Dominant la scène artistique depuis les années 1990.
Dans les années 1980, le Goldsmith College était considéré comme innovant : contrairement à d'autres écoles qui acceptaient des étudiants qui ne pouvaient pas entrer dans un véritable collège, la Goldsmith School attirait de nombreux étudiants talentueux et des enseignants inventifs. Goldsmith a introduit un programme innovant qui n'obligeait pas les étudiants à dessiner ou à peindre. Au cours des 30 dernières années, ce modèle d’éducation s’est répandu partout dans le monde.
En tant qu'étudiant à l'école, Hirst visitait régulièrement la morgue. Plus tard, il remarquera que bon nombre des thèmes de ses œuvres sont originaires de là.
Carrière
En juillet 1988, Hirst a organisé l'exposition acclamée Freeze dans le bâtiment vide de l'Autorité du Port de Londres à London Docks ; L'exposition présentait les œuvres de 17 étudiants de l'école et sa propre création - une composition de boîtes en carton peintes avec des peintures au latex. L'exposition elle-même Gelerétait aussi le fruit de la créativité de Hirst. Il sélectionne lui-même les œuvres, commande le catalogue et planifie la cérémonie d'ouverture.
Geler est devenu le point de départ de plusieurs artistes de l'association YBA ; en plus, j'ai fait attention à Hirst célèbre collectionneur et le mécène des arts Charles Saatchi.
Hirst est diplômé du Goldsmiths College en 1989. En 1990, il organise avec son ami Karl Friedman une autre exposition, Pari, dans un hangar, dans un bâtiment vide de l'usine de Bermondsey. Saatchi a visité cette exposition : Friedman se souvient comment il se tenait la bouche ouverte devant l'installation de Hirst intitulée A Thousand Years - une démonstration visuelle de la vie et de la mort. Saatchi a acheté cette création et a proposé à Hirst de l'argent pour créer de futures œuvres.
Ainsi, avec l’argent de Saatchi, a été créé en 1991 l’Impossibilité physique de mourir dans la conscience d’une personne vivante, qui était un aquarium avec un requin tigre dont la longueur atteignait 4,3 mètres. Les travaux ont coûté 50 000 £ à Saatchi. Le requin a été capturé par un pêcheur agréé en Australie et coûtait 6 000 £. En conséquence, Hirst a été nominé pour le Turner Prize, qui a été décerné à Greenville Davey. Le requin lui-même a été vendu en décembre 2004 au collectionneur Steve Cohen pour 12 millions de dollars (6,5 millions de livres sterling).
La première reconnaissance internationale de Hirst est venue à l'artiste en 1993 à la Biennale de Venise. Son œuvre "Mother and Child Divided" présentait des parties d'une vache et d'un veau placées dans des aquariums séparés contenant du formaldéhyde. En 1997, l'autobiographie de l'artiste «Je veux passer le reste de ma vie partout, avec tout le monde, un à un, toujours, pour toujours, maintenant» est publiée.
Le dernier projet de Hirst, qui a fait beaucoup de bruit, est une image grandeur nature d'un crâne humain ; le crâne lui-même est copié du crâne d'un Européen, âgé d'environ 35 ans, décédé entre 1720 et 1910 ; de vraies dents sont insérées dans le crâne. La création est incrustée de 8 601 diamants industriels pesant au total 1 100 carats ; ils le recouvrent complètement, comme un trottoir. Au centre du front du crâne se trouve un gros diamant rose pâle de 52,4 carats de taille brillant standard. La sculpture s'appelle Pour l'amour de Dieu et est la sculpture la plus chère d'un auteur vivant - 50 millions de livres sterling.
En 2011, Hirst a conçu la couverture de l'album groupe de musique Piments rouges forts piments « Je suis avec toi. »
Travaux
Contrairement aux sculptures et aux installations qui ne s’écartent pratiquement pas du thème de la mort, les peintures de Damien Hirst semblent à première vue joyeuses, élégantes et affirmant la vie. Les principales séries de peintures de l’artiste sont :
Peinture
| Les tasses colorées sont devenues la marque de fabrique de Hirst, un antidote à celles de ses œuvres dont le thème était la mort et la décadence ; Puisqu'il n'y a pas deux taches exactement identiques en couleur, ces peintures sont exemptes d'harmonie, d'équilibre des couleurs et de tout autre souci esthétique, elles rayonnent toutes, comme des affiches publicitaires, d'un rayonnement joyeux et accrocheur. |
Aujourd'hui, dans la section « L'art en cinq minutes », nous parlerons des plus artiste célèbre modernité - Damien Stephen Hirst. Nous traiterons d'un requin dans le formaldéhyde à l'aide d'une bandelette de Mobius, découvrirons comment l'art médiéval résonne avec un crâne en diamant et nous embarquerons dans une transgression pour savoir s'il y a de la vie dans la mort.
