Dramaturgi englezi, predecesori și contemporani ai lui William Shakespeare. William Shakespeare - dramaturg genial Opere ale lui William Shakespeare

Noua dramaturgie, care a înlocuit teatrul din Evul Mediu - piese de mister, piese de moralitate alegorică și farse populare primitive, s-a dezvoltat treptat.

În anii treizeci ai secolului al XVI-lea, episcopul Bayle, un protestant zelos, a scris o piesă îndreptată împotriva catolicismului. El și-a ilustrat gândurile cu un exemplu din istoria Angliei - lupta regelui Ioan Fără pământ (a domnit între 1199 și 1216) împotriva Papei. În realitate, acest rege era o persoană nesemnificativă, dar era drag inimii episcopului protestant pentru că era în dușmănie cu papa. Bayle a scris o piesă de morală în care virtuți și vicii personificate erau în joc. Figura centrală a piesei se numea Virtutea. Dar în același timp a fost numit Regele Ioan. Printre figurile sumbre care personifică viciile, numele unuia era Puterea ilegală, alias Papa; numele celuilalt este Incitare la revoltă, ea este și legatul Papei. „Regele Ioan” a lui Bayle este o piesă unică în care alegoriile unei vechi piese de morală medievale au fost combinate cu acel nou gen istoric, care mai târziu și-a găsit înflorirea în piesele istorice ale lui Shakespeare. Istoricii literari au comparat „Regele Ioan” al lui Bayle cu un cocon: nu mai este o omidă, dar nu mai este un fluture.

În același timp, în anii treizeci ai secolului al XVI-lea, așa-numita dramă „școlară” a început să se dezvolte în Anglia. Se numește așa pentru că a fost creat între zidurile universităților și școlilor: piesele de teatru erau scrise de profesori și profesori și jucate de studenți și școlari. Dar o putem numi o dramă „școlară” în sensul că dramaturgii care au creat-o ei înșiși au învățat încă să scrie piese de teatru studiind autori anticiși imitându-le. În anii treizeci ai secolului al XVI-lea, a fost scrisă prima comedie în limba engleză, „Ralph Royster-Doyster”; autorul său a fost celebrul profesor de atunci Nicholas Yudl, director al Școlii Eton. În anii cincizeci, prima tragedie în limba engleză, „Gorboduc”, a fost scrisă de avocații științi Sackville și Norton.

Dar toate acestea au fost doar „școală”. Adevărate lucrări dramatice pline de viață au apărut abia atunci când oamenii de la universități - „mințile universitare” - au început să dea piesele lor actorilor profesioniști. Acest lucru s-a întâmplat în anii optzeci ai secolului al XVI-lea.

În 1586 au apărut două piese care merită atentie speciala. Autorul primei este Thomas Kyd (care a scris și prima piesă despre Hamlet, care, din păcate, nu a ajuns la noi).

Jocul pentru copii este o „tragedie a tunetului și sângelui” tipică, așa cum spuneau ei atunci. Titlul în sine este elocvent - „Tragedia spaniolă”. Aceasta este o încercare, încă primitivă, de a descrie puterea sentimentelor umane. Pe scenă apare o figură teribilă a Răzbunării, care amintește de imagini dintr-o piesă de morală străveche. Imediat iese Spiritul Andreei ucise, care, plângându-se de ucigașii ticăloși, îl strigă pe însoțitorul său teribil. Acțiunea începe. Tânărul Horatio îl iubește fată frumoasă Belimperia și ea îl iubește. Dar Balthazar, fiul regelui portughez, iubește și Belimperia. Fratele Belimperiei, criminalul Lorenzo, se angajează să-l ajute pe Balthazar. Într-o noapte cu lună, când tinerii, așezați în grădină, își declară dragostea unul altuia, ucigașii mascați apar pe scenă și îl ucid pe Horatio cu pumnale. Pe scena engleză din acea vreme le plăcea să înfățișeze crime și alte „orori”: o sticlă de oțet roșu a fost plasată sub mantia albă a actorului; pumnalul a străpuns bula și pe mantia albă au apărut pete roșii. După ce l-au înjunghiat pe Horatio cu pumnale, ucigașii îi atârnă cadavrul de un copac - se pare că pentru a arăta mai clar publicului cadavrul pătat de sânge. Belimperia este apoi luată cu forța de ucigași. La țipetele ei, tatăl lui Horatio, bătrânul Hieronimo, fuge, purtând doar cămașa lui, cu o sabie în mâini. Văzând cadavrul fiului său agățat de un copac, pronunță un monolog tunător, chemând la răzbunare... Tot ce se întâmplă pe scenă este observat de Răzbunare și Spiritul Andreei ucise, care, jubilat, așteaptă răzbunare, pentru cea a lui Horatio. ucigașii sunt și ucigașii lui. Dar bătrânul Hieronimo ezită: nu este ușor să te răzbuni pe fiul regelui. Bătrânul nefericit se gândește cu tristețe la viață. „O lume! - exclamă el. „Nu, nu pace, ci o colecție de crime!” Se compară cu un călător singuratic care și-a pierdut drumul într-o noapte cu zăpadă... Spiritul Andreei este plin de anxietate. Se întoarce spre Revenge, dar vede că ea doarme. — Trezește-te, Răzbunare! - exclamă el disperat. Răzbunarea se trezește. Și apoi un gând iese la bătrânul Jeronimo. Pentru a-și atinge scopul, intenționează să pună în scenă o piesă la curte (cititorul a observat deja unele asemănări între această tragedie și Hamletul lui Shakespeare; să ne amintim încă o dată că Kid a fost autorul primei piese despre Hamlet). Piesa, pusă în scenă de Hieronimo, îi prezintă pe Belimperia, inițiată în planul său, precum și pe Balthasar și Lorenzo. Pe măsură ce jocul progresează, personajele trebuie să se omoare între ele. Bătrânul Hieronimo o aranjează astfel încât, în loc de crime „de teatru”, să aibă loc crime reale. Spectacolul se termină, dar actorii nu se ridică de la pământ. Regele spaniol cere o explicație de la Hieronimo. Hieronimo refuză să răspundă și, pentru a-și confirma refuzul, își mușcă limba și o scuipă. Atunci regele îi ordonă să-i dea un stilou ca să scrie o explicație. Hieronimo cere cu semne să-i dea un cuțit pentru a ascuți stiloul și se înjunghie cu acest cuțit. O răzbunare jubiloasă apare deasupra unui morman de cadavre însângerate, ceea ce sugerează că adevărata răzbunare urmează să vină: începe în iad.

Totul în această piesă este complet teatral, convențional și melodramatic. „Tragedia spaniolă” de Thomas Kyd este fondatorul acelei mișcări „romantice” din drama epocii shakespeariane, care a dat naștere unor tragedii precum „Diavolul alb” sau „Ducesa de Malfi” de Shakespeare. Webster contemporan.

Tot în 1586 a fost scrisă o piesă de teatru cu totul diferită. Titlul său este „Arden of the City of Feversham” (autorul său este necunoscut pentru noi). Aceasta este o dramă de la viață de familie. Povestește cum o tânără, Alice Arden, și iubitul ei, Moseby, l-au ucis pe soțul lui Alice. CU mare putere crima în sine este înfățișată, când Alice încearcă în zadar să spele petele de sânge (acest motiv a fost dezvoltat cu o forță extraordinară de Shakespeare în acea scenă celebră în care rătăcește Lady Macbeth, pe jumătate adormită, biruită de amintiri). Totul în această piesă este vital și realist. Și complotul în sine a fost împrumutat de autor din viața reală. În epilog, autorul cere publicului să-l ierte pentru faptul că nu există „decorări” în piesă. Potrivit autorului, „adevărul simplu” este suficient pentru artă. Această piesă poate fi numită strămoșul acelei mișcări în drama epocii shakespeariane, care a căutat să înfățișeze Viata de zi cu zi, precum minunata dramă a lui Thomas Heywood A Woman Killed by Kindness. Opera lui Shakespeare combină ambele mișcări - romantice și realiste.

Acesta a fost prologul. Evenimentele reale încep cu apariția pieselor lui Christopher Marlowe pe scena londoneze. Marlowe s-a născut, ca și Shakespeare, în 1564 și era cu doar două luni mai mare decât el. Patria lui Marlowe a fost orașul antic Canterbury. Tatăl lui Christopher Marlowe deținea un magazin de pantofi. Părinții săi și-au trimis fiul la Universitatea Cambridge, sperând să-l facă preot. Cu toate acestea, după absolvirea universității, Marlowe, în locul altarului bisericii, s-a trezit pe scena scenei londoneze. Dar nu era destinat să devină actor. Potrivit legendei, și-a rupt piciorul și a trebuit să renunțe la actorie. Apoi a început să scrie piese de teatru. Epopeea sa grandioasă în două părți și zece acte, Tamerlan cel Mare, a apărut în 1587–1588. În această epopee, Marlowe vorbește despre viața, războaiele și moartea celebrului comandant din secolul al XIV-lea.

„Păstorul scit”, „tâlharul din Volga” sunt numite Tamerlane în piesa lui Marlowe de către regii din răsărit, pe care îi dă jos de pe tron, punând mâna pe regatele lor. Armata lui Tamerlane, conform lui Marlowe, este formată din „băieți simpli din sat”. Marlowe îl înfățișează pe Tamerlan ca pe un gigant musculos. Acesta este un om cu o forță fizică fenomenală, o voință indestructibilă și un temperament spontan. Amintește de figurile puternice create de dalta lui Michelangelo. Motivul slăvirii vieții pământești, atât de tipic Renașterii, sună tare în această epopee dramatică grandioasă; de pe scenă se aud cuvintele: „Cred că plăcerile cerești nu se pot compara cu bucuria regală de pe pământ!”

Tamerlane, ca și Marlowe însuși, este un liber gânditor pasionat. Într-unul dintre monologuri furtunoase și tunetoase ale sale, el spune că scopul omului este „să se ridice veșnic la cunoașterea infinită și să fie veșnic în mișcare, asemenea sferelor cerești neastâmpărate”. Acest erou fabulos este plin de forță în exces. El urcă pe scenă într-un car care, în loc de cai, este înhămat de regii pe care i-a capturat. „Hei, ai răsfățat ciucuri asiatici!” – strigă el, îndemnându-i cu biciul.

