Pojmovnik osnovnih pojmova .... 419

ANALIZA UMJETNOSTI

PRIMJERI PITANJA I DIJAGRAM

Djelo arhitekture

Prilikom analize arhitektonskih djela potrebno je uzeti u obzir karakteristike arhitekture kao umjetničke forme. Arhitektura je oblik umjetnosti, manifestiran u umjetničkom karakteru građevine. Stoga treba analizirati izgled, razmjer i forme strukture.

1. Koji građevinski objekti zaslužuju pažnju?

2. Uz pomoć kojih metoda i sredstava su autorove ideje izražene u ovom radu?

3. Kakav utisak ostavlja komad?

4. Kakvu senzaciju primatelj (percepator) može doživjeti?

5. Kako razmera, format, horizontalni, vertikalni ili dijagonalni raspored delova, upotreba određenih arhitektonskih oblika, raspored svetlosti u arhitektonskom spomeniku pomažu emotivnom dojmu dela?

6. Šta posjetilac vidi kada stoji ispred fasade?

7. Pokušajte objasniti zašto vam se ovo čini glavnom?

8. Na koji način arhitekta ističe glavnu stvar? Opisati glavna umjetnička sredstva i tehnike za stvaranje arhitektonske slike (simetrija, ritam, proporcije, svjetlosne nijanse i modeliranje boja, razmjer).

9. Kako su raspoređeni volumeni i prostori u arhitektonskoj strukturi (arhitektonskoj kompoziciji)?

10. Opisati pripadnost ovog objekta određenom tipu arhitekture: trodimenzionalne strukture (javne: stambene, industrijske); pejzaž (pejzaž ili male forme), urbanističko planiranje.

11. Pokušajte zamisliti koji se događaji češće dešavaju u ovoj arhitektonskoj strukturi.

12. Da li kompozicija djela i njegovi glavni elementi imaju simbolički karakter: kupola, luk, svod, zid, kula, smiraj?

13. Koji je naslov djela? A kako biste to nazvali?

14. Utvrditi pripadnost ovog djela kulturno-istorijskom dobu, umjetničkom stilu, pravcu.

16. Kako su u korelaciji forma i sadržaj ovog rada?

17. Kakav je odnos između spoljašnjeg i unutrašnjeg izgleda ovog arhitektonskog objekta? Da li se skladno uklapa u okruženje?

18. Koje je oličenje, po vašem mišljenju, Vitruvijeva formula našla u ovom delu: korisnost, snaga, lepota?

19. Da li su u oblikovanju izgleda ovog arhitektonskog objekta korištene druge vrste umjetnosti? Koji? Smatrate li da je autorov izbor opravdan?

Molerski radovi

Da bi se apstrahirali od narativno-svakodnevne percepcije, zapamtite da slika nije prozor u svijet, već ravan na kojoj se slikarstvom može stvoriti iluzija prostora. Stoga je prvo važno analizirati osnovne parametre rada.

1. Veličina slike (monumentalna, štafelaj, minijatura)?

2. Format slike: vodoravno ili okomito izduženi pravougaonik (moguće sa zaobljenim krajem), kvadrat, krug (tondo), ovalni?

3. U kojoj tehnici (tempera, ulje, akvarel itd.) i na kojoj osnovi (drvo, platno i sl.) je slika rađena?

4. Sa koje udaljenosti se najbolje percipira?

Analiza slike.

5. Ima li zapleta na slici? Šta je prikazano? U kom okruženju se nalaze prikazani likovi, predmeti?

6. Na osnovu analize slike doneti zaključak o žanru (portret, pejzaž, mrtva priroda, akt, svakodnevni život, mitološki, religiozni, istorijski, animalistički).

7. Koji zadatak po Vašem mišljenju umjetnik rješava - vizuelni? izražajan? Koliki je stepen konvencije ili naturalizma slike? Gravitira li konvencionalnost ka idealizaciji ili prema ekspresivnoj distorziji?

Analiza kompozicije

8. Koje su komponente kompozicije? Koliki je omjer objekta slike i pozadine/prostora na platnu slike?

9. Koliko su blizu ravni slike objekti na slici?

10. Koji je ugao gledanja umjetnik odabrao - odozgo, odozdo, u ravni sa prikazanim objektima?

11. Kako se određuje pozicija posmatrača - da li je uključen u interakciju sa prikazanim na slici ili mu je dodeljena uloga odvojenog kontemplatora?

12. Može li se kompozicija nazvati uravnoteženom, statičkom ili dinamičnom? Ako postoji kretanje, kako se usmjerava?

13. Kako se gradi prostor slike (ravan, neograničeno, prostorni sloj je ograđen, stvara se duboki prostor)? Kako se postiže iluzija prostorne dubine (razlika u veličini prikazanih figura, prikazivanje volumena objekata ili arhitekture, korištenjem gradacija boja)?

Analiza crteža.

14. Koliko je izražen linearni početak na slici?

15. Da li su konture koje ograničavaju pojedinačne objekte naglašene ili izglađene? Na koji način se postiže ovaj efekat?

16. U kojoj mjeri je izražen volumen objekata? Koje tehnike stvaraju iluziju volumena?

17. Kakvu ulogu ima svjetlost na slici? Šta je to (glatko, neutralno; kontrastno, oblikovno oblikovano; mistično)? Da li je izvor svjetlosti/smjer čitljiv?

18. Da li su čitljive siluete prikazanih figura/objekata? Koliko su oni sami po sebi izražajni i vrijedni?

19. Koliko je detaljna (ili obrnuto generalizirana) slika?

20. Da li se prenosi raznolikost tekstura prikazanih površina (koža, tkanine, metal, itd.)?

Analiza boja.

21. Koju ulogu igra boja na slici (da li je podređena crtežu i volumenu, ili obrnuto, da li podređuje crtež sebi i gradi samu kompoziciju)?

22. Da li je boja samo boja volumena ili nešto više? Da li je optički veran ili ekspresivan?

23. Da li se mogu razlikovati granice mrlja u boji? Poklapaju li se s granicama volumena i objekata?

24. Da li umjetnik operiše velikim masama boja ili malim potezima?

25. Kako se pišu tople i hladne boje, da li umjetnik koristi kombinaciju komplementarnih boja? Zašto on to radi? Kako se prenose najosvijetljenija i zasjenjena mjesta?

26. Ima li odsjaja, refleksa? Kako se pišu senke (gluve ili prozirne, jesu li obojene)? Postoji li dominantna kombinacija boja/boja?

Druge opcije

1. Koji objekti autorovog emotivnog odnosa prema objektu (činjenici, događaju, pojavi) zaslužuju pažnju?

2. Utvrdite da li ovo djelo pripada žanru slikarstva (istorijski, portret, mrtva priroda, bitka, ostalo).

3. Uz pomoć kojih metoda i sredstava su autorove ideje izražene u ovom radu?

4. Kakav utisak ostavlja komad?

7. Kako upotreba određenih boja pomaže emocionalnom dojmu?

8. Šta je prikazano na slici?

9. Istaknite glavnu stvar iz onoga što ste vidjeli.

10. Pokušajte objasniti zašto vam se ovo čini glavnom?

11. Na koji način umjetnik ističe ono glavno?

12. Kako se boje u djelu porede (kompozicija boja)?

13. Pokušajte da prepričate radnju slike.

14. Ima li u djelu zapleta koji nešto simboliziraju?

15. Koji je naslov djela? U kakvoj je vezi sa svojom radnjom i simbolikom?

16. Da li kompozicija djela i njegovi glavni elementi imaju simbolički karakter: horizontalno, vertikalno, dijagonalno, krug, oval, boja, kocka?

skulptura

Prilikom analize skulpturalnih djela potrebno je uzeti u obzir vlastite parametre skulpture kao umjetničke forme. Skulptura je umjetnička forma u kojoj je pravi trodimenzionalni volumen u interakciji s okolnim trodimenzionalnim prostorom. Stoga se mora analizirati volumen, prostor i način na koji oni međusobno djeluju.

1. Kakav utisak ostavlja komad?

3. Kakva je priroda posla?

4. Koji objekti autorovog emotivnog odnosa prema objektu (činjenici, događaju, pojavi) zaslužuju pažnju?

5. Uz pomoć kojih metoda i sredstava su autorove ideje izražene u ovom radu?

6. Koja je veličina skulpture? Veličina skulpture (monumentalne, štafelajne, minijaturne) utiče na njenu interakciju sa prostorom.

7. Kojem žanru pripada ova skulptura? za šta je to bilo?

8. Opišite originalni materijal koji je koristio autor, njegove karakteristike. Koje karakteristike skulpture diktira njen materijal (zašto je ovaj materijal odabran za ovo djelo)? Da li su njegova svojstva u skladu sa idejom djela? Da li je moguće prikazati isti rad iz drugih materijala? Šta bi to postalo?

9. Kakva je tekstura izvajane površine? Homogeni ili različiti u različitim dijelovima? Vidljivi su glatki ili „skicirani“ tragovi dodira alata, prirodni, uslovni. Kako je ova tekstura povezana sa svojstvima materijala? Kako tekstura utiče na percepciju siluete i volumena skulpturalne forme?

10. Kako razmjer, format, horizontalni, vertikalni ili dijagonalni raspored dijelova pomaže emotivnom dojmu djela?

11. Koja je uloga boje u skulpturi? Kako su volumen i boja u interakciji, kako utiču jedna na drugu?

12. Koga (šta) vidite na skulpturi?

13. Istaknite najvažnije, posebno vrijedno od onoga što ste vidjeli.

14. Pokušajte objasniti zašto vam se upravo ovo čini najvažnijim, posebno vrijednim?

15. Na koji način vajar ističe ono glavno?

16. Kako su raspoređeni objekti u djelu (predmetna kompozicija)?

17. U kom prostoru se nalazilo djelo (u hramu, na trgu, u kući i sl.)? Za koju točku percepcije je dizajniran (sa daljine, odozdo, blizu)? Da li je dio arhitektonske ili skulpturalne cjeline ili je samostalno djelo?

18. Da li je skulptura dizajnirana za fiksne tačke gledišta ili se u potpunosti otkriva kada hodate okolo? Koliko gotovih izražajnih silueta ona ima? Šta su (zatvoreni, kompaktni, geometrijski ispravni ili slikoviti, otvoreni)? Kako su oni međusobno povezani?

19. Šta ova skulptura može učiniti (ili reći) ako oživi?

20. Koji je naslov djela? Šta je njegovo (ime) značenje, šta mislite? Kako se to odnosi na radnju i simboliku?

21. Kakva je interpretacija motiva (naturalistička, uslovna, diktirana kanonom, diktirana mjestom koje skulptura zauzima u svom arhitektonskom okruženju ili nekom drugom)?

22. Koje je ideološke stavove, po vašem mišljenju, autor djela želio prenijeti ljudima?

23. Da li osećate uticaj nekih drugih vrsta umetnosti u radu: arhitekture, slikarstva?

24. Zašto mislite da je bolje gledati skulpturu direktno, a ne na fotografijama ili reprodukcijama? Obrazložite svoj odgovor.

Predmeti za umjetnost i obrt

Analizirajući predmete dekorativne i primijenjene umjetnosti, treba imati na umu da su oni prvenstveno imali primijenjenu ulogu u ljudskom životu i ne nose uvijek estetsku funkciju. Istovremeno, oblik predmeta, njegove funkcionalne karakteristike utječu na prirodu slike.

1. Čemu je takav predmet namijenjen?

2. Koje su njegove dimenzije?

3. Kako se nalazi dekoracija predmeta? Gdje se nalaze zone figurativnih i ornamentalnih ukrasa? Kako je postavljanje slika povezano sa oblikom objekta?

4. Koje vrste ornamenata se koriste? Na kojim dijelovima objekta se nalaze?

5. Gdje se nalaze figurativne slike? Zauzimaju li više prostora od ornamentalnih ili su samo jedan od ornamentalnih registara?

6. Kako se gradi registar sa figurativnim slikama? Može li se reći da se ovdje koriste tehnike slobodne kompozicije ili se koristi princip jukstapozicije (figure u identičnim pozama, minimalni pokreti, ponavljaju se)?

7. Kako su figure prikazane? Jesu li pokretni, zamrznuti, stilizirani?

8. Kako se prenose detalji o brojkama? Da li izgledaju prirodnije ili ukrasnije? Koje se tehnike koriste za prijenos figura?

9. Pogledajte, ako je moguće, unutar objekta. Ima li slika i ukrasa? Opišite ih prema gornjem dijagramu.

10. Koje se primarne i sekundarne boje koriste u izradi ornamenata i figura? Kakav je ton same gline? Kako to utječe na karakter slike - čini li je ukrasnijom ili, obrnuto, prirodnijom?

11. Pokušajte izvući zaključak o pojedinačnim obrascima ove vrste umjetnosti i zanata.

Algoritmi za analizu umjetnosti

Glavni uslov za rad na ovom algoritmu je činjenica da naziv slike ne treba da bude poznat onima koji rade.

Kako biste nazvali ovu sliku?

Sviđa li vam se slika ili ne? (Odgovor mora biti dvosmislen).

Ispričajte o ovoj slici tako da osoba koja je ne poznaje može steći predstavu o njoj.

Koja osećanja u vama izaziva ova slika?

Želite li nešto dodati ili promijeniti u svom odgovoru na prvo pitanje?

Vratite se na drugo pitanje. Da li je vaša procjena ostala ista ili se promijenila? Zašto sada toliko ocenjujete ovu sliku?

Algoritam za analizu umjetničkih djela

Značenje naslova slike.

Žanrovska pripadnost.

Karakteristike radnje slike. Razlozi za farbanje. Potražite odgovor na pitanje: da li je autor prenio svoju namjeru gledaocu?

Karakteristike kompozicije slike.

Glavna sredstva umjetničke slike: boja, crtež, tekstura, chiaroscuro, stil pisanja.

Kakav je utisak ovo umjetničko djelo ostavilo na vaša osjećanja i raspoloženje?

Gdje se nalazi ovo umjetničko djelo?

Algoritam za analizu arhitektonskih dela

Šta se zna o istoriji stvaranja arhitektonskog objekta i njegovom autoru?

Ukazati na pripadnost ovog djela kulturno-istorijskom dobu, umjetničkom stilu, smjeru.

Koje je utjelovljenje Vitruvijeva formula pronašla u ovom djelu: snagu, korisnost, ljepotu?

Ukazati na umjetnička sredstva i tehnike za stvaranje arhitektonske slike (simetrija, ritam, proporcije, svjetlosno-sjenčano i kolorističko modeliranje, razmjer), tektonske sisteme (post-greda, lanceta-luk, svod-kupola).

Navedite pripadnost vrsti arhitekture: trodimenzionalne strukture (javne: stambene, industrijske); pejzaž (pejzaž ili male forme); urbano planiranje.

Ukazati na vezu između vanjskog i unutrašnjeg izgleda arhitektonskog objekta, vezu između objekta i reljefa, prirodu krajolika.

Kako se druge vrste umjetnosti koriste u oblikovanju njegovog arhitektonskog izgleda?

Kakav je utisak na vas ostavio rad?

Koje asocijacije izaziva umjetnička slika i zašto?

Gdje se nalazi arhitektura?

Algoritam za analizu skulpturalnih djela

Istorijat nastanka dela.

Pripada umetničkoj eri.

Značenje naslova djela.

Pripada vrstama skulpture (monumentalna, memorijalna, štafelajna).