Référence: Damien Hirst est un artiste, entrepreneur, collectionneur d'art anglais et la figure la plus célèbre du groupe Young British Artists, qui domine la scène artistique depuis les années 1990. Né le 7 juin 1965 à Bristol, Royaume-Uni.
Quel est le thème central des œuvres de Hirst ?
Court: La mort.
Plus de détails: La confrontation fondamentale entre le déni de la mort et la conscience de son caractère inévitable est le thème central de l'artiste. Hirst ne se promène pas, il entre dans la mort elle-même. Pour explorer en profondeur le sujet, l'artiste s'est rendu dans sa jeunesse au théâtre anatomique pour réaliser des croquis et a travaillé à temps partiel dans une morgue.
Étant donné que Hirst possède de nombreuses œuvres liées à la mort, nous examinerons une installation spécifique « Mille ans » de 1990 – l’une des œuvres les plus significatives de l’auteur. Il s'agit d'un double box combiné : dans le premier enclos il y a une tête de vache et une tapette à mouche électrique, dans le second il y a des larves et des mouches. Il y a 4 trous découpés dans la cloison entre ces cubes. Les mouches, volant dans le premier cube, se sont immédiatement divisées en 2 groupes différents : la première a volé directement vers les lampes et, les touchant, est immédiatement morte, et la seconde partie des mouches a tenté de s'installer sur la tête de la vache morte.
L'artiste en parle : « Je me souviens m'être assis avec Gary Hume une fois alors que je travaillais sur cette installation, il m'a demandé : "Sur quoi travaillez-vous maintenant?" J'ai répondu : "Eh bien, j'ai une boîte en verre, une tête de vache, des vers et des mouches. Tout ce que j'ai à faire, c'est de trouver une tapette à mouches qui les tuera tous." Il m'a regardé comme si j'étais fou. Et j'ai pensé : "Super. C'est une excellente façon d'expliquer cela comme quelque chose de fou - il suffit de l'expliquer à quelqu'un pour qu'il ait déjà une opinion. Et cela malgré le fait qu'il n'a aucune idée de ce que c'est réellement, alors qu'ils ne peuvent pas être préparés à ce qu'ils voient.
Cette installation nous renvoie à Donald Judd, le père du minimalisme. L'artiste refuse la beauté traditionnelle, la figuration et tout contenu sentimental.
Dans cette œuvre, Hirst a capturé cycle de vie, il a montré à quel point le chaos de la vie et de la mort est ordonné.
Il faut dire que parfois Hirst s'emporte : le Britannique a un jour qualifié les attentats terroristes du 11 septembre 2001 à New York d'œuvre d'art, pour laquelle il a ensuite dû s'excuser.
Je vais mourir - et je veux vivre éternellement. Je ne peux pas échapper à la mort et je ne peux pas échapper au désir de vivre. Je veux avoir au moins un aperçu de ce que signifie mourir.
Hirst l'artiste le plus riche du monde ?
En bref :D UN.
Lire la suite :P c’est du moins ce que disent toutes les publications occidentales. La fortune totale de l'artiste est estimée à un milliard de dollars. Hirst a vendu la collection complète « Beautiful Inside My Head Forever » chez Sotheby's pour 111 millions de livres sterling (198 millions de dollars), battant ainsi le record pour une vente aux enchères d'un seul artiste. Sur la liste des artistes les plus riches figurent également Takashi Murakami, Jeff Koons et Jasper Johns. À propos, le salaire approximatif des assistants de Hirst est de 32 000 dollars.
Quel est le nom du style dans lequel travaille l’artiste ?
Court: Néoconceptualisme.
Plus de détails: Le néoconceptualisme ou postconceptualisme est un mouvement qui représente l'étape moderne de développement du conceptualisme des années 60 et 70. Le néo-conceptualisme est apparu aux États-Unis et en Europe à la fin des années 1970. Le néoconceptualisme, comme l’art conceptuel, est avant tout un art des questions. L’art conceptuel continue aujourd’hui de soulever des questions fondamentales non seulement sur la définition de l’art lui-même, mais aussi sur la politique, les médias et la société. Le néoconceptualisme est principalement associé aux activités des Young British Artists, qui se sont déclarés haut et fort dans les années 1990.
Événements majeurs
1991: Charles Saatchi finance Damien Hirst et l'année prochaine La galerie Saatchi expose son œuvre "L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'un vivant" - un requin dans le formaldéhyde.
1993: Vanessa Beecroft donne sa première représentation à Milan.
1999: Tracey Emin a été nominée pour le Turner Prize. Une partie de son exposition est l'installation "My Bed".
2001: Martin Creed remporte le Turner Prize pour "The Lights Going On and Off", une pièce vide dans laquelle les lumières s'allument et s'éteignent.