Următoarea piesă a lui Marlowe a fost Istoria tragică a doctorului Faustus. Aceasta a fost prima adaptare dramatică a celebrei legende. Piesa lui Marlowe a reflectat dorința omului de a cuceri forțele naturii, atât de caracteristice Renașterii. Faust își vinde sufletul lui Mefistofel pentru a „obține darurile de aur ale cunoașterii” și „pătrunde în vistieria naturii”. El visează să-și închidă pe a lui oras natal zid de cupru și faceți-l inaccesibil inamicului, schimbați debitul râurilor, aruncați un pod peste Oceanul Atlantic, umpleți Gibraltarul și legați Europa și Africa într-un singur continent... „Ce grandios sunt toate acestea!” - a remarcat Goethe, care a folosit câteva trăsături ale tragediei lui Marlowe pentru Faustul său.

Puritanii, care au creat codul noii morale burgheze, erau indignați de liber-gânditorul pasionat care îi propovăduia în mod deschis părerile. Una după alta, denunțurile au venit la Consiliul Privat al Reginei. Și oamenii de rând, deși piesele lui Marlowe s-au bucurat de un mare succes în rândul lor, uneori priveau ce se întâmpla pe scenă nu fără teamă superstițioasă. A existat chiar și un astfel de zvon la Londra. Într-o zi, după interpretarea lui Faust, s-a dovedit că actorul care juca rolul lui Mefistofel era bolnav și nu a mers la teatru. Atunci cine l-a jucat pe Mefistofel în această zi? Actorii s-au repezit în camera de costume și abia atunci și-au dat seama din mirosul de sulf că diavolul însuși cânta pe scena londoneză în acea zi.

Marlowe a mai scris câteva piese de teatru (cea mai bună piesă a lui pentru intensitatea portretelor umane pe care le-a creat este cronica istorică „Regele Edward al II-lea”). Dar talentul său uimitor nu era destinat să se dezvolte la potențialul maxim. La 30 mai 1593, Christopher Marlowe, în al treizecilea an, a fost ucis într-o tavernă. Puritanii s-au bucurat. „Domnul a pus acest câine care lătră în cârligul răzbunării”, a scris unul dintre ei.

Așa a murit „părintele dramei engleze” Christopher Marlowe, fără să-și dezvăluie pe deplin puterile creatoare. Și tocmai în același an în care steaua lui a apucat, arzând cu o strălucire strălucitoare, pasională și neuniformă, steaua lui William Shakespeare a început să se ridice pe cerul teatral al Londrei. Spre deosebire de predecesorii săi, care erau oameni de educație universitară, „minți universitare”, acest nou dramaturg era un simplu actor.

Am menționat doar câțiva dintre predecesorii lui Shakespeare. De fapt, Shakespeare a folosit pe scară largă întregul trecut literar al patriei sale. A împrumutat mult de la Chaucer (de exemplu, poezia lui Shakespeare „Lucreția” cu rădăcinile sale intriga ne duce la lucrarea lui Chaucer „Legende ale femeilor bune”; imaginile lui Tezeu și Hippolyta din comedia „Visul unei nopți de vară” au fost probabil inspirate de „Povestea cavalerului” din celebrele „Povești Canterbury” ale lui Chaucer; poemul lui Chaucer „Troilus și Cressida” a influențat comedia omonimă a lui Shakespeare etc.). Shakespeare îi datora mult lui Edmund Spenser, autorul cărții The Faerie Queene și altor poeți ai școlii sale. Din „Arcadia” a lui Philip Sidney Shakespeare a împrumutat complotul, pe care l-a întruchipat în imaginea lui Gloucester, trădat de fiul său Edmund („Regele Lear”) – Shakespeare a adus și el un omagiu eufismului. În cele din urmă, printre predecesorii lui Shakespeare, ar trebui să amintim povestitorii fără nume ai baladelor populare engleze. Din balada populară engleză își are originea acea dramă tragică a acțiunii, care este atât de tipică operei lui Shakespeare și a contemporanilor săi. Multe gânduri și sentimente care au existat de mult în oameni și care se reflectă în balade și cântece populare și-au găsit un întruchipare artisticăîn operele lui Shakespeare. Rădăcinile acestei creativități merg adânc în pământul popular.

Dintre operele literaturii străine, Shakespeare a fost influențat în primul rând de nuvelele italiene ale lui Boccaccio și Bandello, de la care Shakespeare a împrumutat o serie de intrigi pentru piesele sale. O colecție de povestiri italiene și franceze traduse în engleză sub titlul „Camera plăcerilor” a fost cartea de referință a lui Shakespeare. Pentru „tragediile romane” („Iulius Caesar”, „Coriolanus”, „Antonie și Cleopatra”) Shakespeare a preluat comploturi din „Viețile oamenilor celebri” a lui Plutarh, pe care le-a citit în traducere in engleza Norta. Cărțile sale preferate au inclus și Metamorfozele lui Ovidiu în traducerea în engleză a lui Golding.

Opera lui Shakespeare a fost pregătită de mulți poeți, scriitori și traducători.

Marlo Christopher

(Marlow) - cel mai faimos dintre dramaturgii englezi care l-au precedat pe Shakespeare (1564-1593). Un om sărac, fiu de cizmar, a primit studiile inițiale la Canterbury și la 16 ani a intrat la Universitatea din Cambridge. În 1583 a absolvit Universitatea cu o diplomă de licență și a plecat la Londra pentru a-și căuta avere. Există știri că, înainte de a juca ca scriitor dramatic, a fost actor, dar și-a rupt piciorul și a fost nevoit să renunțe pentru totdeauna la cariera pe scenă. În timp ce locuia la Londra, M. a făcut cunoștință cu poeți și dramaturgi și a avut relații mai mult sau mai puțin prietenoase cu Greene, Chapman, Sir Walter Rayleigh și Thomas Ours, cu care au scris tragedia „Dido”. În 1587, Marlowe a primit o diplomă de master în arte de la Cambridge și a pus în scenă prima sa tragedie, Tamerlane. Dintre cele două stiluri dominante de artă dramatică în timpul său, clasic și popular, Marlowe l-a ales pe cel din urmă pentru a o transforma. Înainte de M., drama populară era o alternanță de evenimente sângeroase și episoade bufonice, în care clovnilor chiar li se permitea să improvizeze. Deja în prologul la „Tamerlan”, se observă intenția conștientă a autorului de a deschide noi căi pentru arta dramatică, de a interesa publicul în reprezentarea evenimentelor istorice mondiale, imagini ale căderii regatelor și popoarelor. În plus, Marlowe a fost primul care a încercat să pună acțiunea pe o bază psihologică, să o înțeleagă cu motive interne. În persoana lui Tamerlan, el a scos în evidență tipul de persoană ambițioasă, arzând de o sete nesățioasă de putere; Unitatea tragediei constă în faptul că toate persoanele sunt aduse în legătură cu această trăsătură de caracter tragică a cuceritorului răsăritean, se ridică și pier prin ea. M. a urmat aceeaşi manieră psihologică în celelalte lucrări ale sale. Eroul unei alte drame de M., Faust, (1588), nemulțumit de știința medievală, vrea, cu ajutorul magiei, să pătrundă în tainele naturii; nemulţumit de prescripţiile ascezei medievale, el lânceşte de setea de viaţă şi de plăcerile ei caracteristice omului renascentist – iar pentru satisfacerea acestor două aspiraţii este gata de bunăvoie să-şi dea sufletul diavolului. - Motivul psihologic care stă la baza celei de-a treia drame a lui Marlowe, Evreul din Malta (1589-1590), este setea evreului de a se răzbuna pe creștini pentru toate nedreptățile și opresiunea la care au fost supuși compatrioții săi de-a lungul secolelor de către creștini. Sarcina lui M. a fost să descrie întărirea treptată și sălbăticia morală a unei persoane aflate sub influența persecuției și a nedreptății care i s-a întâmplat. Greșeala dramaturgului englez este că eroul piesei nu suportă până la capăt rolul de răzbunător inexorabil pentru poporul său și în ultimul act se lasă purtat de interesul propriu. Cea mai matură lucrare a lui Marlowe este cronica sa dramatică Edward al II-lea, care a servit drept model pentru Richard al II-lea al lui Shakespeare. Și în acest tip de muncă a fost la fel de mult un reformator ca și în altele. Înainte de Eduard al II-lea, piesele de istorie națională nu erau, cu foarte puține excepții, altceva decât cronici transpuse în formă dialogică. Spre deosebire de autorii acestor lucrări, M. și-a tratat materialul ca pe un adevărat artist: a luat ceea ce avea nevoie pentru scopurile sale dramatice, a renunțat la ceea ce era inutil, a dezlegat motivele interne ale acțiunilor personajelor și a creat personaje întregi din indicii neclare. Datorită unor astfel de tehnici, care dezvăluie un adevărat artist în Marlowe, cronica dramatică s-a transformat sub mâna lui într-o adevărată dramă istorică, cu motive interne corecte, semnificative pentru desfășurarea acțiunilor, cu situații dramatice recunoscătoare și personaje magistral conturate. Reforma dramei engleze concepută de M. a fost mult facilitată de metrul poetic pe care l-a introdus, care a schimbat complet dicția dramatică. Înlocuirea rimei cu versuri goale a avut un foarte importantîn istoria dezvoltării dramei engleze. Rimă obligatorie, așa cum se vede în exemplul așa-numitului francez. falsă tragedie clasică, a constrâns imaginația poetului, l-a forțat să sacrifice gândirea pentru a forma la fiecare pas, în timp ce pentametrul iambic alb flexibil și neted introdus de M. a dat imediat engleză. dramă populară naturalețe, simplitate și libertate. Cariera dramatică strălucită a lui M. a fost întreruptă cel mai mult tragic. În timp ce se afla în Depford, un orășel de pe Tamisa, s-a certat într-o tavernă, la cină, cu tovarășul său de băutură Archer. M. înfierbântat a scos un pumnal și s-a repezit spre Archer, care a oprit lovitura și a îndreptat pumnalul lui M. spre propriul ochi. Poetul a murit câteva ore mai târziu, într-o agonie cumplită. Dacă ne gândim că Marlowe a murit înainte de a împlini treizeci de ani, la o vârstă la care Shakespeare nu scrisese încă nici una dintre marile sale opere, atunci nu se poate să nu fie surprins de puterea geniului său și de faptul că un timp scurt a reușit să facă atât de multe pentru dezvoltarea dramei engleze. Fără exagerare, putem spune că el i-a deschis calea lui Shakespeare însuși.

