Bryullov K. «Le dernier jour de Pompéi»
Avec la touche magique de son pinceau, la peinture historique, le portrait, l'aquarelle, la perspective, le paysage ont été ressuscités, pour lesquels il a donné des exemples vivants dans ses peintures. Le pinceau de l’artiste avait à peine le temps de suivre son imagination ; les images des vertus et des vices pullulaient dans sa tête, se remplaçant sans cesse, entières. événements historiques s'est développé jusqu'aux contours concrets les plus vifs.
Karl Bryullov avait 28 ans lorsqu'il a décidé de peindre le tableau grandiose « Le dernier jour de Pompéi ». L'artiste doit l'intérêt suscité pour ce sujet à son frère aîné, l'architecte Alexander Bryullov, qui l'a présenté en détail aux fouilles de 1824-1825. K. Bryullov lui-même était à Rome durant ces années, la cinquième année de sa retraite en Italie expirait. Il avait déjà à son actif plusieurs œuvres sérieuses, qui connurent un succès considérable dans le milieu artistique, mais aucune d'entre elles ne parut à l'artiste lui-même tout à fait digne de son talent. Il sentait qu'il n'avait pas encore répondu aux attentes placées en lui.
Pendant longtemps, K. Bryullov a été hanté par la conviction qu'il pouvait créer une œuvre plus significative que celles qu'il avait réalisées jusqu'à présent. Conscient de ses atouts, il voulait compléter un tableau vaste et complexe et détruire ainsi les rumeurs qui commençaient à circuler à Rome. Il était particulièrement ennuyé par le monsieur Cammuccini, considéré à cette époque comme le premier peintre italien. C'est lui qui se méfiait du talent de l'artiste russe et disait souvent : « Eh bien, ce peintre russe est capable de petites choses, mais une œuvre colossale doit être réalisée par quelqu'un de plus grand !
D’autres aussi, tout en reconnaissant le grand talent de K. Bryullov, notaient néanmoins que la frivolité et une vie distraite ne lui permettraient jamais de se concentrer sur un travail sérieux. Incité par ces conversations, Karl Bryullov était constamment à la recherche d'un complot pour grande image, ce qui glorifierait son nom. Pendant longtemps, il ne put s'attarder sur aucun des sujets qui lui venaient à l'esprit. Finalement, il s'attaqua au complot qui s'emparait de toutes ses pensées.
A cette époque, l'opéra "L" Ultimo giorno di Pompeia" de Paccini a été joué avec succès sur les scènes de nombreux théâtres italiens. Il ne fait aucun doute que Karl Bryullov l'a vu, peut-être même plus d'une fois. De plus, avec le noble A.N. Demidov (élève de chambre et cavalier de Sa Majesté l'Empereur de Russie), il a examiné Pompéi détruite, il savait par lui-même ce que forte impression Ces ruines, qui conservent des traces d'anciens chars, impressionnent le spectateur ; ces maisons semblent avoir été récemment abandonnées par leurs propriétaires ; ces édifices publics et ces temples, ces amphithéâtres, où il semble que les combats de gladiateurs se soient terminés hier ; des tombes de campagne portant les noms et titres de ceux dont les cendres sont encore conservées dans les urnes survivantes.
Tout autour, comme il y a plusieurs siècles, une végétation luxuriante recouvrait les vestiges de la malheureuse ville. Et au-dessus de tout cela se dresse le cône sombre du Vésuve, fumant de manière menaçante dans le ciel azur accueillant. À Pompéi, K. Bryullov a vivement interrogé les serviteurs qui supervisaient les fouilles depuis longtemps sur tous les détails.
Bien entendu, l’âme impressionnable et réceptive de l’artiste a répondu aux pensées et aux sentiments suscités par les vestiges de l’ancienne ville italienne. À l’un de ces moments, l’idée lui vint à l’esprit d’imaginer ces scènes sur une grande toile. Il a transmis cette idée à A.N. Demidov avec une telle ferveur qu'il a promis de fournir des fonds pour la mise en œuvre de ce plan et d'acheter à l'avance le futur tableau de K. Bryullov.
Avec amour et ferveur, K. Bryullov s'est mis à l'exécution du tableau et a très vite réalisé le premier croquis. Cependant, d’autres activités détournèrent l’artiste de la commande de Demidov et le tableau n’était pas prêt à la date limite (fin 1830). Insatisfait de telles circonstances, A.N. Demidov a presque détruit les termes de l'accord conclu entre eux, et seules les assurances de K. Bryullov selon lesquelles il se mettrait immédiatement au travail ont corrigé l'ensemble du problème. Et en effet, il s’est mis au travail avec une telle diligence que deux ans plus tard, il a achevé cette toile colossale. Le brillant artiste ne s'est pas seulement inspiré des ruines de Pompéi détruites, il s'est également inspiré de la prose classique de Pline le Jeune, qui a décrit l'éruption du Vésuve dans sa lettre à l'historien romain Tacite. 
En quête de la plus grande authenticité de l'image, Bryullov a étudié les matériaux de fouilles et les documents historiques. Structures architecturales sur la photo, il les a restaurés à partir des restes de monuments antiques ; des articles ménagers et des bijoux pour femmes ont été copiés à partir d'expositions situées au musée de Naples. Les figures et les têtes des personnages représentés ont été peintes principalement d'après nature, par les habitants de Rome. De nombreux croquis de personnages individuels, de groupes entiers et d’esquisses du tableau montrent le désir de l’auteur d’une expressivité psychologique, plastique et coloristique maximale.
Bryullov a construit l'image en épisodes séparés, à première vue sans lien les uns avec les autres. Le lien ne devient clair que lorsque le regard couvre simultanément tous les groupes, l’ensemble du tableau.
Bien avant la fin, les gens de Rome ont commencé à parler du merveilleux travail de l’artiste russe. Lorsque les portes de son atelier de la rue Saint-Claud se sont grandes ouvertes au public et que le tableau a ensuite été exposé à Milan, les Italiens ont été indescriptiblement ravis. Le nom de Karl Bryullov est immédiatement devenu célèbre dans toute la péninsule italienne, d'un bout à l'autre. Lors des rencontres dans la rue, tout le monde lui tirait son chapeau ; quand il apparaissait au théâtre, tout le monde se levait ; à la porte de la maison où il habitait, ou du restaurant où il dînait, de nombreuses personnes se rassemblaient toujours pour le saluer.
Les journaux et magazines italiens ont glorifié Karl Bryullov comme un génie égal aux plus grands peintres de tous les temps, les poètes l'ont chanté dans la poésie, à propos de son Nouvelle photo Des traités entiers ont été écrits. L'écrivain anglais W. Scott l'a qualifié d'épopée de la peinture, et Cammuccini (honte de ses déclarations précédentes) a serré K. Bryullov dans ses bras et l'a traité de colosse. Depuis la Renaissance elle-même, aucun artiste n'a fait l'objet d'un culte aussi universel en Italie que Karl Briullov.
