Un certain nombre d'œuvres emblématiques du célèbre Espagnol.

Goya

Francisco de Goya est un célèbre artiste et graveur espagnol. Il a acquis sa renommée initiale en tant que créateur de belles tapisseries, mais la véritable renommée lui est venue en tant qu'artiste de la cour de la couronne espagnole. Ce qui rend les œuvres de Goya uniques, c'est son approche créative et son utilisation audacieuse des couleurs. Le style du maître a inspiré de nombreux imitateurs et a eu une sérieuse influence sur le monde de l'art.

Parapluie (1777)

Cette pièce fait partie d'une série de 63 œuvres que l'artiste a créées au début de sa carrière. On pense que travailler sur ce cycle a aidé le maître à étudier les modes d'interaction humaine, ce qui s'est avéré plus tard important lors de la création de chefs-d'œuvre ultérieurs. « Umbrella » combine des motifs de la mode française et espagnole.

Chien (1823)

Le groupe des célèbres « Peintures noires » créées par Francisco dans les dernières étapes de sa créativité comprend également l'image d'un chien, facile à perdre. espace artistique peintures. Habituellement, l’œuvre est interprétée comme un symbole de la lutte d’une personne contre les troubles et les forces du mal.

Mahi (1797-1805)

Les deux œuvres (« Maja Nude » et « Maja Dressed ») se trouvent côte à côte dans la même salle du Musée du Prado (Madrid). Parmi les artistes qui ont créé des peintures inspirées de ces œuvres de Goya, il faut noter Ignacio Zuloaga et Edouard Manet. À ce jour, on ne sait pas qui a servi de modèle à personnage principal peintures, mais traditionnellement la 13e duchesse d’Albe est appelée la source d’inspiration de l’artiste.

Sur le piédestal du monument à l'artiste, installé devant le musée du Prado, se trouve une image sculpturale basée sur le tableau « Nude Macha ».

Grande Chèvre (1821-1823)

La Peinture noire est souvent considérée par les critiques d'art comme une satire sur le thème de la superstition et représente Satan parlant à un groupe de sorcières.

Charles IV et sa famille (1801)

Le portrait montre le roi d'Espagne habillé avec ostentation et sa famille. Il convient de noter que la réticence de l’artiste à flatter et à mentir a conduit Goya, selon les chercheurs modernes, à montrer dans le portrait du monarque et de sa famille la nature corrompue de leur pouvoir. Il est probable que la personne à peine visible à gauche soit l'auteur de l'œuvre.

Catastrophes de la guerre (1810-1820)

Cette série de 82 estampes compte parmi les œuvres les plus significatives de Goya. Les historiens de l'art divisent la série en trois parties :

• Les 47 premières gravures montrent les horreurs de la guerre.
• Les 18 œuvres suivantes décrivent les conséquences de la famine.
• Les 17 derniers reflètent la déception liée à la restauration de la monarchie des Bourbons.

Cette série est une visualisation phénoménale de la position de l'auteur, qui contient de l'indignation et des déclarations politiques audacieuses.

Catastrophes de guerre. 39 œuvres de la série.

Le sommeil de la raison donne naissance à des monstres (1799)

Cette composition fait partie de la série « Caprichos », composée de 80 œuvres. L'artiste endormi parmi les outils est entouré de monstres qui symbolisent l'ignorance et d'autres vices de la société.

Saturne dévorant son fils (1819-1823)

Ce chef-d'œuvre est basé sur le mythe romain, selon lequel le Titan Saturne aurait mangé ses enfants, car on lui avait prédit qu'il mourrait aux mains de l'un de ses fils. Cependant, la prophétie était destinée à se réaliser.
« Saturne dévorant son fils » est un portrait inquiétant, issu d'une série de « peintures noires ».

Troisième mai 1808 (1814)

Le 2 mai 1808, les Madrilènes se révoltent contre les occupants français. Goya représente cette scène dans le tableau "Le 3 mai 1808". Au centre de la toile se trouve une frappe de représailles des troupes françaises, à la suite de laquelle des centaines d'Espagnols ont été abattus. Le tableau, révolutionnaire dans son style et son niveau de symbolisme, a inspiré Pablo Picasso pour créer le célèbre « Guernica ».

Funérailles d'une sardine (vers 1808-1814)

Académie de San Fernando, Madrid Goya présente le carnaval populaire comme une fête démoniaque. Sous la pression de l'Inquisition, l'artiste fut contraint de modifier la version originale du tableau et de remplacer l'inscription sur la bannière mortus (mort) par une grimace du masque. La joie bouillonnante et la joie déformée de la foule débridée sont une allégorie grotesque de l’ordre social existant. Dans son œuvre, Goya se rebelle contre les ordres établis par l'Inquisition et démontre face à eux l'impuissance de ses contemporains.