Un rezumat al informațiilor despre Malo poate fi găsit în cartea lui N. Storozhenko, „Predecesorii lui Shakespeare” și în cea de-a 20-a ediție a „Istoria literaturii generale” de Korsh și Kirpichnikov. Vezi si Ward, „Literatura dramatică engleză” ( T . I, 1875); Saintsbury, „Literatura Elizabeth” ( L ., 1887); Symonds, „Predecesorii lui Shakspeares” (1884); Ulrici, „Shakspeare’s Dramatische Kunst” (1- YT .); Fiscker, „Zur Charakteristik der Dramen Marlowe” ( LPC ., 1889); Heinemann, „Un eseu către o bibliografie a lui Fauslus lui Marlowe” ( L ., 1884); Faligan, „De Marlowianis Fabulis” ( P ., 1888); Kellner, „Zur Sprache Christopher Marlowe” ( Viena, 1888). Lucrările lui M. au fost publicate de multe ori; cea mai bună ediție a lor îi aparține lui Deis („Operele lui Marlowe”, L., 1850). În limba rusă există o traducere a lui Faust făcută de Minaev – prea liberă („Delo”, 1876, mai), și o traducere foarte satisfăcătoare a lui Edward al II-lea. , deținută de doamna Radislavskaya (revista „Arta” pentru 1885). Conținutul „Evreului din Malta” este prezentat foarte amănunțit și cu multe extrase în articolul lui Uvarov despre M. („ cuvânt rusesc", 1859, nr. 2 și 3).

Articolul principal:Dramă elisabetană

În epoca lui Shakespeare, împreună cu Globe Theatre de succes din Londra, au existat câteva alte teatre notabile care au concurat între ele. Teatrul Rose (1587-1605), construit de antreprenorul Philip Henslowe (1550-1616). Teatrul Swan (The Swan, 1595-1632), care a fost construit de aurarul și comerciantul Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), Teatrul Fortune, a cărui construcție a început în 1600 și altele. Unul dintre cei mai faimoși dramaturgi și predecesori ai lui Shakespeare a fost talentatul poet Christopher Marlowe (1564-1593), sub influența căruia Shakespeare a căzut fără îndoială chiar la începutul operei sale și ale cărui piese au fost apoi puse în scenă la Teatrul Rose. A fost unul dintre dramaturgii „academicieni” cu diplome de la Oxford sau Cambridge, care au inclus și Robert Greene (1558-1592), John Lyly (1554-1606), Thomas Nashe (1567-1601). ), George Peele (1556-1596). ) și Thomas Lodge (1558-1625). Alături de ei, au existat și alți scriitori care nu aveau studii universitare, ale căror lucrări au influențat într-o măsură sau alta opera lui Shakespeare. Aceștia sunt Thomas Kyd (1558-1594), care a scris o piesă anterioară despre Hamlet, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (d. 1599), autor al piesei „The Two Vixens of Abingdon” ( The Two Angry Women of Abingdon), pe baza căreia a fost creată comedia lui Shakespeare The Merry Wives of Windsor, 1597-1602.

[Editați | ×] Tehnica teatrului în epoca lui William Shakespeare

Articolul principal:Tehnica teatrului în epoca lui Shakespeare

Tehnica teatrului în epoca lui Shakespeare - teatrul shakespearian corespunde fără îndoială sistemului de spectacole, puse inițial în scenă de grupuri de comedianți ambulanți în hanuri și curțile hotelurilor; aceste curți de hotel constau, de obicei, dintr-o clădire înconjurată la etajul doi de un balcon deschis, de-a lungul căruia erau amplasate camerele și intrările acestora. O trupă călătoare, care a intrat într-o astfel de curte, a amenajat o scenă lângă unul dintre pereții dreptunghiulari; erau spectatori în curte și pe balcon. Scena a fost amenajată sub forma unei platforme de scânduri pe estacate, o parte din care dădea spre curtea deschisă, iar cealaltă, cea din spate, a rămas sub balcon. O perdea cădea de pe balcon. Astfel, s-au format imediat trei platforme: cea din față - în fața balconului, cea din spate - sub balconul din spatele perdelei, iar cea de sus - chiar balconul de deasupra scenei. Același principiu stă la baza formei de tranziție a teatrului englez din secolul al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea. Primul teatru public staționar a fost construit în Londra (sau mai degrabă în afara Londrei, în afara limitelor orașului, deoarece teatrele nu erau permise în oraș) în 1576 de către familia de actori Burbage. În 1599, a fost creat Teatrul Globe, cu care este asociată cea mai mare parte a operei lui Shakespeare. Teatrul shakespearian nu cunoaște încă auditoriul, dar cunoaște auditoriul (curtea), ca o reminiscență a curților hotelurilor. Un astfel de auditoriu deschis, fără acoperiș, era înconjurat de o galerie sau două galerii. Scena era acoperită cu un acoperiș și era formată din aceleași trei zone ale curții hotelului. Partea din față a scenei a fost înfiptă aproape o treime în auditoriu - un stand în picioare (astfel, purtând literalmente numele „par terre” - pe pământ). Partea democratică a publicului care umplea tarabele a înconjurat scena într-un inel gros. Partea mai privilegiată, mai aristocratică a publicului era amplasată, întinsă și pe scaune, chiar pe scena, de-a lungul marginilor acesteia. Istoria teatrului din acest timp notează o ostilitate și ceartă constantă, uneori chiar transformându-se într-o luptă, între aceste două grupuri de spectatori. Vrăjmășia de clasă a meșteșugarilor și muncitorilor împotriva aristocrației s-a reflectat aici destul de zgomotos. În general, nu a existat o tăcere pe care o cunoaște auditoriul nostru în teatrul lui Shakespeare. Spatele scenei era despărțit de o perdea glisantă. Scenele intime erau de obicei jucate acolo (de exemplu, în dormitorul Desdemonei) și erau jucate acolo atunci când era necesar să mutați imediat acțiunea într-un alt loc și să arătați personajul într-o poziție nouă (de exemplu, în drama lui Marlowe " Tamerlan” există o remarcă: „cortina este trasă înapoi, iar Zenocrat stă întins în pat, Tamerlane stă lângă ea”, sau în „Povestea de iarnă” de Shakespeare: „Pauline trage înapoi perdeaua și o dezvăluie pe Hermione stând în picioare sub forma unei statui. ”). Peronul din față era scena principală și era folosită pentru procesiunile și procesiunile preferate de atunci din teatru, precum și pentru spectacolul de scrimă, care era extrem de popular la acea vreme (scena din ultimul act al lui Hamlet). Aici au jucat și clovni, jongleri și acrobați, distrând publicul între scenele piesei principale (nu existau pauze în teatrul shakespearian). Ulterior, în timpul procesării literare ulterioare a dramelor lui Shakespeare, unele dintre aceste interludii de clovn și replici bufoniste au fost incluse în textul tipărit. Fiecare spectacol se termina întotdeauna cu o „jiga” - un fel special de cântec cu un dans interpretat de un clovn; Scena groparilor din Hamlet pe vremea lui Shakespeare era o clownerie; a fost plină de patos mai târziu. În teatrul shakespearian încă nu există nicio diferență clară între un actor dramatic și un acrobat sau bufon. Adevărat, această diferență este deja dezvoltată, simțită, este în devenire. Dar marginile nu au fost încă șterse. Legătura care leagă actorul shakespearian cu bufonul, histrionul, jonglerul, „diavolul” bufon al piesei de mister medievale, cu bufonul fars, nu a fost încă ruptă. Este destul de înțeles de ce boilerul din The Taming of the Shrew, când aude cuvântul „comedie”, își amintește în primul rând de trucurile jonglerului. Scena de sus a fost folosită atunci când acțiunea urma să fie descrisă după logica evenimentelor de mai sus, de exemplu, pe zidurile cetății („Coriolanus”), pe balconul Julietei („Romeo și Julieta”). În astfel de cazuri, scenariul conține o remarcă „mai sus”. De exemplu, acest aspect a fost practicat - partea de sus înfățișa un zid de fortăreață, iar cortina platformei din spate trasă înapoi în partea de jos însemna în același timp porțile orașului, deschise în fața câștigătorului. Acest sistem de teatru explică și structura dramelor lui Shakespeare, care nu cunosc încă nicio împărțire în acte (această împărțire a fost făcută după moartea lui Shakespeare, în ediția din 1623), nici istoricism precis, nici realism vizual. Paralelismul intrigilor din aceeași piesă, atât de caracteristică dramaturgilor elisabetani, a fost explicat recent prin structura particulară a scenei, deschisă publicului pe trei laturi. Pe această scenă domnește așa-numita lege a „continuității temporale”. Dezvoltarea unei intrigi a făcut posibil ca alta să continue, așa cum ar fi, „în spatele scenei”, umplând astfel perioada corespunzătoare de „timp de teatru” între segmentele unei anumite intrigi. Construită pe episoade scurte de joc activ, acțiunea se mișcă dintr-un loc în altul cu o viteză relativă. Acest lucru se reflectă și în tradiția scenelor de mister. Așadar, o nouă apariție a aceleiași persoane, sau chiar doar câțiva pași de-a lungul scenei cu o explicație textuală corespunzătoare, a indicat un nou loc. De exemplu, în Much Ado About Nothing, Benedict îi spune băiatului: „Am o carte pe fereastra din camera mea, adu-o aici în grădină” - asta înseamnă că acțiunea are loc în grădină. Uneori, în operele lui Shakespeare un loc sau un timp este indicat nu atât de simplist, ci ca o întreagă descriere poetică a acestuia. Aceasta este una dintre tehnicile lui preferate. De exemplu, în „Romeo și Julieta”, în imaginea care urmează scenei unei nopți cu lună, Lorenzo, intrând, spune: „Zâmbetul clar al celui ascuțit, cu ochi cenușii conduce noaptea mohorâtă și aurește norul răsăritului. cu dungi de lumină...” Sau cuvintele prologului la primul act din „Henric al V-lea”: „ …Imaginați-vă că aici se întind câmpiile largi ale Două Regate, ale căror țărmuri, înclinate atât de aproape unul de celălalt, sunt despărțite de un Ocean Puternic îngust, dar periculos.” Câțiva pași ai lui Romeo și prietenii lui au indicat că s-a mutat de pe stradă în casă. Pentru a desemna un loc, au fost folosite și „titluri” - tablete cu o inscripție. Uneori scena înfățișa mai multe orașe deodată, iar inscripțiile cu numele lor erau suficiente pentru a ghida privitorul în acțiune. Odată cu sfârșitul scenei, personajele au părăsit scena, uneori chiar au rămas - de exemplu, oaspeții deghizați care mergeau pe stradă până la casa Capulet („Romeo și Julieta”) nu au părăsit scena și apariția lacheilor cu șervețele însemna că sosiseră deja și se află în camerele Capuleților. Drama nu era considerată „literatură” în acest moment. Dramaturgul nu a urmărit calitatea de autor, iar acest lucru nu a fost întotdeauna posibil. Tradiția dramei anonime a venit din Evul Mediu prin trupe ambulante și a continuat să funcționeze. Deci numele lui Shakespeare apare sub titlurile pieselor sale abia în 1593. Ceea ce a scris dramaturgul de teatru, el nu a intenționat să fie publicat, ci a avut în vedere exclusiv teatrul. O parte semnificativă a dramaturgilor din epoca elisabetană erau atașați unui anumit teatru și și-au asumat obligația de a oferi repertoriu pentru acel teatru. Competiția dintre trupe a necesitat un număr mare de piese de teatru. Pentru perioada 1558-1643, numărul lor în Anglia este estimat la peste 2.000 de nume. De foarte multe ori, aceeași piesă este folosită de un număr de trupe, reluând fiecare în felul său, adaptându-l la trupă. Paternitatea anonimă excludea plagiatul literar și nu puteam vorbi decât despre metodele „pirate” de competiție, atunci când o piesă a fost furată după ureche, prin înregistrare brută etc. Și în opera lui Shakespeare cunoaștem o serie de piese care au fost folosite de intrigi din drame preexistente. Acestea sunt, de exemplu, „Hamlet”, „Regele Lear” și altele. Publicul nu a cerut numele autorului piesei. Acest lucru, la rândul său, a condus la faptul că piesa scrisă a fost doar „baza” spectacolului; textul autorului a fost modificat după dorință în timpul repetițiilor. Autorii marchează adesea spectacolele bufonilor cu remarca „bufonul vorbește”, lăsând conținutul scenei bufonului în seama teatrului sau improvizației bufonului însuși. Autorul și-a vândut manuscrisul teatrului și, ulterior, nu a revendicat niciun drept de autor sau drepturi asupra acestuia. Era foarte obișnuit ca mai mulți autori să lucreze împreună și, astfel, foarte repede la o piesă, de exemplu, unii au dezvoltat intriga dramatică, alții partea comică, bufniile bufonilor, alții au descris tot felul de efecte „înfricoșătoare” care erau foarte popular la acea vreme etc. d. Spre sfârşitul epocii, la începutul secolului al XVII-lea, drama literară începea deja să-şi croiască drum pe scenă. Înstrăinarea dintre autori „învățați”, „diletanți” seculari și dramaturgi profesioniști devine din ce în ce mai puțin. Autorii literari (de exemplu, Ben Jonson) încep să lucreze pentru teatru, iar dramaturgii de teatru, la rândul lor, încep să publice din ce în ce mai mult.