2005: Simon Starling remporte le Turner Prize pour le Shedboatshed, une structure en bois sur laquelle il a navigué sur le Rhin.
Hirst a-t-il des peintures ?
Court: Oui.
Plus de détails: Hirst ne s’est jamais concentré sur la peinture, même à ses débuts au Goldsmiths College, pionnier dans les années 1980. Contrairement à d'autres écoles, qui attiraient des étudiants qui ne pouvaient pas entrer dans un véritable collège, la Goldsmith School attirait de nombreux étudiants talentueux et des enseignants inventifs. Goldsmith a introduit un programme innovant qui n'obligeait pas les étudiants à dessiner ou à peindre.
Mais Hirst a encore trois utilisations de la peinture.
D'abord- ce sont des peintures ponctuelles, des cercles colorés qui poussent de Jeff Koons. Ce projet est toujours en cours. Un jour, un artiste a ouvert exactement les mêmes expositions dans plusieurs villes du monde, dont tout l'espace était orné de peintures aux cercles multicolores.
Deuxième- il s'agit d'une peinture tournante, qui implique un cercle en rotation sur lequel de la peinture est versée, de sorte que la peinture elle-même peint une toile dynamique. La création la plus célèbre dans ce style était l'ensemble du stade olympique. Hirst a été chargé de décorer l'arène et a coulé de la peinture en forme de drapeau britannique pour célébrer l'ouverture des Jeux olympiques. Mais comme on le voit, ni la première ni la seconde n’est la peinture, c’est l’utilisation de peintures sans dessiner.
Les gens qui critiquent l’art moderne oublient que tout art était autrefois moderne.
Troisième- ce sont des œuvres dans le style de Francis Bacon. Au début, Hirst lui-même disait qu'il ne peindrait pas, parce que ses peintures seraient absolument secondaires ; il était conscient de son propre épigonisme ; Mais, pour une raison quelconque, il a changé d'avis et a présenté sa peinture à l'exposition personnelle « Requiem », présentée ici au Centre d'art Pinchuk en 2009. En plus d'œuvres anciennes, l'artiste a exposé une nouvelle série de peintures intitulée « Peintures de crânes ». Ils sont devenus la principale cible des invectives sarcastiques de la part des critiques. "On a l'impression que ce que le spectateur voit est une stylisation de Bacon réalisée par un étudiant."- a fait remarquer l'un d'eux. Beaucoup de critiques art contemporain On pense qu'au début des années 90, Hirst était le leader incontesté du nouvel art britannique et se tenait généralement à l'avant-garde de l'art moderne, mais cette époque est révolue depuis longtemps et l'artiste d'avant-garde d'hier est devenu un fournisseur de un kitsch ultra-cher - juste au goût et au goût de l'esprit des oligarques d'Europe de l'Est et d'Asie, et les peintures de Hirst sont tout simplement impuissantes.
Hirst a également un tableau « Pour maman ». Il représente des fruits et des fleurs, sans allusions, réminiscences ou énigmes. Juste des fruits et des fleurs. Car depuis qu’il est devenu artiste, sa mère lui a toujours reproché que son fils ne savait rien dessiner de « normal ». Alors il a écrit, vraiment, quoi de plus normal que des fruits et des fleurs ?
Il est apparu récemment que Hirst s'enfermait dans son abri de jardin et y peignait en secret. "Les animaux dans le formaldéhyde ne choquent plus le public ; ils sont bien plus surpris lorsqu'on reprend ses pinceaux et sa toile et qu'on revient à l'essentiel."- il a commenté sa honte artiste contemporain Des classes.
Génie ou fiction ?
En bref : K Comme il est dit dans les Saintes Écritures, « s’il meurt, nous le saurons ».
Plus de détails: Hirst est incroyablement riche et prospère, et il est aussi un contemporain - ce formule parfaite, donnant lieu à de nombreuses discussions autour des œuvres du Britannique.
Certains critiques considèrent l'artiste comme un phénomène créé artificiellement avec un sac d'argent au lieu d'une tête. D'autres, comme nous l'avons déjà dit, injurient sa peinture, pointant du doigt son imitation de Bacon. Mais Julian Spalding est allé le plus loin, il considère Hirst comme une fiction et simplement un non-artiste, le qualifiant ironiquement d'escroc, ce qui d'une part parle de tromperie, puisque « con » en anglais signifie « tromper », et d'autre part d'un autre côté, c'est une abréviation du mot « conceptualisme », ce qui est drôle. Au fait, "con" dans langue anglaise signifie un autre sens obscène, quelque chose comme « membre », c'est ainsi qu'on appelait Bill Gates à l'école, donc si vous essayez de créer un dossier sur votre bureau avec ce nom, vous n'y arriverez pas. Essayez-le maintenant.