Upotreba materijala i tehnika njegove obrade.

Dimenzije skulpture (ako je važno znati).

Oblik i veličina postolja.

Gdje se nalazi ova skulptura?

Kakav je utisak na vas ostavio ovaj rad?

Koje asocijacije izaziva umjetnička slika i zašto?

Analiza istorije filma.

Prvi dio analize. Istorija izgleda. Direktorova ideja. Rad sa scenaristom i snimateljem.

1. Analiza karaktera junaka.

Zasićenost filma likovima. Karakteristike glavnih likova (detalji personifikacije). Karakteristike sporednih likova (njihove funkcije u odnosu na glavne likove, na radnju filma). Rad glumaca na ulozi. Analiza glumačke igre.

2. Analiza filma kao odraz rediteljeve subjektivnosti

Umjetnički kino kao samostalno umjetničko djelo. Autorska, tj. direktorsku poziciju (najčešće se manifestuje u njegovom intervjuu, možete ga naći u intervjuima, memoarima, člancima učesnika u stvaranju filma). Utjecaj stvarnih događaja u njegovom ličnom i društvenom životu na film. Odraz rediteljevog unutrašnjeg sveta.

Gledamo svijet svojim očima, ali umjetnici su nas naučili da ga vidimo. S. Maugham.

Simbolika i secesija u ruskoj umjetnosti na početku 20. vijeka. PETROV-VODKIN Kuzma Sergejevič (1878-1939) "Kupanje crvenog konja"

Događaji iz oktobra 1917. u prvim postrevolucionarnim godinama - ovo vreme je za nas postalo istorija, pa čak i legenda. Sagledavajući ga drugačije nego naši očevi i djedovi, nastojimo osjetiti i shvatiti epohu, njen patos i dramatiku, ponirajući u njenu umjetnost, zaobilazeći kategorične izjave političara.

U jednoj od knjiga objavljenih 1926. (Ščerbakov N.M. Umetnost SSSR-a. - Nova Rusija u umetnosti. M., Izdavačka kuća AHRR, 1926.), izražena je ideja: „...u takvim kristalima - slika, pesma, roman, statua - spomenik - ne samo da se dugo čuva smrtna, zrcalna senka života, već i deo energije, koja vekovima zadržava svoj naboj za one koji joj priđu"»

Kuzma Sergejevič Petrov - Vodkin (1878 - 1939), predstavnik ruske avangarde, rođen je u gradu Hvalinsku, Saratovska gubernija, u porodici obućara. Kratko je studirao u Samari, u Sankt Peterburgu, od 1897. na Moskovskoj školi za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu kod A.E. Arkhipova i V.A. Serova. Putovanje u Italiju i Sjevernu Afriku, učenje u školi Ashbe u Minhenu i pariški ateljei, upoznavanje s evropskom umjetnošću značajno su proširili umjetničke horizonte Petrov-Vodkina. Rani period umjetnikovog stvaralaštva obilježava simbolistička orijentacija ("San", 1910), u kojoj se naslućuje uticaj Vrubela i Borisova-Musatova. Petrov-Vodkin je postao poznat u Rusiji 1912. godine, kada je njegova slika Kupanje crvenog konja bila izložena na izložbi Svijet umjetnosti, koja je publiku zadivila svojom odvažnom originalnošću. Ovaj rad umjetnika označava važnu prekretnicu u njegovom stvaralaštvu: simbolika njegovog umjetničkog jezika nalazi plastični i figurativni izraz u tradicijama ikonopisa, kolorit - u trobojnom sistemu: crvena, plava, žuta. Umjetnik nastoji da u čovjeku otkrije manifestaciju vječnih zakona svjetskog poretka, da konkretnu sliku učini personifikacijom povezanosti kosmičkih sila. Otuda monumentalnost stila, te "sferna perspektiva", tj. percepcija bilo kojeg fragmenta sa kosmičke tačke gledišta, i razumijevanje prostora kao "jednog od glavnih pripovjedača slike".

Kupanje crvenog konja.

Na ogromnom platnu, skoro ravnom crvenom konju, koji zauzima dobru polovinu površine čitavog platna (i veliko je: 160 x 180 cm), sjedi goli dječak obojen narandžasto-žutom bojom. Jednom rukom se drži za uzdu, drugom se naslanja na ogromnog crvenog konja koji juri naprijed, namjerno se okrećući prema nama, kao da pozira. Konj se ne uklapa u okvir slike, oslanja se na njegove rubove. Oko grozničavo blista, nozdrve drhte, ali ga čovjek obuzdava. Ne div, već krhki mladić, tinejdžer lako sjeda na konja, povjerljivo stavljajući ruku na elastične sapi, lako i slobodno kontrolira konja, jasno se ističući na plavo-zelenoj pozadini rezervoara, u kojem su dva više dječaka se bavi svojim konjima.

Šta znači ova čudna slika? Činjenica da suština nije u svakodnevnom zapletu (umetnost se ne bavi svakodnevnim životom) kupanja konja (to je vidljivo i iz naziva - crvenih konja ipak nema), jasno je: značenje slika je šifrirana, morate je moći pročitati. Prema jednoj od modernih interpretacija, koja je vrlo česta, konj se doživljava kao simbol Rusije, personificira njenu ljepotu i snagu, asocira na Blokovu sliku „stepske kobile“, koja juri u galopu, u kojoj prošlost Rusije, i njena moderna, i ona večna koja će zauvek ostati. Drugo tumačenje, još generalizovanije, koje je izneo likovni kritičar D. Sarabjanov: „Ovo je san lepote, ne svakodnevni, već neočekivani, osećaj buđenja, prikupljanja energije pred buduća iskušenja, to je predosećaj velikih događaja, promena. ”

Neodređenost ideje slike potvrdio je i sam Petrov-Vodkin, koji je dvije godine nakon njenog nastanka, kada je počeo svjetski rat, rekao da je „neočekivano za njega proletjela misao – pa sam zato napisao “Kupanje crvenog konja” (Rusakov Yu.A. Petrov - Vodkin. Art., 1975.) Iako je posljednjih godina već bio ironičan u vezi s tim, odbacujući ono što je rečeno, naglašavajući nespremnost da svoju sliku veže za bilo koju određenu istorijski događaj: „Kada je izbio rat, naši pametni likovni kritičari su rekli:“ Evo šta je značilo „Kupanje crvenog konja“, a kada se desila revolucija, naši pesnici su pisali: „Ovo što znači crveni konj“ - ovo je praznik revolucije ”(citirano prema: Mochalov L.V. Petrov - Vodkin - L., "Aurora"., 1971.) Nejasnost ideje djela, neodređenost slutnji sadržanih u njemu su istinite izraz stanja duha ne samo Petrov-Vodkina, nego i inteligencije uopšte u prve dve decenije 20. veka. Iskustva, težnje, snovi ljudi, takoreći, materijalizirani su u simboličnoj slici crvenog konja. One nisu zasebno svakodnevne, već visoke, ogromne, vječne, kao vječni san o divnoj budućnosti. Za izražavanje ovog stanja bio je potreban poseban umjetnički jezik.

Inovacija Petrov-Vodkina zasniva se na njegovom razumijevanju umjetnosti moderne i prethodnih epoha, prije svega djela impresionista i Matisa, te tradicije drevne ruske umjetnosti (sjetite se, na primjer, čuvene ikone Novgorodske škole 15. vek „Đorđevo čudo o zmiji“), koji je posedovao bogata sredstva za oslikavanje večnog, duhovnog, čistog morala. Jasno definisana silueta objekata, lokalno oslikane površine, odbacivanje zakona perspektive i prikazivanje volumena, posebna upotreba boje - čuvena Petrov-Vodkinova "trobojka" prisutni su na ovom znamenitom platnu za umjetnika, otkrivajući originalnost. njegovog umetničkog jezika. U narodnim pričama postoji i lik jahača na crvenom konju. Riječ "crveno" na ruskom ima široko značenje: crvena je lijepa, što znači ne samo lijepa, već i ljubazna; crvena - djevojka.

Aktivno pozivanje umjetnika na tradicije ikonopisa nije slučajno. Njegovi prvi učitelji bili su ikonopisci njegovog rodnog Hvalinska, koji se nalazio na visokoj obali Volge.

Sve na slici je izgrađeno na kontrastima. Crvena boja zvuči alarmantno, primamljivo. I kao san, kao šumska daljina - plava, a kao sunčeva zraka - žuta. Boje se ne sudaraju, ne suprotstavljaju, već se usklađuju.

“Glavni znak nove ere bio je pokret, ovladavanje prostorom”, ustvrdio je umjetnik. Kako to prenijeti? Kako savladati prostor u slikarstvu? Petrov-Vodkin je nastojao da prenese beskonačnost svijeta, koristeći tzv. "sferna perspektiva". Za razliku od linearne koju su otkrili renesansni umjetnici, gdje je tačka gledišta fiksirana, sferna perspektiva podrazumijeva mnoštvo, pokretljivost gledišta, mogućnost gledanja prikazanog objekta iz različitih uglova, omogućavajući vam da prenesete dinamiku radnje. , raznolikost perspektiva vizije. Sferna perspektiva odredila je prirodu kompozicije Petrov-Vodkinovih slika i odredila ritam slike. Horizontalne ravni su dobile zaobljenost, poput sferne površine zemlje, planetarne.

Vertikalne ose se razilaze lepezasto, koso, i to nas takođe približava osećaju svemira.

Petrov-Vodkinove palete boja su uslovne: ravni boja su lokalne, zatvorene. Ali, posjedujući suptilan, urođen osjećaj za boju, umjetnik je, na osnovu svoje teorije kolorističke perspektive, stvorio djela, emocionalno figurativni sistem, koja je tačno i potpuno razotkrivena idejnim konceptom, patosom slike.

Petrov-Vodkin prihvata revolucionarno doba u Rusiji sa svojom karakterističnom filozofskom mudrošću. On piše: „U haosu izgradnje, svima koji nisu zadubljeni u lične partiture... jedna žica zvoni toksinom: Život će biti divan! Biće to divan život!” (Citirano prema: Kamensky A. A. Romantična montaža. M., Sovjetski umjetnik. 1989.)

Omiljene teme Petrov-Vodkinovog stvaralaštva su, posebno u teškim dvadesetim godinama, teme majčinstva i djetinjstva, itd.:

"1918. u Petrogradu" - "Petrogradska Madona"

Portret Ane Ahmatove

auto portret

Mrtva priroda sa plavom pepeljarom

Mrtva priroda sa ogledalom

Mrtva priroda sa slovima

Ružičasta mrtva priroda. grana jabuke

Jutarnja mrtva priroda

i velika monumentalna platna, na kojima je rezultat njegovog razumijevanja prošlosti i sadašnjosti

"Smrt komesara"

Nakon smrti umjetnika, njegovo djelo je izbrisano iz sovjetske umjetnosti, a tek 1960-ih ponovo je otkriveno i realizovano.

Književnost

1. Emohanova L.G. World Art. Tutorial. M., 1998.

2. Čitamo i pričamo o ruskim umjetnicima. Udžbenik ruskog jezika za strane studente. Ed. T.D. Chilikin. M., 1989.

3. Parkhomenko I.T. Istorija svjetske i domaće kulture. M., 2002.

4. Sokolova M.V. Svjetska kultura i umjetnost. M., 2004.

5. Ostrovsky G. Priče o ruskom slikarstvu. M., 1989.

6. Rapatskaya L.A. Ruska umetnička kultura. M., 1998.

Formiranje realizma u ruskoj muzici. MIHAIL IVANOVIĆ GLINKA (1804 - 1857)

Opera "ŽIVOT ZA Cara"

Muziku stvaraju ljudi, a mi, kompozitori, samo je aranžiramo. M.I. Glinka.

MI Glinka je ušao u istoriju muzike kao osnivač ruske nacionalne muzičke klasike. On je sabrao sve najbolje što su postigli ruski kompozitori prethodnih perioda (Varlamov, Aljabijev, Verstovski, Guriljev, Dubjanski, Kozlovski itd.), podigao rusku muziku na novi nivo i dao joj vodeću ulogu u svetskoj muzičkoj kulturi. .

Umjetnost M.I. Glinke, kao i djela A.S. Puškina i drugih ličnosti njegovog doba, rođena je iz društvenog uspona u Rusiji koji je nastao u vezi s Otadžbinskim ratom 1812. i Dekabrističkim pokretom - 1825.

M.I. Glinka je postao prvi klasik ruske muzike jer je mogao duboko i sveobuhvatno da izrazi u svom radu napredne ideje koje je izneo ovaj društveni uspon. Glavne su ideje patriotizma i nacionalnosti. Glavni sadržaj Glinkinog djela je slika ljudi, oličenje njihovih misli i osjećaja.

Prije Glinke, u ruskoj muzici, ljudi su bili prikazani samo u svakodnevnom životu: u svakodnevnom životu - njihov odmor, zabava. Glinka je prvi put u ruskoj muzici prikazao narod kao aktivnu snagu, utjelovio ideju da su ljudi pravi nosioci patriotizma.

Glinka je prvi stvorio punopravne muzičke slike heroja od ljudi koji idu na podvig zarad svoje rodne zemlje. U slikama kao što su Ivan Susanin, Ruslan i drugi, Glinka sažima najbolje duhovne kvalitete cijelog naroda: ljubav prema domovini, hrabrost, duhovnu plemenitost, čistoću i požrtvovnost.

Zaista oličeći najbitnije, tipične osobine junaka i čitavog naroda, Glinka postiže novi, najviši stepen REALIZMA.

Glinka se u svom radu oslanja na narodnu pesničku osnovu: „Narod stvara muziku; a mi, umjetnici, to samo aranžiramo.” Blizina, unutrašnja srodnost sa narodnom umjetnošću osjeća se u Glinki svuda: u svakodnevnim epizodama (kao i kod drugih kompozitora prije Glinke), i u herojskim i lirskim.

Glinka je Puškin u muzici. Puškin A.S. kao i Glinka, on je u rusku književnost uveo narodne slike, narodni jezik.

Glinka je posedovao sva dostignuća kompozitorske veštine. Proučavao je iskustva stranih kompozitora - Baha, Hendla, Mocarta, Betovena, Šopena, dok je ostao duboko nacionalni, ruski kompozitor.

Opera Život za cara prvi je primjer herojske narodne muzičke drame u istoriji muzike. Zasnovan je na istorijskoj činjenici - patriotskom podvigu seljaka u selu Domnino kod Kostrome, Ivana Osipoviča Susanina, počinjenog početkom 1613. Moskva je već bila oslobođena od poljskih osvajača, ali su osvajači još lutali ruska zemlja. Jedan od ovih odreda želio je uhvatiti cara Mihaila Fedoroviča, koji je živio u blizini sela Domnino. Ali Susanin, kome su neprijatelji hteli da postanu vodiča, pretvarajući se da se slaže, poveo je odred Poljaka u gustu šumu i ubio ih, dok je sam umirao.

