seulement entendent, mais voient aussi une image du coucher de soleil, alors seule l’association visuelle devrait être la bienvenue, car cela vient de la musique elle-même. Mais si la troisième chanson de Lelya de l'opéra « The Snow Maiden » de N.A. Rimsky-Korsakov, l'élève a remarqué des "gouttes de pluie", alors dans ce cas et dans des cas similaires, il est important non seulement de dire que cette réponse est incorrecte, inventée de manière déraisonnable, mais aussi, avec toute la classe, de comprendre pourquoi elle est incorrecte, pourquoi c'est déraisonnable, confirmant vos pensées, les preuves dont disposent les enfants à ce stade de développement de leur perception.

La nature du fantasme musical semble être enracinée dans la contradiction entre le désir naturel d’une personne d’entendre le contenu de sa vie dans la musique et son incapacité à le faire. Par conséquent, le développement de la perception d'une image musicale devrait reposer sur une divulgation de plus en plus complète du contenu vital de la musique en unité avec l'activation de la pensée associative des étudiants. Plus le lien entre la musique et la vie est révélé de manière large et multiforme dans la leçon, plus les élèves pénétreront profondément dans l'intention de l'auteur, plus il est probable qu'ils développeront des associations légitimes de vie personnelle. En conséquence, le processus d'interaction entre l'intention de l'auteur et la perception de l'auditeur sera plus complet et plus efficace.

Que signifie la musique dans la vie d’une personne ?

Depuis les temps les plus anciens, dont même les sciences humaines les plus méticuleuses ne sont pas capables d'établir, l'homme primitif a d'abord essayé, purement sensuel, de s'adapter, de s'adapter, de s'adapter aux rythmes et aux modes du monde rythmiquement changeant, en développement et sonore. . Ceci est enregistré dans les objets, mythes, légendes, contes les plus anciens. La même chose peut être observée aujourd'hui si vous observez attentivement comment un enfant se comporte et se sent littéralement dès les premières heures de sa vie. Il est intéressant de constater soudain que certains sons rendent l’enfant agité, anormal, agité au point de crier et de pleurer, tandis que d’autres le conduisent vers un état de paix, de calme et de satisfaction. Aujourd'hui, la science a prouvé que la vie musicalement rythmée, calme, mesurée, spirituellement riche et polyvalente de la future mère pendant la grossesse a un effet bénéfique sur le développement de l'embryon et son avenir esthétique.

Une personne « germe » très lentement et progressivement dans le monde des sons, des couleurs, des mouvements, de la plasticité, comprenant l'ensemble du monde multiforme et infiniment diversifié afin de créer une forme figurative de reflet de ce monde dans sa conscience à travers l'art.

La musique, en elle-même, en tant que phénomène, est si forte qu'elle ne peut tout simplement pas passer inaperçue. Même si dans son enfance c'était une porte fermée pour lui, alors à l'adolescence il ouvre encore cette porte et s'engouffre dans la culture rock ou pop, où il se rassasie avidement de ce dont il a été privé : la possibilité d'un soi sauvage, barbare, mais authentique. -expression. Mais le choc qu’il subit en même temps n’aurait peut-être pas eu lieu – dans le cas d’un « passé musical prospère ».

Ainsi, la musique recèle un énorme potentiel d’influence sur une personne, et cette influence peut être contrôlée, comme cela a été le cas au cours de tous les siècles passés. Quand une personne considérait la musique comme un miracle donné pour communiquer avec le monde spirituel supérieur. Et il pouvait constamment communiquer avec ce miracle. Les services divins ont accompagné une personne tout au long de sa vie, l'ont nourrie spirituellement et en même temps l'ont éduquée et éduquée. Mais l’adoration est essentiellement constituée de paroles et de musique. Une immense culture du chant et de la danse est associée aux vacances agricoles du calendrier. La cérémonie de mariage en réfraction artistique est toute une science de la vie. Les danses rondes folkloriques enseignent la géométrie, favorisent la pensée spatiale, sans parler de la culture des rencontres, de la communication, de la cour, etc. L'épopée - et c'est de l'histoire - a été présentée musicalement.

Regardons les matières de l'école de la Grèce antique : logique, musique, mathématiques, gymnastique, rhétorique. C'était probablement suffisant pour élever une personne harmonieuse. Qu’en reste-t-il aujourd’hui, alors que nos programmes contiennent partout des paroles sur une personnalité harmonieuse ? Uniquement les mathématiques. Personne ne sait ce que sont la logique et la rhétorique à l’école. L'éducation physique n'a rien à voir avec la gymnastique. On ne sait pas non plus quoi faire de la musique. De nos jours, les cours de musique après la 5e année ne sont plus obligatoires ; à la discrétion de la direction de l'école, ils peuvent être remplacés par n'importe quelle matière « histoire de l'art ». Le plus souvent cela dépend de la disponibilité le bon professeur, et là où elle est, la musique est enseignée. Mais de nombreuses autres matières ont été ajoutées au programme scolaire, mais l'harmonie, la santé mentale et physique ont disparu.

Mais néanmoins, qu'est-ce que la musique en tant que phénomène pourrait apporter à une personne tout au long de sa vie - dès son plus jeune âge.

Le monstre dont l’enfant moderne doit être sauvé est l’environnement « tamponnant » de la culture de masse. Le standard de beauté est « Barbie », le standard « horreurs à glacer le sang », le standard de mode de vie... - que peut opposer la musique à cela ? Il est inutile et sans espoir de simplement « donner » à l’élève, comme alternative, des exemples d’une grande beauté et d’un mode de vie spirituel. Sans élever en lui une personne libre, capable de résister à la violence culturelle. Aucun nettoyage spirituel, aucune connaissance approfondie de la musique et de ses images complexes et contradictoires ne se produiront si les enfants lisent simplement des informations sur la musique (qui la comprend), sur les compositeurs, « accrochent à leurs oreilles » un ensemble d'œuvres musicales qui ont évidemment un effet fort. sur les émotions des enfants, mémorisez quelque chose de biographies de musiciens, de noms d'œuvres populaires, etc. procurez-vous un « ordinateur » pour résoudre des questions sur le « champ des miracles ».

Ainsi le sujet « musique » dans lycée(si cela existe) est mené par analogie avec d'autres sujets humanitaires - fournir plus d'informations, classer les phénomènes, donner des noms à tout...

Alors, comment pouvons-nous nous assurer que la haute et merveilleuse musique classique, ses meilleurs exemples, touche les cordes les plus profondes de l'âme et du cœur d'une personne, devienne accessible et compréhensible et aide, en tant que reflet de la réalité environnante, à comprendre cette réalité et soi-même. en complexe relations de vie.

Pour résoudre ce problème, l’enseignant ne dispose essentiellement que de deux canaux de communication avec l’élève : visuel et auditif. Sur la base de la vision, vous pouvez éduquer une personne libre et indépendante, claire et pensant clairement (par exemple, lors de la perception de peintures, de sculptures, de tableaux, d'aides visuelles, etc.). L'audition nous apparaît comme la porte principale du monde subconscient d'une personne vers son monde mobile - comme la musique ! - les âmes. C'est dans la renaissance des sons, dans leur courte vie, leur écoulement, leur mort, leur naissance. Et n'est-ce pas la musique qui sert à éduquer une personne profondément et subtilement, en toute liberté de sentiment ?

La pratique musicale commune - jouer dans un orchestre, dans un ensemble, chanter dans une chorale, performances musicales - résout parfaitement de nombreux problèmes psychologiques de communication : enfant timide peut-être qu'en participant à un tel spectacle musical, vous pourrez vous sentir au centre de la vie ; et un enfant créatif montrera son imagination dans la pratique. Les enfants sentent la valeur de chacun dans une cause commune.

L'orchestre est modèle artistique société. Les différents instruments d'un orchestre sont des personnes différentes qui, grâce à une compréhension mutuelle, parviennent à la paix et à l'harmonie. A travers l’image artistique se trouve la voie vers la compréhension des relations sociales. Différents instruments signifient différents peuples dans le monde. Ce sont différentes voix de phénomènes naturels qui se fondent dans tout un orchestre.

L’effet thérapeutique de jouer de la musique est étonnant ; les instruments de musique entre les mains d’une personne sont un psychothérapeute personnel. Jouer d'un instrument traite les troubles respiratoires, notamment l'asthme, désormais très répandu, les troubles de la coordination, les déficiences auditives, et enseigne la capacité de concentration et de détente indispensable à notre époque.

Ainsi, pendant les cours de musique, les enfants doivent constamment éprouver de la joie, qui fait bien entendu l’objet du soin attentif de l’enseignant. Vient ensuite progressivement un sentiment de satisfaction de l'objectif atteint, d'une communication intéressante avec la musique et de la joie du processus de travail lui-même. Et grâce à la réussite personnelle, la « sortie dans la société » s'ouvre : l'opportunité d'être enseignant - d'enseigner de la musique simple aux parents, sœurs, frères, unissant ainsi les relations familiales à travers des activités communes. Dans le passé, la force des relations familiales dépendait largement des activités partagées, qu'il s'agisse du travail ou des loisirs ; C'était le cas des familles paysannes, artisanales et propriétaires terriennes.

Existe-t-il aujourd’hui un autre sujet qui, au même titre que la musique, pourrait assumer la solution des problèmes ? la société moderne?

Et ce n’est sans doute pas un hasard si le ciel est toujours représenté musicalement : chœurs angéliques, trombones et harpes. Et ils parlent de l’ordre social idéal en langage musical : harmonie, harmonie, ordre.

La situation idéale est celle où toutes les possibilités de la musique seront demandées et acceptées par la société. Il est important que les gens réalisent que la musique est un idéal afin de faire des pas dans la direction de cet idéal.

Il faut vivre avec la musique, pas l'étudier. L’environnement sonore et musical lui-même commence à éduquer et à enseigner. Et une personne ne pourra finalement pas accepter qu’elle soit « musicale ».

Tête Laboratoire de musique de l'Institut de recherche des écoles de la région de Moscou Golovina estime que dans un cours de musique, cela devient d'une importance fondamentale : si l'enseignant réalise l'objectif principal de l'éducation - la découverte de la vie, la découverte de soi dans ce monde. Une leçon de musique consiste-t-elle simplement à maîtriser un autre type d'activité, ou est-ce une leçon qui forme le noyau moral d'une personne, qui repose sur le désir de beauté, de bonté, de vérité - ce qui élève une personne. Par conséquent, l’étudiant de la leçon est une personne qui recherche et acquiert constamment le sens de la vie sur terre.

La variété des activités musicales dans les cours n'est en aucun cas un indicateur de la profondeur de la vie spirituelle. De plus, l'activité musicale peut s'avérer totalement étrangère à l'activité spirituelle dans le sens où l'art peut agir pour les enfants comme un objet, uniquement comme une sorte de résultat créatif qui se propage vers l'extérieur sans revenir à lui-même. Il est donc absolument nécessaire que l'activité musicale ne devienne pas une fin en soi, mais que le contenu de l'art devienne le « contenu » de l'enfant, le travail spirituel devienne une activité franche de ses pensées et de ses sentiments. Ce n'est que dans ce cas que l'enseignant et l'enfant pourront trouver un sens personnel à l'art, et celui-ci deviendra véritablement un « sol » fertile pour cultiver le monde spirituel, pour trouver les meilleurs moyens d'expression morale. Il s’ensuit que la musique n’est pas l’éducation d’un musicien, mais d’une personne. La musique est la source et le sujet de la communication spirituelle. Il est nécessaire de s’efforcer d’élargir et d’approfondir la perception musicale holistique des écoliers, en tant que maîtrise spirituelle des œuvres d’art, en tant que communication avec les valeurs spirituelles ; développer l'intérêt pour la vie grâce à la passion pour la musique. La musique ne devrait pas être une leçon d’art, mais une leçon d’art, une leçon d’études humaines.

La pensée artistique et imaginative en classe doit être développée afin que l'enfant puisse regarder à sa manière les phénomènes et les processus du monde environnant dans son ensemble et ainsi ressentir plus profondément son monde spirituel. L'art est avant tout une telle organisation de moyens d'expression qui agit directement sur les sentiments et modifie ces sentiments. Le matériel artistique du cours offre un véritable cheminement au-delà de la musique vers les beaux-arts, la littérature, vers la vie et au-delà, à travers une réflexion sur le monde et le retour de l'enfant à lui-même, à son sens intérieur des valeurs, des relations, etc.