Les critiques du rivage, où l'herbe est plus verte, considèrent Hirst comme un génie qui distille le pur esprit de l'art à partir de la purée de la vie quotidienne avec l'aide de l'ingéniosité et de la technologie de pointe. Il existe de nombreux arguments en faveur de cette affirmation, dont le plus significatif (en référence au discours historique) est qu'il a pu dès le début thème ancien"la mort" pour créer un art complètement nouveau. En revanche, lors de l'exposition rétrospective de Hirst au MOMA, la fréquentation a augmenté de 20 pour cent, quels autres arguments faut-il ?
Le Britannique est si populaire et controversé que d’autres artistes créent de l’art à partir de lui. Le sculpteur espagnol Eugenio Merino a réalisé un objet représentant le suicide de Damien Hirst : dans une boîte en verre, une poupée semblable à l'artiste britannique est agenouillée avec un pistolet appuyé sur sa tempe ensanglantée. L'objet, comme l'écrit le Daily Telegraph, s'appelle "4 the Love of Go(l)d". Ainsi, il joue sur le nom de l'un des plus oeuvres célébres Hirst - un crâne incrusté de diamants ("Pour l'amour de Dieu"), et le mot "or" - "or" : le Britannique est considéré comme l'un des artistes les plus chers au monde. Merino affirme qu'il est fan du travail de Hirst. Il dit ceci à propos de son objet : "Bien sûr, c'est une blague, mais c'est le paradoxe : s'il [Hirst] se suicide, alors ses œuvres deviendront encore plus chères."
Quoi qu’en disent les critiques de ce monde, le correspondant du Guardian l’a mieux dit : « À l’ère de la création, dans un monde régi par l’éclectisme et l’argent, Hirst est « l’artiste que nous méritons ».
Question de la responsable des relations publiques Anastasia Kosyreva
Quelle est la différence entre un requin dans le formaldéhyde de Hurst et un animal dans le formaldéhyde dans les cours de biologie ? Pourquoi le premier est-il de l’art et le second ne l’est pas ?
Court:"Parce que le premier est dans la galerie et le second non" (c) Hirst
Plus de détails: Hirst, bien sûr, plaisante, c'est généralement une personne très drôle, cela se voit dans toutes ses interviews. Mais nous en parlerons sérieusement.
L’installation « Tiger Shark in Fomaldehyde » s’intitule « L’impossibilité physique de la mort dans l’esprit des vivants ». Le requin a été capturé par un pêcheur australien et vendu à l'artiste pour 9 500 $. Et l’installation a été vendue en 2004 au collectionneur Steve Cohen pour 12 millions de dollars. En étant à proximité de ce requin, je me souviens du titre du roman de Jonathan Foer « Extrêmement proche, incroyablement fort ». La gueule laide du requin est grande ouverte, cela crée l'effet d'un grognement, d'un cri, symbole de la douleur de mourir. La gueule béante du requin fait référence aux peintures de l'artiste préféré de Hirst, Francis Bacon. En général, Hirst aurait pu prendre n'importe quel animal, mais il a choisi un requin pour ne pas choquer la société ; un requin est une source de danger et un symbole de mort. Le requin double la mort : il est lui-même mort et, en même temps, porteur de la mort. Le phénomène le plus inhabituel chez les requins est le cannibalisme intra-utérin. Environ 70 % des requins meurent dans des combats brutaux directement dans l'utérus.
Mais le plus important dans ce travail n’est ni le requin ni le formaldéhyde. Ce qui est important, c’est que cette installation soit située dans un espace stérile et minimaliste, poursuivant ainsi la tradition Judd. Un schéma construit de contraste entre la forme abstraite et durable de la démonstration et son contenu objectif transitoire. L'art, « au nom de » duquel agit la forme de la vitrine, remplit ici sa fonction traditionnelle : arrêter le temps.
Il y a aussi un jeu conceptuel dans cette œuvre, dans lequel l'objet de l'image est le même que l'image elle-même. En termes simples, la mort représente la mort. Telle une bande de Mobius sémantique, quand le sens d'une œuvre se referme sur elle-même, quand l'œuvre raconte elle-même.
Hirst dit à propos de son travail : "J'essaie de démêler la mort. Il est difficile pour les gens de comprendre leur propre mortalité, et beaucoup de mes œuvres portent sur cela. Mon requin est une tentative de décrire ce sentiment, le sentiment de peur irrationnelle de la mort. C'est pourquoi j'ai utilisé un vrai requin, si gros qu'il pourrait avaler une personne entièrement. Et je l'ai placé dans un récipient avec un liquide d'une telle taille qu'il donnerait la chair de poule au spectateur. Et ce n'est pas une vision sombre du monde. , j'espérais que la mort servirait d'inspiration et de source d'énergie pour le public.