Glinka je u svojoj operi utjelovio ideju o veličini podviga učinjenog u ime otadžbine i naroda. Dramaturgija opere zasnovana je na sukobu dve sile - ruskog naroda i poljskog plemstva. Svaka radnja opere jedna je od faza u razotkrivanju ovog sukoba, koji se ne otkriva samo u radnji opere, već iu njenoj muzici. Muzičke karakteristike ruskih seljaka i Poljaka su suprotne: za Ruse su karakteristične PESME - za Poljake PLESOVI. Društveno-psihološke karakteristike su takođe suprotne: poljske osvajače prati ili nemarna ili militantna muzika Poloneza i Mazurke. Rusi su prikazani smirenim i hrabrim pesmama narodno-seljačkog ili vojničkog magacina. "Poljska" muzika do kraja opere gubi svoj ratnički duh i zvuči potišteno. Ruska muzika, sve ispunjenija snagom, preliva se u moćnu slavnu himnu "Glorify".

Heroji opere iz redova ruskih seljaka - Susanin, Antonida (kći), Vanja (usvojeni sin), ratnik Sobinin. Oni su individualni i istovremeno personificiraju jednu od strana karaktera svog naroda: Susanin - mudra veličina; Sobinin - hrabrost; Antonida - srdačnost. Integritet likova čini heroje opere oličenjem ideala ljudske ličnosti.

2. čin opere - "Poljski akt" - "Poloneza" i "Mazurka" - tipično poljski plesovi, koji se odlikuju sjajem nacionalnog karaktera. "Poloneza" zvuči ponosno, grandiozno i ​​borbeno. (Saslušanje).

"Mazurka" - bravurozna, zamašne melodije. Muzika oslikava portret poljskog plemstva, prikrivajući njihovu pohlepu, samopouzdanje, sujetu spoljašnjim sjajem. (Saslušanje).

I "Poloneza" i "Mazurka" se ne pojavljuju kao seljački, već kao viteški plesovi.

Glinka je prvi pridao veliku dramatičnost plesu. "Poljskim činom" ove opere, Glinka je postavio temelje ruske baletske muzike.

"Arija Susanina" - (4. čin), dramatična kulminacija cijele opere. Ovdje se otkrivaju glavne crte izgleda junaka u odlučujućem času njegovog života. Uvodni recitativ - "Oni mirišu istinu..." zasnovana na nežurnim, sigurnim intonacijama skladišta pjesama. Sama arija "Uskrsnut ćeš, zoro moja..." izražava duboku misao, uzbuđenje i iskrenu tugu i hrabrost. Susanin se žrtvuje za otadžbinu. A ljubav prema njoj daje mu snagu, pomaže mu da dostojanstveno podnese sve patnje. Melodija arije je jednostavna i stroga, široko pjevana. Pun je topline intonacije, svojstvene ruskoj lirskoj pesmi. Arija je građena u 3 privatne forme: prva je koncentrisanog, suzdržanog karaktera; drugi je uzbuđeniji i izražajniji; treći je ponavljanje prvog dijela. (Saslušanje).

U ovoj ariji Glinka je prvi put, na osnovu intonacija narodne pesme, stvorio muziku prožetu istinskom tragikom, „narodnu melodiju uzdigao do tragedije“. Ovo je kompozitorov inovativni pristup narodnoj pesmi.

Genijalna "SLAVA" kruniše operu. Ovaj refren utjelovljuje ideju patriotizma i veličine domovine, i ovdje dobiva najpotpuniji, potpuni i živopisniji figurativni izraz. Muzika je puna svečanosti i epske snage, što je tipično za HIMNU. Melodija je slična melodijama junačkih, hrabrih narodnih pjesama.

Muzika finala izražava ideju da je Susanin podvig ostvaren radi naroda i samim tim besmrtan. Tri hora, dva orkestra (jedan duvački, na sceni) i zvona izvode muziku finala. (Saslušanje).

U ovoj operi Glinka je zadržao crte romantičnog pogleda na svet i otelotvorio najbolje osobine ruske realističke muzike: snažnu strast, buntovnički duh, slobodan let fantazije, snagu i sjaj muzičke boje, visoke ideale ruske umetnosti.

Književnost

1. Ruska muzička literatura. Ed. E.L. Fried. L., 1970

2. Cannes - Novikova E. Mala priča o M.I. Glinka. M., 1987.

3. Livanova T.M. M.I. Glinka. M., 1962.

4. Remizov I.V. Glinka M.I. M., 1960.

Ideje prosvjetiteljstva u stranoj književnosti Jonathan Swift (1667 - 1745) "Guliverova putovanja"

Naše doba je dostojno samo satire. J. Swift

Rođena u doba prosvetiteljstva, velika umetnička dela su sada u četvrtom veku. Misli, strasti, djela ljudi tog dalekog vremena postaju bliski ljudima drugih epoha, osvajaju njihovu maštu, ulijevaju vjeru u život. Među takvim kreacijama je i Mocartova opera "Figarova ženidba" sa svojim junakom koji nikada ne klone duhom i ne odustaje ni pod kojim okolnostima. Među takvim kreacijama su roman Daniela Defoea "Robinson Crusoe" i slike Williama Hogartha i Jean Baptiste Simeona Chardina i drugih majstora tog doba.

Ako putnik stigne u Dablin, glavni grad Irske, sigurno će biti odveden u malu kuću u kojoj je dekan katedrale sv. Petra Jonathan Swift. Ova kuća je svetište za Irac. Swift je Englez, ali je rođen u Dablinu, gdje se otac budućeg pisca preselio u potrazi za poslom.

Swiftov samostalni život započeo je na engleskom imanju Moore Park, gdje je nakon diplomiranja na Univerzitetu u Dablinu dobio mjesto sekretara od utjecajnog plemića Sir William Templea. Bivši ministar Temple, nakon što je otišao u penziju, nastanio se na svom imanju i počeo da se bavi književnim radom. Swift, koji je posjedovao izvanredan talenat za pisanje, bio je jednostavno dar od Boga za Templea, koji je besramno koristio posao mlade sekretarice.

Ova služba je teško opterećivala mladog sekretara, ali ga je u Mur Parku čuvala obimna biblioteka Templa i njena mlada učenica, Esther Johnson, za koju je Svift bio nežno vezan tokom svog života.

Stela (kako ju je Swift zvala) pratila je svog prijatelja i učitelja u irsko selo Laracore, gdje je otišao nakon Templeove smrti da tamo postane svećenik. Godinama kasnije, Swift bi pisala Stele na njen rođendan:

Srce prijatelju! vam odgovara

Danas je trideset peta godina.

Vaše godine su se udvostručile

Međutim, godine nisu problem.

Neću zaboraviti, Stela, ne

Kako si procvetala sa šesnaest godina

Ipak, prednost je nad ljepotom

Uzima ti pamet danas.

Kada podijeliti bogove

Pokloni na pola,

Bez obzira na starost za ljudska osećanja

Otkrivene su dvije mlade nimfe takve

Dakle, podijelite svoja ljeta

Udvostručiti ljepotu?

Zatim ćudljiva sudbina

Morao bih da poslušam svoju molbu

Kao da delim moj večni žar,

Tako da pripada dvojici.

Svift je morao da izdrži Stelu i duboko je oplakivao smrt "najvernijeg, najvrednijeg i neprocenjivog prijatelja sa kojim sam... bio... blagosloven".

Swift se nije mogao ograničiti samo na skroman rad pastora. Još za Templeovog života objavio je svoje prve pjesme i pamflete, ali pravim početkom Sviftove književne aktivnosti može se smatrati njegova knjiga "Priča o buretu" - (engleski narodni izraz koji ima smisla: pričati gluposti, pričati gluposti), napisana za opšte unapređenje ljudske rase.

Voltaire je, nakon što je pročitao Priču o buretu, rekao: „Swift uvjerava da je bio pun poštovanja prema svom ocu, iako je svoja tri sina liječio sa stotinu štapova, ali su ljudi koji nisu vjerovali otkrili da su štapovi bili toliko dugi da su ozlijedili njihove otac.”

"Priča o buretu" donijela je Swiftu veliku slavu u književnim i političkim krugovima Londona. Njegovo oštro pero cijene obje političke stranke: Vigovci i Torijevci.

Swift je u početku podržavao stranku vigovaca, ali ih je vrlo brzo napustio zbog neslaganja s njihovom vanjskom politikom. Vojvoda od Marlboroua, poglavar Vigovaca, nastojao je da nastavi krvavi rat sa Francuskom za "špansku sukcesiju". Ovaj rat je uništio zemlju, ali se Marlborou obogatio vojnim zalihama. Swift je počeo podržavati Torijeve i borio se protiv rata svojim perom.

Godine 1713. zaključen je Utrehtski ugovor, ne bez direktnog uticaja pisca. Ovaj sporazum se čak naziva i "Swiftov mir".

Sada je Swift postao toliko moćna ličnost u političkim krugovima da se pokazalo nezgodnim ostaviti ga kao seoskog svećenika.

Prijatelji su ga uvjeravali da će biti uzdignut barem u čin biskupa. Ali visoki crkvenjaci nisu mogli oprostiti briljantnom satiričaru njegove čuvene "Priče o buretu". Nakon godina oklevanja, kraljica je Swiftu dala mjesto dekana (rektora) Dablinske katedrale, što je bilo ravno počasnom progonstvu.

Osam godina, Swift je bila u Dablinu u Irskoj, gotovo bez pauze. A 1726. godine, u dobi od pedeset osam godina, ponovo se našao u središtu političke borbe. Ovaj put je svoj talenat usmjerio na odbranu irskog naroda.

Povod za Swiftove govore u političkoj areni bio je skandal koji je izbio oko irskog novca. Engleski biznismen Vud, koji je kovao bakarni novac za Irsku, stavio je deo bakra dobijenog od engleske vlade u svoj džep. Irci su, s druge strane, plaćani u šilingima, koji su sadržavali 10 puta manje bakra od engleskih kovanica istog apoena. Swift je objavio seriju pamfleta pod nazivom "Pisma tvorca sukna" u kojima je, navodno u ime dablinskog trgovca tkaninama, opisao užasavajuće siromaštvo Iraca i za to okrivio englesku vladu, koja je podrivala ekonomiju Irske kroz Vudove ruke.

Sviftovi pamfleti izazvali su ustanak u Dablinu.Premijer Engleske Lord Walpole naredio je hapšenje Svifta. Ali zatvoreni i strogi dekan Dablinske katedrale postao je miljenik Iraca. Stvoren je poseban odred da ga štiti, danonoćno dežurajući u blizini Sviftove kuće.

Kao rezultat toga, premijer Walpole je dobio odgovor iz Irske: „Trebalo bi deset hiljada vojnika da uhapse Swifta.“ Stvar je morala biti zataškana. Vicekralj

Irska Lord Carteret je izjavio: "Ja vladam Irskom sa zadovoljstvom dr. Swifta"

Swift je umro 1745. i sahranjen je u Dablinskoj katedrali. Na njegovom nadgrobnom spomeniku bio je uklesan natpis koji je sam napravio": "Ovde leži telo Džonatana Svifta, dekana ove katedralne crkve, i teško ogorčenje više mu ne trga srce. Idi, putniče, i oponašaj, ako možeš, tvrdoglavog branioca hrabre slobode. Swift se odlikovao izuzetnom tajnovitošću. Posebnom misterijom okružio je nastanak glavnog djela svog života – romana na kojem je radio više od šest godina – „Putovanje u neke daleke zemlje svijeta Lemuela Gullivera, prvo hirurga, a potom kapetana nekoliko brodova." Čak ni izdavač, koji je 1726. godine dobio rukopis romana od "nepoznate osobe", nije znao ko je njegov autor. Swift je stavio rukopis na svoj prag i nazvao. Kada je izdavač otvorio vrata, ugledao je rukopis i taksi koji je odlazio. Svift je odmah napustio London i vratio se u Dablin.

Svi smo čitali ovu fascinantnu knjigu kao djeca. Iako je pisana za odrasle. Stoga, pokušajmo ga ponovo pročitati i pokušati proniknuti u autorovu namjeru.

Kompozicija romana sastoji se od 4 dijela. Svaki od dijelova je priča o nekoj fantastičnoj zemlji. Priča je ispričana u ime glavnog junaka - Gullivera, navigatora koji igrom slučaja dospijeva u ove zemlje. Drugim riječima, kao i Robinson Crusoe, ovo je putopisni roman. Prisjetimo se kako roman počinje.

Guliver završava u Liliputu - zemlji u kojoj žive mali ljudi, 12 puta manji od normalnog čovjeka.

Saznajemo da u Liliputu postoji monarhija i da je na čelu države car, ista mala osoba kao i svi Liliputanci, ali sebe naziva "Radost i užas svemira". U carstvu „... Prije sedamdesetak mjeseci formirale su se dvije zaraćene strane, poznate kao Tremeksens i Slemeksens. Prvi su pristalice visokih potpetica, drugi - niske... Njegovo Veličanstvo je pobornik niskih potpetica i odlučio je da svi zaposleni u državnim i sudskim institucijama koriste niske potpetice. Vidimo koliko su „značajne“ njihove razlike.

Visokopozicionirane osobe, koje se prijavljuju za važnu javnu poziciju, takmiče se u sposobnosti skakanja po konopcu. Swift pod takvim vježbama podrazumijeva sposobnost vještog pletenja intriga, zadobijanja naklonosti monarha.

Liliputija je u ratu sa susjednom državom Blefuscu oko kojeg kraja da razbije jaja. Pre mnogo godina, prestolonaslednik je posekao prst za vreme doručka, razbivši jaje sa tupog kraja. “Tada je car, njegov otac, izdao dekret kojim je svim svojim podanicima naložio da, pod pretnjom teške kazne, razbiju jaja oštrim krajem. Ovaj dekret je toliko ogorčio stanovništvo da je ... bio povod za šest ustanaka ... Blefuscuovi monarsi su neprestano podsticali ove ustanke i sklonili njihove učesnike u svoje posjede. Ima i do jedanaest hiljada fanatika koji su otišli na smrtnu kaznu jer su odbili da razbiju jaja oštrim krajem.

Vidimo koliko je apsurdan uzrok ovih krvavih ratova. I Guliver to razumije, ali može li utjecati na događaje liliputanskog života? Guliver je u početku bio zarobljenik Liliputanaca. On ne pruža nikakav otpor i brine se samo da ne naudi ovim malim stvorenjima. Tada je dobio vrlo ograničenu slobodu, potpisavši devet klauzula obaveza, i odmah je vladarima Liliputa učinio neprocjenjivu uslugu zarobljavanjem neprijateljske flote. Zahvaljujući tome, sklopljen je mirovni ugovor po povoljnim uslovima za Liliput.

Kako se car odužio Guliveru za ovu i druge usluge koje je učinio?

Na klevetu zavidnih ljudi, Guliver je optužen za izdaju i osuđen na smrt, ali tada je car "iz svoje uobičajene dobrote odlučio da mu poštedi život i zadovolji se naredbom da mu iskopa oba oka", a zatim umire od gladi. njega do smrti.

Tako su se car i njegovi pristaše odužili Guliveru za njegovu prijaznost, ljubaznost i pomoć.

Guliver više ne vjeruje u milost cara i bježi u Blefusku, a odatle, sagradivši čamac, odlazi u svoju domovinu.

Tako je završeno Guliverovo prvo putovanje.

Šta je fantastično u zemlji Liliputa? Mala veličina stanovnika ove zemlje i svega što ih okružuje? U poređenju sa normalnim ljudskim rastom, Guliver je tačno 12 puta veći od Liliputanaca, zbog čega se Liliputancima čini fantastičnim stvorenjem. U svim ostalim aspektima, Liliputija je vrlo stvarna zemlja.