L'art musical, malgré toute sa spécificité unique, ne peut être maîtrisé de manière fructueuse sans le soutien d'autres types d'art, car ce n'est que dans leur unité organique que l'on peut connaître l'intégrité et l'unité du monde, l'universalité des lois de son développement dans toute la richesse des sensations sensorielles, la variété des sons, des couleurs et des mouvements.

Intégrité, imagerie, associativité, intonation, improvisation, telles sont les bases sur lesquelles peut se construire le processus d'initiation à la musique des écoliers.

Organisation éducation musicale sur la base des principes énoncés ci-dessus, il a un effet bénéfique sur le développement de la capacité de base d'une personne en pleine croissance - le développement de la pensée artistique et imaginative. Ceci est particulièrement important pour les jeunes écoliers, qui ont une plus grande prédisposition à comprendre le monde à travers les images.

Quelles techniques existent pour développer la pensée artistique et imaginative ?

Tout d'abord, le système de questions et de tâches qui contribuent à révéler aux enfants le contenu figuratif de l'art musical doit essentiellement constituer un dialogue et offrir aux enfants des possibilités de lectures créatives d'œuvres musicales. La question dans un cours de musique existe non seulement et pas tant sous une forme verticale (verbale), mais dans un geste, dans sa propre performance, dans la réaction de l'enseignant et des enfants face à la qualité de l'activité exécutive et créative. La question peut être exprimée à travers une comparaison d’œuvres musicales entre elles et à travers une comparaison d’œuvres musicales avec des œuvres d’autres types d’art. L'orientation de la question est importante : elle doit concentrer l'attention de l'enfant non pas sur l'isolement des moyens d'expression individuels (fort, calme, lent, rapide - il semble que tout enfant normal entend cela dans la musique), mais vers son monde intérieur. , en outre, à ses sentiments, pensées, réactions, impressions conscients et inconscients donnés dans son âme sous l'influence de la musique.

À cet égard, des questions des types suivants sont possibles :

Vous souvenez-vous de vos impressions reçues de cette musique lors de la dernière leçon ?

Qu'est-ce qui est le plus important dans une chanson, une musique ou des mots ?

Qu'est-ce qui est le plus important chez une personne : l'esprit ou le cœur ?

Qu’avez-vous ressenti lorsque cette musique a joué ?

Où cela pourrait-il sonner dans la vie, avec qui aimeriez-vous l'écouter ?

Qu’a vécu le compositeur lorsqu’il a écrit cette musique ? Quels sentiments voulait-il transmettre ?

Ce genre de musique a-t-il résonné dans votre âme ? Quand?

Quels événements de votre vie pourriez-vous associer à cette musique ?

Il est important non seulement de poser une question aux enfants, mais aussi d’entendre une réponse, souvent originale, non stéréotypée, car il n’y a rien de plus riche que les propos d’un enfant.

Et même s'il peut parfois y avoir des incohérences et des euphémismes, il y aura de l'individualité et une coloration personnelle - c'est ce que l'enseignant doit entendre et apprécier.

La technique pédagogique suivante est liée à l'organisation de l'activité musicale des enfants en classe comme un processus polyphonique. Son essence est de créer les conditions permettant à chaque enfant de lire la même image musicale en même temps, en fonction de sa vision, de son audition et de sa sensation individuelles de la musique qui sonne. Chez un enfant, cela évoque une réponse motrice et il exprime son état dans la plasticité du bras, du corps ou dans un mouvement de danse ; un autre exprime sa compréhension des images de la musique par le dessin, la couleur, la ligne ; le troisième chante, joue d'un instrument de musique, improvise ; et quelqu'un d'autre « ne fait rien », mais écoute simplement de manière réfléchie, attentivement (et en fait, c'est peut-être l'activité créatrice la plus sérieuse). Toute la sagesse de la stratégie pédagogique dans ce cas ne réside pas dans l'évaluation de qui est meilleur ou pire, mais dans la capacité de préserver cette diversité de manifestations créatives, d'encourager cette diversité. Le résultat que nous constatons n'est pas que tous les enfants ressentent, entendent et interprètent la musique de la même manière, mais que la perception qu'ont les enfants de la musique pendant la leçon prend la forme d'une « partition » artistique dans laquelle l'enfant a sa propre voix, individuelle. , unique, et y apporte son propre original.

Nous développons des connaissances sur l'art musical en modélisant le processus créatif. Les enfants sont mis dans la position d'un auteur (poète, compositeur), essayant de créer des œuvres d'art pour eux-mêmes et pour les autres. Les nombreuses variantes d’une telle organisation de la compréhension musicale sont évidentes. Le plus optimal semble être un dialogue musical-sémantique lorsque, allant de sens en sens, retraçant le développement de l'imagerie d'une œuvre, les enfants eux-mêmes « trouvent » les intonations nécessaires qui peuvent exprimer le plus clairement une pensée musicale. Avec cette approche, un morceau de musique n'est pas donné à l'enfant sous une forme toute faite, alors qu'il ne reste plus qu'à simplement le mémoriser, l'écouter et le répéter. Pour le développement artistique et imaginatif d’un enfant, il est bien plus précieux d’aborder une œuvre comme le résultat de sa propre créativité. Alors tout le contenu figuratif de la musique, toute l'organisation et la séquence du tissu musical deviennent « vécus », sélectionnés par les enfants eux-mêmes.

Il est nécessaire de souligner encore un point : les intonations que les enfants trouvent au cours de leur créativité ne doivent pas nécessairement être « ajustées » aussi près que possible de l’original de l’auteur. Il est important de se mettre dans l’ambiance, dans la sphère émotionnelle et figurative de l’œuvre. Ensuite, dans le contexte de ce que les enfants ont vécu, créé par eux-mêmes, l’original de l’auteur devient l’une des possibilités d’incarner l’un ou l’autre contenu de la vie exprimé dans une imagerie musicale donnée. Ainsi, les écoliers s'approchent d'une compréhension de la position philosophique et esthétique sur la possibilité de l'art d'assurer une communication spirituelle précisément par sa capacité unique lorsque, en présence d'un contenu de vie commun, il s'exprime dans une multiplicité d'interprétations, de performances et d'écoute. lectures.

Tout enseignant sait combien il est important et en même temps difficile de préparer les enfants à percevoir la musique. La pratique montre que les meilleurs résultats sont obtenus lorsque l'étape préparatoire à la perception de la musique répond aux exigences les plus importantes de la perception elle-même, lorsqu'elle est tout aussi vivante, imaginative et créative.

Les cours de musique, dispensés par Margarita Fedorovna Golovina, professeur émérite de l'école, sont des leçons de vie. Ses cours se distinguent par la volonté de « tendre la main à tout le monde » à tout prix ; vous faire réfléchir aux complexités de la vie, regarder en vous-même. La musique est un art particulier - trouver dans n'importe quel sujet du programme le noyau moral qui y est ancré, et le faire à un niveau accessible aux écoliers, sans compliquer le problème, mais, plus important encore, sans le simplifier. Golovine M.F. s'efforce de concentrer toutes les connaissances, capacités et compétences nécessaires sur les questions morales et esthétiques actuelles en fonction de l'âge et de l'expérience musicale des enfants, afin que les réflexions sur la musique soient véritablement des réflexions (comme dans L.A. Barenboim : « ... dans la langue grecque ancienne, le mot réfléchir signifie : portez-le toujours dans votre cœur...").

Dans les cours de Golovina, vous êtes convaincu de la pertinence de l'idée principale du nouveau programme - toute forme d'enseignement musical aux enfants doit viser à développer la perception de l'image musicale et, à travers elle, la perception des différents aspects de vie. En même temps, il est important que les enfants s'imprègnent le plus tôt possible du sentiment et de la conscience des spécificités de l'art musical, en tant qu'art expressif par nature. Golovine ne pose presque jamais la question : « Que représente cette musique ? Elle estime que la question agaçante : « Que représente la musique ? - suggère que la musique doit nécessairement représenter quelque chose, les habitue à une réflexion spécifique sur l'intrigue, à fantasmer sur l'accompagnement de la musique.

A partir de ces positions, Golovina accorde une grande attention au mot sur la musique ; il doit être brillant, imaginatif, mais extrêmement précis et subtil, afin que sans imposer à l'enfant son interprétation de l'œuvre, il puisse diriger habilement sa perception, son imagination, son fantasme créatif envers la musique, et non s'en éloigner : « J'avoue », dit T. Venderova, « plus d'une fois pendant les cours de Golovina, la pensée s'est posée : cela vaut-il la peine de consacrer autant de temps à découvrir ce que les étudiants ont entendu en musique. N’est-il pas plus facile de raconter soi-même le programme de la pièce et d’orienter la pensée musicale des enfants dans une direction strictement définie ? Oui, répondit Golovina, je me faciliterais sans aucun doute la vie en entourant la perception de la musique de toutes les riches informations liées au contenu et à l'histoire de la création musicale. Et je pense que je le ferais d'une manière lumineuse et excitante, pour que les gars écoutent. Bien entendu, tout cela sera nécessaire, mais pas maintenant. Parce que maintenant j'ai une autre tâche : voir à quel point les gars eux-mêmes sont capables d'entendre le contenu principal sans aucune explication dans la musique elle-même. J'ai besoin qu'ils le découvrent par eux-mêmes. Ils l’ont entendu dans la musique elle-même et n’ont pas intégré dans l’intrigue ce qu’ils connaissaient de l’histoire, qu’ils avaient vu à la télévision ou lu dans les livres. »

De plus, dès les premiers pas, vous devez enseigner un chant significatif et sincère. En observant ces moments des cours où ils apprenaient une chanson ou y travaillaient, écrit T. Venderovaa, on se souvient involontairement de leçons plus typiques, où l'idée de l'expressivité de la musique, du lien de la musique avec la vie, d'une manière ou d'une autre, s'évapore imperceptiblement avec le début d'un travail vocal et choral spécifique, semble devenir inutile, superflu. Golovin a la qualité d'un vrai musicien ; ils recherchaient une unité organique, artistique et technique, dans l'interprétation de la musique. De plus, les méthodes et techniques varient en fonction du travail, de l'âge des enfants et du sujet spécifique. «Je me suis éloignée il y a longtemps des notations rythmiques syllabiques», explique Golovina, «je crois qu'elles sont plus mécaniques, car conçu pour l'exécution de motifs rythmiques, dans lesquels soit il n'y a pas d'image musicale, soit la plus élémentaire, car toute la relativité initiale est construite sur l'élémentaire.

Golovina s'efforce de faire en sorte que les enfants « transmettent » n'importe quelle chanson. Nous devons rechercher des chansons qui nous révèlent les problèmes modernes, nous devons apprendre aux enfants et aux adolescents à penser et à réfléchir en chantant.

«J'essaie», dit Margarita Fedorovna, «de révéler aux enfants à quel point la vie elle-même est en constante évolution, capable de transformation, de mystère. S’il s’agit d’une véritable œuvre d’art, elle ne peut pas être pleinement comprise. Golovina essaie de faire tout ce qui est en son pouvoir : en tant que personne, professeur de musique, pour forcer les enfants à adhérer aux idéaux élevés, aux graves problèmes de la vie, aux chefs-d'œuvre de l'art. Les élèves de Margarita Fedorovna voient à quel point elle recherche un sens profond dans une œuvre d'art de tout genre. signification spirituelle. M.F. Golovina elle-même absorbe activement tout ce qui se passe autour d'elle et ne permet pas aux enfants de s'isoler dans le cadre de la leçon. Cela les amène à des comparaisons, des parallèles, des juxtapositions, sans lesquels il ne peut y avoir de compréhension du monde qui nous entoure et de soi-même. Cela éveille les pensées et remue l’âme. Elle semble elle-même incarner les étonnantes leçons de musique et de vie qu'elle donne aux enfants.

L. Vinogradov estime qu '«un professeur de musique doit être un spécialiste unique afin de révéler la musique à un enfant dans son intégrité». Que faut-il faire pour qu’un enfant développe réellement une compréhension holistique de la musique ?