Portrait de Francisco Bayeux (1795)

Après 1794, Goya réalise de nombreux portraits d’après nature. Grâce à l’observation attentive et à la technique précise de l’artiste, ses œuvres se distinguent par un profond psychologisme et une pénétration dans le monde intérieur d’une personne. Voici un portrait du peintre de la cour et beau-frère de Goya, Francisco Bayeux (1734-1795), peu avant sa mort. Une expression faciale fatiguée et légèrement irritée et une redingote négligemment boutonnée caractérisent la personnalité du mannequin. Dans le même temps, la pose figée, la courbure caractéristique de la main et le regard attentif soulignent les vertus intérieures de la personne représentée.

Tribunal de l'Inquisition (vers 1800)

Goya a abordé à plusieurs reprises le thème de l'Inquisition, soulignant la cruauté de la cérémonie et destin tragique ses victimes, qui portaient des casquettes d'hérétiques. Les effets de lumière et la manière d'appliquer les couleurs contribuent à décrire le procès mené par les obscurantistes. Les visages des juges - moines et prêtres - sont déformés par des grimaces de mort, et leurs figures se fondent en une seule masse amorphe.

Jeu de Blind Man's Bluff (1791)

Scènes Vie courante et les divertissements folkloriques, caractérisés par des couleurs riches et une facilité de composition, ont révélé de nouvelles tendances dans le travail de l’artiste. Goya révèle monde réel dans toute sa diversité infinie. L'attrait de cette esquisse pour une tapisserie destinée à décorer un cabinet du palais de l'Escurial est évident dans couleurs vives, dans l’aisance des mouvements des personnages. Pour Goya, la représentation de personnages dans une couleur douce et aquarelle est typique ; les figures des personnages semblent se dissoudre dans une fine brume.

Tableaux célèbres de Francisco Goya mise à jour : 21 janvier 2018 par : Gleb

Lorsqu’il s’agit de peinture, l’imagination tend à dessiner des scènes pastorales et des portraits majestueux. Mais en fait art multiforme. Il arrivait que les pinceaux de grands artistes produisaient des tableaux très controversés que presque personne ne voudrait accrocher chez soi. Dans notre revue, les 10 plus images effrayantes artistes célèbres.

1. Le Grand Dragon Rouge et la Bête de la Mer. William Blake

William Blake est aujourd'hui connu pour ses estampes et sa poésie romantique, mais était largement méconnu de son vivant. Les estampes et illustrations de Blake sont des classiques du style romantique, mais aujourd'hui, nous examinerons une série d'aquarelles de Blake qui représentent le grand dragon rouge du Livre de l'Apocalypse. Cette peinture représente un grand dragon rouge, incarnation du diable, debout sur une bête à sept têtes dans la mer.

2. Etude du portrait d'Innocent X par Velazquez. Francis Bacon

Francis Bacon fut l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Ses peintures, frappantes par leur audace et leur noirceur, se vendent des millions de dollars. Au cours de sa vie, Bacon a souvent peint ses propres interprétations du portrait du pape Innocent X. Dans l'œuvre originale de Velazquez, le pape Innocent X regarde pensivement depuis la toile et Bacon le représente en train de crier.

3. Dante et Virgile en enfer. Adolphe William Bouguereau

L'Enfer de Dante, avec son image terrible torture, a inspiré les artistes depuis la publication de cet ouvrage. Bouguereau est surtout connu pour ses représentations réalistes scènes classiques, mais cette peinture représentait le cercle de l'enfer, où les imposteurs se battent continuellement, se volant l'identité de chacun en se mordant.

4. Mort de Marat. Edvard Munch

Edvard Munch est le plus artiste célèbre Norvège. Son peinture célèbre« Le Cri », qui personnifie la mélancolie, est fermement ancré dans la conscience de toute personne soucieuse d’art. Marat était l'un des principaux dirigeants politiques Révolution française. Comme Marat souffrait d'une maladie de peau, il passait la majeure partie de la journée dans la salle de bain, où il travaillait sur ses œuvres. C'est là que Marat fut tué par Charlotte Corday. Plus d’un artiste a représenté la mort de Marat, mais la peinture de Munch est particulièrement réaliste et cruelle.