Question de la rédactrice en chef Evgenia Lipskaya :
Pourquoi a-t-il choisi les papillons comme matériau principal ? Les a-t-il tués ou les a-t-il récupérés morts ?
Court: 1. Dans la courte vie d'un papillon, il est plus facile de montrer le cycle de vie, et la mort d'un papillon est également une démonstration très claire du beau et du terrible.
2. Il ne les a pas tués de ses propres mains, mais il ne les a pas non plus récupérés. Les papillons ont été amenés de « pépinières spéciales » et sont ensuite morts propre mort dans la galerie.
Plus de détails: L’installation la plus célèbre de l’artiste, où les personnages principaux sont des papillons, s’intitule « Falling in and Falling Out of Love ». Les papillons volaient librement dans la galerie, qui contenait également des plats de fleurs et de fruits. Les papillons étant des créatures éphémères, ils sont tombés morts en plein milieu de l’exposition. Ils frappaient les tableaux et les barbouillaient, créant ainsi des œuvres abstraites. Les images se sont révélées belles et inquiétantes, puisqu'il s'agit de créatures mortes. Puis il alla jusqu’à utiliser de véritables ailes de papillons morts pour réaliser des vitraux de cathédrales gothiques. Au départ, les visiteurs ne savaient pas que les papillons mouraient au cours de l'exposition ; 400 nouvelles créatures étaient présentées chaque semaine. Lorsque le public a appris que 9 000 papillons étaient morts pendant l'exposition, ils ont commencé à attaquer Hirst. Les adversaires de l’artiste ont surtout souligné qu’en environnement naturel Dans leur habitat naturel, les papillons pourraient vivre beaucoup plus longtemps, jusqu'à neuf mois. Cependant, les représentants de la Tate ont eu une réponse à tous les reproches : des conditions ont été créées pour que les papillons soient aussi proches que possible de leur habitat. D'ailleurs, les papillons ont été amenés dans des cocons ; ils sont nés lors de l'exposition et y sont morts.
Au départ, il s'agissait de pupes dispersées dans toute la pièce, mais une fois le processus de métamorphose terminé, les papillons exotiques nés se sont envolés directement vers les immenses toiles avec des fleurs fraîches. Les papillons se sont collés aux toiles collantes et sont morts au bout d'un moment, devenant ainsi une partie du tableau. De plus, sur face arrière Attachés aux toiles géantes se trouvaient d’immenses cendriers remplis à ras bord de mégots de cigarettes.
Il existe également les séries « Papillons » et « Kaléidoscopes », où, dans le premier cas, des papillons morts sont collés sans colle sur une toile fraîchement peinte, et dans le second, ils sont étroitement collés les uns aux autres, créant ainsi des motifs rappelant un kaléidoscope.
Il faut dire que les papillons ne sont pas les seuls insectes que Hirst transforme en art. Son métier est entièrement fait de mouches. C'est-à-dire que la toile est recouverte de mouches aussi densément que possible, l'artiste a donc créé son propre « carré noir ».
Question de la rédactrice beauté Christina Kilinskaya :
Qui a acheté ce crâne et pour combien ?
Court: Un consortium qui inclut Hirst lui-même, son manager Frank Dunphy, le patron de la galerie White Cube et le célèbre philanthrope ukrainien Victor Pinchuk pour 100 millions de dollars.
Plus de détails: L'installation s'appelle « Pour l'amour de Dieu » et représente un crâne humain en platine et incrusté de diamants. Selon Hirst, le nom a été inspiré par les paroles de sa mère lorsqu'elle s'adressait à lui avec les mots : « Pour l'amour de Dieu, qu'est-ce que es-tu vas-tu faire ensuite ? (« Dis-moi, que feras-tu ensuite ? » Pour l'amour de Dieu - littéralement, une citation de la première épître de Jean : « Car ceci est l'amour de Dieu » (1 Jean 5 : 3)). Le crâne est en platine, comme une version légèrement réduite du crâne d'un Européen de 35 ans ayant vécu entre 1720 et 1810. Toute la zone du crâne, à l'exception des dents d'origine, est parsemée de 8 601 diamants pesant au total 1 106,18 carats. Au centre du front se trouve élément principal composition - diamant rose en forme de poire. Les travaux ont coûté à Hirst 14 millions de livres sterling.
En 2007, à des fins d'investissement, un groupe d'investisseurs, dont Hirst lui-même, son manager Frank Dunphy, le directeur de la galerie White Cube et le célèbre philanthrope ukrainien Victor Pinchuk, ont acheté le crâne pour 50 millions de livres (100 millions de dollars américains). . Il s’agit d’un prix record payé pour une œuvre d’un artiste vivant.
"Pour l'amour du Seigneur" - une synthèse du kitsch, du pop art, des classiques et thème éternel de la mort. Le crâne est une mise en œuvre extrêmement visuelle thème classique Art occidental Vanitas vanitatum, - l'artiste démontre que l'argent et le luxe sont tous deux décadence et vanité.
En substance, cette œuvre est une réplique plutôt spirituelle de Hirst à propos de son propre succès commercial : au lieu de le déguiser timidement, l'artiste l'affiche - en investissant dans la création d'un objet pour un coût de 15 millions de livres. Et le fait que cet objet soit un crâne ne fait que souligner le triomphe de la religion du veau d’or dans le monde moderne.
Cependant, la communauté artistique n’a pas apprécié l’aspect révélateur des nouvelles œuvres de l’artiste anglais. À une époque où l’art est soucieux d’éthique et de politique, Damien Hirst est devenu un personnage odieux, et la réaction interne appropriée à la mention de son nom est une grimace d’ironie, d’irritation et d’ennui.
Hirst lui-même dit que "Cet objet symbolise la richesse et la valeur de la vie" et ajoute "Au fait, les crânes en diamant indiquent également que décorer la mort est un excellent moyen d'accepter cette idée."
Ma foi dans l’art n’est pas très différente du fanatisme religieux. Nous avons tous besoin de quelque chose pour naviguer dans le noir.
Damien Stephen Hirst (anglais : Damien Hirst ; 7 juin 1965, Bristol, Royaume-Uni) est un artiste, entrepreneur, collectionneur d'art anglais et la figure la plus célèbre du groupe Young British Artists, dominant la scène artistique depuis les années 1990.
Selon le Sunday Times, Hirst est l'artiste vivant le plus riche du monde, avec une fortune estimée à 215 millions de livres sterling en 2010. Au début de sa carrière, Damien travaille en étroite collaboration avec le célèbre collectionneur Charles Saatchi, mais des divergences croissantes conduisent à une rupture en 2003.
La mort est un thème central de ses œuvres. La série la plus célèbre de l'artiste est Histoire Naturelle : des animaux morts (dont un requin, un mouton et une vache) dans du formaldéhyde. Une œuvre marquante est « L’impossibilité physique de la mort dans l’esprit d’un vivant » : un requin tigre dans un aquarium rempli de formaldéhyde. ce travail est devenu un symbole du travail graphique dans l'art britannique dans les années 1990 et un symbole du Britart dans le monde entier.
Les papillons sont l'un des objets centraux d'expression de la créativité de Hirst ; il les utilise sous toutes les formes possibles : images dans des peintures, photographies, installations. Ainsi, pour l'une de ses installations, « In and Out of Love », qui s'est déroulée à la Tate Modern d'avril à septembre 2012 à Londres, 9 000 mille papillons vivants, sont morts progressivement au cours de cet événement. Après cet incident, les représentants Organisation caritative L'artiste a été sévèrement critiqué par le groupe de protection des animaux RSPCA.
En septembre 2008, Hirst a vendu la collection complète de Beautiful Inside My Head Forever chez Sotheby's pour 111 millions de livres sterling (198 millions de dollars), battant ainsi le record d'une vente aux enchères pour un seul artiste.
Damien Hirst est né à Bristol et a grandi à Leeds. Son père était mécanicien et vendeur de voitures qui a quitté la famille quand Damien avait 12 ans. Sa mère, Mary, était une artiste amateur. Elle perd rapidement le contrôle de son fils, arrêté à deux reprises pour vol à l'étalage. Damien a d'abord étudié à l'école d'art de Leeds, puis, après deux ans de travail sur des chantiers de construction à Londres, il a tenté de s'inscrire au Central Saint Martins College of Art and Design et dans une université du Pays de Galles. Il a finalement été accepté au Goldsmith College (1986-1989).
Dans les années 1980, le Goldsmith College était considéré comme innovant : contrairement à d'autres écoles qui acceptaient des étudiants qui ne pouvaient pas entrer dans un véritable collège, la Goldsmith School attirait de nombreux étudiants talentueux et des enseignants inventifs. Goldsmith a introduit un programme innovant qui n'obligeait pas les étudiants à dessiner ou à peindre. Au cours des 30 dernières années, ce modèle d’éducation s’est répandu partout dans le monde.
En tant qu'étudiant à l'école, Hirst visitait régulièrement la morgue. Plus tard, il remarquera que bon nombre des thèmes de ses œuvres sont originaires de là.
En juillet 1988, Hirst a organisé l'exposition acclamée Freeze dans le bâtiment vide de l'Autorité du Port de Londres à London Docks ; L'exposition présentait les œuvres de 17 étudiants de l'école et sa propre création - une composition de boîtes en carton peintes avec des peintures au latex. L’exposition Freeze elle-même est également le fruit de la créativité de Hirst. Il sélectionne lui-même les œuvres, commande le catalogue et planifie la cérémonie d'ouverture.
