Il y a quelques jours, j'ai eu la surprise de découvrir un photographe très talentueux. Son style est ce qu'on appelle Photographie de rue (Photographie de rue), c'est à dire. il arpente les rues avec un appareil photo et demande à différents passants de poser pour lui. Les photographies s'avèrent tout simplement fantastiques, remplies de l'atmosphère et des émotions des gens. Il s'appelle Benoît Payet(oui, c’est comme ça que l’on lit son nom de famille en français).

Sur ce moment il a déjà obtenu un énorme succès auprès des photographes, ses master classes à travers le monde au prix de plusieurs milliers de dollars. Mais en plus d'être un photographe extraordinaire, c'est aussi un génie. traite des photos. Le traitement est vraiment au plus haut niveau, ce qui incite des milliers de personnes à travers le monde à essayer de reproduire sa technique. Mais personne n'a encore réussi à le faire, et lui-même Benoît révèle les secrets du traitement photo uniquement à ses étudiants des master classes.

Dans cet article je vous invite à vous familiariser avec les œuvres de l'étonnant Benoît Paillé, et considérez-le également plus en détail technique de traitement de photos.

Je présente à votre attention une petite sélection de photographies Benoît Payet, afin que vous puissiez imaginer visuellement ce que style de traitement nous parlons ( cliquez ci-dessous pour lancer le diaporama)

Pour un aperçu détaillé de son portfolio, vous pouvez visiter sa page sur deviantart ou flickr.

J'ai passé beaucoup de temps à parcourir ses œuvres, à étudier les couleurs et le style en général. J'ai parcouru de nombreux forums, blogs et sites sur lesquels ils ont essayé de publier action (Actions) avec la technique de traitement, des questions ont été soulevées pour discussion, mais rien de vraiment utile n'a été appris. Quelqu’un a dit « tournez les curseurs », et quelqu’un a même dit qu’« il a juste un appareil photo sympa », et cela a été dit par des gens qui ne savaient même pas épeler correctement son nom de famille. Je suis tombé sur ces options : Benoit Sondage, Benoît Palle, Benoît Peler et ainsi de suite. Bien sûr, tout cela n'est que rire et rien de plus :)

J'ai trouvé le seul sujet sensé sur le forum club.foto.ru, où il y en a déjà plus 30+pages discuter de sa technique traitement Et Photos en général. J'en ai appris que Benoit utilise une combinaison Adobe Lightroom + Adobe Photoshop , c'est à dire. convertit à partir du format BRUT et le traitement principal de la photo est effectué dans Photoshop. À propos, vous pouvez en savoir plus sur cette technique dans l'article. Même à ma grande surprise, il n'utilise que deux outils pour le traitement des photos, à savoir Les niveaux Et Balance de couleur. Temps de traitement d'une photo - env. 2 heures. En principe, il n'a pas été possible d'en savoir plus, si ce n'est que la photographie titre de cet article a été prise le Canon 5D MarkII avec objectif fixe Sigma 35mm f/1.4. Passons maintenant à l'essentiel, à l'analyser style de traitement des photos.

Internet regorge de photographies de ses performances, mais malheureusement toutes sont post-traitées, et Benoit Paille ne publie pas ses originaux, essayant ainsi de toutes ses forces de garder le secret. votre traitement photo. Les seuls photographies originales sans traitement, on peut les trouver dans ses annonces pour les master classes, mais elles sont toutes d'une qualité épouvantable et on n'en distingue pas grand-chose. Exemples photographies originales vous pouvez le trouver dans n'importe quel moteur de recherche sur demande BenoitPaillAtelier.pdf.

Ci-dessous je poste ces mêmes photos ( avec traitement qui sont dans son fichiers pdf) uniquement en qualité normale, afin que vous puissiez mieux voir les résultats post-traitement Images. Sur cette base, nous tirerons des conclusions à son sujet. techniques de correction des couleurs Et .

Nous avons désormais la possibilité de comparer les originaux de ses photographies (bien que petites) avec des photographies déjà traitées d'excellente qualité. Après analyse des photographies, nous pouvons tirer les conclusions suivantes :

1. Tons sourds, c'est à dire. Non couleurs vives , tout est dans des proportions optimales

2. Élevé microcontraste. Pièces requises en netteté, agrandi aux bons endroits contraste des images

3. L'arrière-plan moins de contraste que le sujet de la prise de vue, Benoit met ainsi l'accent sur le « modèle »

4. Fantastique traitement ombre-lumière. Soulignement correct ombres/lumières

5. Des photos avec style surréalisme, c'est à dire. il obtient un étalonnage des couleurs qui frise le même niveau d'« irréaliste », mais la ligne est si fine qu'elle n'est pas perceptible

6. Crée l'effet " film", c'est à dire. les couleurs rappellent un peu un écran de cinéma des années 90

7. L’image ne ressemble pas du tout à une photographie, on dirait qu’elle ressemble d’une manière ou d’une autre à "image", c'est à dire. de très haute qualité et unique.