Il présentait au regard émerveillé toutes les vertus d'un artiste impeccable, même si l'on sait depuis longtemps que même les plus grands peintres ne possédaient pas également toutes les perfections dans leur combinaison la plus heureuse. Cependant, le dessin de K. Bryullov, l'éclairage du tableau, son style artistique absolument inimitable. Le tableau «Le dernier jour de Pompéi» a fait découvrir à l'Europe le puissant pinceau russe et la nature russe, capables d'atteindre des sommets presque inaccessibles dans tous les domaines de l'art.
Qu'est-ce qui est représenté dans le tableau de Karl Bryullov ?
Au loin, le Vésuve flamboie, du fond duquel coulent des rivières de lave ardente dans toutes les directions. Leur lumière est si forte que les bâtiments les plus proches du volcan semblent déjà en feu. Un journal français notait cet effet pictural que l'artiste souhaitait obtenir et soulignait : « Un artiste ordinaire, bien sûr, ne manquerait pas de profiter de l'éruption du Vésuve pour éclairer son tableau, mais M. Bryullov a négligé ce moyen ; lui inspira une idée audacieuse, tout aussi heureuse qu'inimitable : éclairer toute la partie avant du tableau avec l'éclat rapide, minuscule et blanchâtre des éclairs, traversant l'épais nuage de cendres qui recouvrait la ville, tandis que la lumière de l’éruption, perçant à peine l’obscurité profonde, projette une pénombre rougeâtre à l’arrière-plan.
En effet, la palette de couleurs principale choisie par K. Bryullov pour sa peinture était extrêmement audacieuse pour l'époque. C'était le gamma du spectre, construit sur le bleu, le rouge et fleurs jaunes, éclairé par une lumière blanche. Le vert, le rose, le bleu se retrouvent comme tons intermédiaires.
Ayant décidé de peindre une grande toile, K. Bryullov a choisi l'une des manières les plus difficiles de la peindre. construction compositionnelle, à savoir lumière-ombre et spatial. Cela obligeait l'artiste à calculer avec précision l'effet de la peinture à distance et à déterminer mathématiquement l'incidence de la lumière. Et pour créer l’impression d’un espace profond, il a dû accorder la plus grande attention à la perspective aérienne.
Au centre de la toile se trouve une figure prostrée jeune femme assassinée comme si c'était avec cela que K. Bryullov voulait symboliser les mourants ancien monde(une allusion à une telle interprétation a déjà été trouvée dans les critiques des contemporains). Cette famille noble partait sur un char, espérant s'échapper par une fuite précipitée. Mais hélas, il est trop tard : la mort les a rattrapés en chemin. Les chevaux effrayés secouent les rênes, les rênes se brisent, l'essieu du char se brise et la femme assise dessus tombe à terre et meurt. A côté de la malheureuse se trouvent divers bijoux et objets précieux qu'elle a emportés avec elle pour dernière voie. Et les chevaux débridés portent son mari plus loin - également vers une mort certaine, et il essaie en vain de rester dans le char. Un enfant tend la main vers le corps sans vie de sa mère...
Le propriétaire du tableau, A.N. Demidov était ravi du succès retentissant du « Dernier jour de Pompéi » et souhaitait certainement montrer le tableau à Paris. Grâce à ses efforts, il fut exposé au Salon d’Art de 1834, mais avant cela, les Français avaient entendu parler du succès exceptionnel du tableau de K. Bryullov auprès des Italiens. Mais une situation complètement différente régnait Peinture française années 1830, elle fut le théâtre d'une lutte acharnée entre divers directions artistiques, et c’est pourquoi le travail de K. Bryullov a été accueilli sans l’enthousiasme qui lui est arrivé en Italie. Malgré le fait que les critiques de la presse française n'aient pas été très favorables à l'artiste, l'Académie française des arts a décerné à Karl Bryullov une médaille d'or honorifique.
Le véritable triomphe attendait K. Bryullov chez lui. Le tableau a été importé en Russie en juillet 1834 et est immédiatement devenu un sujet de fierté patriotique et est devenu le centre d'attention de la société russe. De nombreuses reproductions gravées et lithographiques du « Dernier jour de Pompéi » ont fait connaître K. Bryullov bien au-delà de la capitale. Les meilleurs représentants de la culture russe ont accueilli avec enthousiasme le célèbre tableau : A.S. Pouchkine a traduit son intrigue en poésie, N.V. Gogol a qualifié le tableau de « création universelle », dans laquelle tout est « si puissant, si audacieux, si harmonieusement combiné en un seul, dès qu'il pourrait surgir dans la tête d'un génie universel ». Mais même ces propres éloges semblaient insuffisants à l'écrivain, et il a qualifié le tableau de « la brillante résurrection de la peinture. Il (K. Bryullov) essaie de saisir la nature avec une gigantesque étreinte. »
Evgeny Baratynsky a dédié les lignes suivantes à Karl Bryullov :
Il a apporté le butin de la paix
Emmène-le avec toi dans la verrière de ton père.
Et il y eut le "Dernier Jour de Pompéi"
Premier jour pour le pinceau russe.
"Cent grands tableaux" de N.A. Ionin, Maison d'édition Veche, 2002
Histoires de chefs-d'œuvre
L'artiste russe Karl Bryullov était sans aucun doute très respecté pour son talent bien avant la création de ce chef-d'œuvre. Néanmoins, c'est « Le dernier jour de Pompéi » qui a valu à Bryullov, sans exagération, une renommée mondiale. Pourquoi l’image de la catastrophe a-t-elle eu un tel impact sur le public et quels secrets cache-t-elle encore aujourd’hui aux téléspectateurs ?
Pourquoi Pompéi ?
À la fin du mois d'août 79 après JC, à la suite de l'éruption du Vésuve, les villes de Pompéi, Herculanum, Stabiae et de nombreux petits villages sont devenus les tombes de plusieurs milliers d'habitants locaux. Les véritables fouilles archéologiques des zones tombées dans l'oubli n'ont commencé qu'en 1748, soit 51 ans avant la naissance de Karl Bryullov lui-même. Il est clair que les archéologues ont travaillé non seulement pendant une journée, mais pendant plusieurs décennies. Grâce à cette circonstance, l'artiste a pu visiter personnellement les fouilles et se promener dans les anciennes rues romaines déjà débarrassées de la lave solidifiée. De plus, à ce moment-là, Pompéi s'est avérée être la plus dégagée.
La comtesse Yulia Samoilova, pour qui Karl Pavlovich avait des sentiments chaleureux, s'y promenait également avec Bryullov. Plus tard, elle jouera un rôle énorme dans la création du chef-d’œuvre de son amant, et plus d’un. Bryullov et Samoilova ont eu l'occasion de voir les bâtiments ville antique, articles ménagers restaurés, restes des morts. Tout cela a laissé une empreinte profonde et vivante sur la nature délicate de l’artiste. C'était en 1827.