Freeze est devenu le point de départ de plusieurs artistes de YBA ; En outre, le célèbre collectionneur et conservateur de la propagande de l'OTAN, Charles Saatchi, a attiré l'attention sur Hirst.
Hirst est diplômé du Goldsmiths College en 1989. En 1990, avec son ami Carl Friedman, il organise une autre exposition, Gamble, dans un hangar d'un bâtiment vide de l'usine de Bermondsey. Saatchi a visité cette exposition : Friedman se souvient comment il se tenait la bouche ouverte devant l'installation de Hirst intitulée A Thousand Years - une démonstration visuelle de la vie et de la mort. Saatchi a acheté cette création et a proposé à Hirst de l'argent pour créer de futures œuvres.
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La galerie Gary Tatintsian a inauguré une exposition de Damien Hirst, l'un des artistes contemporains les plus chers et les plus célèbres. Ce n'est pas la première fois que Hirst est amené en Russie : auparavant, il y avait eu une rétrospective au Musée russe, une petite exposition à la Triumph Gallery, ainsi qu'une collection de l'artiste lui-même au MAMM. Cette fois, les visiteurs se verront présenter les œuvres les plus significatives de 2008, vendues par l'artiste lui-même lors de la vente aux enchères personnelle de Sotheby's la même année. Buro 24/7 raconte pourquoi les papillons, les cercles multicolores et les tablettes sont si importants pour comprendre le travail de Hirst. .
Comment Hirst est devenu artiste
Damien Hirst peut être pleinement considéré comme la personnification des jeunes artistes britanniques - une génération d'artistes non plus jeunes, mais très réussis, dont l'apogée de la prospérité se situe dans les années 90. Parmi eux se trouvent Tracey Emin avec des inscriptions au néon, Jake et Dinos Chapman avec un amour pour les petites figures et une douzaine d'autres artistes.
Les YBA sont unis non seulement par leurs études au prestigieux Goldsmiths College, mais aussi par leur première exposition commune, Freeze, qui s'est tenue en 1988 dans un bâtiment administratif vide des docks de Londres. Hirst lui-même a agi en tant que conservateur - il a sélectionné les œuvres, commandé le catalogue et planifié l'ouverture de l'exposition. Freeze a attiré l'attention de Charles Saatchi - magnat de la publicité, collectionneur et futur mécène des Young British Artists. Deux ans plus tard, Saatchi acquiert la première installation de Hirst de sa collection, A Thousand Years, et lui propose également de parrainer ses futures créations.
Damien Hirst, 1996. Photo : Catherine McGann/Getty Images
Le thème de la mort, qui deviendra plus tard central dans l’œuvre de Hirst, apparaît déjà dans Mille ans. L'essence de l'installation était un cycle constant : des mouches émergeaient des œufs de larves, rampaient jusqu'à la tête de la vache en décomposition et mouraient sur les fils d'une tapette à mouches électronique. Un an plus tard, Saatchi a prêté de l'argent à Hirst pour créer une autre œuvre sur le cercle de la vie : le célèbre requin en peluche placé dans du formaldéhyde.
"L'impossibilité physique de la mort dans la conscience d'une personne vivante"
En 1991, Charles Saatchi a acheté un requin australien pour Hirst pour six mille livres. Aujourd'hui le requin symbolise la bulle de savon de l'art moderne. Pour les journalistes, c'est devenu un article de base (par exemple, l'article du Sun intitulé « 50 000 £ pour du fish and chips »), et est également devenu l'un des principaux sujets du livre de l'économiste Don Thompson, « Comment vendre un poisson en peluche ». requin pour 12 millions : vérité scandaleuse sur l'art contemporain et les maisons de ventes."
Malgré le bruit, le directeur du hedge fund, Steve Cohen, a acheté l'œuvre en 2006 pour huit millions de dollars. Parmi les acheteurs intéressés figurait Nicholas Serota, directeur de la galerie Tate Modern, le plus grand musée de Sovriska avec le MoMA de New York et le Centre Pompidou de Paris. L'attention portée à l'installation a été attirée non seulement par la liste des noms clés de l'art contemporain, mais aussi par sa durée d'existence - 15 ans. Au fil des années, le corps du requin était devenu pourri et Hirst a dû le remplacer et l'étirer sur un cadre en plastique. « L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivante » est devenue la première œuvre de la série « Histoire naturelle- Par la suite, Hirst a également placé des carcasses de moutons et de vaches démembrées dans du formaldéhyde.