5. Têtes coupées. Théodore Géricault

La plupart œuvre célèbre Géricault est "Le Radeau de Méduse" - un immense tableau de style romantique. Avant de créer des œuvres majeures, Géricault peint des tableaux « d'échauffement » comme « Têtes coupées », pour lesquels il utilise de vrais membres et des têtes coupées. L'artiste a récupéré du matériel similaire dans les morgues.

6. Tentation de saint Antoine. Matthias Grunewald

Grunewald peint souvent images religieuses dans le style du Moyen Âge, bien qu'il ait vécu à la Renaissance. Saint Antoine a traversé plusieurs épreuves de sa foi alors qu'il vivait dans le désert. Selon une légende, Saint Antoine aurait été tué par des démons vivant dans une grotte, mais il renaîtrait plus tard et les détruireait. Cette image représente Saint Antoine, attaqué par des démons.

7. Nature morte de masques. Émile Noldé

Emil Nolde fut l'un des premiers artistes expressionnistes, même si sa renommée fut bientôt éclipsée par un certain nombre d'autres expressionnistes tels que Munch. L'essence de ce courant est une distorsion de la réalité pour montrer un point de vue subjectif. Ce tableau a été réalisé par l'artiste après des recherches sur les masques au musée de Berlin.

8. Saturne dévorant son fils. François Goya

Dans les mythes romains, largement basés sur mythologie grecque, le père des dieux dévora ses propres enfants pour qu'ils ne le renversent jamais du trône. C’est cet acte de tuer des enfants que Goya a représenté. Le tableau n'était pas destiné au public, mais a été peint sur le mur de la maison de l'artiste avec plusieurs autres tableaux sombres, collectivement connus sous le nom de « Peinture noire ».

9. Judith et Holopherne. Caravage

Dans l’Ancien Testament, il y a l’histoire de la courageuse veuve Judith. La Judée fut attaquée par une armée dirigée par le général Holopherne. Judith quitta les murs de la ville et se dirigea vers le camp de l'armée qui assiégeait la ville. Là, elle séduit Holopherne grâce à sa beauté. Lorsque le commandant dormait ivre la nuit, Judith lui coupait la tête. Cette scène est très populaire parmi les artistes, mais la version du Caravage est particulièrement effrayante.

10. Jardin des délices terrestres. Jérôme Bosch

Hieronymus Bosch est généralement associé aux peintures fantastiques et religieuses. "Le Jardin des Délices" est un triptyque. Les trois panneaux du tableau représentent respectivement le jardin d'Eden et la création de l'humanité, le jardin des délices terrestres et le châtiment des péchés qui se produisent dans le jardin terrestre. Les œuvres de Bosch comptent parmi les œuvres les plus horribles et les plus belles de l’histoire de l’art occidental.

18 octobre 2012

Saturne dévorant ses enfants

1821-1823 ; 146x83cm

Prado, Madrid

Goya a passé des années avant d'émigrer en France près de Madrid, sur les rives du Manzanares, dans une maison appelée « Maison des Sourds ». Parmi les créations ultérieures du maître figurent des peintures murales de cette maison, des portraits, plusieurs tableaux pour des églises et la série graphique « Disparates » (traduit par absurdité, folie).

Dans les peintures réalisées grâce à la technologie peinture à l'huile Sur les murs de la « Maison des Sourds », ils voient le plus souvent des images fantastiques et monstrueuses générées par l'imagination morbide d'un vieil artiste, non seulement sourd, mais aussi en train de devenir aveugle, pour qui le monde entier est devenu sombre. cauchemars tragiques.

Cependant, à l'heure actuelle, un lien a été établi entre les peintures et les événements politiques de ces années-là, même si l'élément de fantaisie clairement exprimé rend en réalité difficile la dépendance de ce qui est représenté par rapport à des événements réels. Le véritable sens de ces œuvres est crypté et est étroitement lié à croyances populaires, mais le grotesque tragique dans ces soi-disant « Toiles noires » est poussé à l'extrême...

Deux vieilles femmes mangeant de la soupe

1821-1823 ; 53x85cm
peinture murale transférée sur toile
Prado, Madrid

La palette du maître à cette époque se compose principalement de noir, de gris, d'ocre et de marron ; seulement parfois, il intercale de manière inattendue des taches blanches ou rouge sang dans cette coloration plutôt sombre. Sous fin XIX siècle, les « Toiles noires » seront transférées des murs de la « Maison des Sourds » à la toile. La maison elle-même, dans laquelle d'ailleurs le musée Goya n'a jamais été créé, a finalement été détruite en 1910. Aujourd'hui, à sa place se trouve une station de métro qui porte le nom de l'artiste - "Goya"...