Očigledno je da Liliputija podsjeća na Swiftovu modernu Englesku, sa svoje dvije zaraćene strane, zakulisne intrige političara, sa vjerskim raskolom koji ne vrijedi ništa, ali košta živote hiljada ljudi.

Prepoznajemo i drevno neprijateljstvo susjeda - Engleske i Francuske, samo je Swift promijenio njihov geografski položaj: Liliputija je njegovo kopno, a Blefuscu je ostrvo.

Šta znači fantastično smanjenje veličine? Zašto je Swiftu trebao Liliput ako je želio da opiše Englesku?

Swift prikazuje sve redove i događaje liliputanskog života na takav način da ova zemlja, iza koje se vidi Engleska, izgleda vrlo smiješno. Pretvorivši svoju domovinu u Liliputiju i natjeravši nas da vjerujemo u njenu stvarnost, Swift izlaže engleske običaje, politiku, religiju zajedljivom satiričnom ruglu.

Drugim riječima, Lilliputia je savremena buržoaska Engleska koju je umjetnik vidio i razotkrio umjetničkim sredstvima s društvenim sistemom koji Swift negira.

Pošto je pokazao da moderno englesko društvo nije idealno, Swift šalje svog heroja u druge "zabačene zemlje svijeta". Za što? U potrazi za ovim idealom.

Da li je Swift pronašao idealan društveni poredak u kojem bi ljudi bili slobodni, jednaki i osjećali bi bratstvo jedni prema drugima?

Da bismo odgovorili na ovo pitanje, čitamo odlomak iz drugog dijela romana: „Ugledavši me, beba je... podigla... plač, ... zamijenila me za igračku. Domaćica me je, vođena osjećajem majčinske nježnosti, uzela i postavila ispred djeteta. Odmah me je uhvatio za struk i stavio mi glavu u svoja usta. Vrištala sam tako očajno da me dijete ispustilo uplašeno. Na svu sreću, domaćica mi je uspjela zamijeniti svoju kecelju. Inače bih se sigurno srušio na smrt."

Ovaj fragment iz drugog dijela romana "Putovanje u Brobdingnag" Gulliver se ovdje i sam našao u ulozi patuljaka u odnosu na stanovnike ove zemlje, što je izazvalo neobične situacije.

Na primjer, priča o dva pacova, od kojih se Gulliver hrabro branio, mašući svojim bodežom.

Prisjetimo se epizode sa žabom koja je jedrom zamalo potopila Guliverov čamac. A priča o majmunu, koji je zamalo nasmrt mučio jadnog Gulivera, zamijenivši ga za mladunče, apsolutno je dramatična.

Sve ove epizode su veoma smešne i za divove i za čitaoce. Ali sam Guliver je bio u stvarnoj opasnosti po svoj život.

Kako se Guliver manifestira u ovim smiješnim, ponižavajućim i opasnim situacijama?

Ne gubi prisustvo duha, plemenitost, samopoštovanje i radoznalost putnika. Na primjer, nakon što je prije minut ubio pacova koji ga je mogao rastrgati na komade, Gulliver užurbano mjeri njegov rep i obavještava čitaoca da je dužina repa bila dva jarda bez jednog inča.

Ponižavajući položaj male igračke nije učinio Gulivera ni kukavičkim ni opakim. Na budalaštine kraljevskog patuljka, on uvijek odgovara velikodušnošću i zagovorom. Mada ju je patuljak jednom zabio u kost, a drugi put umalo udavio u zdjeli kreme.

Šta Guliver radi u zemlji divova? Uči Brobdingnag kako bi mogao razgovarati s ljubaznim i inteligentnim kraljem Brobdingnaga.

O čemu pričaju kralj i Guliver?

Kralj pita Gulivera o engleskoj državnoj strukturi, o čemu Guliver vrlo detaljno priča. Njegov izvještaj kralju imao je pet audijencija.

Zašto kralj sluša Guliverove priče s takvim zanimanjem? Na ovo pitanje je odgovorio sam kralj. Rekao je: "...iako se suvereni uvijek čvrsto drže običaja svoje zemlje, ali bi mi bilo drago da nađem nešto vrijedno imitacije u drugim državama"

A šta je „dostojno imitacije“ Guliver ponudio kralju? On je detaljno govorio o razornom dejstvu oružja punjenog barutom. Istovremeno, Gulliver je ljubazno ponudio da napravi barut. Kralj je bio užasnut ovim prijedlogom. Bio je duboko ogorčen užasnim scenama krvoprolića uzrokovanih djelovanjem ovih razornih mašina. "Da ih izmisli", rekao je kralj, mogao je biti samo neka vrsta zlog genija, neprijatelja ljudske rase. Ništa mu ne pričinjava takvo zadovoljstvo, reče kralj, kao naučna otkrića, ali bi radije pristao da izgubi pola kraljevstva nego da bude upoznat sa tajnom takvog izuma. Rat nije našao ništa vredno imitacije. Kralj Brobdingnaga kaže da „... za dobru vlast su potrebni samo zdrav razum, pravda i dobrota. On vjeruje da će onaj ko, umjesto jednog klasja ili jedne stabljike trave, uspije uzgojiti dva na istoj njivi, učiniti čovječanstvu i svojoj domovini veću uslugu od svih političara zajedno.

Ovo je prosvijećeni monarh, a njegova država je prosvijećena monarhija. Može li se ovo stanje smatrati idealnim, o kakvom su sanjali prosvetitelji? Naravno da ne! Stanovnike ove zemlje vodi pohlepa, žeđ za profitom. Farmer je doveo Gullivera do iznemoglosti, zarađujući novac od njega. Vidjevši da je Guliver bolestan i da može umrijeti, farmer ga je prodao kraljici za hiljadu zlota.

Na ulicama glavnog grada Guliver je vidio prosjake. Evo kako on to opisuje: „Bio je to užasan prizor. Među prosjacima je bila i žena sa takvim ranama na grudima da sam se mogao popeti u njih i sakriti se tamo, kao u pećini. Još jedan prosjak imao je gušavost veličine pet bala vune koja mu je visila oko vrata. Treći je stajao na drvenim nogama visokim po dvadeset stopa. Ali najodvratnije od svega bile su vaške koje su puzale po njihovoj odeći.

Kao što vidimo, društvo zemlje divova nije pošteđeno društvenih čireva, uprkos činjenici da ovu zemlju vodi kralj-naučnik, filozof-kralj koji brine o svojim podanicima, ali je pokretačka snaga života društva je novac, strast za profitom. Dakle, jedan dio društva se nesmetano bogati, a drugi prosjači.

Swift je pokazao da prosvijećena monarhija nije sposobna da osigura trijumf slobode, jednakosti i bratstva za svoje podanike ako se u ovoj državi sačuva moć novca nad ljudima, a time i siromaštvo i nejednakost.

Ali autor ne gubi nadu. Možda negdje drugdje postoje druge zemlje uređene pravednije. Potraga nije završena. I Gulliver, čudesno oslobođen i vraćen u domovinu, nije izgubio strast za putovanjima.

“Izvagali smo sidro 5. avgusta 1706...” Tako je počelo treće Guliverovo putovanje - “Putovanje u Laputu”

Guliver završava na letećem ostrvu. Koga je tamo vidio?

“Nikad prije nisam vidio smrtnike koji bi svojom figurom, odjećom i izrazom lica izazvali takvo iznenađenje. Svi su imali nagnute glave udesno i ulijevo: jedno oko škiljilo prema unutra, dok je drugo gledalo pravo prema gore. Njihova gornja odjeća bila je ukrašena slikama sunca, mjeseca, zvijezda prošaranim slikama violine, flaute, harfe, trube, gitare, klavikorda"

Šta rade čudni stanovnici ostrva?

Laputanci su zauzeti najapstraktnijim naukama i umjetnostima, odnosno matematikom, astronomijom i muzikom. Toliko su uronjeni u svoje misli da ne primjećuju ništa okolo. Stoga ih uvijek prate sluge koje po potrebi tapšu gospodare ili po usnama, ili po očima, ili po ušima ogromnim mjehurićima naduvanim zrakom, podstičući ih da slušaju, vide i govore.

U glavnom gradu postoji akademija projektora, gdje se bave prilično čudnim naučnim istraživanjima. Jedan od naučnika izvlači sunčeve zrake iz krastavaca. Drugi je smislio novi način gradnje zgrada - s krova. Treći uzgaja gole ovce. Ovakva "velika" otkrića, sva ta naučna aktivnost nije usmjerena na poboljšanje života ljudi. Ekonomija zemlje je uništena. Ljudi gladuju, hodaju u krpama, njihovi domovi se uništavaju, a naučna elita o tome ne brine.

Kakav je odnos između kralja Lapute i njegovih podanika koji žive na zemlji?

U rukama ovog monarha je strašna mašina za kažnjavanje - leteće ostrvo, uz pomoć kojeg on drži cijelu zemlju u pokornosti.

Ako u nekom gradu odbiju da plate porez, tada kralj zaustavlja svoje ostrvo iznad njih, lišavajući ljude sunca i kiše, gađajući ih kamenjem. Ako ustraju u neposlušnosti, onda se ostrvo, po kraljevoj naredbi, spušta direktno na glave neposlušnih i sravnjuje ih zajedno sa kućama.

Tolika je destruktivna moć koju može imati dostignuće nauke kada je u rukama neljudskog vladara. Nauka u ovoj zemlji je nehumana, usmjerena je protiv ljudi.

Pred očima putujućeg Gulivera prošle su tri zemlje, u kojima je postojala jedna vrsta vlasti - monarhija.

Čitaoci su zajedno sa Guliverom došli do zaključka da je svaka monarhija zla. Zašto?

To možemo potvrditi. Čak ni prosvijećeni džinovski kralj ne može stvoriti idealne ekonomske i društvene uslove za život ljudi. Monarhija u svom najgorem slučaju, kada zli despot koji je ravnodušan prema interesima naroda ima neograničenu vlast, najveće je zlo za čovječanstvo.

U četvrtom dijelu Guliver ulazi u zemlju Houyhnhnma. Stanovnici ove zemlje su konji, ali, prema Guliveru, njihova racionalnost i moralni kvaliteti su superiorniji od ljudi. Houyhnhnms ne poznaju takve poroke kao što su laž, prevara, zavist i pohlepa. Njihov jezik čak nema riječi za ove pojmove. Ne svađaju se među sobom i ne svađaju se. Oni nemaju oružje. Oni su ljubazni i plemeniti, prije svega cijene prijateljstvo. Njihovo društvo je izgrađeno na razumnim principima, a njihove aktivnosti su usmjerene na dobrobit svih njegovih članova. Državni sistem ove zemlje je republika. Vijeće je njihov oblik vladavine.

“Svake četiri godine u vrijeme proljetne ravnodnevice… postoji vijeće predstavnika cijele nacije. ... Na ovom vijeću se raspravlja o situaciji u raznim oblastima: da li su dovoljno snabdjeveni sijenom, zobom, kravama i Yahooom. Ako nešto nedostaje u jednom od okruga, onda vijeće tamo dostavlja ono što je potrebno iz drugih okruga. Odluke u tom smislu uvijek se donose jednoglasno.”

Guliveru se ova zemlja činila idealnom. Ali da li je to idealno sa naše tačke gledišta?

Houyhnhnms nemaju pisani jezik, a samim tim ni književnost. Ne razvijaju ni nauku ni tehnologiju, tj. ne teže društvenom napretku. Njihova hvaljena racionalnost i dalje se ne može porediti sa radoznalim ljudskim umom, koji beskrajno teži da nauči nove stvari.

"Osnovno pravilo života za njih je potpuno podređivanje svog ponašanja vodstvu uma" Ali to praktično isključuje sva osjećanja. Čak i na smrt svojih najmilijih, oni su "razumni", odnosno ravnodušni. Ovdje je prikladno podsjetiti se na epizodu sa jednom kobilom koja je zakasnila u posjetu zbog iznenadne smrti muža. Izvinila se što je kasnila, a cijelo veče je bilo mirno i veselo kao i ostali gosti.

Gullivera su ipak protjerali iz svoje zemlje dobri Huinhnmi, zaključivši da je nerazumno držati tako sumnjivo stvorenje u svom društvu. Šta ako im naudi?

Guliver se vraća u domovinu, gdje sada većinu vremena provodi u štali. Putovanje je gotovo. Možete i rezimirati: Vodeći svog heroja kroz razne zemlje, da li Swift pronalazi idealnu društvenu strukturu?

br. Swift ne nalazi pozitivan ideal ni u svom savremenom engleskom buržoaskom društvu (Liliput), ni u prosvijećenoj monarhiji divova, ni na letećem ostrvu naučnika. A vrlina republika Houyhnhnms izgleda kao utopija, nije slučajno da je ovo još uvijek društvo konja, a ne ljudi. Koja je glavna snaga Swiftovog romana?

Snaga njegovog romana je u satiričnom ismijavanju nepravednih oblika društvenog postojanja.U četvrtom dijelu romana su neobična bića koja igraju veliku ulogu u priči. Ko su Yahooi? Šta znači njihova pojava u romanu?

Yehu su prljave, ružne divlje životinje koje obiluju u zemlji Houyhnhnma. Po svom izgledu veoma podsjećaju na osobu. Nakon pomnog ispitivanja, Guliver je također vidio ovu sličnost i bio je užasnut. Ali da li su Yahooi samo po izgledu slični ljudima?

Sivi konj je nakon ovakvih razgovora sa Guliverom došao do zaključka da u običajima i običajima evropskih naroda ima mnogo sličnosti sa običajima Yahooa. “... Uzroci svađe među ovom stokom su isti kao i uzroci svađe među vašim suplemenicima. U stvari, ako petorici Yahoo-a date hranu koja bi bila dovoljna za pedeset, onda oni, umjesto da mirno nastave da jedu, počinju svađu. Svako nastoji da sve za sebe uhvati.Često u tuči jedni drugima nanose ozbiljne rane kandžama i zubima. Yehu se bori ne samo oko hrane, već i zbog dragulja - raznobojnih sjajnih kamenčića koje skrivaju jedan od drugog. Postoji još jedna sličnost sa ljudima. Na primjer, uživaju u sisanju korijena, što na njih djeluje na isti način na koji alkoholna pića i droge utječu na Evropljane. U većini stada postoje vladari koji se odlikuju posebno opakim raspoloženjem i stoga drže cijelo krdo u poslušnosti. Okružuju se gadnim favoritima koje svi drugi mrze. Uočen sivi konj

ovo je velika sličnost sa evropskim monarsima i njihovim ministrima.Odakle ove podle životinje u zemlji Houyhnhnma? Prema legendi, nekoliko podlih Yahooa jednom je stiglo u ovu zemlju s druge strane mora. Namnožili su se, podivljali, a njihovi potomci su potpuno izgubili razum. Drugim riječima, Yahooi su degenerirani ljudi koji su izgubili svoju kulturu i civilizaciju, ali su zadržali sve poroke ljudskog društva.

Swift ovdje raspravlja s Defoeom i njegovom slikom idealnog, razumnog buržuja, budući da je historija Yahooa antirobinzonada. U četvrtom dijelu, Swiftova satira dostigla je vrhunac. Smiješno postaje strašno. Swift je naslikao degeneraciju ljudskog društva koje živi po zakonima Yahooa.