Ceci, pourrait-on dire, a été « lavé à l’oreille ». Après tout, personne ne peut dire exactement comment et ce qui doit être traité sur ces photographies. La seule issue est d'essayer de répéter ce traitement vous-même, même si Benoît Payet recommande fortement de ne pas y consacrer du temps, car... chacun a le sien style unique et il vaut mieux travailler à l'améliorer que de copier celui de quelqu'un d'autre. Et en principe, je suis entièrement d'accord avec lui, mais j'ai quand même décidé d'essayer. Tout sur le même forum club.photo.ru j'ai trouvé une photo idéale pour traiter dans le style Benoît Paillé et après environ 30 à 40 minutes de bidouillage dans Photoshop, j'ai obtenu ce qui suit

Ceci n'est qu'un essai traitement, mais je suis sûr que si nous allons plus loin dans cette direction, nous pourrons rapidement parvenir à quelque chose de similaire style(précisément similaire, pas identique, car c'est tout simplement impossible) Benoît Payet. J'ai réussi à obtenir un résultat similaire en utilisant quatre plugins, la chronologie était la suivante :

1. Le traitement initial qui a jeté les « bases » utilisait un plugin Film couleur d'exposition à la peau extraterrestre. Le filtre s'appelle Film diapo 100%.

3. À faire beau côté flou ouais, j'ai utilisé le plugin Bokeh de peau extraterrestre 2.

4. Après cela, je l'ai réutilisé Couleur Efex Pro avec filtres Brillance/Chaleur Et Styliseur de photos.

5. Pour obtenir un léger effet surréaliste et « image », j'ai utilisé un filtre Éclat glamour Et Neutralisant blanc dans le même Color Efex Pro.

7. Et enfin, pour en savoir plus bokeh prononcé, je l'ai égayé à l'aide d'un plugin Logiciel Géant Rouge Knoll Light Factory.

Malheureusement, je n'ai pas documenté lequel paramètres Pour qui filtre Je l'ai exposé parce que Je n'avais même pas l'intention de faire ça analyse détaillée la créativité Benoît Paillé:) Mais gardez à l'esprit que j'ai utilisé transformation locale, c'est à dire. imposé filtres sur des parties individuelles de l’image, plutôt que sur la photo entière. La seule chose que je peux vous proposer est un clip vidéo, enregistré par moi personnellement en qualité HD, où j'allume progressivement Calques Photoshop l'un après l'autre afin que vous puissiez voir quel plugin a affecté l'image.

Vous pouvez télécharger les plugins que j'ai répertoriés ci-dessus par leur nom à partir de n'importe quel torrent, par exemple rutracker.org. J'espère que vous avez trouvé cet article utile et informatif.

si vous avez besoin d'une leçon ou d'un dossier plus détaillé PSD avec couches dans le style Benoit Paille transformation Vous pouvez le télécharger ci-dessous:

P.S. Nous vous serions très reconnaissants de partager ce http://site/obrabotka/obrabotka-v-stile-benoit-paille/ ou tout autre article de blog http://site via réseaux sociaux ou tout autre moyen de vous connecter avec vos amis :) Merci !

P.S. Se désabonner dans les commentaires ci-dessous pour toute question de traitement, je serai heureux de vous aider ! :)

Lorsque je lis des articles sur Photoshop, je suis souvent surpris de voir combien d'auteurs compliquent la solution de tâches de traitement essentiellement simples. De nombreux écrivains « monumentaux » en souffrent, comme Dan Margulies. Mais cela peut lui être pardonné - sa tâche est d'écrire sur toutes les subtilités et nuances du processus de traitement, de le considérer sous tous les angles et sous tous les côtés. Bien que ce soit précisément cette caractéristique de la présentation du matériel dans ses livres qui rebute de nombreux lecteurs.

En fait, les racines de ces méthodes de « netteté en 40 étapes » proviennent d'une chose très simple : les personnes qui écrivent ces didacticiels n'ont jamais travaillé avec un grand volume de photographies. Autrement dit, en règle générale, ils ont quelques photographies et sont prêts à passer une soirée ou deux à les traiter. Mais lorsque vous avez des commandes constantes et que vous devez sérieusement modifier plusieurs dizaines de cadres de chaque séance photo, vous commencez à réfléchir à des méthodes de traitement plus simples et plus pratiques.

Nous en parlerons aujourd'hui. Je vais vous parler de cinq outils Photoshop simples mais très efficaces que j'utilise tout le temps dans mon travail.

Avant de traiter des photos dans Photoshop, je travaille toujours d'abord avec les images dans un convertisseur RAW. C’est là que j’effectue la correction principale des couleurs et le traitement primaire des photos. Essentiellement, je crée un « squelette » de traitement et, dans Photoshop, je travaille avec les détails de la photo.

Nous avons donc travaillé avec la photo dans le convertisseur RAW et l'avons ouverte dans Photoshop. Photoshop nous accueille avec un grand nombre d'outils de traitement pour toutes les occasions. Mais nous parlerons du plus simple et du plus efficace d'entre eux.

La fonction principale de l'outil Dodge/Burn Tool est d'éclaircir/assombrir des zones individuelles de l'image. Essentiellement, vous pouvez « dessiner » l’obscurité ou vice versa – éclaircir la photo. C'est très simple, essayez-le : je suis sûr que vous apprécierez cet outil. Dodge/Burn Tool n’a que deux paramètres très importants.

Plage — Sélectionnez le domaine d'application

Vous pouvez utiliser cet outil sur les zones sombres (Ombres), claires (Rehauts) ou neutres (Tons moyens) de la photo. Par exemple, vous devez éclaircir les zones sombres du menton (lors du traitement d'un portrait) et laisser les zones claires intactes. Dans ce cas, nous définissons le mode Ombres dans l'outil Dodge, et cela éclaircira uniquement les zones sombres des endroits où nous l'appliquons.

