Moderne- le style dans l'art européen et américain au tournant des XIXe-XXe siècles. Le modernisme a réinterprété et stylisé les caractéristiques de l'art de différentes époques et a développé ses propres techniques artistiques basées sur les principes d'asymétrie, d'ornementation et de décoration. Les formes naturelles deviennent également l’objet de la stylisation de la modernité. Ceci explique non seulement l'intérêt pour les ornements floraux dans les œuvres de l'Art Nouveau, mais aussi leur structure très compositionnelle et plastique - une abondance de contours curvilignes, flottants, inégaux x contours ressemblant à des formes végétales.
Lev Bakst "Portrait d'Andrei Lvovich Bakst, fils de l'artiste"
Le symbolisme est étroitement lié à la modernité, qui a servi de base esthétique et philosophique à la modernité, s'appuyant sur la modernité comme réalisation plastique de ses idées. L'Art Nouveau avait différents pays des noms différents, qui sont essentiellement synonymes : Art Nouveau - en France, Sécession - en Autriche, Art Nouveau - en Allemagne, Liberté - en Italie.
Alexandre Benois "Bain de la Marquise." 1906
La peinture Art Nouveau se caractérise par la volonté de créer une système artistique. L'un des fondateurs de ces idées fut l'école de Pont-Aven avec Paul Gauguin. Contrairement à d’autres styles, les peintures et panneaux de l’Art Nouveau étaient considérés comme des éléments de l’intérieur, lui donnant une nouvelle coloration émotionnelle. C'est pourquoi Le caractère décoratif est devenu l'une des principales qualités de la peinture Art Nouveau.
Gustav Klimt "Vie et Mort" (1908 -1916)
La peinture se caractérise par une combinaison paradoxale de conventions décoratives, de « fonds de tapis » ornementaux et de figures et de visages de premier plan « sculptés » avec une clarté sculpturale.(G. Klimt, F. Knopf, M. A. Vrubel), ainsi que de grands plans de couleurs (L.S. Bakst, E. Munch) et des nuances subtiles soulignées (Vroubel, Benoît). Tout cela a donné aux peintures une plus grande expressivité. Le symbolisme a également introduit le symbolisme de la ligne et de la couleur dans la peinture Art Nouveau ; Les thèmes du chagrin mondial, de la mort et de l’érotisme étaient largement représentés ; Il est devenu courant que les artistes se tournent vers le monde du mystère, des rêves, des légendes, des contes de fées, etc. Les peintures de Gustav Klimt sont un exemple frappant de la peinture moderne. Les artistes modernes ont travaillé dans tous les pays d'Europe et d'Amérique : Autriche, Grande-Bretagne, Allemagne, Italie, Hollande, Russie, USA, etc.
Alphonse Mucha "Zodiaque" 1896
Modernisme- (du français moderne - moderne) le nom général d'un certain nombre de mouvements artistiques de la première moitié du XXe siècle, caractérisés par le déni des formes traditionnelles et de l'esthétique du passé. Le modernisme est proche de l’avant-gardeisme et opposé à l’académisme.
Dans l’esthétique russe, « moderne » signifie le modernisme historiquement antérieur. style artistique fin XIX - début XX siècles(Art Nouveau russe, Art Nouveau, Art Nouveau, Sécession, etc.), il est donc nécessaire de distinguer ces deux concepts afin d'éviter toute confusion.
Modernisme - la totalité directions artistiques deuxième en art moitié du 19ème siècle- milieu du 20ème siècle Les tendances modernistes les plus significatives étaient l'impressionnisme, le modernisme, l'expressionnisme, le néo- et post-impressionnisme, le fauvisme, le cubisme et le futurisme. Ainsi que des mouvements ultérieurs - art abstrait, dadaïsme, surréalisme. DANS au sens étroit le modernisme est considéré comme une première étape de l’avant-gardeisme, le début d’une révision des traditions classiques. La date de naissance du modernisme est souvent citée comme 1863, année de l’ouverture du « Salon des Rejetés » à Paris, où étaient acceptées les œuvres des artistes. Au sens large, le modernisme est « un autre art » objectif principal qui est la création d'œuvres originales basées sur la liberté intérieure et une vision particulière du monde par l'auteur et apportant de nouvelles des moyens d'expression langage figuratif, souvent accompagné de choquant et d'un certain défi aux canons établis.
Avant-garde - un concept général qui unit tous les types d'efforts artistiques expérimentaux, modernistes et résolument inhabituels, de recherches dans l'art du 20e siècle.
Kazimir Malevitch "Athlètes" (1930 -1931)
Caractéristiques communes de toutes les tendances d'avant-garde - confrontation constante avec toutes les tendances établies et reconnues et volonté constante de proposer de nouvelles nouveautés sans précédent principes artistiques, capable d'émerveiller le milieu artistique et le public. À cette fin, des techniques, des méthodes, des thèmes et des images auparavant considérés comme incompatibles avec l'art sont utilisés. L'introduction constante de telles innovations « incroyables », « impensables » dans l'art a créé une atmosphère de tension constante, d'attentes révolutionnaires, de scandales et d'affrontements autour de l'avant-garde.