Četvrti dio je konačni zaključak, rezultat ovog filozofskog putovanja. Sve dok je čovječanstvo vođeno žeđom za profitom, moći i tjelesnim zadovoljstvima, društvo se neće graditi po zakonima razuma. Štaviše, ići će putem degradacije i destrukcije. Swift dosljedno i logično razotkriva prosvjetiteljsko-buržoasku ideologiju, idući od posebnog ka opštem, od jedne specifične zemlje do univerzalne generalizacije.

Briljantni satiričar bio je daleko ispred svoje ere. Šta je za nas savremeni zvuk romana? Jesu li Swiftova upozorenja izgubila na važnosti?

Ako pohlepa, obmana, moć novca i stvari, pijanstvo, narkomanija, ucjena, servilnost, pretjerane ambicije i ambicije koje se nisu ostvarile u prošlosti i koje se ne mogu ostvariti u sadašnjosti, provokacije i beskrajne svađe sa svojim vrstama, pretvarajući se u strašne, krvave ratove, zavladat će čovječanstvom, onda ljudi riskiraju da se pretvore u Yahoo. Od toga ih neće spasiti nikakva civilizacija i visok nivo naučnog i tehnološkog napretka. Strašno je ako kultura beznadežno zaostaje za civilizacijom! Ljudi se presvlače, ali poroci, koji dobijaju civilizovan izgled, ostaju.

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja je jednostavno. Koristite obrazac ispod

Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.

Hostirano na http://www.allbest.ru/

Federalna državna budžetska obrazovna ustanova visokog stručnog obrazovanja

Državni tehnički univerzitet u Omsku

Odjel za DTM

Esej

na temu:

Analiza umjetničkog djela na primjeru slike Michelangela Buonarrotija "Posljednji sud"

Završio: student gr. ZSR-151 A.A. Kareva

Provjerio: profesor Gumenyuk A.N.

Uvod

1. Radnja Posljednjeg suda

2. Opšte informacije o razlikama između slike i ikone

3. Kompozicija oltarske freske Sikstinske kapele Michelangela Buonarrotija (1475-1564) "Posljednji sud" (1535-1541)

Zaključak

Spisak korišćene literature

Uvod

Posljednji sud je Mikelanđelova freska na oltarskom zidu Sikstinske kapele u Vatikanu. Umjetnik je radio na fresci četiri godine - od 1537. do 1541. Mikelanđelo se vratio u Sikstinsku kapelu tri decenije nakon što je završio oslikavanje njenog plafona. Velika freska zauzima cijeli zid iza oltara Sikstinske kapele. Njegova tema je bio drugi Hristov dolazak i Apokalipsa.

Posljednji sud smatra se djelom koje je okončalo renesansu u umjetnosti, kojoj je i sam Mikelanđelo odao počast u slikama plafona i svoda Sikstinske kapele, i otvorio novo razdoblje razočaranja u filozofiji antropocentričnog humanizma.

1. Radnja Posljednjeg suda

Drugi Hristov dolazak, kada će, prema hrišćanskoj doktrini, doći do opšteg uskrsnuća mrtvih, koji će zajedno sa živima biti konačno suđeni, i biće im određeno da li da budu uzeti na nebo ili bačeni u pakao. Sveto pismo o tome govori mnogo puta, ali glavni autoritet je Hristov govor učenicima, koji je rekao Matej: i razdvojiti jedno i drugo, kao što pastir odvaja ovce od koza; i stavi mu ovce na desnu ruku, a koze na lijevu.” Njima treba suditi prema njihovim djelima milosrđa, koja su činili u svom zemaljskom životu. Grešnici će morati da odu na "večne muke".

Drugi Hristov dolazak (ili Hristovo kraljevstvo na zemlji) sa sigurnošću se očekivao 1000. godine, a kada se ta očekivanja nisu ostvarila, Crkva je počela da pridaje sve veći značaj učenju o „Četiri poslednja dela“ – smrti. , presuda, raj, pakao.

Od tog vremena počele su se pojavljivati ​​slike Posljednjeg suda (uglavnom u 12.-13. stoljeću) na skulpturalnim zapadnim zabatima francuskih katedrala.

To je velika priča sa nekoliko delova. Hristos sudija je centralna figura. S obje njegove strane su apostoli koji su bili s njim na Posljednjoj večeri: "I ti ćeš sjediti na prijestolima da sudiš 12 plemena Izraelovih."

Ispod su mrtvi koji ustaju iz grobova ili iz zemlje ili mora: "I mnogi od onih koji spavaju u prahu zemaljskom probudiće se, jedni u život vječni, drugi na vječnu sramotu i sramotu." “Tada je more predalo mrtve koji su bili u njima; i svakome je suđeno po djelima svojim." Arhanđel Mihailo drži vagu na kojoj meri duše. Pravednici - sa desne strane Hrista, u pratnji anđela na nebu, sa leve strane od njega dole, grešnici su sprovedeni u pakao, gde su prikazani u strašnim mukama. (Dvorana D. Rječnik zapleta i simbola u čl. M, 1996.)

2. Uobičajeni suinformacije o razlikama između slike i ikone

Slika, prije svega, djeluje na emocionalnu sferu. Ikona - na umu i intuiciji. Slika odražava raspoloženje, ikona - stanje pojedinca. Slika ima granice, okvir radnje; ikona - uključuje u bezgranično. Neki smatraju da drevni ikonopisci nisu poznavali zakone direktne perspektive i simetrije ljudskog tijela, tj. nisu bili upoznati sa anatomskim atlasom. Međutim, umjetnici tog doba prilikom izrade statua ili statua općenito promatrali su točne proporcije ljudskog tijela (trodimenzionalna slika nije korištena u istočnoj crkvi, već se događala samo u svjetovnoj umjetnosti). Odsustvo direktne perspektive svedoči o drugim prostornim dimenzijama, o mogućnostima čoveka da vlada prostorom. Prostor prestaje da bude prepreka. Udaljeni objekt ne postaje iluzorno smanjen. Vrijednosti u ikonama nisu prostorne, već aksiološke prirode, izražavajući stepen dostojanstva. Na primjer, demoni su prikazani kao manji od anđela; Hristos se među učenicima uzdiže iznad njih, itd.

Slika se može posmatrati analitički. Možete razgovarati o pojedinačnim fragmentima slike, naznačiti šta vam se sviđa, a šta ne. A ikona se ne može podijeliti na ćelije, na fragmente, na detalje, ona se sintetički percipira jednim unutrašnjim religioznim osjećajem. Ikona je prelepa kada poziva čoveka na molitvu, kada duša oseti dinamično polje energija i sila koje zrači kroz ikonu iz Carstva večne svetlosti. Na ikoni su figure nepomične, kao da su zaleđene. Ali to nije hladnoća smrti; naglašava unutrašnji život, unutrašnju dinamiku. Sveci su na brzom duhovnom letu, u vječnom kretanju ka Božanskom, gdje nema mjesta pretencioznim držanjima, nemirnosti i ekspresiji.

Čovek, zarobljen dubokim osećanjem ili udubljen u misli, takođe prelazi na unutrašnje, a to odvajanje od spoljašnjeg svedoči o intenzitetu i intenzitetu njegovog duha. Naprotiv, spoljašnja dinamika – pečat emocija kao privremenih stanja – sugeriše da ona koju su želeli da prikažu na ikoni nije u večnosti, već u vremenu, u snazi ​​čulnog i prolaznog.

Jedan od vrhunaca zapadnjačke umjetnosti je slika Posljednjeg suda u Sikstinskoj kapeli koju je izradio Mikelanđelo. Figure su izvedene sa nevjerovatnim poznavanjem proporcija ljudskog tijela i zakona harmonije. Oni mogu proučavati anatomiju. Svaka osoba ima svoju jedinstvenu ličnost i psihološke karakteristike. Istovremeno, vjerski značaj ove slike je nula. Štaviše, to je recidiv paganizma koji je nastao u srcu katoličkog svijeta. Tema slike "Posljednji sud" utjelovljuje paganske i jevrejske tradicije. Haron nosi duše mrtvih preko voda Stiksa. Slika je preuzeta iz antičke mitologije. Vaskrsenje mrtvih događa se u dolini Jošafata, kako priča talmudska tradicija.

Slika je rađena u naglašeno naturalističkom stilu. Mikelanđelo je naslikao tela gola. Kada je papa Pavle III, pregledavajući sliku Sikstinske kapele, upitao meštra papinskog dvora Biagio da Cesena, kako mu se sviđa slika, on je odgovorio: „Vaša svetosti, ove figure bi bile prikladne negde u kafani, a ne u vašoj kapeli." (“O jeziku pravoslavne ikone.” Arhimandrit Rafailo (Karelin), 1997.)

Dotakli smo se zapadnoevropskog slikarstva kako bismo istakli njegovu suštinsku razliku od pravoslavne umjetnosti. Ovo je jasan primjer kako forma ne odgovara sadržaju, ma koliko on sam po sebi bio briljantan. Postoji metodološka greška u takozvanom religioznom slikarstvu renesanse. Slikari pokušavaju kroz mimičku umjetnost, tj. sliku zasićenu emocijama i strastima, da prenesu nebesko na zemaljski nivo, ali postižu suprotno - neregenerisanu materijalnost prenose u sferu neba; zemaljskim i čulnim istiskuju duhovno i vječno (tačnije, tu nema mjesta za nebo, zemlja je sve zauzela i progutala), svoje srce; blago pognuta figura, poslušnost volji Božijoj itd.

Katolička slika je jednodimenzionalna, pravoslavna ikona je višeznačna. U ikoni, ravni se sijeku jedna s drugom, koegzistiraju ili prožimaju bez stapanja ili rastapanja jedna u drugu. Vrijeme je zabilježeno na slici, kao trenutak zaustavljen voljom umjetnika, kao fotografskim bljeskom. U ikoni je vrijeme uslovno, tako da se događaji u hronološkom neskladu mogu prikazati na polju ikone. Ikona je slična unutrašnjem planu i crtežu događaja. Ikone karakterizira simultanost slike: svi događaji se događaju odjednom. ikona mikelanđela sikstinske freske

Slika je imitacija stvarnosti sa elementima fantazije, koja takođe materijal za svoja raspoloženja uzima iz ovozemaljskih stvarnosti. Ikona je oličenje duhovne kontemplacije, koja je data u mističnom iskustvu, u stanju zajedništva sa Bogom, ali kontemplacija prenošena i objektivizovana kroz simbolički jezik linija i boja. Ikona je teološka knjiga slikana kistom i bojama. Na ikoni je slika dvije sfere - nebeske i zemaljske - data ne po principu paralelizma, već po principu simetrije. U slici na religiozne teme, koja se pogrešno naziva ikonom, ili nema razlike između nebeskih i zemaljskih stvari, razgraničenja, ili su povezane „paralelnim linijama“ istorije, kao jedno biće u vremenu i prostoru.

Na slici je princip direktne, linearne perspektive, koja daje iluziju volumena, trodimenzionalnosti u slici i materijalnih i duhovnih entiteta. Duhovno se ne ispoljava u slici, već se u njoj zamjenjuje materijalnim, voluminoznim oblicima i tijelima, i nestaje u tim tuđim oblicima. Duhovno na slici prestaje biti natčulno, već postaje "prirodno", ovdje dolazi do profanacije svetinje. Na to su s pravom ukazivali ikonoklasti, negirajući portretne slike na vjerske teme, ali nepravedno lošim metodom uopštavajući sve mogućnosti likovne umjetnosti – u ovom slučaju ikonopisa – koja otvara duhovni svijet, ne poistovjećujući ga s beskonačnošću kao beskonačnim proširenjem, sa realnostima materijalnog svijeta, koji je pod vlašću smrti i propadanja.

Ikonoklasti su poistovećivali ikonu sa mimičkim portretom, sa fantazijom ili alegorijom, ali su ikonu, kao sveti simbol, ignorisali ili pogrešno razumeli. U ikoni ne samo suprotnost dviju sfera vremena i vječnosti, već u njenim ritmovima – crkvenost vremena, njegova privlačnost prema vječnosti. (“O jeziku pravoslavne ikone.” Arhimandrit Rafailo (Karelin), 1997.)

3. Kompozicija oltarske freske Sikstinske kapeleMichelangelo Buonarroti(1475-1564) "Posljednji sud" (1535-1541)

Nesvakidašnja autorova odluka u izgradnji kompozicije sačuvala je najvažnije tradicionalne elemente ikonografije. Prostor je podijeljen na dvije glavne ravni: nebeski - sa Hristom Sudijom, Bogorodicom i svecima, i zemaljski - sa scenama vaskrsenja mrtvih i podjelom na pravednike i grešnike.

Anđeli koji trube najavljuju početak posljednjeg suda. Otvara se knjiga u kojoj su zapisana sva ljudska djela. Sam Hristos nije milosrdni otkupitelj, već Učitelj koji kažnjava. Gest Sudije pokreće spor, ali neumoljiv kružni pokret koji svojom strujom uvlači redove pravednika i grešnika. Majka Božja koja sedi pored Hrista okrenula se od onoga što se dešavalo.

Ona napušta svoju tradicionalnu ulogu zagovornice i drhti od konačne presude. Oko svetaca: apostoli, proroci. U rukama mučenika su oruđa za mučenje, simboli patnje koju su podnijeli za svoju vjeru.

Mrtvi, otvarajući oči od nade i užasa, ustaju iz svojih grobova i idu na sud Božiji. Neki se dižu lako i slobodno, drugi sporije, ovisno o težini vlastitih grijeha. Jaki duhom pomažu onima kojima je pomoć potrebna da se uzdignu.

Lica onih koji moraju sići da bi se očistili puna su užasa. Očekujući strašne muke, grešnici ne žele da idu u pakao. Ali snage koje imaju za cilj da održe pravdu guraju ih tamo gdje bi trebali biti ljudi koji su prouzročili patnju. A đavoli ih povlače do Minosa, koji svojim repom obavijenim oko tijela ukazuje na krug pakla, u koji grešnik treba da se spusti. (Umjetnik je sudiji mrtvih duša dao crte lica majstora ceremonije, pape Biagio da Cesena, koji se često žalio na golotinju prikazanih figura. Njegove magareće uši su simbol neznanja.) A pored nje stoji. teglenica koju je vozio nosač Charon. Jednim pokretom uzima grešne duše. Njihov očaj i bijes se prenose ogromnom snagom. Lijevo od teglenice zjapi pakleni ponor - tu je ulaz u čistilište, gdje demoni čekaju nove grešnike. Čini se da se čuju krici užasa i škrgut zuba nesretnika.

Iznad, izvan moćnog ciklusa, iznad duša koje čekaju spas, anđeli bez krila lebde sa simbolima patnje samog Otkupitelja. Gore desno lijepa i mlada bića nose atribute spasenja grešnika. (Smirnova I.A. Monumentalno slikarstvo italijanske renesanse. M.: Likovna umjetnost, 1987.)

Zaključak

U ovom eseju, Mikelanđelova freska "Posljednji sud" razmatrana je u poređenju sa ikonom "Posljednji sud" (1580-ih). I ikona i freska su napisane na istom zapletu - o drugom Hristovom dolasku i strašnom sudu nad gresima čovečanstva. Imaju sličnu kompoziciju: Krist je prikazan u sredini, a apostoli se nalaze na njegovoj lijevoj i desnoj ruci. Bog je iznad njih. Pod Hristom su grešnici kojima je obećan pakao. Obje slike su u obrnutoj perspektivi. Ali u isto vrijeme, na ikoni se koriste manje svijetle boje nego na Mikelanđelovoj fresci. Na ikoni ima mnogo simboličnih slika (dlan sa bebom - "pravedne duše u ruci Božijoj", a ovdje vaga - to jest "mjera ljudskih djela").