Exposition - force d'impact

Il est très important de régler correctement la force d'impact. De nombreuses personnes, lorsqu'elles expérimentent Photoshop, essaient Dodge/Burn à 100 %. Et en assombrissant l’image, vous obtenez des « trous » noirs, et en l’éclaircissant, vous obtenez une surexposition complète. Bien entendu, ayant obtenu un tel résultat, ils ne reviennent plus sur cet outil. Mais Dodge/Burn est un outil subtil. Si vous travaillez sur des ombres ou des reflets, essayez une force d'application de 7 à 10 %, si vous travaillez sur des zones neutres, de 10 à 20 %. Pour chaque cas, la force d'influence est sélectionnée séparément, mais après avoir travaillé un peu avec cet outil, vous commencerez à ressentir quel type de pouvoir est nécessaire dans chaque cas spécifique.

Usage

Dodge/Burn a de nombreuses utilisations :

• Illuminez votre iris

Appliquez simplement l'outil Dodge sur l'iris - c'est le moyen le plus simple de l'éclairer. Ainsi, vous concentrez l’attention du spectateur sur les yeux du modèle.

Dans tous ces portraits, j’ai mis en valeur l’iris des yeux précisément pour attirer l’attention du spectateur sur les yeux et ajouter de la psychologie au cadre.

• Assombrir les lignes du visage dans un portrait d'homme

Pommettes, mâchoire, ligne du nez, sourcils - toutes les lignes du visage, si elles sont un peu assombries, acquerront plus de volume et de contraste. L'homme sur la photo aura l'air plus dur et plus volontaire.

J'utilise cette technique pour traiter presque tous les portraits masculins N/B. Cette technique n'est pas toujours adaptée à la couleur, car elle « détruit » les couleurs, mais sur une photo N/B, elle fonctionne très bien.

Dans un portrait féminin, cette technique doit être utilisée avec beaucoup de précautions, car une femme ne sera parée qu'en mettant l'accent sur les lignes du visage qui lui confèrent sa féminité. Sinon, vous obtiendrez le portrait d'une créature masculine.

• Éclaircir les zones rétroéclairées

Le rétroéclairage en soi est une chose merveilleuse. Mais si vous utilisez l'outil Dodge pour améliorer son effet, l'image deviendra encore meilleure. Cela est particulièrement beau sur les photos de concerts, lorsque les musiciens sont éclairés par un bon contre-jour.

• Blanchissez les dents de vos modèles

L’utilisation de l’outil Dodge est le moyen le plus simple et le plus efficace de blanchir les dents sur une photo. Un peu plus tard, j'écrirai certainement une leçon distincte sur le blanchiment approprié des dents à l'aide de l'outil Dogde.

2. Tampon de clonage

Il existe plusieurs outils pour retoucher des images dans Photoshop, et chacun d'eux est bon à sa manière. Mais « Stamp » est l’outil le plus polyvalent à utiliser.

Sa fonction est de prendre une certaine zone de l'image et de la copier. Ainsi, on peut par exemple retoucher les rides, simplement les « remplacer » par des zones de peau lisse. Pour ce faire, appuyez sur Alt et sélectionnez la zone à partir de laquelle l'image sera prise, puis, en cliquant simplement sur les zones souhaitées de l'image, nous la copierons vers elles.

Dans les réglages du tampon, il est important de faire attention à deux paramètres :

Mode

Ce sont les modes dans lesquels le tampon fonctionnera. Par exemple, en mode Assombrir, le tampon « remplacera » uniquement les zones plus claires que la zone sélectionnée. Essentiellement, vous pouvez assombrir les zones claires de l'image, c'est pourquoi le nom du mode est Assombrir. Et, par conséquent, en mode Éclaircir, le tampon ne fonctionnera que sur les zones les plus sombres de l'image, en les éclaircissant.

Clone Stamp a de nombreux modes de fonctionnement - expérimentez-les, je suis sûr que vous obtiendrez des résultats intéressants.
À mon avis, cela n'a aucun sens de décrire le fonctionnement de chaque mode - dans Photoshop, pour tous les outils, les mêmes principes de fonctionnement des modes s'appliquent essentiellement, ne changeant que légèrement pour s'adapter aux spécificités d'un outil particulier.

L'opacité signifie l'opacité. En termes simples, plus le pourcentage que vous définissez dans ce paramètre est faible, plus le « travail » du tampon sera transparent. Par exemple, à 100 % le tampon remplacera complètement la zone sélectionnée, et à 50 % il sera translucide. Pour la retouche du visage, en règle générale, 10 à 30 % sont utilisés, sinon la marque du tampon sera trop clairement visible.

Utilisation du tampon de clonage

• Retoucher

La retouche sous toutes ses manifestations est la fonction principale du tampon. Tout d'abord, le tampon est utilisé pour la retouche cutanée - éliminant les rides, les cernes sous les yeux, les gonflements et autres belles créations de Mère Nature.

Vous pouvez également retoucher, par exemple, un objet indésirable dans le cadre. A moins bien sûr qu’il occupe la moitié de la photo.

Il est très pratique d’utiliser un tampon pour éliminer les petites surexpositions. Par exemple, votre modèle a une petite tache de surexposition sur le bout de son nez. Nous prenons le tampon, définissons le mode Assombrir et en quelques clics nous assombrissons cet endroit.

3. Pinceau historique

History Brush est une machine à voyager dans le temps pour le traitement de photos. Vous pouvez franchir n’importe quelle étape du traitement et utiliser un pinceau pour peindre selon votre image.