[Editați | ×] Problema periodizării

Cercetători ai operei lui Shakespeare (criticul literar danez G. Brandes, editorul lucrărilor complete rusești ale lui Shakespeare S. A. Vengerov) în sfârşitul XIX-lea- începutul secolului XX, pe baza cronologiei lucrărilor sale, au prezentat evoluția sa spirituală dintr-o „dispoziție veselă”, credința în triumful dreptății, idealurile umaniste la începutul călătoriei sale către dezamăgire și distrugerea tuturor. iluzii la final. Cu toate acestea, în ultimii ani, a apărut o opinie că a concluziona despre identitatea autorului pe baza lucrărilor sale este o greșeală.

În 1930, savantul Shakespeare E. C. Chambers a propus o cronologie a operei lui Shakespeare în funcție de criterii de gen; aceasta a fost ulterior corectată de J. McManway. S-au distins patru perioade: prima (1590-1594) - timpurie: cronici, comedii renascentiste, „tragedie de groază” („Titus Andronicus”), două poezii; a doua (1594-1600) - comedii renascentiste, prima tragedie matură („Romeo și Julieta”), cronici cu elemente de tragedie, tragedie antică („Iulius Caesar”), sonete; a treia (1601-1608) - mari tragedii, tragedii antice, „comedii negre”; a patra (1609-1613) - drame de basm cu un început tragic și un final fericit. Unii savanți Shakespeare, inclusiv A. A. Smirnov, au combinat prima și a doua perioadă într-o singură perioadă timpurie.

[Editați | ×] Prima perioadă (1590-1594)

Prima perioadă este de aproximativ 1590-1594 ani.

După dispozitivele literare poate fi numită o perioadă de imitație: Shakespeare este încă în întregime în puterea predecesorilor săi. După starea ta de spirit această perioadă a fost definită de susținătorii abordării biografice a studiului operei lui Shakespeare ca o perioadă de credință idealistă în cele mai bune părți viața: „Tânărul Shakespeare pedepsește cu entuziasm viciul în tragediile sale istorice și gloriifică cu entuziasm sentimentele înalte și poetice - prietenia, sacrificiul de sine și mai ales dragostea” (Vengerov).

În tragedie" Titus Andronicus„Shakespeare a adus pe deplin un omagiu tradiției dramaturgilor contemporani de a capta atenția publicului, stârnind pasiuni, cruzime și naturalism. Ororile lui Titus Andronicus sunt o reflectare directă și imediată a ororilor din piesele lui Kyd și Marlowe.

Primele piese ale lui Shakespeare au fost probabil cele trei părți ale lui Henric al VI-lea. Sursa acestei cronici istorice și a celor ulterioare a fost Cronicile lui Holinshed. Tema care unește toate cronicile lui Shakespeare este succesiunea conducătorilor slabi și incapabili care au condus țara la lupte civile și război civil și restabilirea ordinii odată cu aderarea dinastiei Tudor. La fel ca Marlowe în Edward al II-lea, Shakespeare nu descrie pur și simplu evenimente istorice, ci explorează motivele din spatele acțiunilor eroilor.

« Comedia erorilor" - o comedie timpurie, „studentă”, un sitcom. Conform obiceiului din acea vreme, o reelaborare a piesei de către un autor englez modern, a cărei sursă a fost comedia lui Plautus „Menechmes”, care descrie aventurile fraților gemeni. Acțiunea are loc în Efes, care seamănă puțin cu orașul grec antic: autorul transferă semnele Angliei contemporane într-un cadru antic. Shakespeare adaugă o intrigă de slujitori dubli, încurcând astfel acțiunea și mai mult. Este caracteristic că deja în această lucrare există un amestec de comic și tragic, obișnuit pentru Shakespeare: bătrânul Egeon, care a încălcat fără să vrea legea Efeseană, se confruntă cu execuția și numai printr-un lanț de coincidențe incredibile și greșeli absurde se realizează mântuirea. vino la el în finală. Întreruperea unui complot tragic cu o scenă comică chiar și în cele mai întunecate opere ale lui Shakespeare este o reamintire, înrădăcinată în tradiția medievală, a proximității morții și, în același timp, a fluxului neîncetat al vieții și a reînnoirii ei constante.

Piesa se bazează pe tehnici comice brute. Îmblânzirea scorpiei„, creată în tradiția comediei farsale. Aceasta este o variantă a unui complot popular în teatrele din Londra în anii 1590 despre pacificarea unei soții de către soțul ei. Două personalități extraordinare se reunesc într-un duel captivant și femeia este învinsă. Autorul proclamă inviolabilitatea ordinii stabilite, acolo unde capul familiei este bărbat.

În piesele ulterioare, Shakespeare se îndepărtează de tehnicile comice externe. " Munca dragostei s-a pierdut„- o comedie creată sub influența pieselor lui Lily, pe care a scris-o pentru producție la teatrul de măști de la curtea regală și în casele aristocratice. Cu un complot destul de simplu, piesa este un turneu continuu, o competiție între personaje în dialoguri pline de spirit, jocuri verbale complexe și scrierea de poezii și sonete (de atunci Shakespeare stăpânește deja o formă poetică complexă). Limbajul din Love's Labour's Lost este pretențios, înflorit, așa-zisul eufuism, limbajul elitei aristocratice engleze din acea vreme, care a devenit popular după publicarea romanului lui Lily Euphues, or the Anatomy of Wit.

[Editați | ×] A doua perioadă (1594-1600)

Romeo si Julieta. Pictură de F. Dixie (1884)

În jurul anului 1595, Shakespeare a creat una dintre cele mai faimoase tragedii ale sale - "Romeo si Julieta", - istoria dezvoltării personalității umane în lupta împotriva circumstanțelor exterioare pentru dreptul la iubire. „Pentru versiunea lui Romeo și Julieta, Shakespeare poate să fi folosit o reelaborare a vechiului text lăsat de „academicieni” (un cerc de dramaturgi cu diplome universitare).“ „Povestit inițial într-un roman de Luigi Da Porto (1485-1529). ) despre soarta tristă a lui Romeo și Julieta (1524) a fost preluată de alți autori italieni (Bandello, Bolderi, Groto) și răspândită în continuare în literatura europeană. poveste celebră a fost folosit de Arthur Brooke ca bază pentru poemul „The Tragic History of Romeus and Juliet” (Arthur Brooke. The tragicall Historye of Romeus and Juliet, 1562). Este probabil că opera lui Brooke a servit drept sursă pentru Shakespeare. A sporit lirismul și dramatismul acțiunii, a regândit și îmbogățit personajele, a creat monologuri poetice care au scos la iveală experiențele interioare ale personajelor principale, transformând astfel o operă obișnuită într-un poem de dragoste renascentist. Aceasta este o tragedie de un tip aparte, lirică, optimistă, în ciuda morții personajelor principale din final. Numele lor au devenit sinonime pentru cea mai înaltă poezie a pasiunii.