U moderno doba, stvaranje ovih djela bilo je popularno među ljudima eshatoloških pogleda, pa su ove slike opravdavale svoju svrhu ne da uplaše čovječanstvo, već da im prenesu ideju o pravednom životu, sličnom zemaljskom bezgrešnom životu. Isus krist.

Spisak korišćene literature

1. Sala D. Rječnik zapleta i simbola u umjetnosti. M, 1996

2. "O jeziku pravoslavne ikone." Arhimandrit Rafailo (Karelin) 1997

3. Smirnova I.A. Monumentalno slikarstvo italijanske renesanse. M.: Vizuelna umetnost, 1987

4. Buslaev F.I. Slike posljednjeg suda prema ruskim originalima // Buslaev F.I. Radi. T. 2. Sankt Peterburg, 1910.

5. Aleksejev S. Vidljiva istina. Enciklopedija pravoslavnih ikona. 2003

Hostirano na Allbest.ru

Slični dokumenti

Radnja Posljednjeg suda. Opće informacije o razlikama između slike i ikone. Kompozicija oltarske freske Sikstinske kapele Michelangela Buonarrotija "Posljednji sud". Karakteristike ikone Posljednjeg suda. U perspektivi naprijed i nazad. Kjaroskuro i simbolika boja.

sažetak, dodan 18.03.2012


Analiza umjetnosti i humanizma u Firenci u vrijeme Lorenza Veličanstvenog. Biografija i rad Michelangela Buonarrotija. Psihološka struktura ličnosti i ideja majstora, karakteristične osobine njegovih skulptura i slika. Slika u Sikstinskoj kapeli u Vatikanu.

rad, dodato 10.12.2017


Proučavanje karakteristika rada Michelangela Buonarrotija - italijanskog vajara, slikara, arhitekte, pjesnika. Osobine umjetnosti visoke renesanse. Davide. Čuvena freska sa Sikstinske slike Mikelanđela - Stvaranje Adama.

prezentacija, dodano 24.10.2014


Kratka biografija Michelangela Buonarottija - velikog vajara i umjetnika. Njegova kreativna dostignuća: skulpture Vakhka i Pieta, mermerna slika Davida, freske "Bitka kod Kašina" i "Bitka kod Angijara". Istorija slike u Sikstinskoj kapeli.

prezentacija, dodano 21.12.2010


Biografija, izgled i lik Michelangela Buonarrotija (1475-1564) - velikog genijalnog arhitekte renesanse u Italiji, kao i opis ranih i kasnih, završenih i nedovršenih djela. Analiza odnosa između Michelangela i Vittoria Colonna.

sažetak, dodan 14.11.2010


Kultura autohtonih naroda Italije i njenih prethodnika. Razdoblja istorije italijanske kulture. Djelo Leonarda da Vincija. Slika mlade firentinske Mona Lize. Plafonska slika u Sikstinskoj kapeli u Vatikanu Mikelanđela.

prezentacija, dodano 14.01.2014


Glavni događaji u biografiji Michelangela Buonarrotija - talijanskog vajara, slikara, arhitekte i pjesnika. Kreativni izraz ideala visoke renesanse i tragičnog osjećaja krize humanističkog svjetonazora u periodu kasne renesanse.

sažetak, dodan 12.11.2011


Studija istorije izgradnje Sikstinske kapele - nekadašnje kućne crkve u Vatikanu. Opisi dvorane sa ovalnim svodom, scene iz Knjige Postanka, smještene od oltara do ulaza. Konklave održane u kapeli. Ciklus Mikelanđelovih fresaka koje su krasile plafon.

prezentacija, dodano 23.04.2013


Duhovna i moralna atmosfera Italije XIV-XVI. Analiza formiranja Buonarotijevog stvaralaštva i njegovog odraza u modernom društvu. Psihološka struktura Mikelanđelovih ideja. Analiza odnosa genija i moći. Remek djela rezača i četke. poetsko naslijeđe.

teze, dodato 29.04.2017


Analiza umjetničkog stvaralaštva Leonarda da Vincija u radovima domaćih naučnika. Biografski podaci o titanu renesanse. Kompozicija i radnja freske "Posljednja večera". Doprinos velikog umjetnika i naučnika razvoju svjetske kulture, nauke i tehnologije.

Analiza slike na nastavi likovne umjetnosti. Iz radnog iskustva

Gaponenko Natalya Vladimirovna, šefica RMO nastavnika likovnih umjetnosti i MHC okruga Novoilinski, profesorica likovne umjetnosti u MBNOU "Gimnazija br. 59", Moskva Novokuznetsk

„Umjetnost osvjetljava i istovremeno posvećuje ljudski život. Ali razumijevanje umjetničkih djela daleko je od lakog. Ovo morate naučiti - učite dugo, cijeli život... Uvijek, da biste razumjeli umjetnička djela, morate znati uslove stvaralaštva, ciljeve kreativnosti, ličnost umjetnika i epohu . Gledalac, slušalac, čitalac treba da bude naoružan znanjem, informacijama... A posebno želim da istaknem važnost detalja. Ponekad nam sitnica omogućava da prodremo u ono glavno. Koliko je važno znati zašto je ova ili ona stvar napisana ili nacrtana!”

D.S. Lihačev

Umjetnost je jedan od važnih faktora u formiranju čovjekove ličnosti, osnova za formiranje čovjekovog stava prema pojavama okolnog svijeta, stoga razvoj vještina percepcije umjetnosti postaje jedan od bitnih zadataka umjetničkog obrazovanja.

Jedan od ciljeva izučavanja predmeta "Likovna umjetnost" je razvijanje umjetničke slike, odnosno sposobnost razumijevanja glavne stvari u umjetničkom djelu, razlikovanja izražajnih sredstava kojima se umjetnik koristi da okarakteriše ovo. slika. Ovdje se obavlja važan zadatak razvijanja moralnih i estetskih kvaliteta pojedinca kroz percepciju likovnih djela.
Pokušajmo razmotriti metodologiju učenja percepcije i analize slika

Metode podučavanja percepcije i analize slika

Metode koje se koriste za upoznavanje učenika sa slikarstvom dijele se na verbalne, vizualne i praktične.

verbalne metode.

1. Pitanja:

a) razumjeti sadržaj slike;

b) da identifikuje raspoloženje;

c) identificirati izražajna sredstva.

Općenito, pitanja podstiču dijete da zaviri u sliku, da vidi njene detalje, ali da ne izgubi integralni osjećaj umjetničkog djela.

2. Razgovor:

a) kao uvod u lekciju;

b) razgovor o slici;

c) završni razgovor.

Općenito, metoda razgovora usmjerena je na razvijanje sposobnosti učenika da izraze svoje misli, tako da u razgovoru (priči nastavnika) dijete može dobiti uzorke govora za to.

3. Priča nastavnika.

Vizuelno:

Ekskurzije (virtuelni izlet);

Pregled reprodukcija, albuma sa slikama poznatih umjetnika;

Poređenje (slike po raspoloženju, izražajnim sredstvima).

Praktično:

Izvođenje pisanog rada na slici;

Priprema izvještaja, sažetaka;

Na nastavi likovne umjetnosti preporučljivo je kombinirati različite metode rada sa umjetničkim djelima, fokusirajući se na jednu ili drugu metodu, vodeći računa o pripremljenosti učenika

Slikarstvo

A. A. Lyublinskaya smatra da treba poučavati percepciju slike djeteta, postepeno ga dovodeći do razumijevanja onoga što je na njoj prikazano. To zahtijeva prepoznavanje pojedinačnih objekata (ljudi, životinje); isticanje poza i položaja svake figure u opštem planu slike; uspostavljanje veza između glavnih likova; isticanje detalja: osvetljenje, pozadina, izrazi lica ljudi.

S. L. Rubinshtein, G. T. Ovsepyan, koji su proučavali percepciju slike, smatraju da priroda dječjih odgovora na njen sadržaj ovisi o nizu faktora. Prije svega, iz sadržaja slike, blizine i pristupačnosti njene radnje, iz iskustva djece, iz njihove sposobnosti da sagledaju crtež.

Rad sa slikom uključuje nekoliko smjerova:

1) Proučavanje osnova vizuelne pismenosti.

Na nastavi učenici se upoznaju sa vrstama likovne umjetnosti, žanrovima, sa sredstvima izražajnosti umjetnosti. Studenti se podučavaju vještinama korištenja terminologije umjetnosti: sjena, polusjenica, kontrast, refleks itd. kroz rad sa rječnikom uvode se pojmovi iz likovne kritike, proučavaju se zakonitosti kompozicije.

2) Upoznavanje života i rada umjetnika.

Priprema učenika za aktivno opažanje slike najčešće se provodi u procesu razgovora. Sadržaj razgovora obično je informacija o umjetniku, historiji slike. Prateći život umjetnika, preporučljivo je zadržati se na takvim epizodama koje su utjecale na formiranje njegovih uvjerenja i dale smjer njegovom radu.

Oblici komuniciranja informacija o životu i radu umjetnika su raznoliki. : priča nastavnika, naučni film, ponekad se i prezentacije sa porukama povjeravaju učenicima.

3) Korišćenje dodatnih informacija.

Percepciju slike olakšava apel na književna djela čija je tematika bliska sadržaju slike. Upotreba književnih djela otvara put dubljem opažanju i razumijevanju djece slikovnog platna upoznavanja sa fabulom mita.

Od velike je važnosti za razumijevanje radnje slike istorijska situacija u zemlji koja se proučava, u određenom vremenskom periodu, stilske karakteristike umetnosti.

4) Gledajući sliku.

Sposobnost razmatranja slike jedan je od neophodnih uslova za razvoj percepcije, zapažanja. U procesu gledanja slike, osoba prije svega vidi šta u skladu sa njim, njegovim mislima i osećanjima. Učenik, gledajući sliku, skreće pažnju na ono što ga brine, uzima, šta je novo za njega. U ovom trenutku se utvrđuje odnos učenika prema slici, formira se njihovo individualno razumijevanje umjetničke slike.

5) Analiza slike.

Svrha analize slike je produbiti početnu percepciju, pomoći učenicima da razumiju figurativni jezik umjetnosti.

U prvim fazama analiza rada se provodi u procesu razgovora ili priče nastavnika, a postepeno učenici sami sprovode analizu. Razgovor pomaže djeci da vide, osete i shvate umjetničko djelo suptilnije, dublje.

Metode za analizu slike

Metoda A. Melik-Pashaev (Izvor: Časopis "Umetnost u školi" br. 6 1993 A. Melik-Poshaev "Prazni dan" ili "Strašni praznik" (O problemu razumevanja autorove namere)

Pitanja za sliku:

1. Kako biste nazvali ovu sliku?

2. Sviđa li vam se slika ili ne?

3. Recite nam nešto o ovoj slici kako bi osoba koja je ne zna dobila predstavu o njoj.

4. Koja osećanja, raspoloženje kod vas izaziva ova slika?

7. Želite li nešto dodati ili promijeniti u svom odgovoru na prvo pitanje?

8. Vratite se na odgovor na drugo pitanje. Da li je vaša procjena ostala ista ili se promijenila? Zašto toliko cijenite sliku?

2 . Primjeri pitanja za analizu umjetničkog djela

emocionalni nivo:

Kakav utisak ostavlja rad?

Kakvo raspoloženje autor pokušava da prenese?

Koje senzacije gledalac može doživjeti?

Kakva je priroda posla?

Kako razmera, format, horizontalni, vertikalni ili dijagonalni raspored delova, upotreba određenih boja na slici pomažu emotivnom dojmu dela?

Nivo predmeta:

Šta (ili ko) je na slici?

Istaknite glavnu stvar iz onoga što ste vidjeli.

Pokušajte da objasnite zašto vam se ovo čini glavnom?

Na koji način umjetnik izdvaja ono glavno?

Kako su raspoređeni objekti u djelu (predmetna kompozicija)?

Kako se crtaju glavne linije u djelu (linearna kompozicija)?

Nivo priče:

Pokušajte da prepričate radnju slike..

Šta može učiniti (ili reći) junak, junakinja slike, ako oživi?

Simbolički nivo:

Ima li u djelu predmeta koji simboliziraju nešto?

Da li kompozicija djela i njegovi glavni elementi imaju simbolički karakter: horizontala, okomita, dijagonala, krug, oval, boja, kocka, kupola, luk, svod, zid, toranj, toranj, gest, poza, odjeća, ritam, tembar , itd.?

Koji je naslov djela? U kakvoj je vezi sa svojom radnjom i simbolikom?

Šta mislite da je autor rada želio poručiti ljudima?

Plan za analizu slike. Pisanje je osjećaj.

1.Autor, naziv slike
2. Umjetnički stil/smjer (realizam, impresionizam, itd.)
3. Slikarski štafelaj (slika) ili monumentalni (freska, mozaik), materijal (za štafelajno slikarstvo): uljane boje, gvaš itd.
4. Žanr umjetničkog djela (portret, mrtva priroda, historijski, kućni, marinski, mitološki, pejzaž, itd.)
5. Slikovita parcela (ono što je prikazano). Priča.
6. Ekspresivna sredstva (boja, kontrast, kompozicija, vizuelni centar)

7. Lični utisak (osećanja, emocije) - tehnika "uranjanja" u radnju slike.

8. Glavna ideja zapleta slike. Šta je autor „hteo da kaže“, zašto je naslikao sliku.
9. Vlastiti naziv slike.

Primjeri dječjeg rada na percepciji i analizi slika.

Kompozicija je osjećaj zasnovan na slici I. E. Repina „Za domovinu. Heroj poslednjeg rata

I. E. Repin je naslikao sliku „Do domovine. Heroj proteklog rata" najvjerovatnije u poslijeratnom periodu, tačnije nakon Prvog svjetskog rata.
Umjetnički pravac u kojem je slika napisana je realizam. Štafelajno slikarstvo, za rad je umetnik koristio uljane boje. Žanrovski portret.
Repinova slika prikazuje mladića koji je mnogo vidio. Vraća se kući porodici i prijateljima, lice ima ozbiljan, pomalo tužan izraz. Oči pune turobne tuge. Luta poljem koje se čini beskrajnim, koje pamti pucnjeve oružja i svaku osobu koja je na njega pala. On hoda u spoznaji da mnogih od kojih je toliko volio više nema. A samo vrane, poput duhova, podsjećaju na mrtve prijatelje.

Repin je odabrao hladne boje prigušenih tonova kao sredstvo izražavanja, mnoge sjene na slici prenose volumen predmeta i prostora. Kompozicija je statična, sam čovjek je vizualni centar kompozicije, njegov pogled usmjeren na nas privlači poglede gledatelja.

Kada pogledam sliku, javlja se tuga i spoznaja da je sadašnji život drugačiji od onog koji je bio prije. Osjećam mraz na tijelu, osjećaj vlažnog vremena bez vjetra.

Vjerujem da je autor htio pokazati šta ljudi postaju nakon rata. Ne, naravno, nisu se spolja promijenile do neprepoznatljivosti: tijelo, proporcije su ostale iste, oni koji imaju sreće nemaju vanjske povrede. Ali na licima više neće biti starih emocija, spokojnog osmijeha. Strahote rata, koje je doživio ovaj prilično mladi čovjek, zauvijek su se utisnule u njegovu dušu.