Dans le célèbre "Saturne dévorant ses enfants", le dieu cannibale, ressemblant à un oiseau de proie aux yeux exorbités, est représenté au moment le plus terrifiant, sa bouche ouverte évoque des associations avec les portes de l'enfer, derrière lesquelles ses enfants meurent les uns après les autres. dans une terrible agonie.

Combat ("Deux étrangers")

1820-1823 ; 123x266cm
peinture murale transférée sur toile
Prado, Madrid

Rubens aborda le même sujet en 1636, mais le présenta d'une manière complètement différente, bien qu'en utilisant une composition similaire. Rubens fait percevoir Saturne au spectateur quelque peu détaché, comme s'il était vu de l'extérieur. Goya nous fait participer sans le savoir à un festin infernal - tout comme il nous invite à rejoindre deux vieilles sorcières en train de prendre un repas (« Deux vieilles femmes mangeant de la soupe »).

Saint-Pétersbourg Université d'État Culture et Arts

Faculté des cultures du monde

Département de Muséologie et héritage culturel

Groupe 24/3-402

Résumé sur le thème : « Images sombres » de Francisco Goya

Complété par : Lobyzaeva A.S.

Vérifié par : Candidat en Sciences Philosophiques,

Professeur agrégé Mukhin A.S.

Saint-Pétersbourg

Introduction

Partie 1. Biographie

Partie 2. « Images sombres »

Conclusion

Introduction

Francisco José de Goya y Lucientes est le nom d'une personne qui a longtemps attiré et attire toujours l'attention des écrivains, réalisateurs, critiques d'art et artistes. Goya - un peintre au destin difficile et au talent original - est encore aujourd'hui étudié et compris par beaucoup, des livres d'art et des films lui sont dédiés, Recherche scientifique Cependant, la vision du monde extraordinaire et « magique » de Goya, reflétée dans son œuvre, demeure un mystère non résolu. Et cela le restera pour toujours, car ni des milliers de mots dans des livres, ni des milliers d'images dans des films ne donneront l'occasion de savoir absolument monde créatif artiste, aux multiples facettes et unique.

L’un des aspects les plus mystérieux de ce monde sont les « Tableaux sombres » (parfois le nom de la série est littéralement traduit par « Tableaux noirs »), peints par Goya dans les années 1820-1823. Ce sont des peintures inhabituelles: il s'agissait de fresques sur les murs de la maison de Goya, dans laquelle il a vécu plusieurs années. À cette époque, Goya souffrait d'une grave maladie et souffrait de surdité, ce qui empêchait l'artiste de vivre pleinement. C'est pourquoi sa maison s'appelait «Quinto del Sordo», ce qui signifie de l'espagnol «Maison des sourds». Cette série de peintures, transférées sur toile après la mort de Goya, était inconnue de ses contemporains, à l'exception de quelques personnes, et devint mondialement célèbre de nombreuses années plus tard comme l'une des séries de peintures les plus insolites et mystérieuses de l'art espagnol.

« Images sombres » et dédiées ce travail, qui couvre également en partie la biographie de l'artiste - après tout chemin créatif toujours étroitement lié au chemin de la vie.

Partie 1. Biographie

En mars 1746, dans la province aragonaise, dans le petit village de Fuendetodos, naît Francisco José de Goya y Lucientes. Francisco est devenu le plus jeune fils de la famille d'un maître doreur, très célèbre et vénéré, et la fille d'un hidalgo pauvre. La famille avait donc un revenu moyen, mais les fils ne recevaient pas de produits de très haute qualité. éducation scolaire. D'une manière ou d'une autre, les trois fils trouvèrent alors une occupation qui leur valait la peine : l'aîné devint prêtre, celui du milieu suivit les traces de son père et le plus jeune devint un artiste qui deviendra célèbre dans le monde entier. Francisco, à l'âge de treize ans, fut envoyé étudier dans l'atelier de l'artiste José Luis San y Martinez lorsque la famille déménagea à Saragosse. Au cours de ses trois années d'études, le jeune Goya a principalement copié des gravures et des moulages, mais, comme il l'a lui-même admis plus tard, il n'a pas reçu tout le plaisir et les résultats d'un tel processus - il voulait créer pour de vrai, créer quelque chose qui lui est propre.

Ainsi, en 1763, Goya s'installe à Madrid pour entrer à l'Académie Royale des Beaux-Arts. Il échoue, mais reste toujours à Madrid, se familiarise avec les œuvres des artistes de la cour et développe ses compétences. Puis Goya fait un voyage en Italie, à son retour d'où il reçoit son premier livre sérieux Grosse commande- Le chapitre de l'église de Nuestra Señora del Pilar lui confie en 1771 la peinture de la coupole d'une des chapelles de la basilique. Cette œuvre suscite de nombreuses critiques élogieuses ; Goya reçoit d'autres commandes, comme celle de peindre l'oratoire du palais Sobradiel.