O altă dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Shakespeare datează din aproximativ 1596 - „Comerciantul de la Veneția”. Shylock, ca un alt celebru evreu al dramei elisabetane - Barabbas („Evreul de Malta”) al lui Marlowe, caută răzbunare. Dar, spre deosebire de Baraba, Shylock, care rămâne un personaj negativ, este mult mai complex. Pe de o parte, este un cămătar lacom, viclean, chiar crud, pe de altă parte, este o persoană insultată a cărei ofensă trezește simpatie. Celebrul monolog al lui Shylock despre identitatea unui evreu și a oricărei alte persoane „Un evreu nu are ochi?...”(Actul III, Scena 1) recunoscut de unii critici cel mai bun discursîn apărarea egalităţii evreilor în toată literatura. Piesa contrastează puterea banilor asupra unei persoane și cultul prieteniei - o componentă integrală a armoniei vieții.

În ciuda „naturii problematice” a piesei și a naturii dramatice a poveștii lui Antonio și Shylock, în atmosfera sa „Comerciantul de la Veneția” este aproape de piesele de basm precum „ visul unei nopti de vara„(1596). Piesa magică a fost probabil scrisă pentru nunta unuia dintre nobilii elisabetani. Pentru prima dată în literatură, Shakespeare pătrunde creaturile fantastice cu slăbiciuni și contradicții umane, creând personaje. Ca întotdeauna, el intercalează scene dramatice cu scene comice: artizanii atenieni, foarte asemănători muncitorilor englezi, pregătesc cu sârguință și inept pentru nunta lui Tezeu și Hippolita piesa „Pyramus și Thisbe”, care este o poveste de dragoste nefericită spusă într-o parodie. formă. Cercetătorii au fost surprinși de alegerea intrigii pentru piesa de „nunță”: intriga sa externă - neînțelegeri între două perechi de îndrăgostiți, rezolvate doar datorită bunăvoinței și magiei lui Oberon, o batjocură față de ciudateniile femeilor (pasiunea bruscă a Titaniei pentru Bază) - exprimă o viziune extrem de sceptică asupra iubirii. Totuși, această „una dintre cele mai poetice opere” are o conotație serioasă - exaltarea unui sentiment sincer care a baza morala.

Falstaff cu un ulcior mare de vin și un pahar. Pictură de E. von Grützner (1896)

S. A. Vengerov a văzut trecerea la a doua perioadă „în absenta acea poezia tinereții, care este atât de caracteristic primei perioade. Eroii sunt încă tineri, dar au trăit deja destul de mult și principalul lucru pentru ei în viață este plăcerea. Porția este picant, plin de viață, dar farmecul blând al fetelor din „Cei doi domni din Verona”, și mai ales Julieta, nu este deloc în ea.

În același timp, Shakespeare creează un tip nemuritor și cel mai interesant, care până acum nu a avut analogi în literatura mondială - Sir John Falstaff. Succesul ambelor părți" Henric al IV-lea„Nu în ultimul rând, meritul acestui personaj cel mai proeminent din cronică, care a devenit imediat popular. Personajul este, fără îndoială, negativ, dar cu un caracter complex. Un materialist, un egoist, un om fără idealuri: onoarea nu este nimic pentru el, un sceptic observator și perspicace. Neagă onoarea, puterea și bogăția: are nevoie de bani doar ca mijloc de a obține mâncare, vin și femei. Dar esența comediei, sâmburele imaginii lui Falstaff, nu este doar inteligența lui, ci și râsul lui vesel despre sine și despre lumea din jurul lui. Puterea lui constă în cunoașterea naturii umane, este dezgustat de tot ceea ce leagă o persoană, este personificarea libertății de spirit și a lipsei de principii. Un om al unei epoci trecute, nu este nevoie de el acolo unde statul este puternic. Dându-și seama că un astfel de personaj este nepotrivit într-o dramă despre un conducător ideal, în „ Henric V„Shakespeare îl îndepărtează: publicul este pur și simplu informat despre moartea lui Falstaff. Potrivit tradiției, este general acceptat că, la cererea Reginei Elisabeta, care a vrut să-l vadă din nou pe Falstaff pe scenă, Shakespeare l-a înviat în „ Soțiile vesele din Windsor" Dar aceasta este doar o copie palidă a vechiului Falstaff. Și-a pierdut cunoștințele despre lumea din jurul lui; nu există o ironie mai sănătoasă, nici un râs de sine. Tot ce a mai rămas a fost ticălosul îngâmfat.

O încercare mult mai reușită de a reveni la tipul falstaffian în jocul final din perioada a doua este "Noaptea a doisprezecea". Aici, în persoana lui Sir Toby și anturajul său, avem, parcă, cea de-a doua ediție a lui Sir John, totuși, fără inteligența lui sclipitoare, dar cu același zhuirstvo molipsitor și bun. Batjocura grosolană a femeilor din "Îmblânzirea scorpiei".

[Editați | ×] A treia perioadă (1600-1609)

Hamlet și Horatio în cimitir. Pictură de E. Delacroix (1839)

A treia sa perioadă activitate artistică, aproximativ acoperind 1600-1609 ani, susținătorii abordării biografice subiectiviste a operei lui Shakespeare numesc perioada „întunericului spiritual profund”, considerând apariția personajului melancolic Jacques în comedie ca un semn al unei viziuni schimbate asupra lumii. „Așa cum îți place”și numindu-l aproape predecesorul lui Hamlet. Cu toate acestea, unii cercetători cred că Shakespeare în imaginea lui Jacques a ridiculizat doar melancolia, iar perioada presupuselor dezamăgiri ale vieții (conform susținătorilor metodei biografice) nu este de fapt confirmată de faptele biografiei lui Shakespeare. Epoca în care dramaturgul a creat cele mai mari tragedii coincide cu înflorirea puterilor sale creatoare, soluționarea dificultăților materiale și atingerea unei poziții înalte în societate.

În jurul anului 1600 Shakespeare creează "Cătun", potrivit multor critici, este opera sa cea mai profundă. Shakespeare a păstrat intriga celebră tragedie răzbunare, dar și-a concentrat toată atenția pe discordia spirituală, drama internă a protagonistului. Un nou tip de erou a fost introdus în drama tradițională de răzbunare. Shakespeare era înaintea timpului său - Hamlet nu este eroul tragic obișnuit, care efectuează răzbunare de dragul dreptății divine. Ajungând la concluzia că este imposibil să restabiliți armonia dintr-o singură lovitură, el trăiește tragedia înstrăinării de lume și se condamnă la singurătate. Potrivit lui L. E. Pinsky, Hamlet este primul erou „reflexiv” al literaturii mondiale.

Cordelia. Pictură de William F. Yeamans (1888)

Eroii „marilor tragedii” ale lui Shakespeare sunt oameni excepționali, în care binele și răul se amestecă. Confruntați cu dizarmonia lumii din jurul lor, fac o alegere dificilă - cum să existe în ea; își creează propriul destin și poartă întreaga responsabilitate pentru el.

În același timp, Shakespeare a creat drama " Măsură pentru măsură" În ciuda faptului că în Primul Folio din 1623 este clasificat drept comedie, aproape că nu există nicio comedie în această lucrare serioasă despre un judecător nedrept. Titlul său se referă la învățătura lui Hristos despre milă; în timpul acțiunii, unul dintre eroi se află în pericol de moarte, iar sfârșitul poate fi considerat condițional fericit. Această lucrare problematică nu se încadrează într-un gen anume, ci există la marginea genurilor: revenind la piesa de moralitate, se străduiește spre tragicomedie.

Mizantropia adevărată apare doar în „Timon al Atenei”- poveștile celor generoși și persoana amabila, ruinat de cei pe care i-a ajutat și a devenit mizantrop. Piesa lasă o impresie dureroasă, în ciuda faptului că Atena nerecunoscătoare suferă pedeapsă după moartea lui Timon. Potrivit cercetătorilor, Shakespeare a eșuat: piesa a fost scrisă într-un limbaj neuniform și, împreună cu avantajele sale, are și dezavantaje și mai mari. Este posibil ca mai mult de un Shakespeare să fi lucrat la el. Personajul lui Timon însuși nu a avut succes, uneori dă impresia unei caricaturi, alte personaje sunt pur și simplu palide. Se poate lua în considerare trecerea la o nouă perioadă a creativității shakespeariane „Antoni și Cleopatra”. În „Antony și Cleopatra”, prădătorul talentat, dar lipsit de orice principiu moral, din „Iulius Caesar” este înconjurat de o aură cu adevărat poetică, iar semitrădătoarea Cleopatra ispășește în mare măsură păcatele cu o moarte eroică.

[Editați | ×] Perioada a patra (1609-1612)

Prospero și Ariel. Pictură de William Hamilton (1797)

A patra perioadă, excluzând piesa „Henry al VIII-lea” (unii cercetători cred că a fost scrisă în colaborare cu John Fletcher), cuprinde doar trei sau patru ani și patru piese – așa-numitele „drame romantice” sau tragicomedii. În piesele din a doua perioadă, încercările dificile subliniază bucuria eliberării de dezastre. Calomnia este dezvăluită, inocența este justificată, fidelitatea este răsplătită, nebunia geloziei nu are consecințe tragice, îndrăgostiții sunt uniți într-o căsnicie fericită. Optimismul acestor lucrări este perceput de critici ca un semn al reconcilierii autorului lor. „Pericle”, o piesă semnificativ diferită de tot ce a fost scris anterior, marchează apariția unor noi lucrări. Naivitatea la granița cu primitivitatea, absența personajelor și problemelor complexe, o întoarcere la construcția acțiunii caracteristice dramei renascentiste timpurii engleze - toate indică faptul că Shakespeare era în căutarea unei noi forme. „Povestea de iarnă” este o fantezie capricioasă, o poveste „despre incredibil, unde totul este probabil”. Povestea este despre o persoană geloasă care a cedat în fața răului, suferind suferințe mintale și câștigând iertarea prin pocăința sa. În final, binele învinge răul, după unii cercetători, afirmând credința în idealurile umaniste; după alții, triumful moralității creștine. „Furtuna” este cea mai de succes dintre ultimele piese și, într-un fel, finalul operei lui Shakespeare. În loc de luptă, aici domnește spiritul umanității și al iertării. Fetele poetice create acum - Marina din Pericle, Loss din Povestea de iarnă, Miranda din Furtuna - sunt imagini ale fiicelor frumoase în virtutea lor. Cercetătorii tind să vadă în scena finală din The Tempest, în care Prospero renunță la magia sa și se retrage, rămas-bunul lui Shakespeare de la lumea teatrului.