Le terme modernisme (du français - nouveau) désigne le nouveau, art moderne, qui est originaire de fin XIX siècle et est associé à la crise mondiale de la culture européenne
La recherche de quelque chose de nouveau s'est transformée en un désir de restaurer l'intégrité et la nature organique de l'existence humaine dans le cadre d'un système cosmologique unique par des moyens artistiques, c'est-à-dire que dans l'art nous sommes revenus à la méthode de création de mythes, aux formes de primitifs l'art, aux formes de créativité des enfants, c'est-à-dire à ces formes où une personne se sentait harmonieuse dans ce monde où il n'y avait pas de mensonge, où il n'y avait pas de violence contre la personne humaine
La crise de l’art s’est manifestée le plus clairement dans la peinture : la plupart des artistes du XXe siècle se sont éloignés de la représentation du monde tel que nous le voyons. Le monde semblait parfois déformé au-delà de toute reconnaissance, car les artistes étaient davantage guidés par leur propre imagination, l'écart avec le réalisme n'était pas un vain caprice, les artistes voulaient dire : le monde n'est pas du tout tel que nous le voyons : il est intrinsèquement dénué de sens et absurde, c'est comme nous que nous le montrons dans nos peintures (le concept de modernité est plus large que l'avant-garde, qui se réfère uniquement à la culture artistique, et la modernité à tout ce qui est nouveau). Dans l'avant-garde du XXe siècle, il y avait de nombreuses directions, des tendances qui coexistaient, en parallèle, se croisaient souvent, se remplaçaient ou s'annulaient. Trois mouvements ont acquis le statut d'éternel : l'abstractionnisme, le cubisme, le surréalisme (superréalisme). La première impression lorsqu’on rencontre l’avant-garde, c’est que tout va mal. Sa formule principale : si cela n’a jamais été fait auparavant, alors il faut le faire, signe constant : un renversement conscient des idées traditionnelles. L'avant-garde a cherché à donner naissance non pas à l'art, mais à une méthode de cognition et à la mettre à la place de la philosophie traditionnelle ; les artistes d'avant-garde créent dans leur travail quelque chose de spécial, qui inclut le problème de la pensée abstraite et un idée indirecte de l'être et un monde concentré d'idées. Ainsi, l’art abstrait n’est pas un style, c’est une façon de penser. Périodes : de l'Art Nouveau (XIX) aux Demoiselles d'Avignon (premier tableau cubique de Picasso). Cette période est caractérisée par une restructuration du type d'art traditionnel ; le langage de l'avant-garde n'a pas été développé ; les artistes sont obligés d'expliquer eux-mêmes les postulats de base de leur position.
38. Principales orientations du modernisme
Le cubisme est un mouvement associé au nom de Pablo Picasso (Espagne). Picasso n'a pas suivi cette tendance immédiatement.
Périodes :
1. « Période bleue » (1901-1904). Tous les portraits sont unis par une gamme froide de bleus, qui permet de développer le thème de la solitude, du chagrin, du destin d'une personne, d'un environnement hostile (« Gymnastes errants », « Mendiants : un vieil homme avec un garçon »).
2. « Période Rose » (1905-1906). Toutes les peintures sont de couleur rose cendré. L'objectif que Picasso voulait atteindre était de montrer que même si le monde est sauvage, des gens honnêtes y vivent ; les héros des tableaux sont des artistes et des acrobates errants : « La Fille au bal ». Mais la vérité artistique s'est avérée supérieure au désir de l'artiste ; la liberté s'est transformée en solitude d'un exil. Les images sont également pessimistes.
3. 1906-1907 (1,5 mois). L'artiste arrive à la conclusion que la solution aux problèmes humains par la peinture est impossible : la peinture ne peut créer que des formes plastiques. Grand intérêtà la culture noire.
4. La première phase du début du cubisme (1907-1908). Les motifs organiques et naturels sont exposés à des informations géométrisées. Ils sont exécutés dans une couleur terre-rougeâtre et des tons bleu-vert mettent en valeur le relief (« Les Demoiselles d'Avignon » (1907), « Trois femmes »).
5. La deuxième phase est le cubisme analytique, lorsque le tableau se transforme en un motif fractionné de petits éléments géométriques, à travers lequel un élément pictural (portrait de Vallard) est visible.
6. Troisième phase : le cubisme synthétique (1912-1913). Il s'agit de compositions picturales formées de fragments plats d'objets (principalement des instruments de musique).
7. 1913-1915. Compositions sur le thème des instruments de musique, qui représentaient des objets tridimensionnels constitués de divers matériaux, suspendus à un plan vertical.
Abstractionnisme.
Fondateur : Vassily Kandinsky. L'essence du flow est qu'à l'aide d'un pinceau et d'un crayon, vous pouvez créer une vibration particulière de l'âme et l'initier à l'esprit de la musique. Médias artistiques : points lumineux, lignes, formes géométriques, abstractions. L'art abstrait rappelle la musique, et Kandinsky a créé son propre langage abstrait de peinture, où chaque couleur portait une certaine signification symbolique (Schnittke « Jaune" - composition musicale). Un autre représentant est Kazimir Malevitch (« Carré noir sur fond blanc », 1913). Il était exposé comme une sorte de nouveau signe planétaire (utopie romantique).