Disparition de personnages
Impressionné, Bryullov s'est presque immédiatement mis au travail, et très sérieusement et minutieusement. Il a visité plus d'une fois les environs du Vésuve, réalisant des croquis pour la future toile. En outre, l'artiste s'est familiarisé avec des manuscrits qui ont survécu jusqu'à ce jour, notamment des lettres d'un témoin oculaire de la catastrophe, l'ancien homme politique et écrivain romain Pline le Jeune, dont l'oncle Pline l'Ancien est mort dans l'éruption. Bien entendu, un tel travail demandait beaucoup de temps. Par conséquent, la préparation à l’écriture du chef-d’œuvre a pris à Bryullov plus de 5 ans. La toile elle-même, d'une superficie de plus de 30 mètres carrés, il a créé en moins d'un an. L'artiste était parfois incapable de marcher à cause de l'épuisement ; il était littéralement transporté hors de l'atelier. Mais même avec une préparation aussi minutieuse et un travail acharné sur le chef-d'œuvre, Bryullov a continué à modifier le plan original à un degré ou à un autre. Par exemple, il n’a pas utilisé le croquis d’un voleur prenant les bijoux d’une femme tombée au combat.
Mêmes visages
L'un des principaux mystères que l'on peut trouver dans la toile est la présence de plusieurs visages féminins identiques dans l'image. Il s'agit d'une fille avec une cruche sur la tête, d'une femme allongée par terre avec un enfant, ainsi que d'une mère serrant ses filles dans ses bras et d'une personne avec son mari et ses enfants. Pourquoi Bryullov les a-t-il dessinés de manière si semblable ? Le fait est que tous ces personnages ont servi de modèle à la même dame - la même comtesse Samoilova. Malgré le fait que l'artiste ait dessiné d'autres personnes parmi les résidents ordinaires d'Italie, apparemment Samoilov Bryullov, submergé par certains sentiments, aimait simplement peindre.
De plus, dans la foule représentée sur la toile, on retrouve le peintre lui-même. Il se présentait tel qu'il était, un artiste avec une boîte remplie de matériel de dessin sur la tête. Cette méthode, comme une sorte d'autographe, a été utilisée par de nombreux maîtres italiens. Et Bryullov a passé de nombreuses années en Italie et c'est là qu'il a étudié l'art de la peinture.
Chrétien et païen
Parmi les personnages du chef-d'œuvre, il y a aussi un adepte la foi chrétienne, facilement reconnaissable à la croix sur sa poitrine. Une mère et ses deux filles se blottissent près de lui, comme pour chercher la protection du vieil homme. Cependant, Bryullov a également peint un prêtre païen qui s'enfuit rapidement, sans prêter attention aux habitants effrayés. Sans aucun doute, le christianisme a été persécuté à cette époque et on ne sait pas avec certitude si l'un des adeptes de cette foi aurait pu se trouver à Pompéi à cette époque. Mais Bryullov, essayant d'adhérer à l'exactitude documentaire des événements, a également introduit un sens caché dans son œuvre. Par l’intermédiaire du clergé susmentionné, il montra non seulement le cataclysme lui-même, mais aussi la disparition de l’ancien et la naissance du nouveau.
De son vivant, on l'appelait « Le Grand Karl » ; il était la fierté et la gloire de l'Académie russe des Arts, qui l'a honoré de toutes les récompenses académiques au cours de ses années d'études. Le jour de la remise des diplômes à l'Académie, Karl Pavlovich Bryullov a retiré toute une poignée de médailles depuis la salle de réunion. Pour le public, il incarnait le mythe d'un génie, brillant, capricieux, sûr de lui et inaccessible par ses compétences, son éducation, ses relations sociales, histoires d'amour et faire la fête. L'une des légendes sur Brioullov se reflète dans le dessin de Repin «Pouchkine et Karl Brioullov», qui représente Pouchkine à genoux suppliant le Grand Karl de lui faire un dessin.
Karl Pavlovich Bryullov est né et a grandi dans une famille d'artistes héréditaires (son arrière-grand-père travaillait comme modeleur dans une usine de porcelaine, son grand-père était sculpteur, son père était académicien de sculpture ornementale, son frère Alexandre était architecte) . Son célèbre talent s'est manifesté exceptionnellement très tôt. Alors qu'il étudiait encore à l'Académie, Bryullov en est devenu la star.
En 1821, Bryullov est diplômé de l'Académie avec une Grande Médaille d'Or et en 1822 il part pour Rome avec l'argent de la Société pour l'Encouragement des Artistes. Ici, il crée la meilleure œuvre de sa vie - le célèbre "" (1830-1833).
À cette époque, le romantisme en Russie passait par les étapes du « portrait » et du « paysage », et l'art russe « mûrissait » pour créer un grand tableau historique et philosophique. Le thème d'une telle image n'est pas le sort d'un figure historique et pas même le sort du peuple, mais le sort de toute l'humanité.
L'intrigue de la toile Brioullov- l'ancienne ville de l'Empire romain, Pompéi, effacée de la surface de la terre lors de l'éruption du Vésuve au premier siècle après JC. Environ deux mille personnes sont mortes dans cette catastrophe. Le choix du sujet a peut-être été suggéré par le frère de l’artiste, l’architecte Alexandre Briullov, à l’origine du célèbre projet de reconstruction des thermes de Pompéi. L'impulsion pour la formation de l'idée du film était l'opéra "" de Pacini.
Il est intéressant de noter que le tableau n'a pas été peint selon les instructions de l'Académie, mais selon un complot librement choisi ; non pas par ordre officiel, mais par ordre d'une personne privée, le prince A.N. Demidova.
La peinture de Bryullov, avec une précision historique et archéologique nouvelle pour l'époque, représentait période historique, zone géographique, style vestimentaire, armes. AVEC milieu du XVIIIe siècle des siècles, des fouilles ont été effectuées dans les villes d'Herculanum et de Pompéi, recouvertes des cendres du Vésuve, ce qui a suscité un grand intérêt dans la société. L'artiste Karl Bryullov a utilisé les découvertes archéologiques dans son travail. Emplacement Brioullov représentait la rue des Tombeaux, la mieux conservée de la ville, détruite par le temps. Même les squelettes de trois femmes reliées les unes aux autres, trouvés lors des fouilles, il les a représentés sur la photo comme un groupe relié entre eux - une mère avec deux filles.
Pendant environ six ans, l'artiste a soigneusement étudié les sources historiques et les documents liés à la tragédie de Pompéi, lu des lettres de l'ancien Romain politicien Pline le Jeune à l'historien de l'Empire romain Tacite, vie, coutumes et traditions de l'Italie antique. Mais les faits documentaires et l’exactitude, en tant que fondement de l’image, n’emprisonnent pas l’imagination et l’imagination de Bryullov, son génie ne devient pas prisonnier des détails archéologiques et historiques. L'essentiel est qu'une personne soit confrontée à la mort, ce qui l'expose qualités morales. Amour et noblesse : voici la mère de Pline, convainquant son fils de la quitter et de ne pas s’encombrer ; voici le marié avec la mariée morte dans ses bras. Ou une peur animale qui consume le respect de soi de la personne humaine.