La musique a des lois générales : mouvement, rythme, mélodie, harmonie, forme, orchestration et bien d'autres liées à la compréhension générale de ce qu'est la musique. Maîtrisant ces lois, l'enfant passe du général au particulier, aux œuvres spécifiques et à leurs auteurs. Et le professeur de musique le guide pas à pas sur le chemin. Il est donc nécessaire de construire le processus éducatif non pas du spécifique au général, mais vice versa. Et ne parlez pas de musique, mais faites-la, construisez-la, ne l'apprenez pas, mais créez la vôtre sur un élément séparé. Ici, il convient d'accomplir la volonté des grands musiciens : il faut d'abord faire de l'enfant un musicien, et ensuite seulement il faut se familiariser avec l'instrument. Mais tous les enfants peuvent-ils devenir musiciens ? Oui, c’est possible et cela devrait être le cas. V. Hugo a parlé de trois « langues » de la culture : la langue des lettres, des chiffres et des notes. Désormais, tout le monde est convaincu que tout le monde sait lire et compter. Le moment est venu, dit Lev Viatcheslavovitch Vinogradov, de faire en sorte que chacun puisse devenir musicien. Car la musique, en tant que sujet esthétique, n'a pas été formée pour quelques privilégiés, mais pour tout le monde, cependant, pour devenir vraiment musical, il faut quelque chose de spécial, qu'on appelle un sentiment musical ;

Le célèbre pianiste russe A. Rubinstein a joué avec beaucoup de succès à tous ses concerts, même lorsqu'il y avait des défauts dans son jeu, et des défauts très visibles. Un autre pianiste a également donné des concerts, mais avec moins de succès, même s'il a joué sans erreur. Le succès d'A. Rubinstein le hantait : « Peut-être s'agit-il uniquement des erreurs du grand maître ? - dit le pianiste. Et lors d'un concert, j'ai décidé de jouer avec des erreurs. Il a été hué. Rubinstein avait des erreurs, mais il avait aussi de la musique.

Une émotion positive est très importante lors de la perception de la musique. A Kirov, dans les ateliers de jouets fumants, on remarque que toutes les artisanes ont des visages agréables et lumineux (même si leurs conditions de travail laissent beaucoup à désirer). Ils répondent qu'en s'approchant déjà des ateliers, ils se préparent à des émotions positives, car on ne peut pas tromper l'argile, si on l'écrase de mauvaise humeur, le jouet se révélera dégoûtant, défectueux, mauvais. C'est la même chose avec un enfant. Un regard sévère et un visage insatisfait d'un adulte ne lui donnent pas une bonne humeur.

Un enfant, tourmenté par ses parents, ses enseignants et d'autres adultes, arrive en classe de mauvaise humeur. Pour ce faire, il doit se « décharger ». Et seulement après avoir déchargé, calmez-vous et passez aux vraies affaires. Mais les enfants ont un moyen de sortir de cette situation. Et cette sortie doit être organisée par un adulte. « En classe, je joue toutes ces situations avec les enfants », écrit L. Vinogradov. Par exemple, cracher est indécent et l'enfant le sait. Mais dans notre leçon, je dois faire cela comme un exercice de respiration. (On crache « à sec », bien sûr). En classe, il peut le faire sans crainte. Il peut crier et siffler autant qu’il le souhaite, mâcher, aboyer, hurler et bien plus encore. Et L. Vinogradov utilise tout cela à dessein, au profit de la leçon, pour une communication complète avec la musique, pour sa perception holistique.

L. Vinogradov considère également l'organisation rythmique du corps humain comme très importante. L'organisation rythmique est la dextérité, la coordination, la commodité. Il est plus facile d'apprendre dans ces conditions. L. Vinogradov propose également aux enfants, par exemple, des tâches : représenter avec leur corps comment les feuilles tombent. "Ou", dit Vinogradov, "nous lavons le sol, observant ce qui arrive au chiffon, comment il se plie, comment il est essoré, comment l'eau en coule, etc., puis nous représentons... un chiffon de sol. " » La pantomime est largement utilisée dans les cours avec des enfants, c'est-à-dire Les enfants ont pour tâche de représenter une sorte de situation de vie(prendre un fil et une aiguille et coudre un bouton, etc.). Beaucoup d’enfants s’en sortent très bien. Et cela sera démontré par un enfant qui a eu une maigre expérience de vie, limité dans les actions objectives ? Si son corps bouge peu, alors sa pensée est paresseuse. La pantomime est intéressante et utile pour les enfants de tout âge, en particulier ceux qui ont une faible imagination. Le système pédagogique de Vinogradov aide les enfants à pénétrer plus profondément dans les « secrets » de la musique.

La préparation à la perception de la musique peut s'effectuer sous différentes formes. Arrêtons-nous plus en détail sur la préparation de la perception d'une image musicale comme image d'un autre art.

La tendance à la préparation figurative à la perception de la musique se manifeste le plus clairement lorsque cette préparation s'appuie sur l'image d'un autre art. Des parallèles tels que l'histoire de K. Paustovsky « Le vieux cuisinier » et la deuxième partie de la symphonie « Jupiter » de V. Mozart, le tableau de V. Vasnetsov « Bogatyrs » et « La Symphonie héroïque » de A. Borodine, le le tableau de Perov « Troïka » et le roman de Moussorgski « L'Orphelin » .

Préparer la perception d'une image musicale avec l'image d'un autre art présente un certain nombre d'avantages indéniables : cela prépare les enfants à une perception vivante et imaginative de la musique, forme des associations artistiques, ce qui est très important lors de la perception de tout art, y compris la musique. Préparer la perception d'une image musicale par l'image d'un autre art ne devrait pas avoir la nature d'un programme de perception ultérieure de la musique. Une histoire lue avant d’écouter de la musique ne la raconte pas, tout comme la musique jouée après une histoire ne suit pas la répétition de l’histoire. Une image montrée avant d’écouter de la musique ne peint pas la musique, tout comme la musique jouée après avoir visionné une image ne peint pas l’image. Souvenez-vous du génial «Trinité» d'A. Rublev. Trois personnes sont assises sur trois côtés du trône avec un repas sacrificiel. Le quatrième côté du trône est vide, il nous fait face. "...Et j'entrerai chez celui qui a créé pour moi et je dînerai avec lui, et lui avec moi." La nature de l’entrée d’un enfant dans la musique dans une école polyvalente doit être la même : de l’intonation du mot (« Au commencement était le mot ») jusqu’à la structure intonationnelle de la musique, jusqu’à son noyau, jusqu’à image principale image. Et là, en elle, essayez de révéler votre âme. Il ne s’agit pas d’une étude musicologique professionnelle, qui ne décompose pas un morceau de musique en termes et lignes de titre, mais d’une perception holistique de celui-ci. Compréhension de la musique et conscience de la façon dont vous, exactement vous, pouvez décider problèmes éternels l'existence humaine : le bien et le mal, l'amour et la trahison. Parce qu’il s’adresse à vous et qu’il y a une place pour vous. «Et j'irai vers celui qui m'a créé.»

L'expérience montre qu'un écart culturel assez grave pour les enfants de la 5e à la 7e année est le manque de fondements de la pensée historique et musicale. Les écoliers n'ont pas toujours une idée assez claire de la séquence historique de naissance de certains chefs-d'œuvre musicaux ; ils manquent souvent d'historicisme dans la compilation de phénomènes connexes dans la musique, la littérature et la peinture, bien que le programme moderne permette à l'enseignant de faire des liens interdisciplinaires plus profonds que dans d'autres disciplines des sciences humaines, pour montrer la parenté interne entre la musique et les autres arts.

À cet égard, je voudrais vous rappeler que la musique en tant que forme d'art s'est développée historiquement avec d'autres types d'activités artistiques, notamment la danse, le théâtre, la littérature, et de nos jours - le cinéma, etc. Toutes les relations avec d'autres types d'art sont génétique et le rôle dans le système culture artistique- synthétiser, comme en témoignent de nombreux genres musicaux, principalement l'opéra, la romance, le programme symphonique, la comédie musicale, etc. Ces caractéristiques de la musique offrent de nombreuses possibilités de l'étudier par époque, style et diverses écoles nationales dans le contexte de l'ensemble de la culture artistique et de son développement historique.

Il semble important qu'à travers la perception, la compréhension et l'analyse des images musicales elles-mêmes, les écoliers développent des associations avec d'autres types d'art, basées sur le développement historique de la culture artistique. La voie à suivre, explique L. Shevchuk, professeur de musique à l'école. Université d'État n° 622 de Moscou, - dans des activités parascolaires spécialement organisées.

Il est nécessaire que le travail extrascolaire soit structuré de telle manière que les images de la culture artistique du passé soient perçues par les enfants non pas de manière « photographique plate », mais de manière tridimensionnelle, dans leur logique interne. J'aimerais que les enfants ressentent les particularités de la pensée artistique d'une époque particulière, dans le contexte de laquelle des œuvres d'art musical, de poésie, de peinture et de théâtre ont été créées.

Les principales techniques méthodologiques de ce « Voyage » étaient au nombre de deux. Il faut d’abord « s’immerger dans l’époque, dans l’histoire, dans l’atmosphère spirituelle propice à la naissance des grandes œuvres d’art. Deuxièmement, il faut aussi revenir à la modernité, à nos jours, c'est-à-dire une actualisation bien connue du contenu des œuvres des époques passées dans la culture moderne et universelle.

Par exemple, vous pouvez organiser un voyage dans « l’ancienne Kiev ». Le matériel artistique comprenait des épopées, des reproductions d'anciennes églises de Kiev, des sonneries de cloches et des enregistrements d'extraits de chants monophoniques de bannières. Le scénario de la leçon comprenait 3 parties : premièrement, une histoire sur la culture russe du début du Moyen Âge, sur une église chrétienne et son architecture unique, sur la sonnerie des cloches et le chant choral, sur l'importance de la place de la ville, où les conteurs - guslars ont interprété leurs épopées et leur folklore. des jeux portant l'empreinte du culte du paganisme. Durant cette partie du cours, des chants de Noël sont joués, que les enfants chantent ensuite en chœur. La deuxième partie est consacrée aux épopées. On dit qu’il s’agit de chansons sur l’Antiquité (communément appelée antiquité), apparues il y a très longtemps et transmises de bouche à oreille. Beaucoup ont pris forme dans la Russie kiévienne. Les gars ont lu des extraits de leurs épopées préférées et de Sviatogor, Dobrynya, Ilya Muromets et d'autres. Le dernier fragment du « Voyage » s'appelle « La Rus antique à travers les yeux d'artistes d'autres époques ». Voici des extraits des « Vêpres » de S. Rachmaninov, « Chimes » de A. Gavrilin et des reproductions de V. Vasnetsov et N. Roerich sont utilisés.

L’art est né à l’aube de la civilisation comme reflet des sentiments et des pensées humaines. La vie elle-même en était la source. L’homme était entouré d’un monde immense et diversifié. Les événements qui se sont produits ont influencé son caractère et son mode de vie. L'art n'a jamais existé séparément de la vie, n'a pas été quelque chose d'illusoire, il se confond avec le langage des gens, leurs coutumes et leurs caractéristiques capricieuses.

Dès le premier cours de CP, nous réfléchissons à la place de la musique dans la vie des gens, à sa capacité à refléter les états les plus insaisissables. l'âme humaine. Chaque année, les enfants perçoivent de plus en plus profondément le monde de la musique, plein de sentiments et des images. Et quels sentiments une personne éprouve-t-elle lorsqu'elle se coud un costume, le décore de broderies, construit une maison et compose un conte de fées ? Ces sentiments de joie ou de profonde tristesse et tristesse peuvent-ils s'exprimer dans les produits en dentelle et en argile ? La musique, en tant que reflet de la vie dans toutes ses manifestations, peut-elle exprimer ces mêmes sentiments et transformer un événement historique en épopée, chanson, opéra, cantate ?

Les Russes ont toujours aimé fabriquer des jouets en bois. Les origines de tout artisanat remontent à l'Antiquité et nous ne savons pas qui a été le premier à créer le jouet qui a donné naissance à l'artisanat « Sculpture de Bogorodskaya ». En Russie, tous les garçons sculptaient du bois, il y en avait partout - la main elle-même se tendait. Peut-être que l'artisan a servi longtemps dans l'armée et, de retour à l'âge adulte, a commencé à fabriquer des jouets amusants pour le plus grand plaisir des enfants du quartier et, bien sûr, la vie s'y reflétait. Ainsi, la chanson « Soldiers » avec des mouvements mélodiques larges et rapides et un rythme fort brillant fait écho à la manière brutale et pointue de sculpter un soldat en bois. Cette comparaison permet de mieux comprendre la force, le savoir-faire, la fermeté du caractère russe et les origines de la musique.