Surréalisme.
Associé à Salvador Dali. Il est apparu au tournant des années 20 du 20e siècle, stabilisé en 25-26. La base principale est le sentiment de fantaisie, l'inattendu du phénomène du monde ; l'idée d'inconnaissabilité et d'absence du monde ; le monde réel est le monde qui se trouve dans notre subconscient. L'essence méthode artistique- une combinaison d'objets réels avec des objets irréels ou réels, mais poussés jusqu'à l'absurdité, ou réels, mais dans une combinaison irrationnelle (Dali « Placard anthropomorphe »). Le surréalisme s'est manifesté non seulement dans la peinture, mais aussi dans la sculpture et le cinéma.
Postmodernisme.
Le postmodernisme est une révolution esthétique survenue en Europe dans les années 60 et 70. En tant que terme, il a commencé à être utilisé en 79. Ce n'est pas un style, il s'agit de citer des exemples célèbres, mais d'une manière délibérément absurde et dont le principal trait caractéristique est l'éclectisme (une combinaison de divers éléments - Orient, Occident, Afrique, culture européenne). Cette voie mettait de côté le point de départ et le point de développement le plus élevé (la civilisation européenne). Le postmodernisme est le résultat des mouvements étudiants, c’était une réaction à la société de consommation. Ils ont essayé d’introduire une nouvelle super-idée dans une société sans idéologie. Un véritable artiste dans le monde est entouré d'ennemis, le postmodernisme est donc une forme de rébellion esthétique et s'exprime par l'idée d'une nouvelle révolution sexuelle et d'une nouvelle sensualité. Le modernisme et le postmodernisme ne peuvent prétendre à une grande popularité, c'est-à-dire qu'ils sont apparus comme élitistes. Cependant, la modernité et le postmodernisme sont devenus cette étape du développement de la culture du XXe siècle, qui a non seulement décrit l'ensemble de ses points douloureux, mais est aussi devenu l'art qui reliait l'ère du 20e siècle à l'Éternel, oublié dans l'agitation.
Dans la seconde moitié du XIXe siècle, d'abord en Europe puis en Russie, un mouvement artistique est né - moderne (du français moderne - moderne). Les traits distinctifs de ce style sont le remplacement des lignes droites et des angles par des lignes plus naturelles, « naturelles », florissantes. arts appliqués avec une prédominance de motifs floraux curvilignes, formant la structure compositionnelle de l'œuvre.
La peinture Art Nouveau se caractérise par une combinaison de fonds ornementaux et une tangibilité naturaliste des figures et des détails, des silhouettes, l'utilisation de grands plans de couleurs ou de monochromes nuancés. La sculpture Art Nouveau se distingue par la dynamique et la fluidité des formes, le graphisme - par le jeu de lignes et de silhouettes fragiles et exquises.
En Russie, à la fin des années 1890, fut fondée l'association artistique « Monde de l'Art », qui affirmait la priorité du principe esthétique dans l'art par opposition à l'orientation hautement sociale des Vagabonds et luttait pour la modernité et le symbolisme.
La composition de l'association en années différentes comprenait les artistes A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov et d'autres. Près du « Monde de l'Art » se trouvaient I. Ya. Bilibin, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, V. A. Serov, M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, K. F. Yuon et d'autres.
Examinons de plus près le travail d'artistes individuels, les représentants les plus éminents du modernisme russe de cette période - M. A. Vrubel, V. A. Serov, V. M. Vasnetsov.Vroubel Mikhaïl Alexandrovitch (vécu de 1856 à 1910) - Artiste russe, éminent représentant de l'Art nouveau et du symbolisme. Vrubel a atteint des sommets dans presque tous les types et genres des beaux-arts : peinture, graphisme, sculpture décorative, art théâtral. L'héritage de Vroubel comprend de nombreuses peintures, panneaux décoratifs, fresques et illustrations de livres.
Alors qu'il étudiait encore à l'Académie des Arts, Vroubel, à l'invitation d'A. Prakhov, célèbre critique d'art de l'époque, participa aux travaux de restauration des églises de Kiev. Vroubel a réalisé plusieurs compositions pour l'église Saint-Cyrille afin de remplacer celles perdues, a peint l'icône « La Vierge à l'Enfant » et a proposé à la commande des croquis des peintures de la cathédrale de Vladimir. Ces croquis ont été rejetés par la commission en raison de leur incohérence avec la tradition byzantine - Vrubel les a modernisés en les remplissant d'un psychologisme tragique caractéristique de la fin du XIXe siècle. Néanmoins, ces œuvres ont eu une grande influence sur le développement de Vroubel en tant qu'artiste. Le style original de Vroubel se caractérise par un type particulier de motif cristallin, chatoyant de bords sombres bleu-violet.Dans de nombreuses peintures de Vrubel de la première période, l'atmosphère d'un conte de fées règne. "La Princesse Cygne" est un tableau de Vroubel, écrit à partir de l'image scénique de l'héroïne de l'opéra "Le Conte du tsar Saltan" de N. A. Rimski-Korsakov.