[Editați | ×] Poezii și poezii

Articolul principal:Poezii și poezii ale lui William Shakespeare

Prima ediție a Sonetelor (1609)

În general, poeziile lui Shakespeare, desigur, nu pot fi comparate cu dramele sale strălucitoare. Însă luate de la sine, poartă amprenta unui talent extraordinar și, dacă nu ar fi fost înecate în gloria dramaturgului Shakespeare, ar fi putut foarte bine să aducă și într-adevăr să aducă o mare faimă autorului: știm că omul de știință Meares a văzut în Shakespeare poetul un al doilea Ovidiu. Dar, în plus, există o serie de recenzii de la alți contemporani care vorbesc despre „noul Catullus” cu cea mai mare încântare.

[Editați | ×] Poezii

Poezia „Venus și Adonis” a fost publicată în 1593, când Shakespeare era deja cunoscut ca dramaturg, dar autorul însuși îl numește primul său născut literar și, prin urmare, este foarte posibil să fi fost fie conceput, fie chiar scris parțial la Stretford. Există, de asemenea, presupunerea că Shakespeare a considerat poemul (spre deosebire de piesele pentru teatrul public) un gen demn de atenția unui patron nobil și o operă de înaltă artă. Ecourile patriei se fac simțite clar. Savoarea locală a englezei mijlocii se simte viu în peisaj; nu există nimic sudic în el, așa cum cere intriga; înaintea privirii spirituale a poetului, fără îndoială, au existat imagini native ale câmpurilor pașnice din Warwickshire, cu tonurile lor blânde și frumusețe calmă. De asemenea, se poate simți în poem un excelent cunoscător al cailor și un excelent vânător. Intriga este preluată în mare parte din Metamorfozele lui Ovidiu; în plus, multe sunt împrumutate din Scillaes Metamorphosis a lui Lodge. Poezia a fost dezvoltată cu toată neceremoniozitatea Renașterii, dar încă fără nicio frivolitate. Și asta s-a datorat în principal talentului tânăr autor, pe lângă faptul că poezia este scrisă în versuri sonore și pitorești. Dacă eforturile lui Venus de a aprinde dorințele în Adonis îl uimesc pe cititorul de mai târziu cu sinceritatea lor, atunci, în același timp, nu dau impresia de ceva cinic și care nu este demn de descriere artistică. În fața noastră se află pasiunea, reală, înnebunită, încețoșează mintea și deci poetic legitimă, ca tot ce este strălucitor și puternic.

A doua poezie, „Lucretia”, a fost mult mai manierată, publicată în anul următor (1594) și dedicată, ca și prima, contelui de Southampton. ÎN poezie nouă nu numai că nu există nimic neînfrânat, ci, dimpotrivă, totul, ca în legenda antică, se învârte în jurul celei mai rafinate înțelegeri a unui concept complet convențional al onoarei feminine. Insultă de Sextus Tarquinius, Lucreția nu consideră posibil să trăiască după furtul onoarei ei conjugale și își exprimă sentimentele în lungi monologuri. Metaforele, alegoriile și antitezele strălucitoare, dar mai degrabă tensionate, privează aceste monologuri de sentimente reale și conferă întregului poem o calitate retorică. Cu toate acestea, acest tip de pompă când scria poezie a fost foarte popular în rândul publicului, iar „Lucreția” a avut la fel de succes ca „Venus și Adonis”. Librăriile, care singuri beneficiau de succes literar la acea vreme, întrucât proprietatea literară pentru autori nu exista atunci, au publicat ediție după ediție. În timpul vieții lui Shakespeare, „Venus și Adonis” a trecut prin 7 ediții, „Lucreția” - 5.

Alte două opere de poezie sunt atribuite lui Shakespeare, dintre care una, „Plângerea unui iubit”, poate să fi fost scrisă de Shakespeare în tinerețe. Poezia „Pelerinul pasionat” a fost publicată în 1599, când Shakespeare era deja celebru. Autorul său a fost pus la îndoială: este posibil ca treisprezece dintre cele nouăsprezece poezii să nu fi fost scrise de Shakespeare. În 1601, în colecția Love's Martyr, or Rosalind's Complaint, pregătită sub conducerea necunoscutului poet Robert Chester, a fost publicată poemul alegoric al lui Shakespeare „The Phoenix and the Dove”, parte dintr-un ciclu de lucrări ale altor poeți cu aceleași personaje.

[Editați | ×] Sonete

Articolul principal:Sonete ale lui William Shakespeare

Așa-numitul „Portret Chandos” al unei persoane necunoscute, în care Shakespeare este văzut în mod tradițional

Un sonet este o poezie de 14 versuri. În sonetele lui Shakespeare se adoptă următoarea schemă de rimă: abab cdcd efef gg, adică trei versine cu rime încrucișate și un cuplet (tip introdus de poetul conte de Surrey, executat sub Henric al VIII-lea).

În total, Shakespeare a scris 154 de sonete, iar cele mai multe dintre ele au fost create în anii 1592-1599. Ele au fost tipărite pentru prima dată fără știrea autorului în 1609. Două dintre ele au fost publicate în 1599 în colecția „Pelerinul Pasionat”. Acestea sunt sonete 138 Și 144 .

Întregul ciclu de sonete se încadrează în grupuri tematice separate:

· Sonete dedicate unui prieten: 1 -126

· Cântând un prieten: 1 -26

Teste de prietenie: 27 -99

· Amărăciune de separare: 27 -32

· Prima dezamăgire a unui prieten: 33 -42

· Melancolie și temeri: 43 -55

· Înstrăinare și melancolie în creștere: 56 -75

· Rivalitatea și gelozia altor poeți: 76 -96

· „Iarna” de separare: 97 -99

· Sărbătorirea reînnoirii prieteniei: 100 -126

· Sonete dedicate unui iubit cu pielea întunecată: 127 -152

· Concluzie - bucuria și frumusețea iubirii: 153 -154

Sonet 126 încalcă canonul - are doar 12 linii și un model de rimă diferit. Uneori este considerată o împărțire între două părți convenționale ale ciclului - sonete dedicate prieteniei (1-126) și adresate „doamnei întunecate” (127-154). Sonet 145 scris în tetrametru iambic în loc de pentametru și diferă ca stil de celelalte; uneori este denumită o perioadă timpurie, iar eroina sa este identificată cu soția lui Shakespeare, Anne Hathaway (al cărei nume de familie, poate ca un joc de cuvinte cu „hate away”, este introdus în sonet).

Primele publicații

Se crede că jumătate (18) din piesele lui Shakespeare au fost publicate într-un fel sau altul în timpul vieții dramaturgului. Cea mai importantă publicație a moștenirii lui Shakespeare este considerată pe bună dreptate folio din 1623 (așa-numitul „Primul Folio”), publicat de Edward Blount și William Jaggard ca parte a așa-numitului. „Colecția lui Chester”; imprimantele Worrall și Col. Această ediție include 36 de piese de Shakespeare - toate cu excepția lui Pericle și a celor doi rude nobili. Această publicație stă la baza tuturor cercetărilor din domeniul studiilor shakespeariane.

Implementarea acestui proiect a fost posibilă grație eforturilor lui John Heminge și Henry Condell (John Heminge, 1556-1630 și Henry Condell, d.1627), prieteni și colegi ai lui Shakespeare. Cartea este precedată de un mesaj către cititori în numele lui Heminge și Condell, precum și de o dedicație poetică lui Shakespeare - Pentru memoria iubitului meu, Autorul - a dramaturgului Ben Jonson (1572-1637), care a fost și el literar. adversar, critic și prieten, care a contribuit la publicarea Primului Folio, sau cum se mai numește - „Marele Folio” (Marele Folio din 1623).

VIII. PREDECESORI

Noua dramaturgie, care a înlocuit teatrul din Evul Mediu - piese de mister, piese de moralitate alegorică și farse populare primitive, s-a dezvoltat treptat.

În anii treizeci ai secolului al XVI-lea, episcopul Bayle, un protestant zelos, a scris o piesă îndreptată împotriva catolicismului. El și-a ilustrat gândurile cu un exemplu din istoria Angliei - lupta regelui Ioan Fără pământ (a domnit între 1199 și 1216) împotriva Papei. În realitate, acest rege era o persoană nesemnificativă, dar era drag inimii episcopului protestant pentru că era în dușmănie cu papa. Bayle a scris o piesă de morală în care virtuți și vicii personificate erau în joc. Figura centrală a piesei se numea Virtutea. Dar în același timp a fost numit Regele Ioan. Printre figurile sumbre care personifică viciile, numele unuia era Puterea ilegală, alias Papa; numele celuilalt este Incitare la revoltă, ea este și legatul Papei. „Regele Ioan” a lui Bayle este o piesă unică în care alegoriile unei piese de morală medievale antice au fost combinate cu acel nou gen istoric, care mai târziu și-a găsit înflorirea în piesele istorice ale lui Shakespeare. Istoricii literari au comparat „Regele Ioan” al lui Bayle cu un cocon: nu mai este o omidă, dar nu este încă un fluture.

În același timp, în anii treizeci ai secolului al XVI-lea, așa-numita dramă „școlară” a început să se dezvolte în Anglia. Se numește așa pentru că a fost creat între zidurile universităților și școlilor: piesele de teatru erau scrise de profesori și profesori și jucate de studenți și școlari. Dar o putem numi o dramă „școlară” în sensul că dramaturgii care au creat-o ei înșiși au învățat încă să scrie piese de teatru studiind autorii antici și imitându-i. În anii treizeci ai secolului al XVI-lea, a fost scrisă prima comedie în limba engleză, „Ralph Royster-Doyster”; autorul său a fost celebrul profesor de atunci Nicholas Yudl, director al Școlii Eton. În anii cincizeci, avocații învățați Sackville și Norton au scris prima tragedie în limba engleză - „Gorboduc”.