Des caractéristiques précises, lumineuses et concises dans la leçon, un matériel visuel intéressant aideront à montrer aux enfants que la musique russe et la musique d'autres peuples sont étroitement liées à la vie. La musique reflète la vie, la nature, les coutumes, les événements historiques, les sentiments et les humeurs.

Selon la tradition, chacun des arts est enseigné séparément aux écoliers, vaguement lié à leurs connaissances générales, leurs idées et leurs activités. La théorie générale de l’éducation artistique et de la formation de la personnalité d’un enfant sous l’influence des arts, y compris dans le processus de leur interaction, est également peu développée.

Les techniques méthodologiques développées sont davantage destinées au professionnalisme artistique qu'au développement de la pensée imaginative et de la perception sensorielle du monde environnant. Mais Experience de recherche« et ma propre pratique », écrit Yu. Antonov, enseignant au laboratoire scolaire de l'association créative lituanienne pour enfants « Muse », « confirme que se concentrer sur un professionnalisme étroit ne contribue pas au développement de la pensée créative des enfants, en particulier au niveau début de leur scolarité.

À cet égard, est née l’idée de créer une structure où l’art, mené par la musique et les arts visuels, interagissent. Les cours étaient dispensés de telle manière que le cœur de tout travail était la musique, son contenu, sa coloration émotionnelle et la gamme de ses images. C'était la musique qui donnait une impulsion à l'inventivité et à la plasticité ; elle traduisait l'état des personnages. Les cours comprenaient différents types de créativité artistique, du graphisme et de la peinture à la chorégraphie et à la représentation théâtrale.

Comme les gars eux-mêmes l'ont dit plus tard, écrit Yu. Antonov, l'accent mis sur l'expression du contenu en lignes et en couleurs les a mobilisés pour écouter différemment, et par la suite la même musique en mouvement s'est exprimée plus facilement et plus librement.

L. Bural, professeur à l'École de musique pour enfants, réfléchit sur la communauté artistique, écrit : « J'ai réalisé qu'il est très important de réfléchir à la présentation du matériel. Parfois, il convient d’insérer un mot poétique à la place d’une conversation ou d’une analyse, mais ce mot doit être très précis, en accord avec le thème, et ne pas distraire ou éloigner la musique.

K. Ushinsky a fait valoir qu'un enseignant qui souhaite imprimer fermement quelque chose dans l'esprit des enfants doit s'assurer que le plus de sens possible participent à l'acte de mémorisation.

De nombreux enseignants utilisent des photographies et des reproductions d’œuvres d’art lors des cours de musique à l’école. Mais ils se souviennent tous que la perception de l'image, la réponse émotionnelle dans l'âme de chaque enfant dépendent de la manière dont l'enseignant présente la reproduction ou le portrait du compositeur, dans quel format, couleur et sous quelle forme esthétique. Une reproduction en désordre, en mauvais état, avec des bords pliés, effilochés ou un texte translucide n'évoquera pas la bonne réponse. verso, des taches grasses...

La combinaison de musique, de poésie et d’arts visuels offre à l’enseignant des possibilités infinies de rendre la leçon amusante et intéressante pour les élèves.

Vous pouvez utiliser, par exemple, lors de l'étude de l'œuvre d'A. Beethoven, les vers du poème Vs. Rojdestvenski :

D'où lui viennent ces sons sombres ?

À travers un épais voile de surdité ?

Un mélange de tendresse et de tourment,

S'intégrer dans une partition !

Toucher les bonnes touches avec la patte d'un lion

Et secouant sa crinière épaisse,

Joué sans entendre une seule note

En pleine nuit, la pièce est vide.

Les heures coulaient et les bougies s'éteignaient,

Il y avait du courage pour défier le destin

Et il est toute la conscience du tourment humain

Je me suis seulement dit !

Et il s'est convaincu et a cru avec force,

Quant à ceux qui sont seuls au monde,

Il y a une certaine lumière, qui n'est pas née en vain,

Et la musique est la clé de l'immortalité !

Un grand cœur bruisse et craque

Menez votre conversation à moitié endormi,

Et ils entendirent des tilleuls par la fenêtre ouverte

Tout ce qu'il n'a pas entendu.

La lune s'élève plus haut au-dessus de la ville

Et ce n'est pas lui qui est sourd, mais ce monde qui l'entoure,

Qui n'entend pas des choses comme la musique,

Né dans le bonheur et dans le creuset des tourments !

S.V. Rachmaninov est propriétaire d'un talent remarquable de compositeur et d'un puissant talent d'artiste-interprète : pianiste et chef d'orchestre.

L'image créative de Rachmaninov est multiforme. Sa musique porte un riche contenu de vie. Il y a des images de paix spirituelle profonde, éclairées par un sentiment lumineux et affectueux, plein de lyrisme tendre et cristallin. Et en même temps, nombre d’œuvres de Rachmaninov sont remplies d’un drame aigu ; ici, vous pouvez entendre une mélancolie sourde et douloureuse, vous pouvez ressentir l'inévitabilité d'événements tragiques et terribles.

Des contrastes aussi marqués ne sont pas le fruit du hasard. Rachmaninov était un représentant des tendances romantiques, largement caractéristiques de l'art russe de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. L'art de Rachmaninov se caractérise par une exaltation émotionnelle, que Blok définit comme « un désir avide de vivre une vie décuplée... » Les caractéristiques de la créativité de Rachmaninov sont enracinées dans la complexité et la tension de la langue russe. vie publique, dans les énormes bouleversements qu’a connu le pays au cours des 20 dernières années avant la Révolution d’Octobre. Les facteurs déterminants de la vision du monde du compositeur étaient : d'une part, une soif passionnée de renouveau spirituel, l'espoir de changements futurs, une joyeuse anticipation de ceux-ci (qui était associée à la puissante montée de toutes les forces démocratiques de la société à la veille du années de la première révolution russe), et d'autre part, la prémonition d'un élément menaçant qui approche, l'élément de la révolution prolétarienne, dans son essence et sa signification historique incompréhensible pour la majorité de l'intelligentsia russe de l'époque. C’est entre 1905 et 1917 que les sentiments de malheur tragique ont commencé à devenir plus fréquents dans les œuvres de Rachmaninov... Je pense que dans le cœur des gens des générations récentes régnait un sentiment persistant de catastrophe ; - Blok a écrit à propos de cette époque.

Une place extrêmement importante dans l’œuvre de Rachmaninov appartient aux images de la Russie et de sa patrie. Caractère national la musique se manifeste dans un lien profond avec la chanson folklorique russe, avec la romance urbaine - la culture quotidienne de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, avec l'œuvre de Tchaïkovski et des compositeurs de la « Grande Poignée ». La musique de Rachmaninov reflétait la poésie des paroles de chansons folkloriques, des images d'épopée populaire, des éléments orientaux et des images de la nature russe. Cependant, il n'a presque pas utilisé de véritables thèmes folkloriques, mais les a seulement développés de manière extrêmement libre et créative.

Le talent de Rachmaninov est de nature lyrique. Le principe lyrique s'exprime principalement dans le rôle dominant d'une mélodie large et prolongée dans la nature. « La mélodie est la musique, la base principale de toute musique. « L’inventivité mélodique, au sens le plus élevé du terme, est l’objectif principal du compositeur », affirmait Rachmaninov.

L'art de Rachmaninov en tant qu'interprète est une véritable créativité. Il introduisait inévitablement quelque chose de nouveau, le sien, celui de Rachmaninov, dans la musique d’autres auteurs. Mélodie, puissance et plénitude du « chant », telles sont les premières impressions de son piano. La mélodie règne sur tout. Nous ne sommes pas frappés par sa mémoire, non par ses doigts, qui ne manquent pas un seul détail de l'ensemble, mais par l'ensemble, par ces images inspirées qu'il nous restitue. Sa technique gigantesque, sa virtuosité ne servent qu’à clarifier ces images », c’est ainsi que son ami le compositeur N.K Medtner a caractérisé profondément et correctement l’essence de l’art pianistique de Rachmaninov.

Les œuvres pour piano et voix du compositeur furent les premières à être reconnues et devenues célèbres, et bien plus tard les œuvres symphoniques.

Les romances de Rachmaninov rivalisent en popularité avec ses œuvres pour piano. Rachmaninov a écrit environ 80 romans basés sur des textes de poètes lyriques russes de la seconde moitié du XIXe siècle et du tournant du XXe siècle, et seulement un peu plus d'une douzaine basés sur les paroles de poètes de la première moitié du XIXe siècle. (Pouchkine, Koltsov, Shevchenko en traduction russe).

« Lilas » (paroles de E. Beketova) est l’une des perles les plus précieuses des paroles de Rachmaninov. La musique de cette romance est marquée par un naturel et une simplicité exceptionnels, une fusion remarquable de sentiments lyriques et d'images de la nature, exprimée à travers de subtils éléments musicaux et picturaux. L'ensemble du tissu musical de la romance est mélodieux, mélodique, les phrases vocales s'enchaînent naturellement les unes après les autres.

"Dans le silence de la nuit secrète" (paroles de A.A. Fet) - très image caractéristique paroles d'amour. Le ton dominant, sensuel et passionné, est déjà déterminé dans l'introduction instrumentale. La mélodie est mélodieuse et déclamatoire – expressive.

«Je suis tombé amoureux de ma tristesse» (vers de T. Shevchenko, traduits par A. N. Pleshcheev). Le contenu de la chanson est une romance

lié au thème du recrutement, et au style et au genre - aux lamentations. La mélodie est caractérisée par des tournures lugubres à la fin des phrases mélodiques et des chants dramatiques, quelque peu déchirants, aux points culminants. Cela renforce la proximité de la partie vocale avec la lamentation - les pleurs. Les accords arpégés de « Gusel » au début de la chanson soulignent son caractère folk

Franz Liszt (1811 - 1866) - un brillant compositeur et pianiste hongrois, le plus grand artiste et musicien du peuple hongrois. L'orientation progressiste et démocratique de l'activité créatrice de Liszt est en grande partie liée à la lutte de libération du peuple hongrois. La lutte de libération nationale du peuple contre le joug de la monarchie autrichienne. Fusionné avec la lutte contre le système féodal-propriétaire en Hongrie même. Mais la révolution de 1848-1849 fut vaincue et la Hongrie se retrouva à nouveau sous le joug de l'Autriche.

Une partie importante des œuvres de Franz Liszt utilise le folklore musical hongrois, distingué grande richesse et originalité. Les rythmes caractéristiques, les tournures modales et mélodiques, et même les véritables mélodies de la musique folklorique hongroise (principalement urbaine, comme les « verbunkos ») ont été mis en œuvre et traités de manière créative dans de nombreuses œuvres de Liszt, dans leurs images musicales. Liszt n’a pas eu à vivre longtemps en Hongrie même. Ses activités se sont principalement déroulées en dehors de son pays d'origine - en France, en Allemagne et en Italie, où il a joué un rôle exceptionnel dans le développement d'une culture musicale avancée.

Le lien étroit de Liszt avec la Hongrie est attesté par son livre sur la musique des gitans hongrois, ainsi que par le fait que Liszt a été nommé premier président de l'académie nationale de musique de Budapest.

L’incohérence de l’œuvre de Liszt est née du désir d’une imagerie programmatique et concrète de la musique, d’une part, et parfois de l’abstraction de la résolution de ce problème, d’autre part. En d’autres termes, la nature programmatique de certaines œuvres de Liszt était de nature abstraite et philosophique (le poème symphonique « Idéaux »).

Une étonnante polyvalence caractérise les activités créatives, musicales et sociales de Liszt : un brillant pianiste qui appartenait aux plus grands interprètes du XIXe siècle ; grand compositeur; figure sociale et musicale et organisatrice, qui s'est tenue à la tête du mouvement progressiste dans l'art musical, luttant pour la musique à programme contre un art sans principes ; professeur - éducateur de toute une galaxie de merveilleux musiciens - pianistes ; écrivain, critique musical et publiciste qui s'est élevé avec audace contre la position humiliante des artistes dans la société bourgeoise ; chef d'orchestre - tel est Liszt, un homme et un artiste dont l'apparence créatrice et l'intense activité artistique représentent l'un des phénomènes les plus marquants de l'art musical du XIXe siècle.