La princesse au visage triste dans la toile de Vroubel est mystérieuse et énigmatique. Sur fond de crépuscule descendant sur la mer, les ailes de la princesse se détachent comme un point lumineux, peint à la manière particulière de « Vroubel », comme des pierres précieuses à facettes.
M. A. Vroubel. Démon assis. 1890
Un des images centrales dans l’œuvre de Vroubel, on peut nommer l’image du Démon, comme une image de la force de l’esprit humain, de la lutte interne et du doute. Au début des années 1890, Vroubel peint des illustrations pour le poème « Le Démon » de M. Yu. Lermontov, puis commence à travailler sur « Le Démon assis », et écrit plus tard « Le Démon volant » et « Le Démon vaincu ».
Dans la première image de ce cycle, Vrubel interprète l'image d'un démon comme un esprit qui n'est pas tant mauvais que souffrant et douloureux, à la fois un esprit puissant et majestueux. Joignant tragiquement ses mains, le Démon est assis entouré de fleurs fantastiques sur fond de montagnes dans un coucher de soleil écarlate. Les yeux immenses du Démon sont tristes, son regard est dirigé au loin. La figure du Démon semble être prise en sandwich entre les cadres supérieur et inférieur de l'image, ce qui la rapproche visuellement du spectateur et renforce le drame de l'image.
Poursuivant ce thème, dans "Le Démon Volant", Vrubel dépeint le Démon comme un puissant dirigeant du monde, et dans "Le Démon Vaincu", le Démon est écrit sur le point de mourir, sa silhouette est brisée, mais l'expression de son visage est frappant dans son expression, l'esprit du Démon n'est pas brisé.
Dans toutes ces peintures, le style individuel de Vroubel se manifeste clairement : tout est peint avec l'effet de bords cristallins chatoyants, ce qui donne à ces peintures l'apparence de vitraux ou de panneaux précieux. Vrubel a obtenu cet effet en utilisant un couteau à palette au lieu d'un pinceau ; dans ce cas, les traits de peinture se sont révélés plats et épais.
M. A. Vroubel. Le démon est vaincu. 1902
En 1902, Vroubel fut frappé par une grave maladie mentale, dont l'une des causes fut la mort. petit fils Vroubel. À la fin de sa créativité, passée principalement dans des cliniques privées de Moscou et de Saint-Pétersbourg, Vrubel a créé un certain nombre d'œuvres qui passent du modernisme à l'avant-garde.
Le tableau de la période tardive "Séraphins à six ailes" (également connu sous d'autres noms - "Ange avec une épée et un encensoir", "Azraël" et "Chérubin"), créé dans les murs de la clinique de V.P. Serbe, fait référence aux plus hautes réalisations chemin créatif Vroubel.Dans cette œuvre, l'artiste a doté Séraphin du regard hypnotisant du destin lui-même, et l'épée et la lampe dans ses mains ressemblent à des symboles de vie et de mort : l'acier respire un froid glacial, se disputant avec la lumière vivante et chaude de la lampe. La couleur incroyablement belle de la peinture rappelle les mosaïques et les vitraux byzantins.
Le tableau «Le Séraphin à six ailes» peut être qualifié de finale aux multiples valeurs de tout le voyage créatif de Vroubel à la recherche d’images de démons et d’anges.
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V.A. Serov. Autoportrait. |
Au début de sa créativité, Serov était proche de l'impressionnisme russe ; dans les œuvres de cette période, l'artiste voyait sa tâche principale dans l'immédiateté de la perception du modèle et de la nature et de leur véritable solution plastique. Dans le développement ensoleillé de la lumière et de la couleur, dans la transmission de l'harmonie complexe des réflexes et de l'air, Serov glorifie la jeunesse et la beauté de ses modèles.
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V.A. Serov. Fille aux pêches. 1887 |
Pour le tableau «Fille aux pêches», Serov a reçu un prix de la Société des amateurs d'art de Moscou.
V.A. Serov. Le viol d'Europe. 1910
Au fil du temps, le style impressionniste de Serov devient plus sobre, se rapprochant de la peinture monochrome et acquérant les caractéristiques du nouveau style Art Nouveau, qui se manifestent le plus clairement dans des œuvres telles que « Portrait d'Ida Rubinstein » et « Le Viol d'Europe ».
Le tableau «Le Viol d'Europe» a été réalisé par Serov à la manière d'un panneau décoratif monumental. Le sujet de l’artiste était le mythe grec antique sur l’enlèvement d’Europe, la fille du roi Agénor, par Zeus qui s’est transformé en taureau.
La composition de la toile avec un horizon élevé a été construite par Serov sur le mouvement diagonal rythmé des formes. Le mouvement actif d'un taureau nageur est arrêté par le tour de sa tête, l'équilibre de deux vagues, entre lesquelles se trouvent au centre les têtes d'Europe et de Zeus. Les vagues écrites de manière conventionnelle créent une sensation de mouvement mesuré, les figures de dauphins répètent le mouvement des vagues et de Zeus nageant, renforçant la dynamique de l'ensemble de la composition.