En travaillant sur cette œuvre, Bryullov s'est inspiré des œuvres monumentales des titans de la Renaissance Raphaël et Michel-Ange. Il a copié " école d'Athènes " et étudié " Incendie à Borgo» Raphaël. Bryullov répète la technique des maîtres de la Renaissance, qui incluaient leurs autoportraits et les portraits de leurs contemporains dans des toiles sur des sujets historiques bibliques. Il y a des visages portraits dans " Dernier jour Pompéi" : portrait de lui-même Brioullov et son amie - la comtesse Yulia Samoilova. Alexandre Ivanov écrivait avec fierté pour l'école de peinture russe que Bryullov prouvait avec son tableau : « les Russes sont destinés à améliorer ce que les grands peintres italiens ont inventé ».
Après le spectacle de gala " Pompéi« Lors d'expositions d'art européennes, le brillant Karl Pavlovich Bryullov, après avoir connu le succès, est retourné en Russie et a été accueilli comme un héros qui a glorifié la patrie.
Après " Pompéi» Brioullov recherche de nouveaux sujets historiques dramatiques. Il peint un tableau "" (1834)
basé sur l'intrigue du poète Camões du XVIe siècle, il développe une esquisse d'un tableau intitulé « ».
L'intrigue est inspirée de l'article de N.V. Gogol « Sur le mouvement des peuples à la fin du Ve siècle ». À propos du chef des Huns, Genseric (dans le croquis de Bryullov, il est représenté sur un cheval avec une peau de tigre sur son armure). Bryullov n'a pas osé créer une grande toile basée sur ce croquis. Il n'était plus possible de répéter le succès de Pompéi.
L'exceptionnel Bryullov est très diversifié dans ses passe-temps de genre. Il n'y a aucune barrière pour qu'il écrive ses œuvres inestimables, qu'il s'agisse de drames historiques ou de scènes de genre, de portraits ou de peintures de style « NU ». Peintures de genre écrites en Italie - "", " Midi», « Ancien"", "", "" - élégant et festif.
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Toile, huile |
1827. Huile sur toile |
Pifferari devant l'image de la Madone. 1825. Huile sur toile |
Ici, Bryullov crée une sensation vivante d'air et de soleil. La couleur dans ses œuvres reste locale. La disposition des taches de couleur est subordonnée à des fins décoratives.
"," "" - une synthèse de la dure vérité de la vie et de la beauté idéale. Il peint la beauté du corps féminin, mais avec toutes les formes sculpturales, la beauté n'est pas froide, mais vivante, chaleureuse.
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Toile, huile |
Entre 1839 et 1845. Croquis. Toile, huile. 52,5x67,1 |
Toile, huile. 146,1x124,1 |
L’effet « signature » de la peinture de Bryullov, sujet d’imitation et d’envie de ses épigones, est une lueur intérieure étonnamment douce, inspirée des marbres antiques, qui fait la gloire des œuvres de ces artistes. Les nus de Briullov sur des sujets mythologiques dans l'esprit du romantisme sont colorés du piment de l'exotisme oriental : la beauté blanche comme neige de Bethsabée et Junon est mise en valeur par les corps à la peau sombre des femmes mulâtres.
Comme beaucoup de romantiques créatifs, Bryullov aimait l'exotisme de l'Orient. En 1835, il visita la Turquie. Après ce voyage, des thèmes orientaux apparaissent dans son œuvre : des œuvres basées sur « Fontaine de Bakhchisaraï"Pouchkine, poèmes de Joukovski" Peri et l'ange», « Turc" Les costumes orientaux fantaisistes permettent aux talents décoratifs de s'épanouir Brioullov.
Dans l'œuvre de Briullov, en tant que peintre historique, on peut voir une remarquable collection de ses portraits à différentes époques. Le plus célèbre d’entre eux est peut-être le fameux « Cavalier"(portrait de Giovanina et Amazilia Pacini - élèves de la comtesse Yu.P. Samoilova).
En créant sa propre version d'un tableau d'apparat - un portrait, il s'est inspiré des classiques de ce genre - des portraits d'apparat à l'expressivité accrocheuse et à la solennité du maître hollandais devenu portraitiste à la cour anglaise du XVIIe siècle, Van Dyck. Le portrait d'apparat contient des nuances de la vie quotidienne. Le portrait des Bryullov semblait rempli de mouvements, de motifs et de sons vitaux : les chiens aboient, il semble que l'écho du piétinement des pieds des enfants dans les couloirs résonnants du palais puisse encore être entendu. Le cheval est chaud, mais la cavalière elle-même est assise immobile, comme sur un piédestal, sur son large dos. Avec une grande habileté Brioullovécrit le foulard de gaze émeraude flottant du cavalier sur le fond de verdure sombre du parc (vert sur vert). Le portrait absorbait un sentiment jubilatoire de joie face à la richesse festive et à la diversité de la vie.
Dans les portraits des années 1840, la caractérisation d'une personne devient plus profonde et plus individuelle, les nuances de sentiments et d'états psychologiques se diversifient. Portrait de cérémonie- l'image passe au second plan. Les héros actuels de Bryullov sont la noble intelligentsia après la défaite du soulèvement décembriste, une époque où beaucoup préféraient partir à l'étranger ou dans leurs domaines, mais pas vivre dans la capitale, ne pas servir à la cour de Nicolas Ier. passifs, faibles de volonté, ils connaissent le sentiment de dévastation intérieure . L'œuvre de portrait du maître des années 1840 est pleine des humeurs de Lermontov : « feu dans le sang » et « froid secret » de l'âme, mort dans l'inaction des forces intellectuelles et spirituelles de la Russie, mélancolie des « gens superflus » connus de l'époque. histoire de la littérature russe et cours de littérature scolaire.
Par rapport à ses prédécesseurs (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Kiprensky), une nouveauté apparaît dans les portraits de Bryullov : la réflexion. Dans la pensée créative de Karl Pavlovich se trouvent les origines de la description du portrait psychologique de la personnalité de la seconde moitié. XIXème siècle, portrait de Perov, Kramskoy, Ge, Repin. L’une des meilleures œuvres de la maturité de Bryullov est « », un ami de l’artiste, traducteur de Goethe en russe.
C'est lui qui a reçu M.I. Le roman de Glinka " Alouette" Péniblement - visage pâle et maigre, feu des yeux éteint, lèvres douces et molles, doigts fins et nerveux - devant nous se trouve une personne intelligente, sensible, mais profondément fatiguée et dévastée.
Près de lui d'humeur émotive et " Autoportrait", écrit très rapidement et sommairement par Bryullov pendant un court répit pendant sa maladie. Un visage pâle, épuisé par la maladie et les pensées, est encadré d'un halo de cheveux dorés, la main droite est baissée. Un lion blessé qui a perdu sa force, mais qui n'a pas perdu sa grandeur.
L'un des derniers portraits de l'artiste est "".