History Brush regorge d’énormes possibilités. J'ai déjà écrit en détail sur le fonctionnement de cet outil dans un article séparé. Vous y trouverez une leçon détaillée sur l'utilisation du pinceau historique et apprendrez à affiner uniquement les zones de l'image dont vous avez besoin.

Bien entendu, l’augmentation de la netteté n’est pas le seul domaine d’application. Dans les prochains articles, je vous expliquerai comment travailler la couleur sur une photographie à l'aide du pinceau historique.

4. Noir et blanc

L'outil Noir et Blanc se trouve dans l'onglet Image—>Ajustements. Ou vous pouvez simplement créer un calque de réglage sur la photo.

La fonction principale de l'outil Noir&Blanc est la conversion « correcte » d'une image couleur en noir et blanc. Correct car on peut changer l'affichage noir et blanc de chacune des couleurs. De cette façon, vous pouvez obtenir une belle et « savoureuse » photo n/b.

Mais les fonctionnalités de B&W ne se limitent pas à cela.

En utilisant cet outil, vous pouvez obtenir une image très intéressante et colorée. Appliquons le noir et blanc à notre image, puis activons le mode superposition.

Désormais, en manipulant les contrôles N&B et la transparence des calques, nous pouvons obtenir des résultats très photo intéressante. Pour plus de clarté, j'ai réglé l'opacité du calque avec N&B à un niveau assez élevé - 62 % et j'ai réglé les commandes Verts, Cyans, Bleus et Magentas au maximum.

Comme on peut le constater, l'image est immédiatement devenue plus riche et contrastée (cliquez sur l'image pour l'agrandir).

Faisons maintenant attention à la tique Teinte. En l'allumant, nous pouvons teinter l'image dans la couleur dont nous avons besoin.

Usage

Il existe de nombreuses options pour utiliser le noir et blanc, à la fois lors du travail avec la couleur et lors du traitement du noir et blanc.
Dans l'un des articles suivants, en utilisant l'exemple du traitement de plusieurs photographies, je parlerai de toutes les principales nuances du travail en noir et blanc.

5.Ombre/Faits saillants

Ombre/Rehauts se trouve également dans l'onglet Image—>Ajustements (d'ailleurs, il y a beaucoup d'outils intéressants là-bas, je vous conseille de tous les expérimenter)

Cet outil est conçu pour assombrir les reflets et les faire sortir des ombres. En plus de son utilisation la plus évidente - éliminer la surexposition et la sous-exposition, S/H fonctionne également très bien pour créer une sensation de plus grande profondeur dans l'image. Nous pouvons ajouter des nuances sombres aux zones claires et des tons clairs aux zones sombres. Ainsi, l'image deviendra plus volumineuse et plus profonde.

Par exemple, sur cette photo en utilisant S/H, j’ai ajouté du volume à la fourrure du chiot et l’image est immédiatement devenue plus intéressante.

En fait, Shadow/Highlights est un outil absolument indispensable pour tout montage sérieux. Presque toutes les photos peuvent être améliorées si vous utilisez judicieusement S/H.

J'aimerais parler de tous les paramètres S/H et de leurs fonctionnalités, mais c'est vraiment un sujet pour un article séparé. À l'avenir, je reviendrai certainement sur le sujet Ombres/Rehauts, mais pour l'instant, essayez simplement d'expérimenter - essayez différents paramètres et voyez le résultat. D’après mon expérience, cette méthode est la plus efficace pour apprendre de nouvelles choses.

Comme nous pouvons le constater, tous ces outils sont très simples à utiliser, mais en même temps incroyablement efficaces. Essayez de les expérimenter et vous ressentirez les nombreuses possibilités qu'ils offrent lors du traitement.

Je pense que cela vaut la peine de faire une série d’articles sur les outils simples mais très efficaces de Photoshop. Et dans le prochain article, je parlerai des outils permettant de travailler sérieusement avec la couleur en photographie.

Actuellement, la photographie est peut-être l’un des domaines de l’art contemporain les plus dynamiques. Il est difficile d’imaginer que des débats aient eu lieu récemment sur la question de savoir si la photographie peut être considérée comme un art à part entière. Désormais, la photographie a pris une place assurée au même niveau à côté de art classique comme la peinture, le graphisme et la sculpture.

Un appareil photo n'est plus seulement une technique, c'est un outil spécial qui aide une personne à regarder la réalité environnante différemment, et les photographies ne sont pas seulement du papier avec une image, mais un reflet des pensées et du monde intérieur de l'auteur lui-même. Une nouvelle vague d'intérêt pour la photographie a balayé la société avec l'avènement d'équipements photographiques numériques bon marché, qui, de plus, étaient capables de fournir un niveau de photographie décent. Le nombre de publics intéressés par la photographie amateur atteint désormais des proportions impressionnantes.

Des expositions de photos sont régulièrement organisées aux quatre coins du monde, présentant le travail de différents photographes, généralement réalisés dans le même style. Même s'il faut dire que la notion de style en photographie est devenue très subjective, toutes les photos ne peuvent pas être adaptées à l'un des styles standards. En même temps, il n'est pas difficile de reconnaître le style - il suffit de regarder la photo.

Quelles sont les caractéristiques des styles en photographie ?

En général, les styles photo moderne peut être caractérisé à l’aide de concepts tels que :

• composition;
• interprétation du sujet;
• utilisation des couleurs et des tons ;
• technique de tir;
• l'humeur de l'auteur, qu'il essaie de transmettre, etc.

La combinaison de ces concepts forme le style de la photographie. Dans le même temps, les photographes modernes travaillent à la fois dans des styles classiques, tels que glamour ou rétro, et créent leurs propres styles originaux, chacun d'eux étant caractérisé d'une manière ou d'une autre par son propre style, rendant chaque photo unique. Le style en photographie se forme sous l'influence de divers facteurs : processus qui se produisent actuellement dans la société, tendances et tendances inhérentes à différents segments de la population, nouvelles idées résultant de l'activité humaine.

Le pop art efface toutes les frontières

Le style pop art, devenu une sorte d'avant-garde dans les années 50 et 60 du dernier millénaire, était incroyablement populaire en Amérique et ne pouvait s'empêcher de laisser sa marque sur l'art moderne. Ce style est basé sur des signes et des symboles caractéristiques de cette époque. C’est alors, grâce aux artistes travaillant dans le domaine de ce style, que les frontières entre objets produits en série et objets d’art uniques se sont estompées. Un des plus représentants éminents de cette période est le photographe-artiste américain Andy Warhol. C'est lui qui possède les collages glamour représentant Elvis Presley et Marilyn Monroe.

Les traits caractéristiques du style pop art en photographie sont les suivants :

• couleurs vives;
• niveau de contraste accru;
• abstraction des images;
• formes simplifiées.

Chacune des techniques ci-dessus aide un photographe travaillant dans ce style à attirer l’attention du spectateur, cependant, les méthodes les plus inattendues conviennent à cela. Étant donné que le pop art a toujours encouragé le photographe à aborder le processus photographique de la manière la plus créative et imaginative possible, ce style reste à notre époque toujours très pertinent et populaire parmi les photographes artistiques.

Des photographies rétro qui préservent les souvenirs d’une époque révolue

L'affiliation historique est ce qui distinguera toujours les photographies rétro des autres, en plus, elles ont une certaine sophistication et sophistication. En règle générale, ces photographies capturent les événements les plus marquants. jours écoulés, souvenirs de personnes et de lieux. C’est pour cette raison que les photographies rétro deviennent souvent des objets de décoration intérieure, introduisant dans l’atmosphère un certain esprit du passé. Si nous parlons des temps modernes, il s'avère que prendre une photo rétro à notre époque n'est en aucun cas facile, car désormais la technologie est capable de capturer des composants qui étaient auparavant impossibles à voir pour un appareil photo. Pour obtenir le résultat souhaité, les maîtres utilisent des matériaux photographiques en noir et blanc, en y ajoutant parfois un peu de couleur, mais parfois ils se distinguent par un minimum de demi-teintes et de luminosité. De plus, pour que les photographies rétro soient les plus réalistes, vous devrez essayer de recréer l'atmosphère de l'Antiquité dans des vêtements, des meubles et des meubles qui correspondraient à l'un ou l'autre. époque historique. Bien sûr, de telles manipulations demandent beaucoup de temps, d’efforts et d’argent, mais le résultat final justifie généralement toutes les attentes exprimées. Les photos prises dans un style rétro portent des notes de tristesse et de nostalgie des jours passés, ce qui enchante et évoque en même temps des émotions vives.

Vintage chic - le meilleur du passé

Une personne ignorante peut facilement confondre une photo vintage avec une photographie rétro, cependant, ce style possède ses propres originalités qui lui sont propres. Le mot « vintage » nous vient de Français et se traduit par vin de la meilleure qualité et qualité. Ceci est également inhérent aux photographies prises dans ce style ; en règle générale, elles sont exclusives et uniques en leur genre. Ce n'est pas pour rien que le titre de cette section dit que les photographies vintage sont les meilleures qui nous soient parvenues du passé. Malgré les nombreuses nouvelles tendances et tendances de la photographie moderne, les photos vintage ne deviennent jamais obsolètes ni perdent de leur pertinence. Cependant, pour qu’une photographie résiste à l’épreuve du temps et ne cesse d’être originale, le photographe-artiste doit faire beaucoup d’efforts. Et ici, les technologies modernes viennent en aide aux maîtres. Par exemple, à l'aide de divers programmes d'édition, vous pouvez donner à une photo un effet vintage, faire pâlir les couleurs ou créer un effet usé avec des éclaboussures.

Photo glamour populaire

Personne ne niera que la photographie glamour est le style de photographie le plus répandu à l’heure actuelle. Les photos de ce style remplissaient littéralement tout ce qui l'entourait : panneaux d'affichage, pages de magazines sur papier glacé, affiches de films, restaurants et boîtes de nuit. Les origines de la photographie glamour se trouvent dans le cinéma, qui s'est répandu dans les années 20 et 30 du siècle dernier. Les regards langoureux des femmes vêtues de robes à décolleté profond, de chaussures ouvertes à talons hauts, tout cela a été à l'origine de l'émergence du style glamour. Bien entendu, des images lumineuses représentant le sex-symbol de l'époque, Marilyn Monroe, ont également laissé leur marque, ce qui a contribué de manière significative au développement du glamour. Les traits caractéristiques de ce style sont le chic, le charme, l’éclat et la sexualité. En règle générale, les photographies de ce style représentent des stars de cinéma, des mannequins et d'autres personnalités publiques, sur les images desquelles travaillent quotidiennement des équipes entières de stylistes, de coiffeurs et de maquilleurs.

Bien entendu, au stade actuel de développement de la photographie glamour, la portée de ce style s'est considérablement élargie. Désormais, les photos peuvent refléter à la fois un romantisme léger et de la tendresse, ainsi qu’une sexualité dure mêlée d’arrogance, défiant la société toute entière. Pour autant, un certain attachement au chic et au luxe, aux images et à la luminosité impeccables n'ont pas disparu. C'est dans ces caractéristiques que réside le succès du glamour et l'intérêt inépuisable pour de telles photos, eh bien développement intensif la publicité, la mode et l'intérêt des magazines sur papier glacé pour ce style ne font que contribuer à son développement.

La photographie est une forme d’art et, comme toute forme d’art, elle connaît sa part d’évolution. Par conséquent, il est juste de dire qu’en tant que photographes (artistes de cette profession), nous passons également par un processus évolutif de définition et de redéfinition de nos sensibilités artistiques. Cette redéfinition peut se produire de différentes manières. Il pourrait être côté technique(passer du numérique au cinéma ou vice versa) ou professionnel (changer le genre que vous photographiez). Une autre façon de vous développer en tant que photographe est de changer votre style de montage. Et il est tout à fait normal et acceptable d'apporter tous ces changements dans votre parcours photographique.

Pour un photographe, ses images sont une forme d’art. Les expérimenter est une satisfaction créative.

Il arrive un moment dans votre carrière où vous jetez un regard significatif sur ce qu’a été le voyage. Qu’as-tu vécu et où en es-tu maintenant ? On pourrait appeler cela une sorte de crise de la quarantaine, mais j'appelle cela une réévaluation de soi. forces, talents et objectifs.

Il y a quelques années, alors que je cherchais un style de photographie qui me plaisait, j'ai tout de suite été fasciné par les images lumineuses, aériennes, pleines de lumière et d'émotion. Des photos comme celles-ci m’ont vraiment inspiré et m’ont rendu heureux. Mais en Dernièrement Je suis attiré par les images plus maussades et contrastées, mais aussi pleines d'émotion. Je ne considère pas cela comme un défaut ou un échec, mais plutôt comme une évolution naturelle de mon parcours en tant qu'artiste.

Le même objet photographié de deux manières différentes. Je les aime également et je pense que les deux images transmettent le message/l'histoire que je voulais raconter sur le plat préféré de l'été : les myrtilles !

Si vous êtes à un tel carrefour, je vous encourage à explorer pleinement chaque voie et à trouver un moyen de l'intégrer dans votre flux de travail existant. J'ai constaté que lorsque cela est fait correctement, vos clients (ou fans) apprécieront également ce processus de développement comme un signe de croissance intérieure de votre talent.

Voici quelques façons de faire de telles découvertes.

1 – Définir le mien propre style traitement

Quel style d’images vous attire ? En d’autres termes, lorsque vous êtes en quête d’inspiration, vers quelles images gravitez-vous ? Pour moi, les photographies pleines d’émotion et de personnalité crient vraiment mon nom ! C'est ma première exigence ; quelle histoire le photographe essaie de raconter.

Ensuite, je regarde le traitement : l'image est-elle sombre et maussade, ou lumineuse et nette ? J’aime un peu plus les images aériennes et claires que les images sombres, mais les deux m’attirent. Mon opinion personnelle est que je ne suis pas inspiré par le sépia ou les tons plus chauds du noir et blanc, mais c'est ma préférence personnelle. Si c’est ce qui vous motive, alors maîtrisez et développez ce style !

La finition épurée et lumineuse fait ressortir la fraîcheur des fleurs sur le fond bleu des chaises.

2 – Explorez d’autres styles qui vous inspirent

Il y a plusieurs styles courants, qui restent pertinents dans le temps. Il ne s’agit en aucun cas d’une liste exhaustive, mais plutôt de celles que j’ai notées lors de recherches en ligne et sur Pinterest.

Mat

Ces images semblent avoir été filtrées avec une légère brume brumeuse.

Généralement dans un style mat, le noir n'aura pas l'air 100 % noir, mais il ressemblera à ce qu'il serait si l'image était imprimée sur du papier mat (voir l'image originale ci-dessous).

Original image

Il y a une légère brume en finition qui est majoritairement visible sur les couleurs (surtout par rapport à l'image précédente).

Couleurs peu saturées

Des images dans lesquelles toutes les couleurs sont très atténuées. Ce style a été très populaire ces derniers temps, en particulier dans les images dans lesquelles la saturation des tons verts (c'est-à-dire les arbres et les buissons) est considérablement réduite.

Une image à faible saturation où toutes les couleurs sont atténuées par rapport à la luminosité d'origine de la première image de la série. La saturation des rouges est réduite, les verts et les bleus sont également atténués (diminution de l'intensité).

HDR

Selon Wikipédia, HDR ou High plage dynamique est un effet conçu pour reproduire une plage dynamique de luminosité plus large que les images numériques standard. Généralement, il est appliqué aux photos de paysages urbains nocturnes, mais cet effet peut être appliqué à n'importe quelle photo.

IciHDRIl a opposé Effet insaturé… vert, rouge Et rose devenir plus riche V ce image.

Monochromes

Cela signifie qu’une seule couleur est utilisée et que les images sont principalement en noir et blanc.