L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d'une personne vivante, 1991
Mouton noir, 2007
Le paradoxe de l'amour (Abandon ou autonomie, la séparation comme condition préalable à la connexion.), 2007
La tranquillité de la solitude (pour George Dyer), 2006
Rotations et kaléidoscopes
Les œuvres de Hirst peuvent être divisées en plusieurs genres. En plus des aquariums au formaldéhyde susmentionnés, il existe des « rotations » et des « spots » - ces derniers sont réalisés par les assistants de l'artiste dans son atelier. Les papillons perpétuent le thème de la vie et de la mort. Voici un kaléidoscope, comme un vitrail dans une cathédrale gothique, et une installation grandiose « Falling in or Falling Out of Love » - des pièces entièrement remplies de ces insectes. Pour créer ce dernier, Hirst a sacrifié environ neuf mille papillons : 400 nouveaux insectes étaient amenés quotidiennement à la Tate Gallery, où se tenait la rétrospective, pour remplacer les morts.
La rétrospective est devenue la plus visitée de l'histoire du musée : en cinq mois, elle a été vue par près d'un demi-million de spectateurs. À côté du thème de la vie et de la mort, il y a aussi une « pharmacie » logique : lorsque l’on regarde les peintures à points de l’artiste, des associations apparaissent spécifiquement avec les médicaments. En 1997, Damien Hirst ouvre le restaurant Pharmacie. Il a fermé ses portes en 2003 et la vente aux enchères d'objets de décoration et d'intérieur a rapporté la somme incroyable de 11,1 millions de dollars. Hirst a également développé le thème des médicaments d'une manière plus visuelle : une série distincte de l'artiste est consacrée aux armoires contenant des pilules disposées à la main. L'œuvre la plus réussie financièrement a été « Spring Lullaby » : un paquet de pilules a rapporté à l'artiste 19 millions de dollars.
Damien Hirst, Sans titre, 1992 ; À la recherche du Nirvana, 2007 (fragment d'installation)
"Pour l'amour de Dieu"
Un autre œuvre célèbre Hirst (et aussi cher dans tous les sens du terme) - un crâne parsemé de plus de huit mille diamants. L'œuvre tire son nom de la première épître de Jean : « Car tel est l'amour de Dieu ». Cela nous renvoie à nouveau au thème de la fragilité de la vie, de l'inévitabilité de la mort et aux discussions sur l'essence de l'existence. Sur le front du crâne se trouve un diamant d'une valeur de quatre millions de livres. La production elle-même a coûté 12 millions à Hirst et le prix des travaux s'est finalement élevé à environ 50 millions de livres (environ 100 millions de dollars). Le crâne a été exposé à Amsterdam musée d'état, puis vendu à un groupe d'investisseurs par l'intermédiaire de la galerie White Cube de Jay Jopling, un autre marchand majeur qui a collaboré avec Hirst.
Damien Hirst, "Car tel est l'amour de Dieu", 2007
Records, contrefaçons et phénomène de célébrité
Bien que Hirst n'établisse pas de records absolus, il est considéré comme l'un des artistes vivants les plus chers. La hausse des prix de ses œuvres atteint un sommet à la fin des années 2000, avec la vente d'un requin, d'un crâne et d'autres œuvres. Un épisode distinct peut être appelé la vente aux enchères de Sotheby's au plus fort de la crise économique de 2008 : elle lui a rapporté 111 millions de livres, soit 10 fois plus que le record précédent - une vente aux enchères similaire de Picasso en 1993. Le lot le plus cher était le "Golden Calf" - la carcasse d'un taureau dans le formaldéhyde, vendue pour 10,3 millions de livres sterling.
L’histoire de l’évolution de Hirst est un exemple de scénario idéal pour tout artiste moderne, dans lequel un marketing compétent joue presque un rôle clé. Même des histoires ridicules comme celle du nettoyeur de galerie Eyestorm, qui a mis l’installation de l’artiste dans un sac poubelle, ou le pasteur de Floride, reconnu coupable d’avoir tenté de vendre des contrefaçons de Hirst en 2014, semblent incompréhensibles au vu des pitreries bruyantes de l’artiste lui-même. Le déclin de l'intérêt pour Hirst est devenu plus évident au cours des cinq dernières années après la prochaine exposition au White Cube.- la pression des critiques est devenue plus perceptible, l'ingéniosité de Hirst n'a plus étonné le public blasé et les records d'enchères ont été transmis à d'autres acteurs - Richter, Koons et Kapoor. D’une manière ou d’une autre, l’auréole de renommée de Hirst continue de s’étendre à ses œuvres anciennes, aujourd’hui visibles à la galerie Tatintsyan. Hirst a également de nouveaux projets : à la veille de la Biennale de Venise, l'artiste ouvre une grande exposition au Palazzo Grassi et à Punta della Dogana. Selon le communiqué, ils sont "le fruit d'une décennie de travail" - il est probable que tout le monde reparlera de Damien Hirst.