La palette de couleurs de l'image est basée sur l'harmonie du bleu et couleur orange: la tache rouge vif de la silhouette du taureau sur la mer bleu-violet est belle et expressive. Des « taches » épaisses dispersées à la surface de l’eau de couleur bleue, représentant les ondulations de l'eau, transmettent le mouvement des vagues et organisent le plan de l'image, ainsi que les contours clairs de toutes les figures.
V.A. Serov. Portrait d'Ida Rubinstein. 1910
Le summum du style Art Nouveau dans l’œuvre de Serov était le portrait d’Ida Rubinstein, la célèbre danseuse et actrice de l’époque. Dans ce portrait, Serov n’a pas essayé de recréer sa véritable image, la tâche principale de l’artiste était ici de styliser la nature et de transmettre la complexité du caractère du modèle. Tout en préservant les spécificités individuelles du modèle, son aspect, son caractère et sa plasticité, Serov combine dans la composition le réel et le conventionnel, qui étaient les traits stylistiques distinctifs de l'Art nouveau.
Serov a représenté Ida Rubinstein dans le portrait d'une actrice provocante, magnifique, mais en même temps subtile et lyrique. L’artiste reproduit la silhouette du modèle dans un tour complexe à l’aide de lignes courbées, aiguisant au maximum ses contours. La composition elle-même, qui répond aux exigences du modernisme, ne révèle pas l'espace dans lequel l'actrice est représentée ; le fond du portrait est plat et conventionnel, ce qui donne l'impression qu'Ida Rubinstein n'est pas assise, mais étalée, pressée. contre le mur.
Lors de sa première exposition à l'Exposition internationale d'art de Rome en 1911, le tableau fit une impression scandaleuse : le public fut choqué à la fois par le fait que le célèbre danseur, accepté dans la société, posait nu, et par le fait que Serov utilisait des techniques de composition et de peinture complètement nouvelles, distinguant le style Art Nouveau.
Dans les portraits cérémoniaux de Serov au cours de cette période, l’acuité des caractéristiques socio-psychologiques profondes s’est également intensifiée. Lorsqu'il transmet les caractéristiques du portrait d'un modèle, Serov utilise souvent l'hyperbolisation et le grotesque, créant une image contemporaine avec l'air du temps.Un exemple d’un tel portrait cérémonial aux traits modernistes peut être appelé « Portrait de la princesse O. K. Orlova », dans lequel une technique de peinture sophistiquée est combinée à l’ironie et à une légère moquerie. Serov a peint ce portrait commandé par la princesse elle-même, mais de nombreux contemporains ont noté le regard intransigeant de l'artiste sur le client et l'ont soupçonné de sarcasme.
Olga Orlova est représentée dans une pose prétentieuse : un énorme chapeau, une étole de sable rejetée en arrière et exposant ses épaules, des mains serrant un collier de perles, la pointe exposée d'une chaussure en cuir verni - tout cela donne à l'image de la princesse une grâce élaborée. Dans le style Art Nouveau, Serov utilise les contours nerveux et anguleux de la silhouette du personnage, combinés au réalisme et à la matérialité d’un travail détaillé.
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V.M. Vasnetsov. Autoportrait. 1873 |
La direction principale de la créativité de Vasnetsov devient la peinture historique épique, où l'artiste transforme le russe genre historique, alliant des motifs médiévaux à l'atmosphère poétique des contes de fées russes.
De nombreuses œuvres de Vasnetsov sont proches dans leur style des peintures sur panneaux décoratifs typiques de l’Art nouveau, transportant le spectateur dans un monde de rêves.
V.M. Vasnetsov. Chevalier à la croisée des chemins. 1882
Impressionné par les épopées russes de la fin du XIXe siècle, Vasnetsov peint des toiles monumentales « Bogatyrs » et « Chevalier à la croisée des chemins ».
L'intrigue du film "Le Chevalier à la croisée des chemins" est basée sur les motifs de l'épopée "Ilya Muromets et les voleurs". Dans les premières esquisses de ce tableau, Vasnetsov tournait le chevalier vers le spectateur. Mais pour une plus grande expressivité et émotivité de l'image dans la version finale, l'artiste a augmenté la taille de la toile, la figure du chevalier est devenue plus monumentale, la profondeur de la composition a diminué et est devenue plus plate, plus proche d'un panneau. Dans la dernière version, la route disparaissait également, de sorte que le chevalier n'avait d'autre choix que celui indiqué sur la pierre.
L'un des tableaux les plus célèbres de Vasnetsov, « Alyonouchka », est également basé sur l'intrigue folklorique du conte populaire russe « À propos de sœur Alyonouchka et de frère Ivanouchka ».L'impulsion pour peindre ce tableau était une rencontre fortuite de l'artiste avec une paysanne aux cheveux simples. Dans son doux visage, Vasnetsov a vu une âme russe particulière, avec sa mélancolie, sa solitude et sa tristesse purement russe dans ses yeux.
Pour rechercher un motif paysager pour cette peinture, Vasnetsov a réalisé de nombreux croquis au bord de la rivière Vor à Abramtsevo, près de l'étang d'Akhtyrka.
"Alyonushka" a été exposée pour la première fois à l'exposition des Itinérants en 1881 et, selon les critiques du célèbre critique de l'époque, I. E. Grabar, a été nommée l'une des meilleures peintures de l'école russe.