3 – Identifiez les artistes qui sont bons dans ce qu’ils font et suivez-les

De nombreux artistes excellent dans un ou plusieurs styles de traitement. Une fois que vous avez décidé quel style vous souhaitez expérimenter, recherchez des photographes qui travaillent dans le même style et recherchez leur travail. Vous commencerez à voir une tendance dans leur travail et leur style d'édition, ce qui peut vous motiver à rechercher et à réaliser un type spécifique d'images dans votre portfolio.

4 – Photographiez dans un style spécifique et proche de votre vision

Ceci est lié aux deux points ci-dessus. Une fois que vous avez décidé du style avec lequel vous souhaitez travailler, consacrez du temps et des efforts pour respecter tous les paramètres nécessaires. Par exemple, si mon objectif est d’obtenir des images sombres et maussades, je rechercherai un éclairage, des textures et des nuances qui correspondent à ce style. Je ne me positionnerai pas pour photographier dans la partie la plus lumineuse de ma maison, où lumière du soleil remplit la pièce.

Cette photo culinaire a été prise dans mon studio au sous-sol par une journée nuageuse afin de minimiser la quantité de lumière entrant dans la scène. De plus, les nuances sombres du pain et de la planche de bois soutiennent le style, l'ambiance et les tons de l'image.

5 – Investissez dans des préréglages pourG / D ou des opérations pourPS ou expérimenter

Il existe de nombreuses solutions de traitement dans un style de photographie particulier. Faites simplement une recherche sur Internet, il est fort probable que quelqu'un ait déjà créé un modèle/préréglage/opération pour cet effet. Certains outils d'édition sont gratuits, d'autres coûtent de l'argent. En fonction de vos préférences personnelles, vous pouvez choisir d'utiliser ou non ces outils supplémentaires. Mon principal logiciel J'utilise Lightroom pour le montage et j'utilise parfois des préréglages gratuits pour voir si j'aime un style de montage particulier avant de faire plus de recherches et d'expérimenter mon propre style de prise de vue.

Conclusion

Après tout, il y en a beaucoup différentes façons regardez votre créativité et votre propre style photographique. Il y aura toujours parmi nous ceux qui traversent la vie avec la devise « Ne réparez pas ce qui n’est pas cassé ». Et d’autres suivent l’idée du « Changez tout, mélangez tout, faites bouger le bateau… tombez à l’eau et apprenez à nager ! » Quel que soit le camp dans lequel vous appartenez, mon défi est de suivre ce qui rend la photographie intéressante et stimulante sur le plan créatif !

Il n’y a pas si longtemps, j’ai remarqué que très peu de photographes créaient des photographies qui ressemblent à une image fixe d’un film dans leur style. Quelques photographes célèbres qui photographient dans ce genre vivent ici à New York. J'ai organisé une rencontre avec eux non seulement pour qu'ils nous parlent de leurs projets personnels, mais aussi pour discuter de la manière dont ils obtiennent un effet cinématographique dans leurs photographies.

Que vous aimiez ou non le traitement, je trouve personnellement cette intersection d'action et d'arrêt sur image assez intéressante.

Pour ce projet, j'ai invité deux photographes qui photographient dans ce style et vivent à New York : Dennis Cacho et Andrew Maurer. Si vous ne comprenez toujours pas bien de quel style on parle, juste en dessous je vous donne exemples illustratifs photographies avec traitement cinématographique.

Quelques photos d'Andrew :

Andrew, rappelant comment il est arrivé à ce style, dit qu'il s'est d'abord interrogé sur la composition du cadre. L'étape suivante a été l'intérêt pour le travail avec la couleur. Andrew a finalement formé son style dans le but de réaliser des photographies comme des scènes de film figées.

Vous pouvez découvrir un peu plus d’informations dans cette courte interview :

Dennis démontre également le talent et la vision de la photographie cinématographique dans ses photographies :

Andrew et Dennis partagent tous deux l’amour de la narration. Lorsque je leur ai demandé ce qui les motivait à créer ce genre de photographies, Dennis a répondu : « J'aime voir à quel point une photographie peut transmettre et raconter une histoire qui n'existe pas. Si l’on parle de ce qui m’a attiré dans ce genre, c’est probablement le drame avec lequel certaines scènes des photographies sont éclairées et la particularité du cadrage.

Comment tout cela se passe

Dennis et Andrew tournent avec les mêmes caméras, mais leurs approches sont légèrement différentes. Andrew photographie principalement avec des objectifs Carl Zeiss et ajuste manuellement la mise au point à l'aide de l'écran LCD. Dennis change d'optique, mais préfère photographier de manière plus traditionnelle : à l'aide d'un viseur.

Nous avons passé quelques heures avec Andrew et Dennis, à parcourir les rues de la ville et à prendre des photos. La tâche principale était de raconter l’histoire de la ville, mais avec une mise en garde : la narration devait être du point de vue du photographe. C’était intéressant de voir à quel point la même intrigue peut être jouée différemment par différentes personnes.

Quelques photos des gars au travail :

Andrew (à gauche) et Dennis (à droite)

Mise au point manuelle avec objectifCarl Zeiss

Tailor Sam, propriétaire d'entreprise. Après quelques clichés, il a commencé à nous inviter avec insistance à essayer ses costumes.

Une autre héroïne est Helen. Il vit dans la rue voisine depuis environ 50 ans.

Comme l'a souligné Dennis, le défi ne consiste pas seulement à capturer un sujet intéressant. Non seulement la personne sur la photo est importante, mais ce qui l’entoure ne l’est pas moins. Parfois, avant d'appuyer sur le déclencheur, vous devez observer la personne dans le cadre.

Andrew partage un point de vue similaire. Il est extrêmement important d’offrir au spectateur une perspective intéressante. Composer un beau cliché dans des conditions de rue, quand rien ne dépend de vous, peut parfois être très difficile. Parfois, vous devinez quel sera le développement des événements, et parfois non - c'est le problème. D’une part, une telle spontanéité pose parfois problème, mais d’autre part, c’est précisément ce qui captive ce genre de photographie.

Quelques photos de Denis :

Posant Sam.

Et quelques photos d'Andrew :

Helen a accepté de poser

Andrew a capturé Sam alors qu'il scrutait les passants, à la recherche d'un acheteur susceptible d'acheter son costume.

Les gars racontent-ils vraiment une histoire qui peut être liée ? L'histoire d'une ville où tout est lié. C'est à nous, téléspectateurs, de décider.

Avantages de travailler avec des clients

C’est drôle, mais les deux photographes ont trouvé leur pratique de ce genre utile lorsqu’ils travaillaient avec des clients. André explique :

« J'ai rencontré mes photographes préférés du monde entier, venus me rendre visite à New York. J'ai eu l'opportunité de participer à des campagnes publicitaires et de collaborer avec Canon - Asie et Carl Zeiss Lenses - Allemagne. J'ai également réalisé des tournages commerciaux pour de grands hôtels et des projets commerciaux à New York. Et en ce moment je travaille sur une série de vidéos avec Dj Premier.

Dennis a également utilisé l'effet cinématographique dans son travail avec ses clients :

« Ce genre m'a aidé à trouver plusieurs clients commerciaux. On m’a demandé un jour de photographier des fiançailles dans ce style ; le couple voulait s’éloigner des photographies traditionnelles.

Comment obtenir un effet cinématique sur vos photos

J'ai demandé aux gars comment ils obtenaient cet effet de film. Tous deux ont conclu qu’il n’existait pas de formule magique applicable à toutes les photographies. Mais, malgré le fait que chaque cadre individuel présente de nombreuses nuances, il existe néanmoins une approche générale.

Andrew a décrit son approche comme suit :

Je lance le traitement en DPP (Digital Photo Professional), ici je redresse le fichier RAW. J'ajuste les tons et joue un peu avec les courbes, puis charge la photo dans Lightroom. Dans Lightroom, je fais déjà la correction des couleurs, la correction de la perspective et le recadrage. Si nécessaire, j'apporte des finitions dans Photoshop.

Dennis préfère effectuer des manipulations de base des couleurs dans Lightroom. Le travail sur l'image est divisé en plusieurs étapes simples, ce qui, à son tour, entraîne d’énormes changements.

Étape 1

Ouvrez le fichier RAW dans Lightroom.

Étape 2

Ajustez la palette de couleurs à l'aide des curseurs de la section Tonification fractionnée. Pour cette photo, des tons chauds ont été ajoutés pour rendre les couleurs encore plus automnales.

Étape 3

Ajustez la saturation des couleurs et la luminance.

Étape 4

Ajustez les tons sombres, la température de couleur et les ombres.

Étape 5

Ajoutez un effet de vignette et du bruit pour rendre votre photo moins numérique et plus proche d'un film.

Étape 6

Exportez le fichier vers Photoshop.

Étape 7

Créez un nouveau calque avec un remplissage noir sous le calque principal.

Étape 8

Utiliser l'outil Outil de sélection(Zone rectangulaire) et sélectionnez des valeurs fixes pour la hauteur et la largeur de l'image. Réglez la largeur sur 16 et la hauteur sur 9 pour obtenir une image grand écran. Étirez la zone rectangulaire pour couvrir la zone de l'image 16:9. Ensuite dans le menu allez sur Image > Recadrer(Image - Recadrage).

Étape 9

Pour une valeur fixe Outil de sélection entrez des valeurs de 2,35 pour la largeur et 1 pour la hauteur pour créer un format de film anamorphosé. Nous sélectionnons la zone, mais ne la recadrons pas encore. Au lieu de cela, nous retournons au panneau des calques et créons un masque de calque, en cliquant sur le lien reliant le calque et le masque pour les détacher l'un de l'autre.

Étape 10

Revenons au panneau des calques. Faites un clic droit sur le masque de calque et sélectionnez le graphique Appliquer un masque de calque(Appliquer le masque de calque).

Étape 11

Pour ajuster parfaitement l'image entre la bouillie noire, appuyez sur Cmd (Ctrl sous Windows) et A pour sélectionner l'intégralité du document, puis cliquez avec le bouton droit sur Masque de calque et sélectionnez Appliquer un masque de calque.

Étape 12

Cliquez sur le calque, allez dans le menu Calques - Aligner les calques sur la sélection(Calques - Aligner les calques sur le fragment sélectionné), pour aligner l'image verticalement, cochez Centres verticaux(Centres verticaux).

Plus de détails et des instructions détaillées sur le cadrage cinématographique peuvent être trouvés dans ce didacticiel vidéo :

Conclusion

J'espère que l'article vous a été utile et que vous pourrez diversifier vos photos avec un nouveau style de traitement. Je pense que c'est une idée incroyable de transformer des photographies en images fixes d'un film. Je suis sûr qu'à l'avenir, nous verrons une popularité croissante de cette vision de la photographie, car le cinéma est quelque chose qui ne se démode jamais.