Parmi la grande variété des œuvres pour piano de Liszt, l'une des places les plus importantes est occupée par ses 19 rhapsodies, qui sont des arrangements virtuoses et des fantaisies sur les thèmes des chants et des danses folkloriques hongroises et tsiganes. Les Rhapsodies hongroises de Liszt répondaient objectivement à la croissance de la conscience nationale du peuple hongrois au cours de sa lutte pour l'indépendance nationale. C’est leur démocratie, c’est la raison de leur popularité en Hongrie et à l’étranger.

Dans la plupart des cas, chaque rhapsodie de Liszt contient deux thèmes contrastés, se développant souvent en variations. De nombreuses rhapsodies se caractérisent par une augmentation progressive de la dynamique et du tempo : un thème passionnément récitatif et de nature significative se transforme en une danse qui s'accélère progressivement et se termine par une danse violente, rapide et enflammée. Il s'agit notamment des 2e et 6e rhapsodies. Dans de nombreuses techniques de textures pianistiques (répétitions, sauts, divers types d'arpèges et figurations), Liszt reproduit les sonorités caractéristiques des instruments folkloriques hongrois.

La Deuxième Rhapsodie fait partie des œuvres les plus caractéristiques et les meilleures de ce genre. Une courte introduction récitative et improvisée introduit le monde des images lumineuses et colorées de la vie populaire qui constituent le contenu de la rhapsodie. Les appoggiatures sont des sons caractéristiques de la musique folklorique hongroise et qui rappellent le chant des chanteurs-conteurs. Les accords d'accompagnement avec des notes d'agrément reproduisent le tintement des cordes des instruments folkloriques. L'introduction entre dans le foie avec des éléments de danse, qui se transforme ensuite en une danse légère avec développement de variations.

La sixième rhapsodie se compose de quatre sections clairement délimitées. La première section est une marche hongroise et a le caractère d'une procession solennelle. La deuxième section de la rhapsodie est une danse rapide, animée par des syncones toutes les quatre mesures. La troisième section - improvisation chantée et récitative, reproduisant le chant des chanteurs - conteurs, munie d'appoggiatures et richement ornée - se distingue par un rythme libre, une abondance de points d'orgue et de passages virtuoses. La quatrième section est une danse rapide, dressant un tableau du plaisir folklorique.

A.D. Chostakovitch est l’un des plus grands compositeurs de notre époque.

La musique de Chostakovitch se distingue par la profondeur et la richesse de son contenu figuratif. Le vaste monde intérieur d'une personne avec ses pensées et ses aspirations, ses doutes, une personne luttant contre la violence et le mal - tel est le thème principal de Chostakovitch, incarné de diverses manières à la fois dans des œuvres lyriques et philosophiques générales et dans des œuvres au contenu historique spécifique.

L’éventail des genres de l’œuvre de Chostakovitch est vaste. Il est l'auteur de symphonies et d'ensembles instrumentaux, de formes vocales de grande envergure et de chambre, d'œuvres musicales et scéniques, de musiques de cinéma et de productions théâtrales.

Quelle que soit la maîtrise de Chostakovitch dans le domaine vocal, la base de l’œuvre du compositeur reste la musique instrumentale, et surtout la symphonie. L'énorme échelle de contenu, la généralité de la pensée, la gravité des conflits (sociaux ou psychologiques), le dynamisme et la logique stricte du développement de la pensée musicale - tout cela détermine l'apparence de Chostakovitch en tant que compositeur-symphoniste.

Chostakovitch se caractérise par des originalité artistique. Les moyens du style polyphonique jouent un grand rôle dans sa réflexion. Mais l'expressivité de constructions constructivement claires de nature homophonique-harmonique est tout aussi importante pour le compositeur. La symphonie de Chostakovitch, avec son profond contenu philosophique et psychologique et son drame intense, poursuit la lignée du symphonisme de Tchaïkovski ; les genres vocaux, avec leur relief scénique, développent les principes de Moussorgski.

L'échelle idéologique de la créativité, l'activité de la pensée de l'auteur, quel que soit le sujet abordé - en tout cela, le compositeur ressemblait aux préceptes des classiques russes.

Sa musique se caractérise par un journalisme ouvert et des thèmes d'actualité. Chostakovitch s'est appuyé sur meilleures traditions culture nationale et étrangère du passé. Ainsi, ses images de lutte héroïque remontent à Beethoven, images de réflexion sublime, de beauté morale et de persévérance - J.-S Bach, images sincères et lyriques de Tchaïkovski. Il s'est rapproché de Moussorgski par la méthode consistant à créer des personnages folkloriques réalistes et des scènes populaires aux proportions tragiques.

La Symphonie n°5 (1937) occupe une place particulière dans l’œuvre du compositeur. Cela marque le début d’une période de maturité. La symphonie se distingue par la profondeur et l'exhaustivité du concept philosophique et par la maturité de sa maîtrise. Au centre de la symphonie se trouve une personne, avec toutes ses expériences. La complexité du monde intérieur du héros a également provoqué une vaste gamme de contenus dans la symphonie : de la réflexion philosophique aux esquisses de genre, du pathétique tragique au grotesque. En général, la symphonie montre le chemin du héros depuis une attitude tragique en passant par la lutte jusqu'à l'affirmation de la joie de vivre en passant par la lutte jusqu'à l'affirmation de la joie de vivre. Dans les parties I et III, il y a des images lyriques et psychologiques qui révèlent le drame des expériences internes. La deuxième partie passe à une autre sphère : c’est une blague, un jeu. La quatrième partie est perçue comme un triomphe de lumière et de joie.

Partie I. La partie principale transmet une pensée profonde et concentrée. Le thème est interprété canoniquement, chaque intonation acquiert une signification et une expressivité particulières. La fête secondaire est un contenu serein et une expression de rêves. Ainsi, dans l’exposition, il n’y a pas de comparaison contrastée entre les partis principaux et secondaires. Le conflit principal de la première partie est présenté dans une comparaison entre exposition et développement, qui reflète l'image de la lutte.

La deuxième partie est un scherzo ludique et humoristique. Le rôle de la deuxième partie contraste avec le drame complexe de la première partie. Il s'appuie sur des images quotidiennes qui s'estompent rapidement et est perçu comme un carnaval de masques.

La troisième partie exprime des images lyriques et psychologiques. Il n'y a pas ici de conflit entre une personne et une force qui lui est hostile. La partie principale exprime une liberté concentrée - c'est l'incarnation du thème de la Patrie en musique, glorifiant l'enceinte poétique de la nature indigène. Le jeu parallèle dépeint la beauté de la vie autour d’une personne.

Le final. Il est perçu comme le développement de toute la symphonie, grâce auquel le triomphe de la lumière et de la joie est atteint. La partie principale a un caractère de marche et sonne puissante et rapide. La partie latérale sonne comme un hymne à la respiration large. La coda est une apothéose solennelle et majestueuse.

« En explorant le processus d'apprentissage de la musique en tant que problème pédagogique, nous sommes arrivés à la conclusion », écrit A. Pilychausk dans son article « La connaissance de la musique en tant que problème pédagogique », « que l'objectif déclaré - éduquer une personne - doit répondre à un type particulier de connaissance d'une œuvre musicale, que nous appelions connaissance artistique" Ses caractéristiques sont plus clairement mises en évidence par rapport à d’autres types de communication musicale plus familiers.

Traditionnellement, plusieurs types de connaissances musicales se sont développés. Les partisans de l'approche scientifique, musicale et théorique de la musique voient la tâche principale dans l'éducation d'une personne possédant des connaissances sur l'aspect structurel de l'œuvre, la forme musicale dans dans un sens large mots (construction, moyens expressifs) et développement de compétences pertinentes. En même temps, dans la pratique, le sens de la forme est souvent absolutisé ; elle devient en réalité l'objet principal de la cognition, un objet également difficile à percevoir à l'oreille. Cette approche est typique des professionnels les établissements d'enseignement et les écoles de musique pour enfants, mais ses « échos » se font également sentir dans les recommandations méthodologiques destinées aux écoles secondaires.

Un autre type de cognition est considéré comme plus adapté aux non-professionnels : simplement écouter de la musique et profiter de sa beauté. En effet, c’est exactement ce qui arrive souvent lorsqu’on communique avec la musique dans une salle de concert, si le « vocabulaire intonationnel » de l’auditeur correspond à la structure intonative de l’œuvre. Le plus souvent, ce type de cognition est typique d'un public qui aime déjà la musique sérieuse (d'un style, d'une époque ou d'une région spécifique). Appelons cela une cognition amateur conditionnellement passive.

Dans les cours de musique des écoles secondaires, la cognition amateur active est le plus souvent pratiquée, lorsque la tâche principale est de déterminer « l'ambiance » de la musique, son caractère, ainsi qu'une modeste tentative de comprendre les moyens d'expression. Comme le montre la pratique, les écoliers s'ennuient vite des déclarations stéréotypées sur « l'ambiance » de la musique et utilisent souvent des caractéristiques standard sans même écouter l'œuvre.

L’essentiel est que tous ces types de connaissances ne sont pas capables d’influencer directement la personnalité de l’étudiant, ni esthétiquement ni moralement. En fait, de quel impact pédagogique ciblé de la musique peut-on parler dans le cas où la conscience de la forme d'une œuvre ou des caractéristiques de son ambiance passe au premier plan ?

Dans la connaissance artistique de la musique, la tâche de l'étudiant (auditeur ou interprète) est différente : comprendre les émotions et les pensées qui leur sont sympathiques qui surgissent en lui au cours du processus de communication avec la musique. Autrement dit, dans la compréhension du sens personnel de l’œuvre.

Cette approche de la musique active les activités des élèves et renforce la motivation significative de cette activité.

Le processus de perception d'une image musicale est facilité non seulement par la connexion avec d'autres formes d'art, mais aussi par la parole poétique vivante de l'enseignant.

"Le mot ne pourra jamais expliquer pleinement toute la profondeur de la musique", a écrit V.A. Sukhomlinsky, "mais sans le mot, il est impossible de se rapprocher de cette sphère subtile de la connaissance des sentiments".

Tous les mots n’aident pas l’auditeur. L'une des exigences les plus importantes d'une déclaration d'ouverture peut être formulée comme suit : aide mot artistique- brillant, émotif, imaginatif.

Il est très important que l'enseignant trouve la bonne intonation pour chaque conversation spécifique. Il est impossible de parler avec la même intonation de l'héroïsme de L. Beethoven et des paroles de P. Tchaïkovski, des éléments de danse de la musique de A. Khachaturian et de l'esprit de marche joyeux de I. Dunaevsky. Dans le bâtiment une certaine humeur avoir des expressions faciales, des gestes et même la posture expressifs de l’enseignant. Ainsi, le mot d’introduction de l’enseignant doit être précisément le mot d’introduction, menant à la perception principale de la musique.

Dans le livre « Comment enseigner la musique aux enfants ? » D.B. Kabalevsky écrit qu'avant d'écouter, il ne faut pas aborder en détail la pièce qui sera interprétée. Il est plus important de mettre l’auditeur sur une certaine longueur d’onde avec une histoire sur l’époque, sur le compositeur ou sur l’histoire de l’œuvre, sur ce que Dmitri Borissovitch appelle « la biographie de l’œuvre ». Une telle conversation crée immédiatement l’ambiance nécessaire pour percevoir l’ensemble plutôt que des moments individuels. Des attentes et des hypothèses surgiront. Ces hypothèses régiront la perception ultérieure. Ils peuvent être confirmés, partiellement modifiés, voire rejetés, mais dans tous ces cas, la perception sera holistique, émotionnelle et sémantique.

Lors d'une des conférences consacrées à la synthèse des expériences de travail en musique, une proposition a été faite : avant d'écouter nouvelle musique initier les élèves (collèges et lycées) au matériel musical de base, analyser les moyens d'expression musicale.

Il a également été proposé de confier aux étudiants des tâches spécifiques avant l'écoute : suivre l'évolution d'un sujet précis, suivre l'évolution d'un moyen d'expression particulier. Les techniques évoquées résistent-elles à la critique du point de vue du développement de la perception créative de l'image musicale ?

Montrer des thèmes individuels avant la perception initiale, ainsi que des tâches spécifiques visant à capturer l'un des aspects de l'œuvre, prive la perception ultérieure d'intégrité, ce qui réduit fortement ou élimine complètement l'impact esthétique de la musique.