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V.M. Vasnetsov. Baptême de la Russie. 1890 |
Le summum de la créativité de Vasnetsov peut être appelé les peintures de la cathédrale Saint-Vladimir de Kiev, dans lesquelles l'artiste a dans une certaine mesure mis à jour les canons byzantins, en y introduisant un élément lyrique-personnel et un psychologisme « russe » particulier.
Tous les thèmes des peintures de la cathédrale étaient basés sur une compréhension de l'histoire religieuse de la Russie, en tant qu'héritière de Byzance, et de la place de la Russie dans la culture et l'histoire mondiale.
La fresque « Baptême de la Russie » est devenue l'une des compositions centrales de la cathédrale Saint-Vladimir au-dessus de l'entrée du chœur. Vasnetsov a choisi le moment du baptême des habitants de Kiev dans les eaux du Dniepr comme sujet de la fresque elle-même. Dans la composition de la fresque, l'artiste combine la solennité et un certain pathos, correspondant au moment représenté, avec une image centrale clairement individualisée du prince Vladimir Svyatoslavovich, introduisant début romantique dans l’intrigue canonique.
V.M. Vasnetsov. Dieu des armées.
Fresque de la cathédrale Saint-Vladimir. 1885-1896
Le modernisme en architecture est représenté par différentes tendances apparues au début du 20ème siècle par opposition au modernisme romantique. A noter qu’il existe beaucoup de confusion dans les définitions de ces deux styles ou mouvements.
Moderne ou modernisme : comment le comprendre
Le modernisme dans l'architecture de l'URSS (Constructivisme) Constructivisme
A acquis une reconnaissance en Union soviétique au siècle dernier, dans les années 1920 et au début des années 1930. Il a combiné des technologies et des équipements de pointe avec l'objectif généralement reconnu de l'État : construire le communisme. Doté de formes mécanistes et dynamiques.
Style abstrait ou art abstrait
Cette tendance entre en contact avec l'avant-garde et favorise le refus de représenter les formes réelles des choses. Des styles architecturaux et leurs caractéristiques telles que le cubisme et le suprématisme en sont les dérivés.
Remplace la symétrie et la statique par l'asymétrie et le bilan de masse.
Le modernisme dans l'architecture de l'URSS (abstractionnisme). Oui, Tchernikhov. Composition n°28 (1925-1933) Le modernisme dans l'architecture néerlandaise : De Stijl
Ce style a été créé en tant que mouvement artistique par une société d'artistes de la ville néerlandaise de Leiden en 1917. Aussi appelé néoplasticisme. Le mouvement De Stijl a été influencé par les peintures des cubistes et par le mouvement DaDa avec ses idées sur les formes géométriques idéales. Et le travail de De Stijl, à son tour, a influencé le Bauhaus et le style international. L'influence de ce mouvement sur l'architecture est particulièrement visible dans la maison Rietveld Schröder, qui est le seul bâtiment créé exclusivement selon les principes de De Stijl : murs blancs et gris, cadres de portes noirs et de nombreux éléments peints dans des couleurs primaires vives.
Style De Stijl. Maison Rietveld Schröder, Hollande Le modernisme dans l'architecture allemande : le Bauhaus
Bâtiment Bauhaus, Dessau, Allemagne Le style doit son nom à l'association artistique du même nom, fondée en Allemagne par l'architecte allemand Walter Gropius. Malgré sa durée de vie relativement courte (de 1919 à 1933), il a eu une énorme influence sur le design du XXe siècle, le style classique moderne et l'avant-garde.
L'un des principaux objectifs du Bauhaus était combinaison d'un large éventail d'arts- l'architecture, la sculpture, la peinture avec l'artisanat et la technologie, où la fonctionnalité prime.
Minimaliste apparence les bâtiments, l'accent mis sur des formes géométriques simplifiées et le manque de décoration sont un signe des principes révolutionnaires du Bauhaus : beauté et simplicité.
Minimalisme
Les origines de l'architecture minimaliste remontent au Cubisme, à De Stijl et au Bauhaus. À certains égards, ces mouvements se ressemblaient.
Maison Farnsworth, 1951, Mies, Illinois, États-Unis Par exemple, le mouvement De Stijl privilégiait la simplicité et l’abstraction et réduisait la décoration à sa forme et sa couleur fondamentales. Ils ont basé leur philosophie de conception sur le fonctionnalisme, les plans droits et l'élimination des traitements de surface décoratifs, comme le montre la maison de Schröder Rietveld.
D'autre part, le Bauhaus a été fondé en tant qu'école d'art en Allemagne dans le but de promouvoir la production de masse et de combiner l'artisanat et la technologie. Le Bauhaus partageait les principes de De Stijl de fonctionnalisme, de pureté et de réduction des formes.
Quelques secondes seulement dans la vidéo montrent l'essence du minimalisme :
Outre le Bauhaus et De Stijl, l'architecture minimaliste a été influencée par l'architecture japonaise traditionnelle, appréciant sa simplicité.
Ce style présente certaines caractéristiques de forme, de lumière, d'espace et de matériau ainsi que des techniques telles que
- réduction,
- simplification et
- unification.