En 1773, Goya épousa Joseta Bayeu, la sœur de l'influent peintre de cour Francisco Bayeu ; ce mariage joua également un rôle dans l'établissement de Goya dans le milieu artistique de l'époque. Ils vécurent avec Joseta jusqu'à sa mort en 182, ils eurent plusieurs enfants, mais un seul fils, Javier, vécut jusqu'à l'âge adulte. Goya s'installe finalement à Madrid et commence à travailler dans l'atelier de son nouveau parent Francisco Bayeu, professeur à l'Académie Royale. Beaux-Arts San Fernando.

La première commande judiciaire de Goya concernait le carton pour les tapisseries de la salle à manger du futur roi Charles IV au palais de l'Escurial. Plus tard, Goya reçut d'autres commandes de croquis de tapisseries pour la famille royale. Il se rapproche de plus en plus de la cour royale et demande bientôt un poste de peintre de cour – mais celui-ci lui est refusé. Cela fut également facilité par son beau-frère Bayeu, qui ne voulait pas partager la place du premier artiste de la cour. Et pourtant, Goya gagne en popularité, de nombreux courtisans commencent à lui commander leurs portraits, et bientôt Goya acquiert une réputation de merveilleux portraitiste. Certaines de ses œuvres les plus célèbres de cette période sont le portrait du comte Floridoblanca (1783) et le portrait de la marquise de Pontes (1786).

En 1789, Charles devient le nouveau roi d'Espagne. IV<#"justify">- "Deux vieillards mangeant de la soupe"

L'emplacement des peintures dans la maison est connu grâce à des photographies prises par le photographe Jean Laurent en 1874. Grâce à ces photographies, on sait que les peintures étaient également encadrées de stuc, comme les fenêtres et les portes de la maison. De plus, vous pourrez constater la différence d’état des tableaux avant de les transférer sur toile, et voir les fragments manquants.

Il n’existe aucune information factuelle sur le processus de peinture murale lui-même. À cet égard, il y avait même des rumeurs selon lesquelles les tableaux n'avaient pas été peints par Goya - il y avait une théorie selon laquelle ils avaient été peints par Javier, son fils, après le départ de Goya pour Bordeaux. Cependant, les historiens de l'art rejettent cette théorie : la technique avec laquelle les fresques ont été réalisées et leur style confirment la paternité de l'artiste.

On ne sait pas exactement ce qui a poussé Goya à peindre les murs de sa maison avec ces scènes particulières. Mais ce que l’on sait, c’est que les peintures n’ont pas été créées pendant la meilleure période de la vie de l’artiste. Sa condition physique était instable et l’état de la vie en Espagne en général était instable. Cela se passait dans le pays Guerre civile qui se termina par la restauration de la monarchie absolue. Trois années de cette guerre ont coïncidé avec la période d'écriture des « Dark Canvases ». Dans les peintures, il est facile de tracer une analogie avec la situation sociale, politique et religieuse du pays à cette époque. Analysons quelques-unes des œuvres.

"Saturne dévorant ses enfants" est une œuvre vraiment effrayante. En la regardant, une personne n'éveille pas la peur, mais en tout cas l'hostilité et l'anxiété. L'ancienne divinité - Saturne - est représentée sur un fond d'obscurité noire comme du charbon, sa silhouette est brisée et semble convulser, ses mains, comme des plexus de branches d'arbres, tiennent le corps d'un enfant dont la tête est mordue par Saturne. . Le sang ressort sur la toile dans une couleur rouge inquiétante. On peut dire que Goya a écrit cela dans un état dépressif, et peut-être en pensant à la guerre en Espagne - on peut comparer Saturne à un pays qui détruit ses propres enfants.

Dans le tableau «Judith et Holopherne», règne l'énergie de l'action terrestre, capturée dans son instantanéité. A peine sautée du lit d'Holopherne (peu visible à droite), sans encore ranger ses vêtements ébouriffés, froissés par les caresses d'amour, l'héroïne leva son épée au-dessus de la tête du commandant assyrien endormi et va maintenant lui couper la parole (ici la première correspondance visuo-sémantique apparaît entre elle et Saturne - il a commencé à dévorer sa victime par la tête). Le mouvement tombant de Judith, son visage, son épaule, sa main avec une épée très mis en valeur - tout cela ressort également du champ spatial du tableau, comme les genoux, les mains et la tête de Saturne.