En montrant des sujets individuels avant la perception holistique initiale, l'enseignant établit une sorte de « tours » qui aident les élèves à naviguer dans un essai inconnu. Cependant, cette forme d’aide à l’étudiant ne semble justifiée qu’à première vue. Son utilisation systématique donne lieu à une sorte de « dépendance auditive » chez les écoliers. L'explication préliminaire de la musique avant l'écoute semble armer l'élève lors de l'écoute de ce travail, mais cela ne lui apprendra pas à comprendre par lui-même une musique inconnue, ni ne le préparera à percevoir la musique en dehors de la salle de classe. Par conséquent, cela ne le prépare pas à la perception créatrice de la musique.

Dans le cas de l'anticipation de la perception holistique de la musique par les instructions analytiques de l'enseignant, le danger d'analyser les moyens d'expression musicale comme un modèle technologique devient réel. Nous devons nous efforcer de garantir que tous les problèmes analytiques abordés dans la leçon découlent du contenu vital de la musique perçu par les étudiants. L'analyse que les enfants feront en classe avec l'aide de l'enseignant doit s'appuyer sur une perception holistique, sur une compréhension holistique de tel ou tel travail.

Est-il généralement juste de refuser de donner aux étudiants une connaissance préalable du matériel musical d’une œuvre ? Le nouveau programme oppose la confiance dans le matériel musical montré par l'enseignant immédiatement avant l'écoute lors de la perception initiale à la confiance dans des années d'expérience accumulée dans la perception holistique de la musique. La connaissance préliminaire du matériel musical se fait toujours sous la forme d'images musicales plus ou moins indépendantes.

Écouter et interpréter de nombreuses chansons, des mélodies assez complètes et des structures plus détaillées préparent les élèves à percevoir de grandes compositions ou des parties individuelles de celles-ci, où les images musicales entendues plus tôt font partie d'une image musicale plus multiforme et commencent à interagir avec d'autres images musicales.

Quant à la légitimité de la perception de la musique avec une tâche particulière, cette technique ne doit pas non plus être abandonnée, car Écouter de la musique avec une tâche particulière permet parfois aux enfants d'entendre quelque chose qui, sans une telle tâche, pourrait simplement échapper à leur attention. Mais cette technique, comme indiqué dans le programme, ne doit être utilisée que lorsqu'il est impossible de s'en passer : pour une révélation plus profonde de certaines facettes du contenu d'une œuvre musicale perçue par les écoliers. L’utilisation de cette technique uniquement au nom d’un « exercice » auditif (rien de plus) est exclue.

Ainsi, la perception d'une image musicale par les écoliers doit être organisée pédagogiquement. En même temps, le fil conducteur le plus important pour l'enseignant est la sphère émotionnelle et figurative de la musique, compte tenu de l'originalité dont il doit construire au-delà des liens de son travail pour développer chez l'enfant une perception adéquate, subtile et profonde de la musique. .

L'enseignant doit accorder une attention particulière à la préparation des enfants à la perception d'une nouvelle composition musicale. L'appel aux formes d'art liées à la musique, la parole poétique vivante de l'enseignant sur la musique sont des moyens qui aident à résoudre le problème central de l'éducation musicale à l'école - la formation d'une culture de perception musicale chez les écoliers.

« À travers les pages des œuvres de S.V. Rachmaninov »

Pour comprendre toute œuvre artistique d'un artiste ou d'une école d'artistes, il est nécessaire d'imaginer avec précision l'état général de développement mental et moral de l'époque à laquelle elle appartient. C’est là que réside la cause première qui a déterminé tout le reste.

Hippolyte Ier.

(La leçon utilise l'histoire « Rachmaninov » de Yu. Nagibin, car un mot poétique peut évoquer une certaine gamme visuelle dans l'esprit des enfants et permettra aux enfants de découvrir le secret du pouvoir magique de la créativité de Rachmaninov, comme principe principal de sa créativité pensée.

Décoration de classe : portrait de S. Rachmaninov, livres avec patrimoine littéraire et lettres, partitions et brin de lilas.

Aujourd'hui, nous aurons une rencontre étonnante avec la musique de Sergei Vasilyevich Rachmaninov, un compositeur russe. Ses proches qui l'ont bien connu se souviennent qu'il ne disait presque rien de lui-même et de ses œuvres, estimant qu'il avait tout dit à travers ses œuvres. Et donc, pour comprendre l’œuvre du compositeur, il faut écouter sa musique. (Peludia en sol diose mineur, op. 32, n° 12, interprété par S. Richter).

L'œuvre de Rachmaninov était considérée comme la page la plus brillante de la musique russe tant en Russie qu'en Occident. Mais l’année 1917 s’avère fatale pour le compositeur.

Extrait du livre : « Début de l'automne 1917. Rachmaninov se rendait en voiture à Ivanovka. Sur les bords de la route, il y a des champs de céréales non récoltés, des champs de pommes de terre, de sarrasin et de mil infestés de mauvaises herbes. Les piliers dépassent tristement à l'endroit où le courant électrique couvert avait été emporté. La voiture est arrivée au domaine. Et ici, il y a des traces visibles de ruine. Près de la maison, des hommes agitaient les bras et d'autres emportaient des vases, des fauteuils, des tapis enroulés et divers ustensiles. Mais ce n'est pas ce qui a choqué Rachmaninov : les larges fenêtres du deuxième étage se sont ouvertes, quelque chose de grand, noir, scintillant y est apparu, s'est déplacé sur le rebord de la fenêtre, a fait saillie vers l'extérieur et s'est soudainement écrasé. Et ce n’est que lorsqu’il a touché le sol et a hurlé avec ses cordes cassées qu’il a révélé son essence de piano mural.

Traînant les pieds comme un vieillard décrépit, Rachmaninov se dirigea vers la maison. Les hommes l'ont remarqué alors qu'il se trouvait à côté du cadavre du piano et se sont figés. Ils n'avaient aucune haine personnelle pour Rachmaninov, et si en son absence il devenait un « maître », un « propriétaire terrien », alors son image vivante lui rappelait qu'il n'était pas seulement un gentleman, pas du tout un gentleman, mais autre chose, bien loin. d'être si hostile à leur égard.

"Rien, continuez", dit distraitement Rachmaninov et il s'arrêta devant les planches noires et brillantes, dont le hurlement mortel continuait de résonner dans ses oreilles.

Il regarda... les cordes encore tremblantes, les touches éparpillées un peu partout... et réalisa qu'il n'oublierait jamais ce moment.

De quoi parle ce passage ?

Le fait que la situation agitée et tendue en Russie en 1917 a conduit à un conflit entre Rachmaninoav et les orgues des paysans pauvres au nom d'Ivanovka, chère au cœur du compositeur.

C'est vrai, et en général, tout ce qui s'est passé en Russie, et pas seulement à Ivanovka, a été perçu par Rachmaninov de manière négative, comme un désastre national.

Rachmaninov écrit à propos de son voyage à Tambov : « ... pendant près de cent milles, j'ai dû dépasser des convois avec des museaux brutaux et sauvages qui saluaient le passage de la voiture avec des cris, des sifflets et des jets de chapeaux sur la voiture. » Incapable de comprendre ce qui se passait, Rachmaninov décide de quitter temporairement la Russie. Et il part avec un sentiment lourd, ne sachant pas encore qu'il part pour toujours, et qu'il regrettera souvent d'avoir fait cette démarche. Ce qui l’attendait, c’était le désir de sa patrie. (Un extrait du Prélude en sol dièse mineur est entendu).

Ayant quitté la Russie, Rachmaninov semblait avoir perdu ses racines et n'a rien composé pendant longtemps, se livrant uniquement à des activités de concert. Les portes des meilleures salles de concert de New York, Philadelphie, Saint-Pétersbourg, Détroit, Cleveland et Chicago lui sont ouvertes. Et un seul endroit était fermé à Rachmaninov : son pays natal, où il était demandé aux meilleurs musiciens de boycotter ses œuvres. Le journal Pravda a écrit : « Sergueï Rachmaninov, ancien chanteur des commerçants et de la bourgeoisie russes, est un compositeur à la retraite, un imitateur et un réactionnaire, un ancien propriétaire terrien - un ennemi juré et actif du gouvernement. » « A bas Rachmaninov ! A bas le culte de Rachmaninov ! - Les Izvestia ont appelé.

(Extrait du livre) :

Il n’y avait qu’une chose qui rappelait à la villa suisse du vieil Ivanovka : un buisson de lilas, autrefois importé de Russie.

Pour l’amour de Dieu, n’endommagez pas les racines ! - il a supplié le vieux jardinier.

Ne vous inquiétez pas, Herr Rachmaninov.

Je n'ai aucun doute que tout ira bien. Mais le lilas est une plante tendre et rustique. Si vous endommagez les racines, tout est perdu.

Rachmaninov aimait la Russie, et la Russie aimait Rachmaninov. Et donc, malgré toutes les interdictions, la musique de Rachmaninov a continué à résonner, car il était impossible de l'interdire. Pendant ce temps, une maladie incurable s'installait discrètement chez Rachmaninov : le cancer du poumon et du foie.

(Extrait du livre :)

Comme d'habitude, strict, intelligent ; dans un frac immaculé, il est apparu sur scène, a fait une courte révérence, a redressé ses queues de manteau, s'est assis, a essayé la pédale avec son pied - tout, comme toujours, et seules les personnes les plus proches savaient ce que lui coûtait chaque mouvement, à quel point sa démarche était difficile était et avec quel effort de volonté inhumain il se cachait, il souffre du public. (Prélude en do dièse mineur interprété par S. Rachmaninov sonne).

(Extrait du livre :)… Rachmaninov achève le prélude avec brio. Ovation du public. Rachmaninov essaie de se relever mais n'y parvient pas. Il se pousse du siège du tabouret avec ses mains – en vain. La colonne vertébrale, tordue par une douleur insupportable, ne lui permet pas de se redresser.

Un rideau! Un rideau! - entendu dans les coulisses

Tendeur! - le médecin a demandé

Attendez! Je dois remercier le public... Et lui dire au revoir.

Rachmaninov s'approcha de la rampe et s'inclina... Volant à travers la fosse d'orchestre, un luxueux bouquet de lilas blancs tomba à ses pieds. Ils ont réussi à baisser le rideau avant qu'il ne s'effondre sur la plate-forme.

Fin mars 1943, peu après la fin de la bataille de Stalingrad, dont se réjouit Sergueï Vassilievitch, qui prenait près de lui les épreuves et les souffrances de la guerre en Russie, 8 accords initiaux de l'introduction du Le deuxième concerto pour piano (interprété au piano) est apparu à partir de haut-parleurs noirs sans l'annonce habituelle de l'annonceur). Après quoi, il a été dit que Sergei Vasilyevich Rachmaninov était mort aux États-Unis. (On entend un fragment du deuxième mouvement du Concerto n°2 pour piano et orchestre).

Rachmaninov est mort, mais sa musique continue de réchauffer l'âme de ses compatriotes frappés par la guerre :

Et chaque note crie : - Désolé !

Et la croix sur la colline crie : - Pardonne-moi !

Il était si triste dans un pays étranger !

Il n'est resté que dans un pays étranger...

L'écrivain aurait dû

devenir comme un contrebandier pour

transmettre au lecteur votre

I. Tourgueniev.

Il y a un dessin satirique au tableau.

U : Pour créer une œuvre satirique profonde, il faut voir la société comme de l'extérieur, sa vie sous toutes ses facettes, et seuls les grands créateurs peuvent le faire. Ces personnes possédaient généralement le don de la providence. Laquelle de ces personnes nommeriez-vous ? (Réponses).

Comme les chroniqueurs, ils reflètent dans leur œuvre le temps, ses pulsations et ses métamorphoses. C'était D. Chostakovitch. Vous connaissez tous le compositeur grâce à sa Symphonie de Leningrad. C'est un géant qui reflète l'époque dans son œuvre. Si la Septième Symphonie fait sonner avec force le thème destructeur du fascisme, le thème de la lutte contre celui-ci, alors la Huitième, créée dans l'après-guerre, se termine soudainement non pas par une apothéose, mais par une profonde réflexion philosophique. Est-ce pour cela que cette symphonie est critiquée et persécutée par son auteur ? Et la Neuvième Symphonie, semble-t-il, est radieuse, insouciante, joyeuse... Mais ce n'est qu'à première vue. Écoutez le premier mouvement de la symphonie et essayez de répondre :

Chostakovitch écrit-il à la première personne ou regarde-t-il le monde comme s’il était vu de l’extérieur ? (Le 1er mouvement de la Neuvième Symphonie retentit)

D : Le compositeur semble observer le monde de l'extérieur.