Sliku bih nazvao “Usamljeni vojnik” ili “Put kući”… Ali kuda on ide? Ko ga čeka?

zaključak: Dakle, percepcija umjetničkog djela je složen mentalni proces koji uključuje sposobnost da se naučiti, razumjeti kompetentno izrazite svoje misli koristeći profesionalne umjetničke termine. Ali ovo je samo kognitivni čin. Neophodan uslov za umetničku percepciju je emocionalno obojenje percipirano, izraz stava prema njemu. Kompozicija - osjećaj vam omogućava da vidite prosudbe djece, koje ukazuju na sposobnost ne samo da se osjećate lijepo, već i da cijenite.

Aneks 1.

Analiza umjetničkog djela na osnovu algoritma:

Kako možete analizirati umjetnička djela?

kreativnost?

2. Pripadnost žanru: istorijski, domaći, bitka, portret,

pejzaž, mrtva priroda, enterijer.

3. Glavna sredstva za stvaranje umjetničke slike: boja, crtež,

chiaroscuro, tekstura, stil pisanja.

4. Značenje imena. Karakteristike radnje i kompozicije.

5. Pripadnost kulturnom i istorijskom dobu, umjetničkom stilu ili smjeru.

6. Kakvi su vaši lični utisci o slikama?

Dodatak 2

1 Grupa "Vatreni kistovi romantičara" (VODIČI) U istoriji svetskog slikarstva romantizam je bio vedro i briljantno doba.

Riječ "romantizam" seže u latinski romanus - rimski, odnosno nastao na temelju rimske kulture ili usko povezan s njom.

Svet ljudskih osećanja i iskustava. Romantično slikarstvo karakterizirala je "žeđ za stvaranjem na svaki mogući način". Slikarska sredstva su bila: svijetle zasićene boje, kontrastno osvjetljenje, emocionalni način.

Šta je osoba romantične generacije? Često postaje svjedok okrutnih krvoprolića i ratova, tragične sudbine čitavih naroda. Čini herojska djela koja mogu inspirirati druge. Romantičare su privlačili istorijski događaji, iz kojih su crpili zaplet za mnoga svoja djela.

1. Istaknuti predstavnik pravca romantizma u slikarstvu bio je španski umjetnik Francisco Goya (1746-1828). Savladao je sve žanrove slikarstva. Imao je slike na vjerske teme, dvorske portrete.

ODGOVOR: Bio je svjedok Napoleonovih ratova koji su opustošili i uništili Španiju. Godine 1808, kao odgovor na najokrutnije represije Napoleonove okupacije, u Madridu je izbio narodni ustanak. U ovim teškim godinama, Francisco Goya je bio sa svojim narodom. Slika "Pogubljenje pobunjenika u noći 3. maja 1808", napisana 1814. godine i izložena u muzeju Prado u Madridu, bila je optužnica za zlo i nasilje umetnika. Jasno je osjetio prave razmjere nacionalne tragedije.

Slika prikazuje početak oslobodilačke borbe Španaca protiv francuskih okupatora, odnosno scenu pogubljenja španjolskih pobunjenika od strane okupatorskih francuskih trupa. Španske pobunjenike i francuske vojnike Goya opisuje kao dvije grupe koje se međusobno suprotstavljaju: nekoliko nenaoružanih madridskih zanatlija i niz vojnika sa podignutim puškama. Lica i poze Španaca Goja je sasvim jasno sročio (patriotizam, hrabrost, ljutnja, neustrašivost, itd.), dok su francuski vojnici ispisani tečno i kao da se spajaju u jednu bezličnu masu.

B. "Portret kraljevske porodice Karlosa VI"

S lijeva na desno: Don Karlos Stariji, budući kralj Ferdinand VII od Španije, sestra Carlosa IV Maria Josefa Carmela, nepoznata žena, Maria Isabella, supruga Carlosa IV Kraljica Maria Luisa od Parme, Francisco de Paula de Bourbon, kralj Carlos IV, njegov brat Antonio Pascual, Cartola Joaquina (vidi se samo dio glave), Luj I sa suprugom Marijom Luizom, njihov sin, Charles II, budući vojvoda od Parme, je u njihovim rukama. U pozadini, u senci, Goja je naslikao samog sebe. Čarobne, iskričave boje nisu u stanju da sakriju razmetljivost, glupost, moralno i mentalno siromaštvo likova.

2. Duboko interesovanje za unutrašnji svet čoveka pokazao je i savremenik velikog Španca, Teodor Žeriko. Gerikaultovo delo karakteriše ekstremna dramatika, intenzitet strasti, kontrast boja. Služeći u kraljevskim musketarima, Gericault je pisao uglavnom scene bitaka, ali nakon putovanja u Italiju 1817-1919. izveo je veliku i složenu sliku "Splav Meduze"

(Nalazi se u Louvreu, Pariz). Novina radnje, duboka drama kompozicije i istinitost života ovog majstorski napisanog djela nisu odmah cijenjeni, ali je ubrzo steklo priznanje i donijelo umjetniku slavu kao talentovanog i hrabrog inovatora.

Nije imao dugo da uživa u slavi: jedva je stigao da se vrati u Pariz iz Engleske, gdje je glavni predmet njegovih studija bilo proučavanje konja, sišao je u grob kao rezultat nesreće - pada s konja.

Radnja slike zasnovana je na stvarnom incidentu koji se dogodio 2. jula 1816. godine kod obale Senegala. Tada je u plićaku Argena, 40 milja od afričke obale, uništena fregata Meduza. 140 putnika i članova posade pokušalo je pobjeći ukrcavanjem na splav. Preživjelo ih je samo 15 i dvanaestog dana lutanja pokupio ih je Argus brig. Detalji putovanja preživjelih šokirali su moderno javno mnijenje, a sama olupina se pretvorila u skandal u francuskoj vladi zbog nekompetentnosti kapetana broda i nedovoljnih pokušaja spašavanja žrtava.

Osim slike "Splav Meduze", u Louvreu se nalazi sedam slika bitaka i šest crteža ovog umjetnika. Njegove slike pune su zbunjenosti, tjeskobe.

3. Eugene Delacroix (1798-1863) pisao je na sličan način kao i Theodore Géricault.

SVEDOk bErIŠA – ODgOVOr: Odlikovala ga je pažnja prema orijentalnim temama. Jedna od njegovih najupečatljivijih kreacija je slika "Masakr na Hiosu", koja prikazuje epizode grčko-turskog rata. Tako su istoričari nazvali brutalni masakr 11. aprila 1822. godine od strane Turaka nad stanovnicima ostrva Hios jer su ostrvljani podržavali borce za nezavisnost Grčke. Od 155.000 stanovnika ostrva, samo oko

2000. Do 25.000 je poklano, ostali su porobljeni ili su bili u izbjeglištvu.

Velika francuska revolucija i agresivne kampanje Naoleona koje su je pratile, okrutne političke represije i egzekucije, beskrajne promjene vlada 1830. s posebnom su oštrinom postavile pitanje uloge naroda i pojedinca u historiji.

B. Delacroixa je karakterizirao politički patos. Godine 1830. umjetnik je završio sliku "Sloboda koja vodi narod". Delacroix je stvorio sliku zasnovanu na Julskoj revoluciji 1830. godine, koja je okončala restauratorski režim Burbonske monarhije. Nakon brojnih pripremnih skica, trebalo mu je samo tri mjeseca da dovrši sliku. U pismu bratu od 12. oktobra 1830. Delacroix piše: "Ako se nisam borio za otadžbinu, onda ću barem pisati za nju." Prvi put, "Sloboda koja vodi narod" bila je izložena u Pariskom salonu u maju 1831. godine, gde je slika sa oduševljenjem primljena i odmah kupljena od strane države. Zbog revolucionarnog zapleta, platno nije bilo izloženo javnosti oko 25 godina. Krvlju, patnjom i smrću, lijepa žena sa trobojnim transparentom u ruci vodi ljude do pobjede. Gola prsa simboliziraju posvećenost tadašnjih Francuza, koji su sa "golim grudima" išli na neprijatelja. U masi se vide naoružana sirotinja, stanovnici sirotinjskih četvrti, student i mali Gavroche sa pištoljima. Umjetnik je sebe prikazao kao čovjeka sa cilindrom lijevo od glavnog lika. Ponekad se slika pogrešno povezuje s događajima velike Francuske revolucije.

Savremenici su sliku nazivali „Marseljezom francuskog slikarstva“, a vlasti su Delacroa proglasile opasnim umjetnikom.

Dodatak 3

Grupa 2 "Neophodna je muška umetnost" (STRUČNJACI - NAUČNICI UMETNOSTI) Realizam je pravac u umetnosti druge polovine 19. veka. Koncept realizma je latinski realis- znači duboki odraz stvarnosti. Sredinom 19. stoljeća realizam je postao vodeći i najutjecajniji pravac u umjetnosti.

Koje je nove zadatke umjetnost sada postavila?

1. Izvanredan majstor litografije (vrsta grafike za štamparsku ploču za koju je kamena površina), francuski umjetnik Honore Daumier, kao osoba koja mrzi svako ugnjetavanje i nasilje, uvijek je odgovarao na goruća pitanja svog vremena, dajući im sopstvenu procenu. Karijeru je započeo kao karikaturista, praveći satirične crteže za časopis. Njegove litografije su odmah rasprodate, svima su bile poznate.

Čuvenu litografiju "Transnonen Street" savremenici su doživljavali kao protest protiv terora i krvoprolića koji su uslijedili nakon Julske revolucije (1834.). Istorijska osnova ovog rada bili su događaji iz aprila 1834. povezani sa raspršivanjem političkih demonstracija od strane vladinih trupa. Iz kuće broj 12 u ulici Transnonen, sa prozora prekrivenog roletnama, pucalo se na vojnike koji su rasterali demonstracije. Kao odgovor, vojnici su upali u kuću i pobili sve stanare. Daumier je želio da litografija izazove ne sažaljenje, već ljutnju. Tako su je doživljavali savremenici: "ovo nije karikatura, nije karikatura, ovo je krvava stranica moderne istorije, stranica koju je stvorila živa ruka i diktirala plemenita ogorčenost."

Daumier, karikaturista, bio je dobro poznat javnosti, ali malo njih je znalo da slika. U maloj umjetnikovoj radionici nakupila su se platna. Posebno mjesto zauzimaju slike o Don Kihotu. Vitez bez straha i prijekora, lutajući u potrazi za dobrotom i pravdom, privukao je Daumiera snagom svog duha. Iza smiješnog izgleda i smiješnih postupaka izdvajaju se plemenitost, veličina i suosjećanje prema ljudima.

2. Gustave Courbet Francuski slikar, pejzažista, žanrovski slikar i portretista. Smatra se jednim od konzumatora romantizma i utemeljivačima realizma u slikarstvu. Jedan od najvećih umetnika Francuske tokom 19. veka, ključna figura francuskog realizma.

Rođen u Francuskoj, njegov ulazak u francusko slikarstvo bio je skandalozan. Neki su bijesno grdili njegov rad, nazivajući ih ružnim, drugi su mu, naprotiv, proricali veliku budućnost. U Parizu je 1855. otvorio izložbu "Paviljon realizma". Courbet je nastojao prikazati ljude onakvima kakvi jesu, ružnima i nepristojnim kakvim ih on vidi. Velika pažnja na okolni svijet, prirodu, društvene odnose i individualne karakteristike osobe odredila je suštinu realističkog trenda u umjetnosti.

Na svojoj slici „Drobilice kamena“, stari radnik u grubo zakrpanoj odeći i popucanim drvenim cipelama, klečeći, lomi čekićem pripremljeno kamenje za gradnju. Mladić u dronjcima jedva drži tešku korpu u rukama. U novinama je umjetnik optužen za veličanje ružnog, ali dovoljno je pogledati sliku "The Winnowers" da bi se shvatilo s kakvim je poštovanjem Courbet slikao radne ljude.

3. "Seljački slikar" - tako nadimak Jean Millet - francuski umjetnik. Svijet francuskog sela postao je nepresušan izvor njegovog stvaralaštva. Već kao poznati umjetnik, nastavio je da se bavi seljačkim radom, dajući slobodno vrijeme slikanju.

Godine 1857. predstavljena je njegova slika "Skupljač ušiju". Beračima je bilo dozvoljeno da u zoru prođu kroz polja i pokupe klasove koje su kosačima promašili. Na ovom platnu umjetnik je prikazao njih trojicu pognutih nad zemljom u niskom naklonu - jedino tako uspijevaju da sakupe klasove preostale nakon žetve... U njima je Millet prikazao tri faze teškog pokret koji su žene morale stalno ponavljati iznova - savijati se, pokupiti klas sa zrnom i ponovo ispraviti. Mali grozdovi u njihovim rukama u kontrastu su sa bogatom žetvom koja se vidi u pozadini. Tu su stogovi, snopovi, vagon i gomila žetelaca zauzetih poslom.

Umjetnik je vrlo precizno mogao prenijeti teret rada seljaka, njihovo siromaštvo i poniznost. Međutim, djelo je izazvalo različite ocjene javnosti i kritike, što je primoralo Mileta da se privremeno okrene poetičnijim aspektima seljačkog života.

Dodatak 4

Grupa 3 “Salon odbačenih” (UMJETNIKA IMPRESIONISTA) Pariz, 1863., Palata industrije: Žiri čuvenog Salona umjetničke izložbe, koja se ovdje održava svake godine, odbacuje oko sedamdeset posto pristiglih radova... Car Napoleon I sam III je morao da interveniše u skandal. Pošto se upoznao sa odbijenim platnima, ljubazno je dozvolio da budu predstavljena u drugom delu Industrijske palate. Tako je 15. maja 1863. odmah otvorena izložba pod nazivom Salon jadnika.

Kraj 19. i početak 20. vijeka vrijeme je promjena. Naučno-tehnološki napredak i politički preokreti doveli su do ozbiljnih promjena u umjetnosti, odredili nove i originalne puteve razvoja. Umjetnost 19. stoljeća doživljava se kao odbacivanje starih umjetničkih tradicija, pokušaj kreativnog promišljanja klasičnog nasljeđa prošlosti. Postoje hrabre inovacije, eksperimenti, neograničeni bilo kakvim okvirima i konvencijama. Umjetnik je u svom radu postao oslobođen i slobodan. Vodio se vlastitim ukusom i sklonostima.

Impresionizam - francuska riječ impression se prevodi kao utisak.

Za razliku od romantičara i realista, impresionisti nisu nastojali da oslikaju istorijsku prošlost; njihova sfera interesovanja bila je sadašnjost.

Iznevši vlastite principe percepcije i prikaza okolnog svijeta, stvorili su novi slikovni jezik. Nije im bila važna sama radnja, već njena čulna percepcija, utisak koji bi mogao ostaviti na gledaoca. Impresionisti su pokušali da prenesu "trenutke", trenutne senzacije na slici. Ove senzacije su uništile uobičajene forme i standardni obrazac. Njihov stav je bio čisto individualan.

1. Najistaknutiji predstavnik impresionizma i jedan od njegovih osnivača je Edouard Manet, njegova platna “Portret Emila Zole” su impresivna.

Jarka sunčeva svjetlost, veselo raspoloženje osobe - sredstvo izražajnosti umjetnika. Fokus je bio na slici Eduarda Maneta "Doručak na travi".

Koristeći i promišljajući radnje i motive slika starih majstora, Manet je nastojao da ih ispuni oštrim modernim zvukom, polemički unoseći sliku modernog čovjeka u poznate klasične kompozicije. Manetov put do slave pokazao se dugim i teškim, žiri Salona je uvijek odbijao njegove slike, a samo su se rijetki usudili braniti umjetnika. Među njima je bio i Emil Zola, koji je u novinama napisao: "Mjesto gospodina Manea u Luvru je već osigurano."

"Portret Emila Zole" - umjetnik prikazuje svog prijatelja u svojoj kancelariji za stolom prepunim papira i knjiga. Unutrašnjost svedoči o ukusima vlasnika: japanski ekran sa fantastičnim pejzažom, reprodukcija Manetove slike. U liku pisca može se naslutiti snažna ličnost, svijetla individualnost.

"Doručak na travi", koji je izazvao buru emocija, najoštrije kritike i jednoglasnu presudu da je ovaj "doručak" apsolutno "nejestiv". Publika je posebno ogorčena činjenicom da su se pristojno obučeni, obučeni muškarci s kravatama i štapovima okupili na šumskoj čistini, pored koje su blistala gola ženska tijela. Naziv slike poprima neko pikantno značenje, pogotovo zato što nije stvarno prikazano ništa jestivo. Lijevi ugao prednjeg plana ima blagu naznaku hrane, ali se jasno vidi da se na komadu tkanine, možda nečijoj haljini, nalazi poluprazna korpa sa nekoliko pečuraka, a na zelenom lišću u blizini vidljivo je nekoliko bobica. To je ceo doručak. Dva prilično mlada muškarca slobodno su prostrta na travi i o nečemu živo razgovaraju. Onaj desno, gestikulirajući, priča nešto zanimljivo, smiješno, jer se sagovornik slatko smiješi. Na licu žene koja sjedi pored njega blista postiđeni osmijeh. Ispod njega je izgužvana svetloplava tkanina, sama žena sedi u slobodnoj svetloj pozi, potpuno gola, ne premlada, malo preteška. Par koji sjedi jedno pored drugog ima istu boju kose, istih su godina, vjerovatno supružnici. Druga žena u laganoj, opuštenoj, beloj košulji vidi se malo dalje, ali čuje razgovor, vidi se po njoj da sluša i da se takođe smeje. Slika je puna svijetlog mira, toplog blaženstva.

Zola je platno jednostavno, istinito i oštroumno nazvao čvrstim mesom, modeliranim strujama svjetlosti.

2. Međutim, impresionisti su se zaista proslavili 1874. zajedničkom izložbom. Cijela režija je dobila ime po slici Claudea Moneta „Impresija. Izlazak sunca" (na kraju krajeva, na francuskom "utisak" je "utisak".).

Termin "impresionizam" proizašao je iz lake ruke kritičara časopisa "Le Charivari" Louisa Leroya, koji je svoj feljton o Salonu jadnika naslovio "Izložba impresionista", uzevši za osnovu naziv ove slike. autor Claude Monet.

Prefinjeni pejzažni slikar, zaljubljen u predgrađe Pariza, Monet je bio strastveno fasciniran vodenim elementom.

Claude Monet je uveo praksu stvaranja serije slika u različitim osvjetljenjima, na primjer, katedrala u Ruanu. Dvije godine je putovao u Rouen, gledajući igru ​​svjetla. Monet je naslikao više od 20 pogleda na katedralu u različito doba dana: na zracima jutarnjeg sunca, u blistavo podne, u večernjem sumraku. U javnosti se počelo govoriti o monotonosti njegovih slika.

3. Camille Pissarro je počeo pisati bilo koju svoju sliku s neba, vjerujući da joj nebo daje dubinu i komunicira pokret. Evo šta je Pisarro rekao o stvaranju svojih slika. „Vidim samo mrlje. Kada počnem da slikam, prvo što uradim je da postavim odnos. Između ovog neba, zemlje i vode, nesumnjivo postoje određeni odnosi, a ti odnosi ne mogu biti ništa drugo nego harmonični. Ovo je glavna poteškoća slikanja. Sve manje me zanima materijalna strana slikarstva (odnosno linije). Najvažnije je sve i najsitnije detalje svesti na sklad cjeline, odnosno na dosljednost. Platno "Bulevar Monmartr u Parizu" vodi nas do prometnog autoputa. Mnogo vagona se kreće u različitim pravcima, prolaznici užurbano žure. Sve je obavijeno providnom - jorgovanom izmaglicom. Umjetnik piše brzim potezom, jedva dodirujući platno kistom.

Ali iz ovih tačaka i poteza nastaje slika sunčanog prolećnog dana, živahna i uzavrela.

4. Auguste Renoir se naziva čarobnjakom svijeta. Refleksije svjetlosti oživljavaju sliku, pokreću je. Radove odlikuje živa pokretna kompozicija. Renoir je napisao: „Volim slike koje u meni budi želju da ušetam u njihove dubine, ako je pejzaž, ili ga dodirnem rukom, ako je slika žene...“. Renoir najčešće piše o ženama i djeci, smatrajući ih najsavršenijim tvorevinama prirode. Ne privlače ga hladne sekularne ljepotice, već vesele i živahne "prave" Francuskinje. Ali za portret "Djevojka s lepezom" stvorena je potpuno drugačija slika. Mlada, duhovita devojka. Lice je ispisano nežnim tonovima, gusta crna kosa je odlivena lila i ljubičaste boje. Crvenkasti odsjaji stolice odražavaju se na bijelom platnu lepeze.

5. Ogromne mogućnosti u upotrebi boje otvorila je pastelna tehnika (fr.

pastel - slikanje olovkama u boji i šarenim puderom. Edgar Degas je posebno volio raditi u njemu. Tekstura pastela je baršunasta, u stanju je da prenese vibraciju boje koja kao da sija iznutra. U "Plavim plesačicama"

pastelna tehnika je korišćena za poboljšanje dekorativnog efekta i laganog zvuka kompozicije. Snob jarke svjetlosti koja preplavljuje sliku pomaže u stvaranju posebne praznične atmosfere baletnog plesa, čini se da svjetlost ovdje potpuno zamjenjuje crtež, organizira, dovodi do jednog značenja složene simfonije boja. U jarko plavim tutuima, sa cvećem u kosi, plesačice izgledaju kao divne vile koje učestvuju u magičnoj ekstravaganci.

Slika se čuva u Državnom muzeju lepih umetnosti Puškina u Moskvi, koji je dobila 1948. od Državnog muzeja nove zapadne umetnosti; do 1918. nalazila se u kolekciji Sergeja Ivanoviča Ščukina u Moskvi, a nakon slikanja slika je čuvana u kolekciji Durand-Ruel u Parizu.

Dodatak 5

Grupa 4 "U potrazi za svojim putem" (POSETIOCI IZLOŽBE) Krajem 19. veka, glasno su se izjasnili umetnici Pol Sezan i Vinsent van Gog. Ujedinili su se u grupu koja je dala ime novom umjetničkom pravcu postimpresionizma. Postimpresionizam (fr. postimpressionisme) je pravac u likovnoj umjetnosti. Nastao je 80-ih godina 19. vijeka. Umjetnici ovog trenda nisu se pridržavali samo vizualnih dojmova, već su nastojali slobodno i općenito prenijeti materijalnost svijeta, pribjegavali su dekorativnoj stilizaciji. Početak postimpresionizma pada na krizu impresionizma krajem 19. veka.

1. Neumorna potraga za novim kompozicionim rješenjem za slike, načinima prenošenja boje i svjetlosti karakteristični su za rad Paula Cezannea.

Mrtve prirode je slikao voćem, najmanje ga je brinula njihova sličnost sa originalom. Neobična u Cezanneovom radu bila je upotreba boje, umjetnik je vjerovao da hladne boje (plava i zelena) imaju svojstvo da se kreću u dubinu slike, pa je slika postala obimna.

2. Vincent van Gogh je svjetski poznati holandski postimpresionistički slikar. Od prve izložbe slika kasnih 1880-ih, Van Goghova slava je stalno rasla među kolegama, povjesničarima umjetnosti, trgovcima i kolekcionarima. Nakon njegove smrti organizovane su memorijalne izložbe u Briselu, Parizu, Hagu i Antverpenu.

Suncokreti je naziv dva ciklusa slika holandskog umjetnika Vincenta van Gogha. Prva serija nastala je u Parizu 1887. Posvećen je ležećem cveću. Druga serija je završena godinu dana kasnije, u Arlu. Ona prikazuje buket suncokreta u vazi. Dvije pariške slike nabavio je Van Goghov prijatelj Paul Gauguin.

"Irise" - naslikao ih je umjetnik u vrijeme dok je živio u bolnici Sv. Pavla od Mauzoleja u blizini Saint-Remy-de-Provencea, godinu dana prije smrti 1890. godine. Na slici nema velike napetosti, što se očituje u njegovim kasnijim radovima. Sliku je nazvao "gromovodom za moju bolest" jer je smatrao da svoju bolest može držati pod kontrolom nastavljajući da slika.

Tokom posljednja dva mjeseca svog života - od maja do jula 1890. - Van Gog je živio u Auvers-sur-Oise u blizini Pariza, gdje je između ostalog naslikao nekoliko slika sa cvijećem. "Pink Roses" je jedna od najboljih slika u ovoj seriji. Karakteristično je za kasno stvaralaštvo umjetnika. Za razliku od jarkih narandžastih i žutih koje je koristio u Arlu (na primjer, u ciklusu Suncokreti), ovdje Van Gogh koristi mekšu i melanholičniju kombinaciju boja, što govori o plodnijoj i vlažnijoj sjevernoj klimi. Ova slika je također tipična za posljednji period rada Vincenta Van Gogha po tome što u njoj praktično nema gravitacije (na prvi pogled izgleda da se slika može preokrenuti, ali efekat se neće promijeniti) i prostornosti (cvijeće izgleda biti potisnut iz ravni slike u prostor u kojem se nalazi posmatrač). Van Gog je bio u stanju da posmatraču prenese osećaj neposredne blizine ruža. Gotovo nevidljiva posuda ispod cvijeća ukazuje na to gdje se slika nalazi na dnu, a tek neznatna promjena oblika poteza i neznatna promjena nijansi zelene nagoveštavaju dubinu. Oštre tamnoplave konture listova i stabljika ruža, kao i vibrirajuće i uvijajuće linije, primjer su utjecaja japanskog duboreza na umjetnika. Iako ove tehnike podsjećaju na stil Paula Gauguina i Emilea Bernarda, Van Gogh ih koristi na svoj neopisiv način.

Sliku "Crveni vinogradi u Arlu" naslikao je Van Gog 1888. godine.

Živeći na jugu Francuske, umjetnik je crpio beskrajnu inspiraciju iz urbanih i ruralnih pogleda, jarkih boja prirode, sunčeve svjetlosti. Ovaj period je najproduktivniji u radu Van Gogha.

U Arlesu ga je posjetio Gauguin, a jednog dana, vraćajući se kući s periferije grada, umjetnici su svjedočili neobičnoj slici:

zalazeće sunce obasjavalo je vinograd svojim zracima, bojeći lišće u grimiznu boju, a ljude i zemlju u nijansama lila pepela. Ubrzo nakon toga, Van Gog je počeo da radi na slici koja prikazuje berbu grožđa u blizini Montmajura. Umjetnik je prikazao ne samo pejzaž, već svojevrsnu parabolu, gdje sve ima simbolično značenje. Usijano ogromno sunce na žutom nebu baca zelene i narandžaste odsjaje. Čini se da se sve na zemlji topi pod njom.

Listovi grožđa postaju crveni sjaj, a tlo ispod njih poprima ljubičastu nijansu. Desna strana slike je dodijeljena vodi, odražavajući žuto vatreno nebo.

Ljudi koji beru grožđe su simbol života. Van Gog je njihov svakodnevni rad shvatio kao nešto što omogućava osobi da postane sastavni dio svemira.

Slika je bila jedno od rijetkih djela prodatih za vrijeme Van Goghovog života. Sada se nalazi u Muzeju Puškina u Moskvi.

Dodatak 6

Muzika u 19. veku.

Kompozitori prve polovine 19. veka bili su F. List, F. Šopen, F. Šubert, R. Šuman. Kompozitore ove škole odlikovala je sklonost maloj formi. Njihova muzika je lirska i melodična i bila je pretežno kamerna muzika.

Istovremeno, italijanska opera doživljava svoj procvat. Njegovi najsjajniji predstavnici su G. Rossini, V Bellini, G. Donizetti, G. Verdi. U italijanskoj operi suprotstavljena su dva pravca: jedan je gravitirao tradicionalnoj buff operi (tj.

komedije), drugi je označavao trend formiranja nacionalne opere.

Predstavnik potonjeg bio je G. Verdi (1813-1901). Autor je opera "Regoleto", "Travijata", "Otelo", "Makbet", "Aida", "Falstaf", "Travator" i drugih. Arije iz njegovih opera postale su narodne pjesme i državne himne koje pozivaju Talijane na borbu za nezavisnost.

Ozbiljnu reformu opere poduzeli su J. Bizet i R. Wagner. Bize, autor jedne od najpopularnijih opera - "Karmen", bio je pristalica izuzetno realistične radnje i melodije koja je iskreno izražavala osećanja čoveka. R. Wagner je uništio uobičajenu strukturu opere, unoseći u nju elemente dramskog izvođenja i simfonijskog koncerta. U njegovim operama bilo je mnogo simfonijskih koncerata. U njegovim operama bilo je mnogo simfonijskih umetaka i recitativa.

„Reformu simfonijske muzike sproveo je francuski kompozitor C. Debisi. Debisi je zapravo napustio melodije poznate simfonijskoj muzici. Pokušavao je da pokaže osećanja, uništavajući ustaljene muzičke forme.

Franz Schubert je austrijski kompozitor, jedan od začetnika romantizma u muzici, autor oko 600 pjesama, devet simfonija, kao i većeg broja kamerne i solo klavirske muzike. (slušajući fragment snimka "Šumskog kralja") Frederic Chopin je autor brojnih djela za klavir.

Najveći predstavnik poljske muzičke umjetnosti. Mnoge je žanrove interpretirao na nov način: oživio je preludij na romantičnoj osnovi, stvorio klavirsku baladu, poetizirao i dramatizirao plesove - mazurku, polonezu, valcer; pretvorio scherzo u samostalno djelo.

Giuseppe Verdi - Veliki italijanski kompozitor, čije je delo jedno od najvećih dostignuća svetske operske umetnosti i vrhunac razvoja italijanske opere u 19. veku. Kompozitor je stvorio više od 26 opera i jedan rekvijem. Najbolje opere kompozitora: Un ballo in maschera, Rigoletto, Il trovatore, La traviata. Vrhunac kreativnosti su najnovije opere: "Aida", "Otelo".

Georges Bizet je francuski kompozitor iz perioda romantizma, autor orkestarskih djela, romansi, klavirskih komada i opera, od kojih je najpoznatija bila Carmen.

Klod Debisi - bio je ne samo jedan od najznačajnijih francuskih kompozitora, već i jedna od najznačajnijih ličnosti u muzici na prelazu iz 19. u 20. vek; njegova muzika predstavlja prelazni oblik od kasnoromantičarske muzike ka modernizmu u muzici 20. veka.