"Pèlerinage à San Isidro" fait écho davantage premiers travaux Goya, peint en 1788 - « Fête folklorique le jour de la Saint Isidore. » Les deux œuvres représentent l’une des fêtes préférées des Madrilènes. Chaque année, le 15 mai, ils se rendaient au bord de la rivière Manzanares pour pique-niquer, danser et boire l'eau curative de la source qui, selon la légende, aurait été trouvée par Saint Isidore. Et, si en 1788 le peintre présentait cette scène comme une fête nationale colorée et joyeuse, pleine d'insouciance, alors dans la version ultérieure de "La Maison des Sourds", les tons noirs dominent et un sentiment alarmant de désastre inévitable imminent règne. . Une foule de gens serrés les uns contre les autres erre sur le sol sec et inégal. Leurs visages sont déformés par de terribles grimaces, exprimant la peur, la douleur, l'horreur, la méchanceté et la colère bestiale.

Les mêmes motifs apparaissent dans Le Sabbat des Sorcières. Le centre de composition de l'image est également une foule laide et sans visage, concentrée autour de la figure d'une chèvre vêtue d'une robe monastique, écoutant chaque mot du messager de Satan. Les visages des gens sont des grimaces laides qui ne ressemblent même pas à des visages humains - Goya semblait vouloir souligner à quel point une personne peut facilement perdre son apparence humaine.

Dans "Duel with Clubs", on peut également trouver une réponse aux événements militaires qui se déroulent à proximité de l'artiste: deux personnes si semblables tentent de se paralyser avec de lourds gourdins dans un duel aveugle et brutal. On ne voit pas comment leurs pieds reposent sur le sol - ils semblent flotter dans l'espace, tout comme les personnages des tableaux « Atropos ou Destins » et « Asmodée ».

Ces peintures sont pleines de mysticisme, elles semblent représenter quelque chose de complètement différent, monde irréel, il est même impossible de dire qui sont les personnages des peintures - des personnes ou des créatures fantastiques. L'intrigue du tableau «Atropos» - interprétation des images déesses grecques antiques destin - Moiré<#"justify">Conclusion

peinture mystique goya artiste

Les toiles de la « Maison des Sourds » constituent un phénomène extraordinaire dans la peinture espagnole, qui suscite encore aujourd’hui l’intérêt de beaucoup. D’une part, peints dans la veine du mouvement romantique qui a dominé la période de la vie de l’artiste, ils se distinguent des autres tableaux par leur contenu, leur drame, leur émotivité et leur technique.

Francisco Goya est un véritable grand artiste espagnol, et après avoir étudié l'ensemble de son œuvre, nous pouvons dire avec certitude à quel point son génie créatif était complet et multiforme. Le contraste de ces "Toiles sombres" avec sa peinture de cour est frappant - la même personne a créé des portraits réalistes, réalisés dans des couleurs claires, colorées, cérémoniales, peint de merveilleux paysages et peintures sur sujets historiques, et en même temps créé des œuvres qui plongent le spectateur dans un monde étonnant et fantasmagorique, un monde de nuit et de magie noire, un monde différent du réel, un monde créé par l’imagination de l’artiste. Sorciers, sorcières, animaux déguisés en humains, créatures démoniaques, vieillards décrépits et laids - personne n'a osé écrire ce que Goya a écrit. Ces toiles aident à comprendre le monde intérieur mystérieux de l'artiste, le chemin de la compréhension qu'on cherche à trouver depuis de nombreuses années.

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"Images sombres"

Attardons-nous donc sur un certain moment de la biographie de Goya - 1819. L'artiste achète un domaine de deux étages sur les rives de la rivière Manzanares, à proximité de Madrid. Au cours de la même période, il tomba de nouveau gravement malade. L'artiste lutte contre la maladie, mais la surdité s'empare de plus en plus de lui. Par conséquent, le nom étrange donné par Goya lui-même au domaine - «Maison des Sourds» - «Quinto del Sordo» - n'est pas du tout accidentel. Au cours des trois années suivantes, Goya peint les murs de sa maison selon la technique secco sur plâtre réhumidifié. Il est certain que les « Tableaux sombres » ont été peints sur des images antérieures, sur lesquelles Goya s'est basé.