Les minimalistes considèrent ces caractéristiques essence architecture.
Le minimalisme élimine les détails non essentiels, réduisant et condensant le contenu du projet à un minimum d'éléments, de paramètres et de moyens nécessaires, définissant ainsi sa forme.
Fonctionnalisme
Un style architectural du XXe siècle qui alignait les bâtiments et les structures avec leurs fonctions. Originaire d'Allemagne, de l'école du Bauhaus et des Pays-Bas. Bien que le fonctionnalisme ne soit pas un concept exclusivement moderne, il est étroitement lié au style moderne l'architecture qui s'est développée au cours du deuxième quart du XXe siècle.
Auteur : Photo : Jonn Leffmann, CC BY 3.0, Lien
Les techniques de construction progressistes, le besoin de nouveaux types de bâtiments et les changements dans les idéaux culturels et esthétiques ont influencé la popularité de cette tendance. Le slogan principal de l’architecture est de satisfaire les besoins pratiques. Le plus Forte influence des directions ont été observées en Allemagne, en Tchécoslovaquie, en URSS et aux Pays-Bas.
Brutalisme
Le modernisme dans l'architecture indienne. Brutalisme. Bâtiment de l’Association des propriétaires d’usines, Ahmedabad Le modernisme en architecture Le brutalisme représente les années 1950 jusqu'au milieu des années 1970. Les bâtiments brutalistes comportent des éléments modulaires répétitifs de zones fonctionnelles clairement articulées et regroupées en un tout cohérent. Les surfaces en béton coulé sont réalisées pour mettre en valeur le matériau de base de la structure avec la texture du coffrage en bois utilisé pour couler les moules. Matériaux de construction Les matériaux utilisés dans ce style comprennent la brique, l'acier, le verre et la pierre brute. Il contraste fortement avec les bâtiments élaborés et ornés construits dans le style prestigieux des Beaux-Arts.
Pour illustrer la confusion entre les mouvements moderniste et moderniste, vous pouvez regarder une courte vidéo (très probablement réalisée sur la base de sources en langue anglaise), dans laquelle les bâtiments modernistes sont à égalité avec le modernisme.
Ces styles de peinture de consonnes sont souvent confondus les uns avec les autres. Pour qu'un artiste débutant et toute autre personne intéressée par l'art puissent naviguer librement dans les directions, ainsi que pouvoir les distinguer les unes des autres, notre école d'art vous invite à lire cet article, ainsi qu'à assister à la passionnante « Peinture à l'huile ». cours de maître. Ensemble, nous pourrons non seulement considérer différents styles de peinture avec leurs caractéristiques, mais aussi réaliser de manière indépendante notre potentiel dans certains mouvements en utilisant des techniques artistiques particulières.
Victor Vasnetsov. Après le massacre d'Igor Sviatoslavovich avec les Polovtsiens. 1848-1926.
Commençons donc par l'Art Nouveau, qui reste aujourd'hui populaire et demandé dans le monde en raison de son esthétique originale.
MODERNE
Moderne en peinture, ce sont des intrigues remplies d'images caractéristiques du symbolisme. Leur rythme complexe se conjugue dans une composition linéaire avec des éléments décoratifs originaux.
La première et principale caractéristique de ce style est la finesse spécifique des formes. Nous voyons des figures allongées qui grandissent en hauteur, avec des contours clairement définis sur une surface unicolore. En regardant les œuvres artistes célèbres modernes, regardez-y de plus près et vous remarquerez qu’ils n’ont pas l’effet de profondeur habituel. Les images semblent plates, comme s’il s’agissait de tentures murales.
Initialement, alors que le modernisme en peinture prenait tout juste de l'ampleur, ses représentants utilisaient des motifs végétaux, ornements et motifs fantaisie. Il n’était pas rare que des figures féminines ou des créatures mystiques apparaissent dans leurs entrelacs sur les toiles. C'est un symbole, une sorte d'allégorie sur sujet principal des images telles que l'amour, le péché, la mort ou la guerre. Il est important de noter que le langage stylistique a été formé de longues années, en grande partie non sans les idées des symbolistes de France et de Russie. Dans chaque pays, on l'appelait différemment. C'est l'Art Nouveau, l'Art Nouveau et la Sécession.
Le modernisme en peinture est représenté par les œuvres de personnalités emblématiques telles que P. Gauguin et P. Bonnard, G. Klimt et E. Munch, M. Vrubel et V. Vasnetsov.
Paul Gauguin. Deux Tahitiens 
Mikhaïl Vroubel. Séraphin à six ailes. 1904. 
Ne confondez pas peintres modernistes et artistes modernistes.
MODERNISME
Modernisme- c'est un certain agrégat différents styles, qui reposent sur l’individualité du regard de l’auteur, sur la liberté de ses pensées et de ses émotions intérieures. En général, le modernisme en peinture se positionne comme un mouvement majeur distinct qui a abandonné les traditions classiques habituelles. Les artistes ont barré leur expérience historique. Ils ont essayé de trouver un nouveau départ dans l'art, de renouveler la perception et la compréhension de la peinture dans la société.