W : Comment apparaît-il devant lui ?

D : Il y a pour ainsi dire deux images : l’une est lumineuse, joyeuse, et l’autre est idiote, semblable aux jeux de guerre des enfants. Ces images ne sont pas réelles, mais plutôt des jouets. (Parfois les enfants comparent cette partie à la suite de I. Stravinsky, dans laquelle les personnages « sautent » comme des marionnettes, mais contrairement à la suite, la symphonie n'est pas une caricature, mais une sorte d'observation).

D : La musique se déforme progressivement, d'abord le compositeur sourit, puis semble réfléchir. Au final, ces images ne sont plus aussi choyées, mais un peu laides.

U : Écoutons la deuxième partie (la suite sonne), quelles intonations peut-on entendre ici ?

D : De lourds soupirs. La musique est triste et même douloureuse. Ce sont les expériences du compositeur lui-même.

W : Pourquoi tant de tristesse et de lourdes réflexions apparaissent-elles après une première partie si détendue ? Comment peux-tu expliquer ça?

D : Il me semble que le compositeur, en regardant ces farces, se pose la question : sont-elles si inoffensives ? Car au final, les signaux militaires jouets deviennent comme de vrais.

U : On a un constat très intéressant, peut-être que le compositeur se pose la question : « Est-ce que j'ai déjà vu ça quelque part, c'est déjà arrivé, c'est arrivé... ? Ces intonations ne vous rappellent-elles pas d’autres musiques ?

D : Je veux le Prince Lemon de Chipollino. Et c’est un peu une invasion pour moi, uniquement sous forme de bande dessinée.

U : Mais de telles farces nous touchent au début, mais parfois elles dégénèrent en leur contraire. N’est-ce pas de telles farces qu’est née la Jeunesse hitlérienne ? Je me souviens du film « Venez et voyez ». Des images défilent devant nous : des atrocités, des adolescents des Jeunesses hitlériennes et enfin un enfant dans les bras de sa mère. Et cet enfant, c'est Hitler. Qui savait à quoi mèneraient les farces des enfants. (Peut être comparé aux soldats de « Joaquina Murrieta », avec des faits de histoire moderne). Que se passe-t-il ensuite ? (Écoutez les parties 3, 4, 5).

La 3ème partie apparaît comme un rythme de vie nerveux et tendu, même si sa rapidité extérieure évoque d'abord un sentiment de plaisir. À l’écoute attentive, ce qui ressort au premier plan n’est pas le brillant scherzo traditionnel, mais le drame douloureux et intense.

Les 4e et 5e parties sont une conclusion particulière : au début, le son de la trompette ressemble au monologue tragique de l'orateur - le tribun, le précurseur du prophète. Sa prophétie contient de la résignation et une boule de douleur. Le temps est arrêté, comme une image de film, les échos des événements militaires se font entendre, la continuité avec l'intonation de la septième symphonie (« Invasion Theme ») se fait clairement sentir.

La 5ème partie est calée sur les intonations de la 1ère partie, mais comme elles ont changé ! Il a balayé le tourbillon des jours comme un tourbillon sans âme, ne nous provoquant ni sourires ni sympathie. Une seule fois, les caractéristiques de l'image originale y apparaissent, comme pour comparaison, pour mémoire.

W : Cette symphonie a-t-elle une signification historique ? Que pensez-vous de la prophétie de Chostakovitch ?

D : Le fait qu'il ait vu la cruauté de cette époque avant les autres et qu'il l'ait reflétée dans sa musique. C'était une période difficile de la vie du pays, où le mal triomphait, et il semblait avertir en musique.

W : Que ressentait-il lui-même face à ce qui se passait ?

D : Il vieillit et souffre. Et exprime ses sentiments en musique.

Nous relisons l'épigraphe de la leçon, y réfléchissons, comparons l'œuvre de Chostakovitch avec le dessin - une satire d'une société de gens qui sont des rouages, qui ne pensent pas, qui obéissent aveuglément à la volonté d'un seul.

Les 7e, 8e, 9e symphonies sont un triptyque relié par la même logique, une dramaturgie unique, et la 9e symphonie n'est pas un pas en arrière, pas un retrait d'un sujet sérieux, mais un point culminant, la conclusion logique du triptyque.

Ensuite est interprétée la chanson de B. Okudjava, dont les paroles « Tenons-nous la main, amis, pour que nous ne périssions pas seuls » sonneront comme une conclusion significative de la leçon. (Le matériel proposé peut devenir la base de 2 leçons).

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La musique obéit aux lois de la vie, elle est la réalité, et a donc un impact sur les gens. Il est très important d'apprendre à écouter et à comprendre la musique classique. Même à l'école, les enfants apprennent ce qu'est une image musicale et qui la crée. Le plus souvent, les enseignants définissent le concept d'image comme une particule de vie. Les riches possibilités du langage mélodique permettent aux compositeurs de créer des images dans des œuvres musicales pour concrétiser leurs idées créatives. Plongez dans le monde riche de l'art musical, découvrez les différents types d'images qu'il contient.

Qu'est-ce qu'une image musicale

Il est impossible de maîtriser la culture musicale sans apprécier cet art. C'est la perception qui permet de réaliser des activités de composition, d'écoute, d'interprétation, pédagogiques et musicologiques. La perception permet de comprendre ce qu'est une image musicale et comment elle prend naissance. Il convient de noter que le compositeur crée une image sous l'influence d'impressions à l'aide de son imagination créatrice. Pour mieux comprendre ce qu'est une image musicale, il vaut mieux l'imaginer sous la forme d'un ensemble de moyens d'expression musicale, de style, de caractère de la musique et de construction de l'œuvre.

La musique peut être considérée comme un art vivant qui rassemble de nombreux types d'activités. Les sons des mélodies incarnent le contenu de la vie. L’image d’une œuvre musicale fait référence aux pensées, aux sentiments, aux expériences, aux actions de certaines personnes et à diverses manifestations naturelles. Ce concept inclut également les événements de la vie d’une personne, les activités de tout un peuple et de l’humanité.

Une image musicale dans la musique est une complexité de caractère, de moyens musicaux et expressifs, de conditions socio-historiques de son origine, de principes de construction et de style du compositeur. Voici les principaux types d’images en musique :

1. Lyrique. Transmet les expériences personnelles de l’auteur et révèle son monde spirituel. Le compositeur transmet des sentiments, des humeurs, des sensations. Il n'y a aucune action ici.
2. Épique. Il raconte, décrit certains événements de la vie du peuple, raconte son histoire et ses exploits.
3. Spectaculaire. Représente la vie privée d'une personne, ses conflits et ses affrontements avec la société.
4. Fée. Montre des fantasmes et des imaginations fictifs.
5. Bande dessinée. Il expose tout ce qui est mauvais en utilisant des situations drôles et des surprises.

Image lyrique

Dans les temps anciens, il existait un instrument à cordes folklorique: la lyre. Les chanteurs l'utilisaient pour transmettre leurs diverses expériences et émotions. De lui est né le concept de paroles qui transmettent des expériences, des pensées et des sentiments émotionnels profonds. L'image musicale lyrique comporte des éléments émotionnels et subjectifs. Avec son aide, le compositeur transmet son monde spirituel individuel. Une œuvre lyrique ne comprend aucun événement, elle ne fait que transmettre l'état mental du héros lyrique, c'est sa confession.

De nombreux compositeurs ont appris à transmettre des paroles à travers la musique, car elle est très proche de la poésie. Les œuvres lyriques instrumentales comprennent des œuvres de Beethoven, Schubert, Mozart et Vivaldi. Rachmaninov et Tchaïkovski ont également travaillé dans ce sens. Ils formaient des images musicales et lyriques à l'aide de mélodies. Il est impossible de mieux formuler le but de la musique que Beethoven : « Ce qui vient du cœur doit y conduire. » Lorsqu'ils définissent l'image de l'art musical, de nombreux chercheurs prennent exactement cette affirmation. Dans sa « Sonate du Printemps », Beethoven a fait de la nature un symbole du réveil du monde de son hibernation. L'image musicale et l'habileté de l'interprète aident à voir dans la sonate non seulement le printemps, mais aussi la joie et la liberté.

Il faut aussi se souvenir de la Sonate au clair de lune de Beethoven. C'est vraiment un chef-d'œuvre avec une image musicale et artistique pour piano. La mélodie est passionnée, persistante, se terminant par un désespoir désespéré.

Les paroles des chefs-d’œuvre des compositeurs sont liées à la pensée imaginative. L'auteur tente de montrer quelle empreinte tel ou tel événement a laissé dans son âme. Prokofiev a simplement transmis de manière magistrale les « mélodies de l'âme » de la valse de Natasha Rostova dans l'opéra « Guerre et Paix ». Le caractère de la valse est très doux, on ressent de la timidité, de la lenteur et, en même temps, de l'excitation, une soif de bonheur. Un autre exemple de l'image musicale lyrique et de l'habileté du compositeur est Tatiana de l'opéra "Eugène Onéguine" de Tchaïkovski. Les œuvres de Schubert « Sérénade », Tchaïkovski « Mélodie », Rachmaninov « Vocalise » peuvent également être un exemple d'image musicale (lyrique).

Image musicale dramatique

Traduit du grec, « drame » signifie « action ». A l'aide d'une œuvre dramatique, l'auteur raconte les événements à travers les dialogues des personnages. Dans la littérature de nombreux pays, de telles œuvres existaient depuis longtemps. Il y a aussi des images musicales dramatiques dans la musique. Les compositeurs les montrent à travers les actions de héros cherchant une issue à la situation et entrant dans un combat avec leurs ennemis. Ces actions évoquent des sentiments très forts qui vous obligent à agir.

Le public voit le héros dramatique dans une lutte constante qui le mène soit à la victoire, soit à la mort. Les actions, et non les sentiments, passent en premier dans le drame. Les personnages dramatiques les plus frappants sont ceux de Shakespeare - Macbeth, Othello, Hamlet. Othello est jaloux, ce qui le conduit à une tragédie. Hamlet est envahi par un désir de vengeance contre les assassins de son père. La forte soif de pouvoir de Macbeth l'oblige à tuer le roi. Sans une image musicale dramatique dans la musique, le drame est impensable. Il est le nerf, la source, le centre de l’œuvre. Le héros dramatique apparaît comme l’esclave de la passion qui le conduit au désastre.

Un exemple de conflit dramatique est l'opéra « La Dame de pique » de Tchaïkovski, basé sur l'histoire du même nom de Pouchkine. Au début, les téléspectateurs rencontrent le pauvre officier Herman, qui rêve de devenir riche rapidement et facilement. Il n'a jamais été intéressé auparavant jeu d'argent, même s’il était un joueur dans l’âme. Herman est motivé par son amour pour la riche héritière d'une vieille comtesse. Tout le drame est que le mariage ne peut avoir lieu à cause de sa pauvreté. Bientôt, Herman découvre le secret de la vieille comtesse : elle garderait le secret de trois cartes. L'officier est envahi par l'envie de découvrir ce secret à tout prix afin de décrocher le gros jackpot. Herman vient chez la comtesse et la menace avec un pistolet. La vieille femme meurt de peur sans révéler le secret. La nuit, un fantôme vient vers Herman et lui murmure les cartes précieuses : « Trois, sept, as ». Il vient voir sa bien-aimée Lisa et lui avoue que c'est à cause de lui que la vieille comtesse est morte. Lisa s'est jetée dans la rivière de chagrin et s'est noyée. Les paroles chéries du fantôme hantent Herman ; il se rend dans une maison de jeu. Les deux premiers paris, sur le trois et le sept, se sont avérés réussis. Cette victoire a tellement fait tourner la tête d'Herman qu'il fait tapis et parie tout l'argent qu'il a gagné sur l'as. L'intensité du drame approche de son apogée, au lieu d'un as dans le jeu, il s'avère dame de pique. A ce moment, Herman reconnaît la vieille comtesse dans la dame de pique. La perte finale conduit le héros au suicide.