En 1823, Goya part pour Bordeaux et laisse son domaine à son petit-fils Mariano - peut-être pour protéger la propriété d'une éventuelle confiscation après la restauration de la monarchie absolue en Espagne par Ferdinand VII. Pendant un demi-siècle, les peintures de la « Maison des Sourds » étaient inconnues du public, à l'exception de quelques amis de l'artiste et spécialistes. En 1874, l'artiste Salvador Martinez Cubells, à la demande du banquier français Frédéric Emile d'Erlanger, commença à transférer toutes les peintures des murs sur les toiles. Cela prit plusieurs années. D'Erlanger voulut vendre les peintures au Monde. Exposition à Paris, mais cela n'était pas prévu et, en 1881, il fit don des tableaux au musée du Prado à Madrid, où ils se trouvent encore aujourd'hui.

Goya lui-même n’a pas donné de nom à ses « Tableaux sombres ». C'est ce qu'a fait son ami, l'artiste Antonio Brugada, qui, après la mort de Goya en 1828, a catalogué l'ensemble du cycle. En conséquence, les peintures ont reçu les titres suivants :

Premier étage de la maison.

- "Fête à San Isidro"

- « Sabbat des sorcières »

- "Judith et Holopherne"

- "Saturne dévorant ses enfants"

- "Dona Léocadia Zorilla"

- « Le Vieil Homme et le Moine » ou « Deux Vieillards ».

Deuxième étage de la maison.

- « Visions fantastiques » ou « Asmodée »

- « Pèlerinage à la source de San Isidro »

- "Atropos" ou "Destin"

- « Duel avec des massues »

- "Les femmes qui rient"

- « Hommes qui lisent »

- "Chien"

- "Deux vieillards mangeant de la soupe"

L'emplacement des peintures dans la maison est connu grâce à des photographies prises par le photographe Jean Laurent en 1874. Grâce à ces photographies, on sait que les peintures étaient également encadrées de stuc, comme les fenêtres et les portes de la maison. De plus, vous pourrez constater la différence d’état des tableaux avant de les transférer sur toile, et voir les fragments manquants.

Il n’existe aucune information factuelle sur le processus de peinture murale lui-même. À cet égard, il y avait même des rumeurs selon lesquelles les tableaux n'avaient pas été peints par Goya - il y avait une théorie selon laquelle ils avaient été peints par Javier, son fils, après le départ de Goya pour Bordeaux. Cependant, les historiens de l'art rejettent cette théorie : la technique avec laquelle les fresques ont été réalisées et leur style confirment la paternité de l'artiste.

On ne sait pas exactement ce qui a poussé Goya à peindre les murs de sa maison avec ces scènes particulières. Mais ce que l’on sait, c’est que les peintures n’ont pas été créées pendant la meilleure période de la vie de l’artiste. Sa condition physique était instable et l’état de la vie en Espagne en général était instable. Il y a eu une guerre civile dans le pays qui s'est terminée par la restauration de la monarchie absolue. Trois années de cette guerre ont coïncidé avec la période d'écriture des « Dark Canvases ». Dans les peintures, il est facile de tracer une analogie avec la situation sociale, politique et religieuse du pays à cette époque. Analysons quelques-unes des œuvres.

"Saturne dévorant ses enfants" est une œuvre vraiment effrayante. En la regardant, une personne n'éveille pas la peur, mais en tout cas l'hostilité et l'anxiété. L'ancienne divinité - Saturne - est représentée sur un fond d'obscurité noire comme du charbon, sa silhouette est brisée et semble convulser, ses mains, comme des plexus de branches d'arbres, tiennent le corps d'un enfant dont la tête est mordue par Saturne. . Le sang ressort sur la toile dans une couleur rouge inquiétante. On peut dire que Goya a écrit cela dans un état dépressif, et peut-être en pensant à la guerre en Espagne - on peut comparer Saturne à un pays qui détruit ses propres enfants.

Dans le tableau «Judith et Holopherne», règne l'énergie de l'action terrestre, capturée dans son instantanéité. A peine sautée du lit d'Holopherne (peu visible à droite), sans encore ranger ses vêtements ébouriffés, froissés par les caresses d'amour, l'héroïne leva son épée au-dessus de la tête du commandant assyrien endormi et va maintenant lui couper la parole (ici la première correspondance visuo-sémantique apparaît entre elle et Saturne - il a commencé à dévorer sa victime par la tête). Le mouvement tombant de Judith, son visage, son épaule, sa main avec une épée très mis en valeur - tout cela ressort également du champ spatial du tableau, comme les genoux, les mains et la tête de Saturne.