Aux plus célèbres mouvements modernistes les styles incluent : avant-garde, primitivisme, cubisme, surréalisme, futurisme, expressionnisme et abstractionnisme. Chacun d’eux poursuit son propre objectif, fondé sur une idée ou une pensée philosophique originale.
Avant-garde est né du postmodernisme en Europe dans les années 1905-1930. Le but de ce mouvement est d’acquérir la liberté selon ses moyens. techniques artistiques. Les œuvres des artistes d'avant-garde se caractérisent par des idées et des scènes provocatrices et franches.
Kazimir Malevitch. Suprématisme. 
Primitivisme en peinture, il s'agit d'une déformation délibérée des images utilisant une méthode de simplification. Dans un sens, ce style imite les étapes primaires et primitives du développement de la peinture. L'interprétation enfantine de l'essence humaine, décrite dans les moindres détails, a rendu ce style populaire parmi les artistes autodidactes. Cependant, l’art naïf et léger, sans cadres clairs ni techniques classiques, a sérieusement influencé le travail de vénérables créateurs. Le primitivisme en peinture, dans les formes et les images, n'est en aucun cas lié au caractère primitif du contenu de l'image. Certaines petites choses jetées au hasard dans les intrigues peuvent raconter les émotions intérieures très importantes du héros sur la toile.
Niko Pirosmani. L'actrice Marguerite. 1909. 
Cubisme repose sur un déplacement des formes des images, leur déformation et leur décomposition en éléments géométriques. Le concept de peinture commença à dominer la valeur artistique. C'est ce mouvement qui a déterminé le développement de l'art pour les décennies à venir.
L. Popova. Portrait d'un philosophe. 1915. 
Surréalisme en peinture est né d'œuvres littéraires consacrées à la formation de la conscience humaine. L'idée de l'existence de l'esprit et de l'âme au-delà monde réel, l'étude de l'inconscient, ainsi que le phénomène du sommeil et les phénomènes absurdes, donnent aux artistes de nouveaux thèmes de travail. Signification principale Ce style est un détachement de la créativité consciente habituelle. Le surréalisme en peinture, ce sont des images et des sujets tirés des profondeurs de notre propre subconscient. Par conséquent, les images de ce plan sont pleines d’hallucinations bizarres.
Salvador Dalí. La persistance de la Mémoire. 1931. 
Comme le surréalisme, futurisme en peinture, il tire ses idées de la littérature. Détruire les stéréotypes et démontrer un avenir urbain, c'est cela idée principale ce style. Le mouvement rapide vers l'avenir, le désir de se débarrasser des anciennes normes, de sortir des vestiges des siècles passés et d'entrer dans un monde plus organisé et plus cohérent, est visible dans chaque œuvre des artistes de ce mouvement. Le futurisme dans les peintures des auteurs russes est quelque peu différent des peintures des adeptes européens de cette tendance. Principalement en fusionnant avec les principes du cubisme.
Umberto Boccioni. States of Soul II : ceux qui sont partis. 1911. 
Expressionnisme en peinture, c'est une protestation contre le monde. Il s’agit d’une perception interne aiguë de l’environnement, de l’aliénation d’une personne, de son effondrement spirituel. Le style est né à la veille de la guerre, il n'est donc pas surprenant que les toiles soient pleines de déformations, de colorations particulières et de dissonances vives. L’expressionnisme en peinture n’est rien d’autre que le transfert d’une émotion spécifique, une compréhension dramatique de ses expériences.
Edouard Lune. Crier. 1893. 
Abstractionnisme en peinture - un rejet complet du transfert réel d'images vise à créer des associations uniques chez le spectateur, en combinant différents formes géométriques nuances spécifiques. L'abstraction en peinture vise l'harmonie de la composition, car tout objet sous un angle différent peut avoir formes différentes et des nuances. Ce mouvement est la dernière étape de la manifestation du modernisme, l’art dit non figuratif.
Théo van Doesburg. Contre-composition V. 1924 
POSTMODERNISME
Dès le nom, il ressort clairement que le postmodernisme a remplacé le modernisme, incompréhensible pour de larges cercles et tombé entre les mains de critiques sceptiques. Il présente des caractéristiques typologiques uniques. Premièrement, le postmodernisme en peinture est la présence d’une forme toute faite. Les artistes empruntent des images aux traditions classiques, mais leur donnent une nouvelle interprétation, leur propre contexte exclusif. Il n’est pas rare que les postmodernistes combinent des formes de styles différents, ironisant sur le monde et justifiant ainsi leur caractère secondaire.
La prochaine différence importante est l’absence de règles. Ce courant ne dicte pas les critères d’expression de l’auteur. Le créateur a le droit de choisir n'importe quelle forme et mode d'exécution de son œuvre. Notez que cette liberté est devenue la base de nouveaux idées créatives et les tendances de l'art. C'est le postmodernisme en peinture qui est une condition préalable à l'émergence d'installations et de performances artistiques. Ce mouvement n'a pas de caractéristiques techniques claires et est aujourd'hui le plus important et le plus populaire sur la scène mondiale.
Paul Salvator vert doré. Le Prince Peintre. 
L'école d'art « Peinture à l'huile » aide activement les artistes débutants et amateurs à trouver leur propre style.