Il convient de comparer la façon dont Pouchkine et Tchaïkovski montrent le drame de leur héros. Alexandre Sergueïevitch a montré Hermann comme froid et calculateur ; il voulait utiliser Lisa pour s'enrichir. Tchaïkovski a abordé la représentation de son personnage dramatique un peu différemment. Le compositeur modifie légèrement les personnages de ses héros, car il faut de l'inspiration pour les représenter. Tchaïkovski a montré Herman comme un romantique, amoureux de Lisa et doté d'une imagination passionnée. Une seule passion déplace l'image de sa bien-aimée de la tête de l'officier : le secret de trois cartes. Le monde des images musicales de cet opéra dramatique est très riche et impressionnant.

Un autre exemple de ballade dramatique est « Le Roi de la forêt » de Schubert. Le compositeur a montré la lutte entre deux mondes – réel et fictif. Schubert était caractérisé par le romantisme, il était fasciné par le mysticisme et l'œuvre s'est avérée assez dramatique. La collision de deux mondes est très vive. Le monde réel s'incarne dans l'image d'un père qui regarde la réalité avec sensibilité et calme et ne remarque pas le Roi des Forêts. Son enfant vit dans un monde mystique, il est malade et rêve du Roi des Forêts. Schubert montre une image fantastique d'une forêt mystérieuse enveloppée d'obscurité sombre et d'un père s'y précipitant à cheval avec un enfant mourant dans ses bras. Le compositeur donne à chaque personnage ses propres caractéristiques. Le garçon mourant est tendu, effrayé et dans ses paroles il y a un appel à l'aide. Un enfant en délire se retrouve dans le terrible royaume du redoutable Roi des Forêts. Le père essaie de toutes ses forces de calmer l'enfant.

La ballade entière est imprégnée d'un rythme lourd, le piétinement d'un cheval est représenté par un battement d'octave continu. Schubert a créé une illusion visuelle et auditive complète remplie de drame. À la fin, la dynamique du développement musical de la ballade se termine, alors que le père tient le bébé mort dans ses bras. Ce sont ces images musicales (dramatiques) qui ont aidé Schubert à créer l’une de ses créations les plus impressionnantes.

Portraits épiques en musique

Traduit du grec, « épique » signifie histoire, mot, chanson. Dans les œuvres épiques, l'auteur parle des personnages et des événements auxquels ils participent. Personnages, circonstances, facteurs sociaux et environnement naturel. Les œuvres littéraires épiques comprennent des histoires, des légendes, des épopées et des contes. Le plus souvent pour écrire œuvres épiques les compositeurs utilisent des poèmes, ce sont eux qui racontent des actes héroïques. De l'épopée, vous pourrez découvrir la vie des peuples anciens, leur histoire et leurs exploits. Les principales images musicales dramatiques et le talent du compositeur représentent des personnages, des événements, des histoires et la nature spécifiques.

L'épopée est basée sur des événements réels, mais elle contient aussi une part de fiction. L'auteur idéalise et mythifie ses héros. Ils sont dotés d’héroïsme et réalisent des exploits. Il y a aussi des personnages négatifs. L'épopée musicale montre non seulement des personnes spécifiques, mais aussi des événements, la nature, symbolisant la terre natale à une époque historique particulière. Ainsi, de nombreux enseignants présentent un cours sur l’image musicale en 6e à partir d’extraits de l’opéra « Sadko » de Rimski-Korsakov. Les élèves tentent de comprendre par quel moyen musical le compositeur a pu dresser le portrait du héros après avoir écouté la chanson de Sadko « Oh, toi, chêne sombre ». Les enfants entendent une mélodie mélodieuse et douce et un rythme régulier. Petit à petit, le majeur est remplacé par un mineur, le tempo ralentit. L'opéra est assez triste, mélancolique et réfléchi.

Le compositeur de The Mighty Handful, A.P. Borodine, a travaillé dans le style épique. La liste de ses œuvres épiques comprend la « Symphonie héroïque » n°2 et l'opéra « Prince Igor ». Dans la Symphonie n°2, Borodine a capturé la puissante patrie héroïque. Au début, il y a une mélodie mélodieuse et douce, puis elle se transforme en une mélodie saccadée. Le rythme doux laisse place à un rythme pointé. Tempo lent combiné avec une tonalité mineure.

Monument culture médiévale Le célèbre poème "Le conte de la campagne d'Igor" est considéré. L’œuvre raconte l’histoire de la campagne du prince Igor contre les Polovtsiens. De brillants portraits épiques de princes, de boyards, de Yaroslavna et de khans polovtsiens ont été créés ici. L'opéra commence par une ouverture, puis il y a un prologue sur la façon dont Igor prépare son armée pour une campagne et observe une éclipse solaire. Suivent quatre actes de l'opéra. Un moment très marquant de l’œuvre sont les pleurs de Yaroslavna. À la fin, le peuple chante gloire au prince Igor et à son épouse, même si la campagne s'est terminée par la défaite et la mort de l'armée. Pour représenter le héros historique de cette époque, l'image musicale de l'interprète est très importante.

Il convient également d'inclure dans la liste des créations épiques l'œuvre de "La Porte Bogatyr" de Moussorgski, "Ivan Susanin" de Glinka, "Alexandre Nevski" de Prokofiev. Les compositeurs ont transmis les actes héroïques de leurs héros à travers divers moyens musicaux.

Image musicale de conte de fées

Dans le mot même « fabuleux » se trouve scénario de telles œuvres. Rimsky-Korsakov peut être considéré comme le créateur le plus brillant de créations de contes de fées. Même à partir du programme scolaire, les enfants apprendront son célèbre conte-opéra « La Fille des neiges », « Le Coq d'or », « Le Conte du tsar Saltan ». On ne peut s'empêcher de rappeler la suite symphonique « Schéhérazade » basée sur le livre « 1001 Nuits ». Les images de contes de fées et fantastiques de la musique de Rimski-Korsakov sont en étroite unité avec la nature. Ce sont les contes de fées qui jettent les bases morales chez une personne ; les enfants commencent à distinguer le bien du mal, ils apprennent la miséricorde, la justice et condamnent la cruauté et la tromperie. En tant qu'enseignant, Rimski-Korsakov parlait dans le langage des contes de fées des sentiments humains élevés. En plus des opéras ci-dessus, on peut citer « Kashchei l'Immortel », « La nuit avant Noël », « La nuit de mai », « La fiancée du tsar ». Les mélodies du compositeur ont une structure mélodique-rythmique complexe, elles sont virtuoses et émouvantes.

Musique fantastique

Il convient de mentionner les images musicales fantastiques dans la musique. De nombreuses œuvres fantastiques sont créées chaque année. Depuis l'Antiquité, diverses ballades et chansons folkloriques faisant l'éloge de divers héros sont connues. La culture musicale a commencé à se remplir de fantaisie à l’ère du romantisme. Des éléments de fantaisie se retrouvent dans les œuvres de Gluck, Beethoven et Mozart. Les auteurs de motifs fantastiques les plus éminents étaient des compositeurs allemands : Weber, Wagner, Hoffmann, Mendelssohn. Leurs œuvres ont des intonations gothiques. L’élément féerique et fantastique de ces mélodies est étroitement lié au thème de la confrontation de l’homme avec le monde qui l’entoure. L'épopée folklorique avec des éléments fantastiques est basée sur les œuvres du compositeur norvégien Edvard Grieg.

L’imagerie fantastique est-elle inhérente au russe ? art musical? Le compositeur Moussorgski a rempli ses œuvres « Tableaux d'une exposition » et « Nuit sur le mont chauve » de motifs fantastiques. Les spectateurs peuvent assister au sabbat des sorcières la nuit lors de la fête d'Ivan Kupala. Moussorgski a également écrit une interprétation de l'œuvre de Gogol « La Foire Sorochinskaya ». Des éléments de fantaisie peuvent être vus dans les œuvres de Tchaïkovski « La Sirène » et de Dargomyzhsky « L'Invité de pierre ». Des maîtres tels que Glinka (Ruslan et Lyudmila), Rubinstein (Le Démon), Rimski-Korsakov (Le Coq d'or) ne sont pas restés à l'écart de la science-fiction.

Une véritable percée révolutionnaire dans l'art synthétique a été réalisée par l'expérimentateur Scriabine, qui a utilisé des éléments de musique légère. Dans ses œuvres, il a spécialement écrit des lignes pour la lumière. Ses œuvres « Le Poème Divin », « Prométhée », « Poème d'Extase » sont remplies de fantaisie. Certaines techniques fantastiques étaient présentes même chez les réalistes Kabalevsky et Chostakovitch.

L’avènement de la technologie informatique a fait de la musique fantastique un favori pour beaucoup. Des films aux compositions fantastiques ont commencé à apparaître sur les écrans de télévision et de cinéma. Après l'avènement des synthétiseurs musicaux, de grandes perspectives se sont ouvertes pour les motifs fantastiques. L’ère est venue où les compositeurs peuvent sculpter la musique comme des sculpteurs.

Présentations de bandes dessinées dans des œuvres musicales

Il est difficile de parler d’images comiques en musique. Peu de critiques d'art caractérisent cette direction. La tâche de la musique comique est de corriger par le rire. Ce sont les sourires qui sont les véritables compagnons de la musique comique. Le genre comique est plus simple ; il ne nécessite pas de conditions qui font souffrir les héros.

Pour créer un moment comique en musique, les compositeurs utilisent l’effet de surprise. Ainsi, J. Haydn, dans l'une de ses symphonies londoniennes, a créé une mélodie avec une partie de timbales qui bouleverse instantanément les auditeurs. Un coup de pistolet perturbe la douce mélodie de la valse de Strauss avec une surprise (« Bull's-eye ! »). Cela égaye immédiatement la pièce.

Toutes les blagues, même musicales, comportent des absurdités amusantes, des incohérences amusantes. Beaucoup de gens connaissent le genre des marches comiques, des marches de plaisanteries. Du début à la fin, la marche de Prokofiev de la collection « Musique pour enfants » est dotée de comédie. Des personnages de bandes dessinées peuvent être vus dans l'œuvre de Mozart "Les Noces de Figaro", où le rire et l'humour se font déjà entendre dans l'introduction. Joyeux et intelligent, Figaro joue intelligemment des tours devant le comte.

Éléments de satire en musique

Un autre type de bande dessinée est la satire. Le genre satirique se caractérise par la dureté, il est menaçant, flétrissant. À l'aide de moments satiriques, les compositeurs exagèrent et exagèrent certains phénomènes afin de dénoncer la vulgarité, le mal et l'immoralité. Ainsi, Dodon de l’opéra « Le Coq d’or » de Rimski-Korsakov et Farlaf de « Ruslan et Lyudmila » de Glinka peuvent être qualifiés d’images satiriques.

Image de la nature

Le thème de la nature est très pertinent non seulement en littérature, mais aussi en musique. En montrant la nature, les compositeurs décrivent son vrai son. Le compositeur M. Messiaen imite simplement les voix de la nature. Donc l'anglais et maîtres français, comme Vivaldi, Beethoven, Berlioz, Haydn, ont su transmettre avec mélodie des images de la nature et des sentiments qu'elles évoquent. Une image panthéiste particulière de la nature se trouve chez Rimski-Korsakov et Mahler. La perception romantique du monde environnant peut être observée dans la pièce « Les Saisons » de Tchaïkovski. La composition "Printemps" de Sviridov a un caractère doux, rêveur et amical.

Motifs folkloriques dans l'art musical

De nombreux compositeurs ont utilisé les mélodies des chansons folkloriques pour créer leurs chefs-d’œuvre. De simples mélodies de chansons sont devenues la décoration des compositions orchestrales. Les images de contes populaires, d’épopées et de légendes constituent la base de nombreuses œuvres. Ils ont été utilisés par Glinka, Tchaïkovski, Borodine. Le compositeur Rimsky-Korsakov dans l'opéra "Le Conte du tsar Saltan" a utilisé la chanson folklorique russe "Que ce soit dans le jardin ou dans le potager" pour créer l'image d'un écureuil. Des mélodies folkloriques peuvent être entendues dans l'opéra Khovanshchina de Moussorgski. Le compositeur Balakirev a créé la célèbre fantaisie « Islamey » basée sur la danse folklorique kabarde. Mode pour motifs folkloriques n'a pas disparu dans les classiques. Beaucoup de gens connaissent la symphonie-action moderne « Chimes » de V. Gavrilin.