"Pèlerinage à San Isidro" fait écho à l'œuvre antérieure de Goya, écrite en 1788, "Fête folklorique le jour de Saint Isidore". Les deux œuvres représentent l’une des fêtes préférées des Madrilènes. Chaque année, le 15 mai, ils se rendaient au bord de la rivière Manzanares pour pique-niquer, danser et boire l'eau curative de la source qui, selon la légende, aurait été trouvée par Saint Isidore. Et, si en 1788 le peintre présentait cette scène comme une fête nationale colorée et joyeuse, pleine d'insouciance, alors dans la version ultérieure de "La Maison des Sourds", les tons noirs dominent et un sentiment alarmant de désastre inévitable imminent règne. . Une foule de gens serrés les uns contre les autres erre sur le sol sec et inégal. Leurs visages sont déformés par de terribles grimaces, exprimant la peur, la douleur, l'horreur, la méchanceté et la colère bestiale.

Les mêmes motifs apparaissent dans Le Sabbat des Sorcières. Le centre de composition de l'image est également une foule laide et sans visage, concentrée autour de la figure d'une chèvre vêtue d'une robe monastique, écoutant chaque mot du messager de Satan. Les visages des gens sont des grimaces laides qui ne ressemblent même pas à des visages humains - Goya semblait vouloir souligner à quel point une personne peut facilement perdre son apparence humaine.

Dans "Duel with Clubs", on peut également trouver une réponse aux événements militaires qui se déroulent à proximité de l'artiste: deux personnes si semblables tentent de se paralyser avec de lourds gourdins dans un duel aveugle et brutal. On ne voit pas comment leurs pieds reposent sur le sol - ils semblent flotter dans l'espace, tout comme les personnages des tableaux « Atropos ou Destins » et « Asmodée ».

Ces peintures sont pleines de mysticisme, elles semblent représenter un monde complètement différent et irréel ; il est même impossible de dire qui sont les personnages des peintures - des personnes ou des créatures fantastiques. L'intrigue du tableau "Atropos" est une interprétation des images des anciennes déesses grecques du destin - Moiré ou le destin en tant que tel Homère, Hésiode, Virgile et d'autres auteurs anciens. Les Moirai étaient dirigées par Atropa, une déesse impitoyable qui coupait le fil de la vie avec ses ciseaux. Ses compagnons étaient Clotho et Lachesis, mais il y a aussi un quatrième personnage sur la toile, ressemblant à un homme dont les mains sont liées - peut-être parce qu'il est impuissant devant les déesses qui déterminent son sort.

"Chien" est peint dans des couleurs plus claires que les autres "Toiles sombres", mais il porte toujours la tristesse et le désespoir - le tableau représente la tête d'un chien qui se noie soit dans les vagues de la mer, soit dans des tas de sable - l'intrigue exacte de le tableau est inexplicable, il n'était peut-être pas terminé du tout, on ne peut que spéculer. Le museau du chien est dirigé vers le haut, ses yeux tristes regardent quelque part devant, comme s'ils cherchaient le salut. Sur une photographie de Laurent prise en 1874, on peut voir dans le tableau des contours ressemblant à une falaise et des figures d'oiseaux, que le chien pourrait regarder.

La gamme des quatorze tableaux est constituée de nuances noires, brunes, sable et sombres ; il n'y a pratiquement pas de couleurs vives et riches dans les peintures, sauf que dans « Le Duel » se détache un morceau de ciel bleu, et dans « Saturne » il y a sang rouge vif. Grâce à de tels tons, les émotions que portent les sujets des tableaux eux-mêmes sont plusieurs fois intensifiées. Ce n'est pas un hasard si ces tableaux sont appelés « Gloomy ».

Mais il faut dire que tous les noms et interprétations des tableaux sont le résultat des activités d’autres personnes, d’autres générations. Nous n'avons pas la possibilité de savoir ce qu'il y avait réellement à l'intérieur de l'artiste lorsqu'il peignait les murs de sa maison, dans quel but il l'a fait, à qui il voulait laisser ces tableaux et quoi dire avec eux. On ne peut que faire des analogies avec des faits biographiques connus sur Goya, avec les événements qui se sont déroulés dans les années 1820 en Espagne. Ces événements ne pouvaient que se refléter dans l'œuvre de Goya, attentif et sensible, inquiet des changements dans la vie de son pays, remarquant les vices et les faiblesses humaines et les exposant, comme il le faisait dans la série « Caprichos ».

Ce qui est sûr, c'est que les peintures murales de la « Maison des Sourds » constituent un patrimoine unique de l'art espagnol et mondial ; les peintures sont vraiment inhabituelles et exceptionnelles pour l'époque où elles ont été peintes. Nous y voyons le « vrai » Goya - après tout, l'artiste les a peints sur les murs de sa maison, et non pour les exposer au public ou les vendre - ce qui signifie qu'il a pu transmettre avec précision ses pensées et ses déclarations à ce sujet. toiles.