Dans le portrait, il a soixante-douze ans. L'archéologue et orientaliste regarde le portrait avec vigilance et recueillement, la vie de son intellect le rend beau.
Bryullov a passé les dernières années de sa vie sur l'île de Madère et à Rome. Il mourut à Rome et y fut enterré au cimetière de Monte Testaccio. Exalté et déifié de son vivant, Brioullov fut soumis à de sévères critiques après sa mort et fut brutalement renversé de son piédestal par la génération des années 1860.
Art seconde moitié du 19ème siècle siècle se détournera de Karl Bryullov, ses toiles s'appelleront V.V. Stasov vide, crépitant, faux. Élevé par N.S. Leskov, sous le nom de Phebufis, dans le roman « Les poupées du diable », Bryullov est représenté comme un homme doué, mais une fleur vide, belle mais froide. Et à l'écrivain et critique D.V. Grigorovitch considérait Bryullov comme un personnage caricatural - un petit homme gros aux jambes courtes avec un ventre saillant. Il y aura un débat très animé autour du nom de Bryullov. Et l’autorité et le courage d’I.E. seront nécessaires. Repin, pour qu'à la fin du XIXe siècle, dans ses articles et lettres, il rende hommage au talent de Briullov et réhabilite l'art du Grand Charles.
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Toile, huile. |
1830. Huile sur toile. |
Toile, huile. 102,3x86,2 |
K. Brioullov. Autoportrait. (le romantisme)
Né dans la famille d'un artiste, académicien et professeur à l'Académie des Arts. Déjà dans son enfance, son père travaillait beaucoup avec lui, ce qui ne pouvait que laisser une empreinte sur son travail. Dans ses œuvres, il suivait généralement le style du classicisme (un style artistique traduit du latin par « exemplaire », prenant comme idéal les traditions de l'Antiquité et de la Renaissance. Le classicisme exalte l'héroïque, la haute citoyenneté, le sens du devoir, condamne les vices. .), qu’il introduit avec persistance dans ses murs de l’Académie des Arts. Cependant, comme nous le verrons, les tendances n’ont pas non plus laissé Bryullov indifférent. Il est brillamment diplômé de l'Académie, reçoit une Grande Médaille d'Or, puis se perfectionne en Italie, où il obtient rapidement une reconnaissance européenne. Les sujets de plusieurs de ses peintures sont inspirés de motifs italiens. Bryullov possède des toiles sur des thèmes historiques et mythologiques et sur des sujets quotidiens. Il a également peint des illustrations pour travaux littéraires et beaucoup de portraits.
Le dernier jour de Pompéi (1833)
Le tableau recrée la mort de l'ancienne ville de Pompéi lors de l'éruption du Vésuve en 79 après JC. Il s'agit d'une immense toile de 4,5 mètres de haut et 6,5 mètres de long.
Le fond de paysage le plus complexe et la composition à plusieurs figures nécessitaient une énergie physique et créative intense. Le succès du tableau s'explique par le drame orageux de la scène, l'éclat et la luminosité des couleurs, l'ampleur de la composition, la clarté sculpturale et l'expressivité des formes.
Le Vésuve a ouvert la bouche - de la fumée s'est répandue, un nuage de flammes
Largement développé comme un drapeau de bataille,
La terre est agitée - à cause des colonnes qui se balancent
Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur
Sous la pluie de pierres, sous les cendres enflammées,
Les foules, jeunes et vieux, quittent la ville en courant.
L'essentiel est ce que le peintre a montré de manière convaincante : même les forces les plus impitoyables et les plus inévitables ne sont pas capables de détruire une personne chez une personne. En regardant l'image, vous remarquez que même au moment de la mort, chacun des personnages représentés ne cherche pas tant le salut pour lui-même, mais s'efforce avant tout de sauver ses personnes proches et chères. Ainsi, l'homme au centre du tableau, étendant la paume ouverte de sa main gauche vers le ciel menaçant, ne se protège pas lui-même des chutes de pierres, mais sa femme, qu'il a recouverte de son manteau. La femme, penchée et penchée de tout son corps en avant, essaie de couvrir les enfants de son corps.
Voici des enfants adultes qui tentent de sortir leur vieux père du feu. Ici, la mère convainc son fils de la quitter et de se sauver. Et voici le marié avec la mariée morte dans ses bras.
Bien sûr, tous les gens ne sont pas également fidèles et décents. L'image contient à la fois la peur bestiale, obligeant le cavalier à cheval à se sauver rapidement, et l'avidité insatiable avec laquelle le prêtre s'approprie les trésors de l'église, profitant de la panique générale. Mais ils ne sont pas nombreux.
Pourtant, la noblesse et l’amour prédominent dans le tableau.
L'œuvre de Bryullov porte une nette empreinte de l'influence du romantisme. Cela se voit à la fois dans le choix du thème et dans la coloration fougueuse du tableau. Mais d'un autre côté, on peut aussi voir ici l'influence du classicisme, auquel Bryullov a toujours été fidèle - les figures des personnages rappellent beaucoup les sculptures antiques parfaites. Peu d’œuvres d’art ont connu le triomphe qu’a connu la création de Bryullov.
Célèbre écrivain anglais Walter Scott a passé deux heures à proximité du tableau et a évalué la création du maître russe comme une épopée historique. Quand l'auteur est intervenu pays natal, il a déjà été chaleureusement célébré à Odessa (il est arrivé par la mer), et surtout avec enthousiasme à Moscou. C'est sur le « trône maternel » que l'artiste a été accueilli avec les strophes poétiques d'E.A. Baratynsky :
Vous avez apporté des trophées de la paix
Avec toi jusqu'au dais de ton père,
Et est devenu « Le dernier jour de Pompéi »
Premier jour pour le pinceau russe !
Autoportrait (1848)
Cet autoportrait est considéré comme l’un des meilleurs de la peinture mondiale. L'artiste y transmet l'ambiance qui l'habitait à la fin de sa vie. Bryullov était alors gravement malade. Le maître se représente allongé sur une chaise. L'oreiller rouge sur lequel repose la tête avec lassitude souligne la pâleur maladive du visage. La main du bras émacié, descendue impuissante de l'accoudoir, renforce le motif de souffrance physique. Cependant, on estime que l’angoisse mentale s’ajoute à la souffrance physique. Le regard des yeux enfoncés et fatigués en parle de manière expressive. Ce chef-d'œuvre a été écrit en seulement deux heures.
Portrait de Yulia Samoilova avec son élève
Ce tableau constitue l’apogée de l’œuvre de Briullov en tant que portraitiste. C'est une manifestation triomphale de la beauté et de la force spirituelle d'une personnalité indépendante, brillante et libre. Bryullov et Yulia Samoilova s'aimaient. Ils se sont rencontrés à Rome et leur amour a été facilité par la généreuse nature italienne. L'artiste l'a représentée avec son élève sortant du salon de la maison : impétueuse, impétueuse, d'une beauté éblouissante, captivante par sa jeunesse parfumée et sa passion pour la nature. L'artiste Kiprensky a dit qu'on peut si bien créer le portrait d'une femme que l'on admire non seulement sans cesse, mais que l'on aime passionnément et follement...
Le deuxième titre du tableau est « Mascarade ». C'est l'idée principale de l'artiste.
Là, au fond de la salle, se déroule une mascarade. Mais dans le monde du mensonge, Samoilova, pleine de dignité humaine, jette avec dédain son masque et montre fièrement son visage ouvert. Elle est sincère. Elle ne cache pas son amour pour l'artiste, condamné lors de ce bal, et son attitude envers la société, qu'elle et sa nièce quittent avec défi.
Et là, au fond de la salle, la foule masquée continue de s'amuser, il y a des représentants de la haute société qui ont l'habitude de dire une chose, d'en faire une autre et de penser autre chose. Il existe là-bas une société complètement fausse, avec laquelle Bryullov ne coïncidait si souvent pas avec ses opinions. Samoilova a joué un rôle énorme dans la vie de l'artiste - elle l'a soutenu financièrement et spirituellement dans les moments difficiles de la vie de Bryullov.
Fontaine Bakhchisaraï (1849)
Peinture-illustration du poème du même nom de Pouchkine. Il a représenté les « épouses timides » de Khan Girey dans le jardin au bord de la piscine, observant les mouvements des poissons dans l'eau. Un eunuque les surveille. Avec intérêt et plaisir, l'artiste transmet l'exotisme de l'Orient : costumes orientaux fantaisistes, luxe luxuriant de la nature - tout cela donne au tableau une qualité décorative festive. Il n'y a aucun drame dans le film. comme dans un poème. L'ambiance idyllique en fait une illustration pittoresque pour les poèmes :
Attendant négligemment le khan,
Autour d'une fontaine ludique
Sur des tapis de soie
Ils étaient assis dans une foule de gambades
Et avec une joie enfantine ils regardèrent,
Comme un poisson dans les profondeurs claires
J'ai marché sur le fond de marbre.
Exprès pour elle au fond des autres
Ils ont laissé tomber des boucles d'oreilles en or.
Après-midi italien (1827)
Le modèle de ce tableau était un roturier romain - une personne rondelette au visage rond qu'il représentait en train de cueillir des raisins. Debout dans l'escalier, elle tient dans sa main gauche une corbeille de raisins, et main droite s'apprête à cueillir une grappe de raisin, mais admire les jeux de lumière dans les baies remplies d'ambre. L'artiste l'a trouvée en train de faire ça. Le généreux soleil italien brille à travers le feuillage vert, brûle d'or dans les fruits des raisins, éclaire d'une flamme vive la cape violette jetée sur main gauche d'une jeune femme, le rougissement de ses joues, la courbe de ses lèvres écarlates, perce son buste luxuriant, exposé par un chemisier glissant de son épaule. « Midi italien » est une femme mûre et épanouie, à la hauteur des fruits mûrs et juteux nourris par le soleil italien. Une explosion de lumière et de couleurs, une distribution de visages typiquement italienne et méridionale qui n'exige pas de montrer l'environnement pour mettre en valeur la scène.
Portrait des sœurs Shishmarev (1839)
Un portrait de cérémonie des filles du célèbre amateur de théâtre et artiste Shishmarev. Le portrait est peint sous la forme d'un tableau de genre, les sœurs sont représentées descendant les escaliers de marbre menant au jardin. Un chien se précipite vivement à leurs pieds. En bas, un serviteur éthiopien tient les chevaux arabes. Les mouvements des « Amazones » sont fluides et beaux. Leurs costumes sont exquis. La couleur des vêtements bleus, pourpres et noirs est profonde et riche.
Bethsabée (1832)
L'image est basée sur une histoire biblique. Bethsabée est l'épouse d'Urie, ami du roi David. David tua Urie et fit de Bethsabée sa femme. Elle lui donna un fils, le futur roi Salomon, célèbre pour sa sagesse. L'artiste a combiné la beauté idéale avec la vérité de la vie dans l'image. Il peint la beauté du corps féminin, mais avec toutes les formes sculpturales qui rappellent le classicisme, cette beauté n'est pas froide, mais vivante, chaleureuse. L'intrigue mythologique dans l'esprit du romantisme est colorée du piment de l'exotisme oriental : la beauté blanche comme neige de Bethsabée est mise en valeur par le corps à la peau foncée d'une femme noire.
Fille cueillant des raisins.
Le tableau a été peint en 1827. C'est une scène de la vie rurale, vue dans l'une des villes italiennes. Bryullov en a fait un élégant ballet.
La jeune paysanne, telle une danseuse gracieuse, se dressait sur la pointe des pieds et écartait ses bras flexibles, effleurant à peine la vigne aux grappes de raisins noirs. La musicalité de sa pose souligne le côté moulant jambes fines robe légère - chiton. Un fil de corail met en valeur un cou élancé et un visage vermeil encadré de cheveux bruns bouclés.
Une autre fille, librement allongée sur les marches de la maison. fait tinter les cloches du tambourin et regarde coquettement le spectateur.
DANS entreprise amusante intervient un petit frère en chemise courte, sorte d'Amour bacchanalien qui porte une bouteille de vin.
La bonne aventure Svetlana
La veille de Noël, les filles prédisent l'avenir de leur fiancée. Alors Svetlana, en se regardant dans le miroir, se demande. C'est une fille du peuple - en kokoshnik, en robe d'été, avec des perles sur la poitrine. L'artiste, bien sûr, a grandement embelli le portrait - les filles du peuple ne s'habillent pas comme ça. Svetlana se regarde dans le miroir et murmure quelques sorts. La jeune fille prononce les mots magiques avec passion, les yeux suppliants fixés sur son visage, comme si elle attendait que son souhait se réalise. Une bougie allumée se trouve à proximité, illuminant le visage de la jeune fille.
Portrait de N. N. Gontcharova. 1832
C’est le seul portrait de l’épouse de Pouchkine réalisé du vivant du poète. Il s’agit d’un véritable chef-d’œuvre de l’aquarelle russe.
L'artiste ne s'attarde pas sur le personnage de la demoiselle. Il est entièrement influencé par la beauté et le charme de la jeunesse. Dès lors, toute l’attention du spectateur est portée sur sa jeunesse, la douceur de son visage presque enfantin et sa toilette élégante. Elle n'avait que 18 ans.
Dans le portrait, la belle Natalie a des boucles d'oreilles avec des diamants coûteux aux oreilles. Le pauvre Pouchkine les a empruntés à son ami Piotr Meshchersky pour un bal pour sa femme bien-aimée. Lorsque le poète les vit sur sa femme, il insista pour que Bryullov fasse un portrait portant ces boucles d'oreilles. Il faut dire que, selon la légende, ces diamants n'étaient pas des diamants ordinaires, mais des « diamants Shirin » - ils sont classés comme pierres précieuses historiques « fatales ». On le croyait. qu'ils ne peuvent pas être portés par des femmes n'appartenant pas à la famille Meshchersky.