În 1586 au apărut două piese care merită o atenție deosebită. Autorul primei este Thomas Kyd (care a scris și prima piesă despre Hamlet, care, din păcate, nu a ajuns la noi).

Jocul pentru copii este o „tragedie a tunetului și sângelui” tipică, așa cum spuneau ei atunci. Titlul în sine este elocvent - „Tragedia spaniolă”. Aceasta este o încercare, încă primitivă, de a descrie puterea sentimentelor umane. Pe scenă apare o figură teribilă a Răzbunării, care amintește de imagini dintr-o piesă de morală străveche. Imediat iese Spiritul Andreei ucise, care, plângându-se de ucigașii ticăloși, îl strigă pe însoțitorul său teribil. Acțiunea începe. Tânărul Horatio o iubește pe frumoasa fată Belimperia, iar ea îl iubește. Dar Balthazar, fiul regelui portughez, iubește și Belimperia. Fratele Belimperiei, criminalul Lorenzo, se angajează să-l ajute pe Balthazar. Într-o noapte cu lună, când tinerii, așezați în grădină, își declară dragostea unul altuia, ucigașii mascați apar pe scenă și îl ucid pe Horatio cu pumnale. Pe scena engleză din acea vreme le plăcea să înfățișeze crime și alte „orori”: o sticlă de oțet roșu a fost plasată sub mantia albă a actorului; pumnalul a străpuns bula și pe mantia albă au apărut pete roșii. După ce l-au înjunghiat pe Horatio cu pumnale, ucigașii îi atârnă cadavrul de un copac - se pare că pentru a arăta mai clar publicului cadavrul pătat de sânge. Belimperia este apoi luată cu forța de ucigași. La țipetele ei, tatăl lui Horatio, bătrânul Hieronimo, fuge, purtând doar cămașa lui, cu o sabie în mâini. Văzând cadavrul fiului său agățat de un copac, pronunță un monolog tunător, chemând la răzbunare... Tot ce se întâmplă pe scenă este observat de Răzbunare și Spiritul Andreei ucise, care, jubilat, așteaptă răzbunare, pentru cea a lui Horatio. ucigașii sunt și ucigașii lui. Dar bătrânul Hieronimo ezită: nu este ușor să te răzbuni pe fiul regelui. Bătrânul nefericit se gândește cu tristețe la viață. „Oh pace!” exclamă el „Nu, nu pace, ci o mulțime de crime!” Se compară cu un călător singuratic care și-a pierdut drumul într-o noapte cu zăpadă... Spiritul Andreei este plin de anxietate. Se întoarce spre Revenge, dar vede că ea doarme. — Trezește-te, Răzbunare! - exclamă el disperat. Răzbunarea se trezește. Și apoi un gând iese la bătrânul Jeronimo. Pentru a-și atinge scopul, intenționează să pună în scenă o piesă la curte (cititorul a observat deja unele asemănări între această tragedie și Hamletul lui Shakespeare; să ne amintim încă o dată că Kid a fost autorul primei piese despre Hamlet). Piesa, pusă în scenă de Hieronimo, îi prezintă pe Belimperia, inițiată în planul său, precum și pe Balthasar și Lorenzo. Pe măsură ce jocul progresează, personajele trebuie să se omoare între ele. Bătrânul Hieronimo o aranjează astfel încât, în loc de crime „de teatru”, să aibă loc crime reale. Spectacolul se termină, dar actorii nu se ridică de la pământ. Regele spaniol cere o explicație de la Hieronimo. Hieronimo refuză să răspundă și, pentru a-și confirma refuzul, își mușcă limba și o scuipă. Atunci regele îi ordonă să-i dea un stilou ca să scrie o explicație. Hieronimo cere cu semne să-i dea un cuțit pentru a ascuți stiloul și se înjunghie cu acest cuțit. O răzbunare jubiloasă apare deasupra unui morman de cadavre însângerate, ceea ce sugerează că adevărata răzbunare urmează să vină: începe în iad.

Tot în 1586 a fost scrisă o piesă de teatru cu totul diferită. Titlul său este „Arden of the City of Feversham” (Această piesă a fost la un moment dat atribuită lui Shakespeare, dar fără motive suficiente.) (autorul ei este necunoscut pentru noi). Aceasta este o dramă din viața de familie. Povestește cum o tânără, Alice Arden, și iubitul ei, Moseby, l-au ucis pe soțul lui Alice. Crima în sine este înfățișată cu mare forță, întrucât Alice încearcă în zadar să spele petele de sânge (acest motiv a fost dezvoltat cu mare forță de Shakespeare în acea scenă celebra în care rătăcește Lady Macbeth, pe jumătate adormită, biruită de amintiri). Totul în această piesă este vital și realist. Și complotul în sine a fost împrumutat de autor din viața reală. În epilog, autorul cere publicului să-l ierte pentru faptul că nu există „decorări” în piesă. Potrivit autorului, „adevărul simplu” este suficient pentru artă. Această piesă poate fi numită strămoșul acelei mișcări în drama epocii shakespeariane, care a căutat să înfățișeze viața de zi cu zi, cum ar fi minunata dramă a lui Thomas Heywood „A Woman Killed by Kindness”. Opera lui Shakespeare combină ambele mișcări - romantice și realiste.

Acesta a fost prologul. Evenimentele reale încep cu apariția pieselor lui Christopher Marlowe pe scena londoneze. Marlowe s-a născut, ca și Shakespeare, în 1564 și era cu doar două luni mai mare decât el. Patria lui Marlowe a fost orașul antic Canterbury. Tatăl lui Christopher Marlowe deținea un magazin de pantofi. Părinții săi și-au trimis fiul la Universitatea Cambridge, sperând să-l facă preot. Cu toate acestea, după absolvirea universității, Marlowe, în locul altarului bisericii, s-a trezit pe scena scenei londoneze. Dar nu era destinat să devină actor. Potrivit legendei, și-a rupt piciorul și a trebuit să renunțe la actorie. Apoi a început să scrie piese de teatru. Epopeea sa grandioasă în două părți și zece acte, Tamerlan cel Mare, a apărut în 1587-1588. În această epopee, Marlowe vorbește despre viața, războaiele și moartea celebrului comandant din secolul al XIV-lea.

Tamerlane, ca și Marlowe însuși, este un liber gânditor pasionat. Într-unul dintre monologuri furtunoase și tunetoase ale sale, el spune că scopul omului este „să se ridice veșnic la cunoașterea infinită și să fie veșnic în mișcare, ca sferele cerești neastâmpărate”. Acest erou fabulos este plin de forță în exces. El urcă pe scenă într-un car care, în loc de cai, este înhămat de regii pe care i-a capturat. — Hei, ai răsfăţat nags asiatici! – strigă el, îndemnându-i cu biciul.

Următoarea piesă a lui Marlowe a fost „The Tragic History of Doctor Faustus” (Această piesă este disponibilă în traducerea rusă: „The Tragic History of Doctor Faustus”. Traducere de K. Balmont. Moscova, 1912.). Aceasta a fost prima adaptare dramatică a celebrei legende. Piesa lui Marlowe a reflectat dorința omului de a cuceri forțele naturii, atât de caracteristice Renașterii. Faust își vinde sufletul lui Mefistofel pentru a „obține darurile de aur ale cunoașterii” și „pătrunde în vistieria naturii”. Visează să-și înconjoare orașul natal cu un zid de cupru și să-l facă inaccesibil inamicului, să schimbe curgerea râurilor, să arunce un pod peste Oceanul Atlantic, să umple Gibraltar și să conecteze Europa și Africa într-un singur continent... „Ce grandios asta este tot!" - a remarcat Goethe, care a folosit câteva trăsături ale tragediei lui Marlowe pentru Faustul său.

Sfera grandioasă a fanteziei, presiunea puternică a forțelor aparent abia reținute caracterizează opera lui Marlowe. „Versul puternic al lui Marlowe”, a scris Ben Jonson. Shakespeare vorbește și despre „spusul puternic” al lui Marlowe (În comedia lui Shakespeare „As You Like It”, păstorița Phoebe spune: „Păstor mort, acum înțeleg cuvântul tău puternic – cel care a iubit, a iubit mereu la prima vedere.” Ultima frază. este un citat din poemul lui Marlowe „Eroul și Leander.” „Păstorul mort” – Marlowe (numit așa de Shakespeare, probabil pentru că Marlowe a fost autorul unei poezii despre un cioban îndrăgostit).

În jurul morții lui Marlowe s-au dezvoltat multe legende. Unele legende spuneau că Marlowe a murit într-o ceartă în stare de ebrietate, după ce s-a certat cu ucigașul său pentru o prostituată; altele – că a căzut apărând onoarea unei fete nevinovate. Aceste legende au fost luate în serios până de curând. Și abia în 1925, profesorul american Leslie Hotson a reușit să găsească în arhivele engleze documente care să arunce o lumină nouă asupra circumstanțelor morții lui Marlowe (descoperirile lui Hotson au fost conturate în cartea sa: Leslie Hotson. The Death of Christopher Marlowe, 1925). Și s-a dovedit că uciderea lui Marlowe a fost opera Consiliului Privat al Reginei Elisabeta; În timpul uciderii lui Marlowe, a fost prezent un anume Fields, un agent al Consiliului Privat (Pentru mai multe informații despre uciderea lui Marlowe, vezi articolul meu „Christopher Marlowe” („ Critic literar", 1938, nr. 5). Despre Marlowe, vezi și articolul profesorului A.K. Dzhivelegov în numărul 1 al volumului I „Istorie literatură engleză„, publicată de Academia de Științe a URSS, M.-L., 1944, precum și în monografia prof. N. I. Storozhenko „Predecesorii lui Shakespeare”, vol. 1, Sankt Petersburg, 1872.).

Așa a murit „părintele dramei engleze” Christopher Marlowe, fără să-și dezvăluie pe deplin puterile creatoare. Și tocmai în același an în care steaua lui a apucat, arzând cu o strălucire strălucitoare, pasională și neuniformă, steaua lui William Shakespeare a început să se ridice pe cerul teatral al Londrei. Spre deosebire de predecesorii săi, care erau oameni cu studii universitare, „minți universitare”, acest nou dramaturg era un simplu actor.