En regardant ce portrait de Briullov, on rappelle involontairement des vers du poème de Pouchkine dédié à son épouse bien-aimée :
Dans mon coin simple, au milieu de lents travaux,
Je voulais être pour toujours spectateur d'une image,
Un : pour que depuis la toile, comme depuis les nuages,
Le Très Pur et notre divin sauveur...
Mes souhaits se sont réalisés. Créateur
Il t'a envoyé vers moi, toi, ma Madona,
L’exemple le plus pur de pure beauté.
Portrait jumelé d'E. Mussard et E. Mussard (1849), aquarelle
Sur les conseils des médecins, Bryullov partit en 1849 pour l'île de Madère, où il resta environ un an. C'est ici, au milieu d'une petite colonie de Russes, que l'artiste rencontre le beau couple Mussard. Evgeniy Ivanovich Mussard était le secrétaire du duc Maximilien de Lichtenberg et de son épouse Grande-Duchesse Maria Nikolaïevna. L'artiste entreprit de peindre un portrait des Moussards. Portrait équestre, cérémonial. Bryullov aimait peindre de tels portraits. Et bien qu'il s'agisse d'une aquarelle, l'artiste a réussi à transmettre magistralement la texture des vêtements et la beauté des accessoires. Mais leur éclat ne vous empêche pas d'admirer en balade le beau couple Mussard et le regard de leurs magnifiques chevaux.
Mort d'Inessa de Castro (1834)
Nous avons devant nous un drame de la vie du roi castillan Alphonse IV du Portugal. La dame de la cour de l'épouse du fils du roi, Don Pedro Inessa, a captivé par sa beauté l'enfant qui, après la mort de sa femme, l'a secrètement épousée, car... le père avait une autre candidate pour épouse pour son fils. Les conseillers du roi découvrent le secret de son fils et le révèlent à Alphonse.
Don Pedro refusa d'épouser le prétendant de son père. Puis, par décision du Conseil Royal, il fut décidé de tuer Inessa. Après avoir attendu le moment où Don Pedro partait à la chasse, le roi et ses conseillers se rendirent chez Inessa. Lorsqu’Inessa réalisa ce qui les attendait, elle se jeta aux pieds du roi. La malheureuse sanglotait, implorant sa vie. Au début, le roi eut pitié de la jeune femme, mais ses conseillers la persuadèrent de ne pas succomber à une pitié inutile et tuèrent la mère de deux enfants.
Don Pedro n'a pas pardonné une telle trahison à son père et après sa mort, il a trouvé les assassins directs et les a exécutés. L'artiste a réussi à transmettre les sentiments d'une mère implorant passionnément ses assassins. Le roi et ses serviteurs sont représentés dans des couleurs sombres et sombres ; les figures d'Inessa et des enfants ressortent comme un point lumineux. Et encore, dans la représentation d'une femme, Bryullov reste fidèle au classicisme, et dans le choix du thème, dans la représentation de la passion, il penche vers le romantisme.
Cavalière (1823)
Peut-être le plus portrait célèbre Les pinceaux de Bryullov. Devant nous se trouvent les élèves de la comtesse Samoilova - Giovanna et Amazilia Pacini. Il s'agit d'un portrait-photo de cérémonie : la jeune beauté Giovanna en forme d'Amazone a retenu son cheval devant la véranda de la maison, des chiens et une petite fille ont couru à sa rencontre, elle regarde sa sœur avec admiration et adoration. Le portrait semble rempli de mouvements et de sons : les chiens aboient, il semble que l’écho du piétinement des enfants dans les couloirs résonnants du palais se fasse encore entendre. Le cheval a chaud, mais la cavalière elle-même est assise calmement sur son large dos. Avec une grande habileté, Bryullov peint l'écharpe de gaze émeraude flottante du cavalier sur fond de verdure sombre du parc - vert sur vert. La fête sera empreinte d'un joyeux sentiment d'admiration pour la richesse festive et la diversité de la vie.
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Une ancienne tragédie romaine qui devint le triomphe de Karl Bryullov
Le 23 décembre 1799, Karl Bryullov est né. Fils du sculpteur d'origine française Paul Brulleau, Karl était l'un des sept enfants de la famille. Ses frères Pavel, Ivan et Fedor sont également devenus peintres et son frère Alexandre est devenu architecte. Cependant, le plus célèbre fut Karl, qui peignit « Le dernier jour de Pompéi » en 1833, l’œuvre principale de sa vie. « Kultura.RF » s'est rappelé comment ce tableau a été créé.
Karl Brioullov. Autoportrait. 1836
Histoire de la création
Le tableau a été peint en Italie, où en 1822 l'artiste partit pour un voyage de retraite de quatre ans de l'Académie impériale des arts. Mais il y a vécu 13 ans.
L'intrigue raconte l'ancienne tragédie romaine - la mort de l'ancienne ville de Pompéi, située au pied du Vésuve : le 24 août 79 après JC. e. L'éruption volcanique a coûté la vie à deux mille habitants.
En 1748, l'ingénieur militaire Rocque de Alcubierre entreprend des fouilles archéologiques sur le lieu du drame. La découverte de Pompéi est devenue une sensation et s'est reflétée dans la créativité personnes différentes. Ainsi, en 1825 parut l'opéra de Giovanni Pacini, et en 1834 - Roman historique L'Anglais Edward Bulwer-Lytton, dédié à la destruction de Pompéi.
Bryullov a visité le site de fouilles pour la première fois en 1827. En se rendant dans les ruines, l'artiste de 28 ans ne se doutait pas que ce voyage s'avérerait fatidique pour lui : "Vous ne pouvez pas traverser ces ruines sans ressentir en vous un sentiment complètement nouveau, vous faisant tout oublier sauf le terrible incident de cette ville.", a écrit l'artiste.
Les sentiments éprouvés par Karl Bryullov lors des fouilles ne l'ont pas quitté. C'est ainsi qu'est née l'idée de la toile sujet historique. Tout en travaillant sur l'intrigue, le peintre a étudié l'archéologie et sources littéraires. "J'ai pris ce paysage sur le vif, sans reculer ni ajouter quoi que ce soit, en tournant le dos aux portes de la ville afin de voir une partie du Vésuve comme la raison principale.". Les modèles des personnages étaient des Italiens, descendants des anciens habitants de Pompéi.
A l'intersection du classicisme et du romantisme
Dans cette œuvre, Bryullov se révèle non pas comme un classique traditionnel, mais comme un artiste du mouvement romantique. Ainsi, son intrigue historique n'est pas dédiée à un seul héros, mais à la tragédie de tout un peuple. Et comme intrigue, il a choisi non pas une image ou une idée idéalisée, mais un fait historique réel.
Certes, Bryullov construit la composition du tableau dans les traditions du classicisme - comme un cycle d'épisodes individuels enfermés dans un triangle.
Sur le côté gauche de l'image en arrière-plan, il y a plusieurs personnes sur les marches grand Edifice tombeaux de Scaurus. Une femme regarde directement le spectateur, avec l’horreur dans les yeux. Et derrière elle se trouve un artiste avec une boîte de peinture sur la tête : c'est un autoportrait de Bryullov, vivant une tragédie avec ses personnages.
Plus près du spectateur se trouve un couple marié avec des enfants qui tentent d'échapper à la lave, et au premier plan une femme serre ses filles dans ses bras... À côté d'elle se trouve un prêtre chrétien qui a déjà confié son sort à Dieu et qui est donc calme. Au fond de l'image, nous voyons un prêtre romain païen qui tente de s'échapper en emportant des objets de valeur rituels. Ici, Bryullov fait allusion à la chute de l'ancien monde païen des Romains et au début de l'ère chrétienne.
Sur le côté droit de l'image, en arrière-plan, il y a un cavalier sur un cheval qui se cabre. Et plus près du spectateur se trouve le marié, saisi d'horreur, qui tente de tenir sa fiancée dans ses bras (elle porte une couronne de roses), qui a perdu connaissance. Au premier plan, deux fils portent dans leurs bras leur vieux père. Et à côté d'eux se trouve un jeune homme, suppliant sa mère de se lever et de fuir cet élément dévorant. D’ailleurs, ce jeune homme n’est autre que Pline le Jeune, qui s’est effectivement échappé et a laissé ses souvenirs de la tragédie. Voici un extrait de sa lettre à Tacite : «Je regarde en arrière. Un épais brouillard noir, se répandant comme un ruisseau sur le sol, nous a rattrapé. La nuit était tombée partout, contrairement à une nuit sans lune ou nuageuse : il ne fait que si sombre dans une pièce fermée à clé et avec les lumières éteintes. Des cris de femmes, des cris d'enfants et des cris d'hommes se faisaient entendre ; certains appelaient leurs parents, d'autres leurs enfants ou leurs femmes et essayaient de les reconnaître à leur voix. Certains ont pleuré leur propre mort, d'autres la mort d'êtres chers, certains, craignant la mort, ont prié pour la mort ; beaucoup levèrent la main vers les dieux ; la majorité expliquait qu’il n’y avait de dieux nulle part et que pour le monde, c’était la dernière nuit éternelle..
Il n'y a pas de personnage principal dans l'image, mais il y en a des centraux : un enfant aux cheveux d'or près du corps prostré de sa mère décédée dans une tunique jaune - symbole de la chute de l'ancien monde et de la naissance d'un nouveau, c'est l'opposition de la vie et de la mort - dans les meilleures traditions du romantisme.
Sur cette photo, Bryullov s'est également montré innovateur, utilisant deux sources de lumière : une lumière rouge chaude en arrière-plan, transmettant la sensation d'approcher de la lave, et une lumière froide bleu verdâtre en arrière-plan. premier plan, ajoutant du drame supplémentaire à l'intrigue.
Les couleurs vives et riches de ce tableau violent également les traditions classiques et permettent de parler de l'artiste comme d'un romantique.
Peinture de procession triomphale
Karl Bryullov a travaillé sur la toile pendant six ans, de 1827 à 1833.
Le tableau a été présenté pour la première fois au public en 1833 lors d'une exposition à Milan - et a immédiatement fait sensation. L'artiste a été honoré comme un triomphe romain et des critiques élogieuses ont été écrites sur le tableau dans la presse. Bryullov a été accueilli par des applaudissements dans la rue et lors de ses voyages aux frontières des principautés italiennes, il n'avait pas besoin de passeport : on croyait que tous les Italiens le connaissaient déjà de vue.
En 1834, Le Dernier Jour de Pompéi est présenté au Salon de Paris. Les critiques françaises se révèlent plus modérées que celles italiennes. Mais les professionnels ont apprécié le travail et ont remis à Bryullov une médaille d'or de l'Académie française des arts.
La toile fait sensation en Europe et est très attendue en Russie. La même année, il fut envoyé à Saint-Pétersbourg. Après avoir vu le tableau, Nicolas Ier exprima le désir de rencontrer personnellement l'auteur, mais l'artiste partit avec le comte Vladimir Davydov lors d'un voyage en Grèce et ne retourna dans son pays natal qu'en décembre 1835.
Le 11 juin 1836, des invités d'honneur, membres de l'Académie, artistes et simplement amateurs d'art se sont réunis dans la salle ronde de l'Académie des arts de Russie, où était exposé le tableau « Le dernier jour de Pompéi ». L'auteur du tableau, « le grand Charles », a été porté dans la salle dans ses bras, sous les cris enthousiastes des invités. « Des foules de visiteurs, pourrait-on dire, ont fait irruption dans les couloirs de l’Académie pour admirer Pompéi. », écrit un contemporain, témoin de ce succès qu'aucun artiste russe n'a jamais connu.
Le client et propriétaire du tableau, Anatoly Demidov, l'a présenté à l'empereur et Nicolas Ier l'a placé à l'Ermitage, où il est resté pendant 60 ans. Et en 1897, il fut transféré au Musée russe.
L'image a littéralement excité toute la société russe et les meilleurs esprits ce temps.
Trophées artistiques de la paix
Vous l'avez amené dans le dais de votre père.
Et il y eut le "Dernier Jour de Pompéi"
Premier jour pour le pinceau russe ! -
le poète Evgeny Boratynsky a écrit à propos du tableau.
Alexandre Pouchkine lui a également dédié des poèmes :
Le Vésuve a ouvert la bouche - de la fumée s'est déversée dans un nuage, des flammes
Largement développé comme drapeau de bataille.
La terre est agitée - des colonnes tremblantes
Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur
Sous la pluie de pierres, sous les cendres enflammées,
Les foules, jeunes et vieux, quittent la ville en courant.
Mikhaïl Lermontov mentionne également « Le dernier jour de Pompéi » dans le roman « Princesse Ligovskaya » : « Si vous aimez l’art, je peux vous annoncer une très bonne nouvelle : le tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » sera exposé à Saint-Pétersbourg. Toute l’Italie la connaissait, les Français la grondaient., - Lermontov était clairement au courant des critiques de la presse parisienne.
L'historien et voyageur russe Alexandre Tourgueniev a déclaré que cette image faisait la gloire de la Russie et de l'Italie.
Et Nikolaï Gogol a consacré un long article au tableau, en écrivant : « Son pinceau contient cette poésie qu'on ne fait que ressentir et qu'on peut toujours reconnaître : nos sentiments connaissent et voient toujours même caractéristiques, mais leurs paroles ne le diront jamais. Sa couleur est si vive qu'elle ne l'a presque jamais été auparavant, ses couleurs brûlent et attirent les yeux. Ils seraient insupportables s’ils apparaissaient chez un artiste d’un degré inférieur à Brioullov, mais chez lui ils sont revêtus de cette harmonie et respirent cette musique intérieure dont sont remplis les objets vivants de la nature..