Am menționat doar câțiva dintre predecesorii lui Shakespeare. De fapt, Shakespeare a folosit pe scară largă întregul trecut literar al patriei sale. A împrumutat mult de la Chaucer (de exemplu, poezia lui Shakespeare „Lucreția” cu rădăcinile sale intriga ne duce la lucrarea lui Chaucer „Legende ale femeilor bune”; imaginile lui Tezeu și Hippolyta din comedia „Visul unei nopți de vară” au fost probabil inspirate de „Povestea cavalerului” din celebrele „Povești Canterbury” ale lui Chaucer; poemul lui Chaucer „Troilus și Cressida” a influențat comedia omonimă a lui Shakespeare etc.). Shakespeare îi datora mult lui Edmund Spenser, autorul poeziei „The Faerie Queene”, și altor poeți ai școlii sale. Din „Arcadia” de Philip Sidney, Shakespeare a împrumutat complotul, pe care l-a întruchipat în imaginea lui Gloucester, trădat de fiul său Edmund („Regele Lear”) – Shakespeare a adus și el omagiu eufismului. În cele din urmă, printre predecesorii lui Shakespeare, ar trebui să amintim povestitorii fără nume ai baladelor populare engleze (În vremea sovietică, baladele populare engleze au fost traduse de S. Marshak, E. Bagritsky, T. Shchepkina-Kupernik etc. (vezi colecția „Balade și Songs of the English People” întocmit de autorul acestei cărți) Detgiz, 1942). Din balada populară engleză își are originea acea dramă tragică a acțiunii, care este atât de tipică operei lui Shakespeare și a contemporanilor săi. Multe gânduri și sentimente care au existat de mult timp în rândul oamenilor și s-au reflectat în balade și cântece populare au găsit o întruchipare artistică strălucitoare în operele lui Shakespeare. Rădăcinile acestei creativități merg adânc în pământul popular.

Dintre operele literaturii străine, Shakespeare a fost influențat în primul rând de nuvelele italiene ale lui Boccaccio și Bandello, de la care Shakespeare a împrumutat o serie de intrigi pentru piesele sale. O colecție de povestiri italiene și franceze traduse în engleză sub titlul „Camera plăcerilor” a fost cartea de referință a lui Shakespeare. Pentru „tragediile romane” (Iulius Caesar, Coriolanus, Antony și Cleopatra), Shakespeare a preluat comploturi din Viețile oamenilor celebri a lui Plutarh, pe care le-a citit în traducerea în engleză a lui North. Cărțile sale preferate au inclus și Metamorfozele lui Ovidiu în traducerea în engleză a lui Golding.

Opera lui Shakespeare a fost pregătită de mulți poeți, scriitori și traducători.

predecesorii lui Shakespeare.

Unul dintre cei mai talentați predecesori ai lui Shakespeare a fost Christopher Marlowe(1564 – 1593). Marlowe a fost primul scriitor care a dezvoltat într-o formă dramatică legenda lui Faust, expusă cu puțin timp înainte în limba germană. carte populară. Piesa lui „Povestea tragică a vieții și morții doctorului Faustus”, scrisă probabil în jurul anilor 1588–1589, modifică semnificativ sensul filosofic și moral al legendei, deși din punct de vedere intriga este foarte apropiată de cartea populară. Faustul lui Marlowe este o natură titanică. El își dă sufletul diavolului pentru cunoaștere, fericire pământească și putere. Acordul cu Mefistofel ar trebui să-l facă „conducătorul lumii”, să-i dea bogății nespuse și putere nelimitată. Dar Faust vrea să folosească toate acestea nu numai în scopuri personale, egoiste; el, de exemplu, intenționează să întemeieze o serie de universități, să sporească puterea militară a patriei sale, înconjurând-o cu un zid de cupru impenetrabil și să cucerească țările vecine: Italia, Africa și Spania etc. Interpretarea lui Marlowe a imaginii lui Mefistofel nu este mai puțin originală: el nu arată ca dracii legendelor medievale și nu există trăsături comice în el. Mefistofelul lui Marlowe este un spirit „epuizat de suferință”, purtând iadul în inima lui și, în același timp, un răzvrătit împotriva puterilor divine; El i se pare lui Faust nu atât ca urmare a vrăjilor magice, cât pentru că Faust, ca și Satana, îl hulește pe Dumnezeu și îl urăște pe Hristos.

Marlowe a avut o mare influență asupra operei lui Shakespeare și a altor dramaturgi ai timpului său. Shakespeare a adoptat de la el nu numai versuri goale (mulțumită lui Marlowe, care a fost în cele din urmă stabilit în drama engleză), ci și multe trăsături ideologice și dispozitive stilistice piesele lui, de exemplu tipul erou tragic, în jurul căruia se concentrează acțiunea, patosul înalt al caracterizării, soluția la multe probleme etice și socio-politice.

William Shakespeare (1564 – 1616)

Activitate literară, evoluție creativă, „Întrebare shakespeariană”.

Shakespeare în opera sa a adâncit extraordinar tot ceea ce a absorbit de la predecesorii săi. Biografia lui ne este puțin cunoscută. Principalele sale fapte bine stabilite se rezumă la următoarele.

William Shakespeare născut în orașul Stretford-upon-Avon și era fiul unui mănușar bogat. Shakespeare a studiat la o școală „gramatică” locală, unde se predau limba latină și rudimentele greacă, apoi, la o vârstă foarte fragedă, s-a căsătorit, iar în jurul anului 1587 s-a mutat la Londra.

În 1593 a intrat în serviciu ca actor și dramaturg în cea mai bună trupă londoneze. Membrii acestei trupe au construit în 1599 un teatru numit "Glob", pe a cărui scenă erau puse în mod regulat în scenă piesele lui Shakespeare. Această trupă a fost renumită și pentru actorii săi comici, care au introdus improvizația foarte vie în spectacol. Shakespeare însuși, aparent, nu era un actor deosebit de talentat. Dar chiar înainte de a se alătura acestei trupe, a dobândit faima unui dramaturg remarcabil, care acum este complet stabilită pentru el. În jurul anului 1593, Shakespeare a devenit aproape de un grup de tineri iubitori de teatru aristocrați, în special de Contele de Southampton, căruia i-a dedicat două dintre poeziile sale: „Venus și Adonis”Și "Lucretia dezonorata". De asemenea, se crede că îi este dedicată o colecție de sonete, publicată în 1609, dar scrisă mult mai devreme. Aceste poezii și sonete, precum și alte câteva poezii, sunt singurele lucrări nedramatice create de Shakespeare. În jurul anului 1612, s-a mutat în cele din urmă la Stretford, părăsind teatrul și încetând complet activitățile sale de dramaturg. Shakespeare și-a petrecut ultimii ani complet neobservat și a murit liniștit alături de familia sa în 1616, conform legendei, de ziua lui, 23 aprilie.

„Întrebare Shakespeare”.

Lipsa informațiilor despre viața lui Shakespeare a dat naștere apariției la mijlocul secolului al XIX-lea. ipoteza potrivit căreia autorul pieselor care poartă numele lui Shakespeare nu a fost actorul William Shakespeare, ci o altă persoană care, din motive necunoscute, a dorit să-și ascundă numele. Această persoană ar fi încheiat un acord cu Shakespeare, care, pentru o anumită recompensă, a acceptat să-și dea piesele drept ale sale. Susținătorii acestei ipoteze au susținut că adevăratul autor al pieselor lui Shakespeare a fost filozoful Francis Bacon. Ei i-au sugerat și pe Contele de Derby, Lordul Rutland etc. Toate aceste speculații nu au o bază faptică, iar oamenii de știință serioși le-au respins întotdeauna. Dar „anti-Shakespearianii” încă nu renunță la pozițiile lor; li se pare imposibil ca unii, așa cum spuneau ei, „abandonul provincial”, „fiul unui simplu negustor”, să scrie lucrări de geniu care dezvăluie o asemenea minte profundă, sensibilitate spirituală și perspicacitate, o artă atât de minunată și noblețe a sentimentelor. În opinia lor, autorul acestor lucrări nu putea fi decât o persoană de cultură rafinată, neobișnuit de educată, aparținând celor mai înalte pături ale societății.

Evoluția creativității.

Stilul și genurile pieselor lui Shakespeare, temele și caracterul lor, s-au schimbat în funcție de momentul în care au fost scrise. Distingem trei perioade ale operei lui Shakespeare.

1). Primul se caracterizează prin optimism, dominația unui sentiment luminos de viață, tonuri vesele. Aceasta include în primul rând o serie de comedii vesele și pitorești ale lui Shakespeare, adesea colorate cu un lirism profund, de exemplu „Un vis într-o noapte de vară”(1595), " Negustorul de la Veneția" (1596), "Mult zgomot pentru nimic" (1598), „Așa cum îți place” (1599), "Noaptea a doisprezecea"(1600), etc. În același timp, Shakespeare creează o serie de „cronici” sale (piese bazate pe intrigi din istorie engleză): „RichardIII" (1592), „RichardII"(1595), două părți „HenryIV"(1597), „Henric al V-lea” (1599), etc. Deși aceste piese înfățișează adesea tablouri foarte întunecate și crude, credința în viață, în biruința principiului bunului, încă prevalează în ele. Această perioadă include și tragedii "Romeo si Julieta" (1595), "Iulius Cezar"(1599). Prima dintre ele, în ciuda intrigii sale tragice, este scrisă în culori deschise și vesele și conține multe scene amuzante care amintesc de comediile lui Shakespeare create în același timp. A doua, mai severă, este trecerea la a doua perioadă.

2). În această perioadă, din 1601 până în 1608, Shakespeare pune și rezolvă marile probleme tragice ale vieții, iar un flux de pesimism se alătură credinței sale în viață. Aproape regulat, una pe an, scrie tragedii: "Cătun"(1601), "Othello" (1604), "Regele Lear" (1605), "Macbeth" (1605), „Antoni și Cleopatra” (1606), "Coriolanus" (1607), „Timon al Atenei”(1608). Nu încetează să compună comedii în acest moment, dar, cu excepția „Soțiile vesele din Windsor”(1601 – 1602), nu mai au caracterul anterior al distracției fără griji și conțin un element tragic atât de puternic încât, folosind terminologia modernă, ar fi convenabil să le numim „drame” - cum ar fi, de exemplu, piesa. „Măsură pentru măsură” (1604).

Materiale conexe: