Модерн - cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.
Лев Бакст "Портрет Андрея Львовича Бакста, сына художника"
Тecнo cвязaн c мoдepнoм - cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн, кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Модерн имел в разных странах разные названия, которые в сущности являются синонимами: Ар Нуво - во Франции, Сецессион - в Австрии, Югендстиль - в Германии, Либерти - в Италии.
Алнксандр Бенуа "Купальня маркизы. " 1906
Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала понт-авенская школа с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.
Густав Климт "Жизнь и смерть" (1908 -1916 г.г.)
Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Г. Климт, Ф. Кнопф, М. А. Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Л. С. Бакст, Э. Мунк) и тонких подчеркнутых нюансов (Врубель, Бенуа). Все это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Густава Климта. Художники модерна творили во всех странах Европы и Америки: Австрии, Великобритании, Германии, Италии, Голландии, России, США и др.
Альфонс Муха "Зодиак" 1896 г.
Модернизм - (от фр. modern - современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого. Модернизм близок авангардизму и противоположен академизму.
В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века (русский модерн, ар нуво, югендстиль, сецессион и др.), поэтому необходимо различать эти два понятия, с тем, чтобы избежать путаницы.
Модернизм — совокупность художественных направлений в искусстве второй половины XIX — середины XX столетия Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. Датой зарождения модернизма часто называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка, нередко сопровождающиеся эпатажем и определенным вызовом устоявшимся канонам.
Авангардизм - общее понятие,объединяющее все виды экспериментальных,модернистских, подчеркнуто необычных начинаний в искусстве, поисков в искусстве 20 века.
Казимир Малевич "Спортсмены" (1930 -1931)
Общие черты всех авангардных направлений - постоянная конфронтация со всеми устоявшимися и признанными направлениями и постоянная готовность выдвигать новые небывалые художественные принципы, способные ошеломлять художественную среду и публику. Для этой цели используются приемы, методы, темы, образы, ранее считавшиеся несовместимыми с искусством. Постоянное внедрение в искусство столь "невероятных", "немыслимых " новшеств создавало вокруг авангарда атмосферу постоянного напряжения, революционных ожиданий, скандалов и столкновений.
Термином модернизм (от фран. – новый) обозначают новое, современное искусство, которое зародилось в конце XIX века и связано с глобальным кризисом европейской культуры
Поиск нового обернулся стремлением восстановить цельность и органичность человеческого бытия в рамках единой космологической системы через художественные средства, то есть вернулся в искусстве к мифотворческому методу, к формам первобытного искусства, к формам детского творчества, то есть к тем формам, где человек чувствовал себя гармоничным в этом мире, где не было фальши, где не было насилия над человеческой личностью
Наиболее ярко кризис искусства проявил себя в живописи: большинство художников XX века отошло от изображения мира таким, как мы его видим. Мир представлялся деформированным порой до неузнаваемости, так как художники руководствовались больше собственным воображением, отход от реализма не был пустым капризом, художники хотели сказать: мир вовсе не такой, каким мы его видим: он по своей сути бессмыслен и абсурден, он такой, как мы его показываем на своих картинах (понятие модерн более широкое, чем авангард, который относится только к художественной культуре, а модерн ко всему новому). В авангарде XX века существовало множество направлений, течений, которые существовали рядом, параллельно, часто скрещивались между собой, сменяли или отменяли друг друга. Статус вечных приобрели три течения: абстракционизм, кубизм, сюрреализм (сверхреализм). Первое впечатление при встрече с авангардом – все не так. Главная формула его: если так еще никогда не делалось, то это необходимо сделать, постоянный признак: сознательное переворачивание традиционных представлений. Авангард стремился породить не искусство, а метод познания и поставить его на место традиционной философииÞ авангардисты создают в своем творчестве нечто особое, что включает в себя и проблему отвлеченного мышления, и косвенное представление о бытии и сконцентрированный мир идей. Таким образом, абстрактное искусство – это не стиль, это образ мышления. Периоды: от модерна (XIX) до «Авиньонских девиц» (первая кубическая картина Пикассо). Этот период характеризуется перестройкой традиционного типа искусства, не выработан язык авангардаÞ художники вынуждены сами объяснять основные постулаты своей позиции.
38. Основные направления модернизма
Кубизм – это течение связано с именем Пабло Пикассо (Испания). К этому течению Пикассо пришел не сразу.
Периоды:
1. «Голубой период» (1901-1904). Все портреты объединены холодной гаммой синего цвета, что позволяет развить тему одиночества, горя, обреченности человека, враждебной среды («Странствующие гимнасты», «Нищие: старик с мальчиком»).
2. «Розовый период» (1905-1906). Все картины в пепельно-розовом цвете. Цель, которой хотел достигнуть Пикассо – показать, что хотя мир дик, в нем живут порядочные людиÞ героями картин становятся бродячие артисты, акробаты: «Девочка на шаре». Но художественная правда оказалась выше желания художникаÞ свобода обернулась в одиночестве изгнанника. Картины также пессимистичны.
3. 1906-1907 (1,5 мес.). Художник приходит к выводу, что решение человеческих проблем через живопись невозможною живопись может лишь только создавать пластические формы. Большой интерес к негритянской культуре.
4. Первая фаза начала кубизма (1907-1908). Органические и природные мотивы подвергаются геометризованной информации. Выполнены в землисто-красноватом колорите, а выявлению рельефа служат сине-зеленые тона («Авиньонские девицы» (1907), «Три женщины»).
5. Вторая фаза – аналитический кубизм, когда картина превращается в дробный узор мелких геометрических элементов, сквозь который проглядывает изобразительный элемент (портрет Валлара).
6. Третья фаза: синтетический кубизм (1912-1913). Это живописные композиции, которые образуются плоскими фрагментами предметов (в основном музыкальных инструментов).
7. 1913-1915. Композиции на тему музыкальных инструментов, которые представляли объемно-предметные изделия из различных материалов, подвешенных к вертикальной плоскости.
Абстракционизм.
Основатель – Василий Кандинский. Сущность течения в том, что с помощью кисти и карандаша можно создать особую вибрацию души и приобщить ее к духу музыки. Художественные средства: световые пятна, линии, геометрические фигуры, абстракции. Абстракционизм напоминает музыку, и Кандинский создал свой абстрактный язык живописи, где каждый цвет нес определенную символическую нагрузку (Шнитке «Желтый цвет» - музыкальное произведение). Другой представитель – Казимир Малевич («Черный квадрат на белом фоне» 1913). Выставлялся как некий новый планетарный знак (романтическая утопия).
Сюрреализм.
Связан с Сальвадором Дали. Возник на рубеже 20-х годов XX века, стабилизировался в 25-26 годах. Основное основание – ощущение причудливости, неожиданности явления мираÞ представление о непознаваемости и отсутствии мираÞ реальный мир – это мир, который находится в нашем подсознании. Суть художественного метода – соединение реальных предметов с нереальными или реальных, но доведенных до абсурда или реальных, но в иррациональном сочетании (Дали «Антропоморфный шкаф»). Сюрреализм проявился не только в живописи, но и в скульптуре и кино.
Постмодернизм.
Постмодернизм – эстетический переворот, который произошел в Европе в 60-70 годы. Как термин, начал применяться в 79 году. Это не стиль, это цитирование известных образцов, но в манере намеренного бреда и главная характерная черта – эклектика (соединение различных элементов – Восток, Запад, Африка, европейская культура). Такой путь ставил на одну грань точку отсчета и точку высшего развития (европейская цивилизация). Постмодернизм – результат студенческих движений, это была реакция на потребительское общество. Они пытались предвнести в безыдейное общество новую сверхидею. Подлинного художника в мире окружают враги, таким образом, постмодернизм – форма эстетического бунтарства и был озвучен идеей новой сексуальной революции и новой чувственностью. И модернизм, и постмодернизм не могут претендовать на широкую популярность, то есть возникали они как элитарные, тем не менее, модерн и постмодерн стали тем этапом в развитии культуры XX века, которые не только обозначили все его болевые точки, но и стали тем искусством, которое соединило эпоху XX века с позабытым в суете Вечным.
Во второй половине XIX века сначала в Европе, а затем и в России возникло художественное направление в искусстве - модерн (от фр. moderne - современный). Отличительными особенностями этого стиля является замена прямых линий и углов более естественными, «природными» линиями, расцвет прикладного искусства с преобладанием криволинейных растительных орнаментов, образующий композиционную структуру произведения.
Для живописи модерна характерны сочетание орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или нюансной монохромности. Скульптура модерна отличается динамикой и текучестью форм, графика - игрой изысканных хрупких линий и силуэтов.
В России в конце 1890-х годов было основано художественное объединение «Мир искусства», утверждавшее приоритет эстетического начала в искусстве в противовес остросоциальной направленности передвижников и стремившееся к модерну и символизму.
В состав объединения в разные годы входили художники А. Н. Бенуа, Л. С. Бакст, Н. К. Рерих, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов и другие. К «Миру искусства» были близки И. Я. Билибин, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, В. А. Серов, М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, К. Ф. Юон и другие.
Рассмотрим подробнее творчество отдельных художников, наиболее ярких представителей русского модерна этого периода – М. А. Врубеля, В. А. Серова, В. М. Васнецова.Врубель Михаил Александрович (годы жизни 1856–1910) - русский художник, яркий представитель модерна и символизма. Врубель достиг высот практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре, театральном искусстве. Наследие Врубеля включает многочисленные живописные полотна, декоративные панно, фрески и книжные иллюстрации.
Ещё во время учёбы в Академии художеств Врубель по приглашению А. Прахова, известного искусствоведа того времени, участвовал в реставрационных работах в храмах Киева. Врубель выполнил для Кирилловской церкви несколько композиций взамен утраченных, написал икону "Богоматерь с Младенцем" и предложил комиссии эскизы росписей Владимирского собора. Эскизы эти комиссией были отвергнуты по причине несоответствия их византийской традиции - Врубель модернизировал их, наполнив трагическим психологизмом, свойственным концу XIX века. Тем не менее, работы эти оказали большое влияние на становление Врубеля, как художника.Для самобытной манеры Врубеля характерен особого рода кристаллический рисунок, мерцающий сине-лиловыми сумрачными гранями.Во многих картинах Врубеля раннего периода царит атмосфера волшебной сказки. «Царевна-Лебедь» - картина Врубеля, написанная на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане».
Царевна с печальным лицом на полотне Врубеля таинственна и загадочна. На фоне спускающихся над морем сумерек выделяются светлым пятном крылья Царевны, написанные в особой «врубелевской» манере, подобные огранённым драгоценным камням.
М. А. Врубель. Демон сидящий. 1890 г.
Одним из центральных образов в творчестве Врубеля можно назвать образ Демона, как образ силы человеческого духа, внутренней борьбы и сомнений. В начале 1890-х годов Врубель пишет иллюстрации к поэме М. Ю. Лермонтова «Демон», тогда же начинает работу над «Демоном сидящим», позднее пишет «Демона летящего» и «Демона поверженного».
В первой картине этого цикла Врубель трактует образ демона, как духа не столько злобного, сколько страдающего и скорбного, при всём этом духа властного и величавого. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении фантастических цветов на фоне гор в алом закате. Огромные глаза Демона печальны, взгляд устремлён вдаль. Фигура Демона словно зажата между верхней и нижней рамой картины, что визуально приближает к зрителю и усиливает драматичность образа.
В продолжение этой темы, в «Демоне летящем» Врубель изображает Демона, как могучего властелина мира, а в «Демоне поверженном» Демон написан на краю гибели, фигура его изломана, но выражение его лица поражает экспрессией, дух Демона не сломлен.
Во всех этих картинах ярко проявляется индивидуальный стиль Врубеля, всё написано с эффектом мерцающих кристаллических граней, что делает эти картины похожими на драгоценные витражи или панно. Такого эффекта Врубель добивался, используя вместо кисти мастихин, мазки краски получались в этом случае плоскими и густыми.
М. А. Врубель. Демон поверженный. 1902 г.
В 1902-м году Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, одной из причин которого была смерть маленького сына Врубеля. В поздний период творчества, проведённый в основном в частных клиниках Москвы и Санкт-Петербурга, Врубель создаёт ряд работ, переходных от модерна к авангарду.
Картина позднего периода «Шестикрылый серафим» (известна и под другими названиями - «Ангел с мечом и кадилом», «Азраил» и «Херувим»), созданная в стенах клиники В.П. Сербского, относится к высшим достижениям творческого пути Врубеля.В этом произведении художник наделил Серафима гипнотизирующим взглядом самой судьбы, а меч и светильник в его руках выглядят как символы жизни и смерти: сталь источает ледяной холод, споря с живым и горячим светом лампады. Изумительный по красоте колорит картины напоминает византийские мозаики и витражи.
Картину «Шестикрылый серафим» можно назвать многозначным финалом всего творческого пути Врубеля в поисках образов Демонов и Ангелов.
|
В. А. Серов. Автопортрет. |
В ранний период творчества Серов был близок к русскому импрессионизму, в работах этого периода художник видел свою главную задачу в непосредственности восприятия модели и природы и их правдивом пластическом решении. В солнечной разработке света и цвета, в передаче сложной гармонии рефлексов, воздушной среды Серов воспевает юность и красоту своих моделей.
|
В. А. Серов. Девочка с персиками. 1887 г. |
За картину «Девочка с персиками» Серов получил премию Московского общества любителей художеств.
В. А. Серов. Похищение Европы. 1910 г.
Со временем импрессионистическая манера Серова становится более сдержанной, приближаясь к одноцветной живописи и приобретая черты нового стиля модерн, наиболее ярко проявившихся в таких работах, как «Портрет Иды Рубинштейн» и «Похищение Европы».
Картина «Похищение Европы» решена Серовым в манере монументального декоративного панно. Сюжетом художнику послужил древнегреческий миф о похищении обернувшимся быком Зевсом Европы, дочери царя Агенора.
Композиция полотна с высоким горизонтом построена Серовым на ритмичном диагональном движении форм. Активное движение плывущего быка останавливается поворотом его головы, равновесием двух волн, между которыми в центре оказываются головы Европы и Зевса. Условно написанные волны создают ощущение мерного движения, фигуры дельфинов повторяют движение волн и плывущего Зевса, усиливая динамику всей композиции.
Колористическое решение картины построено на гармонии синего и оранжевого цвета: ярко-рыжее пятно фигуры быка на сине-фиолетовом море смотрится красиво и выразительно. Разбросанные по поверхности воды густые «пятна» синего цвета, изображающие водную рябь, передают движение волн и организуют картинную плоскость, как и чёткие контуры всех фигур.
В. А. Серов. Портрет Иды Рубинштейн. 1910 г.
Вершиной стиля модерн в творчестве Серова стал портрет Иды Рубинштейн, знаменитой танцовщицы и актрисы того времени. В этом портрете Серов не стремился воссоздать её реальный образ, главной задачей художника здесь стала стилизация натуры и передача сложности характера модели. Сохраняя конкретные индивидуальные черты модели, её внешний облик, характер, пластику, Серов соединяет в композиции реальное и условное, что являлось отличительными стилистическими особенностями модерна.
Серов изобразил Иду Рубинштейн на портрете вызывающей, великолепной, но, одновременно, облик актрисы тонок и лиричен. Художник воспроизводит фигуру модели в сложном повороте гнутыми линиями, предельно заостряя ее контур. Сама композиция, отвечающая требованиям модерна, не выявляет пространство, в котором изображена актриса, фон портрета плоский и условный, что создаёт ощущение, что Ида Рубинштейн не сидит, а распластана, прижата к стене.
При первом же показе на Международной художественной выставке в Риме в 1911-м году картина произвела скандальное впечатление: публику шокировало и то, что знаменитая танцовщица, которую принимали в обществе, позировала обнаженной, и то, что Серов использовал совершенно новые композиционные и живописные приёмы, отличающие стиль модерн.
В парадных портретах Серова в этот период также усиливается острота глубоких социально-психологических характеристик. При передаче портретной характеристики модели Серов зачастую использует гиперболизацию и гротеск, создавая современную духу времени картину.Образцом такого парадного портрета с чертами модерна можно назвать «Портрет княгини О. К. Орловой», в котором утончённая живописная техника соединяется с иронией и лёгкой насмешкой. Серов писал этот портрет по заказу самой княгини, но многие современники отмечали бескомпромиссность взгляда художника на заказчицу и подозревали его в сарказме.
Ольга Орлова изображена в претенциозной позе: огромная шляпа, соболий палантин, откинутый назад и обнажающий плечи, сжимающие жемчужное ожерелье руки, выставленный напоказ кончик лакированной туфельки – всё это придаёт образу княгини вычурное изящество. В стилистике модерна Серов использует нервные, угловатые контуры силуэта фигуры, совмещённые с реалистичностью и материальностью детальной проработки.
|
В. М. Васнецов. Автопортрет. 1873 г. |
Главным направлением творчества Васнецова становится былинно-историческая живопись, где художник преобразовывает русский исторический жанр, соединяя в нём мотивы средневековья с поэтической атмосферой русских сказок.
Многие из произведений Васнецова по своей стилистике приближаются к типичным для модерна декоративным картинам-панно, переносящим зрителя в мир грёз.
В. М. Васнецов. Витязь на распутье. 1882 г.
Под впечатлением от русских былин в конце 19-го столетия Васнецов пишет монументальные полотна «Богатыри», «Витязь на распутье».
Сюжет картины «Витязь на распутье» основан на мотивах былины «Илья Муромец и разбойники». В начальных эскизах к этой картине Васнецов разворачивал витязя лицом к зрителю. Но для большей выразительности и эмоциональности образа в окончательной версии художник увеличил размер холста, стала монументальней фигура витязя, глубина композиции уменьшилась и стала более плоской, приближенной к панно. Исчезла в последнем варианте и дорога, чтобы у витязя не осталось другого выхода, кроме как указанного на камне.
В основе одной из самых известных картин Васнецова «Алёнушка» также лежит фольклорный сюжет русской народной сказки «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке».Толчком к написанию этой картины послужила случайная встреча художника с одной простоволосой крестьянской девушкой. В её милом лице Васнецов увидел особенную русскую душу, с её тоской, одиночеством и чисто русской печалью в глазах.
Для поиска пейзажного мотива к этой картине Васнецов выполнил множества этюдов с берега реки Ворь в Абрамцеве, у пруда в Ахтырке.
Впервые «Алёнушка» была выставлена на выставке передвижников в 1881-м году и по отзывам известного критика того времени И. Э. Грабаря была названа одной из лучших картин русской школы.
|
В. М. Васнецов. Крещение Руси. 1890 г. |
Вершиной творчества Васнецова можно назвать росписи киевского Свято-Владимирского собора, в них художник в какой-то степени обновил византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало и особый «русский» психологизм.
В основе всех сюжетов росписей собора было положено осмысление религиозной истории России, как наследницы Византии, и места России в мировой культуре и истории.
Фреска «Крещение Руси» стало одной из центральных композиций Свято-Владимирского собора над входом на хоры. Сюжетом самой фрески Васнецов избрал момент крещения киевлян в водах Днепра. В композиции фрески художник совмещает торжественность и некоторую пафосность, соответствующие изображённому моменту, с ярко выраженным индивидуализированным центральным образом князя Владимира Святославовича, внося романтическое начало в канонический сюжет.
В. М. Васнецов. Бог Саваоф.
Фреска Свято-Владимирского собора. 1885-1896 гг.
Модернизм в архитектуре представлен разными течениями, которые появились в начале 20 века в противовес романтическому Модерну . Заметим, что существует много путаницы в определениях этих двух стилей или направлений.
Модерн или модернизм: как разобраться
Модернизм в архитектуре СССР (Конструктивизм) Конструктивизм
Получил признание в Советском Союзе в прошлом веке в 1920-е годы и начале 1930-х годов. Он сочетал передовые технологии и технику с общепризнанной в государстве целью — построения коммунизма. Наделён механистическими и динамическими формами.
Абстрактный стиль или абстракционизм
Данное направление соприкасается с авангардом и продвигает отказ от изображения реальных форм вещей. Такие архитектурные стили и их особенности, как кубизм и супрематизм — его производные.
Заменяет симметрию и статику на асимметрию и равновесие масс.
Модернизм в архитектуре СССР (Абстракционизм). Я. Чернихов. Композиция №28 (1925–1933 гг.) Модернизм в архитектуре Голландии: Де Стейл (De Stijl)
Данный стиль образован как художественное движение обществом художников, в голландском городе Лейден в 1917 году. Ещё именуется неопластицизмом . На движение Де Стейл повлияли картины кубистов и движение DaDa с их идеями об идеальных геометрических формах. А работы Де Стейл, в свою очередь, повлияли на стиль Баухауз и Интернациональный стиль. Влияние этого движения на архитектуру можно увидеть больше всего в доме Ритвельд Шредер, который является единственным зданием, созданным исключительно с использованием принципов De Stijl — белые и серые стены, черные дверные рамы и множество элементов, окрашенных в яркие основные цвета.
Стиль Де Стейл. Дом Ритвельд Шредер, Голландия Модернизм в архитектуре Германии: Баухаус
Здание Bauhaus, Дессау, Германия Стиль получил название, благодаря одноимённому художественному объединению, основанному в Германии немецким архитектором Вальтером Гропиусом. Несмотря на свою относительную недолговечность (с 1919 по 1933 год), он оказал огромное влияние на дизайн двадцатого века, классический современный стиль и авангард.
Одной из основных целей Баухауза было сочетание широкого спектра искусств — архитектуры, скульптуры, живописи с ремеслами и техникой, где функциональность стоит на первом месте.
Минималистский внешний вид зданий, ориентация на упрощенные геометрические формы, отсутствие декора является признаком революционных принципов Баухауза — красоты и простоты.
Минимализм
Истоки минималистской архитектуры восходят к кубизму, De Stijl и Bauhaus. В некотором роде, эти движения были похожи между собой.
Здание Farnsworth House, 1951, Mies, штат Иллинойс, США Например, движение Де Стиль одобрило простоту и абстракцию и уменьшило художественное оформление до его основной формы и цвета. Они основывали свою философию дизайна на функционализме, прямолинейности плоскостей и устранении декоративной отделки поверхности, как это показано в доме Шредера Ритвельда.
С другой стороны, Баухаус был основан как художественная школа в Германии с целями продвижения массового производства и объединения ремесел с технологиями. Баухаус разделял принципы Де Стиль в функционализме, чистоте и уменьшении формы.
Всего несколько секунд на видео показывают суть минимализма:
В дополнение к Bauhaus и De Stijl минималистская архитектура находилась под влиянием традиционной японской архитектуры, оценив её простоту.
Этот стиль демонстрирует определенные характеристики формы, света, пространства и материала наряду с такими методами как
- сокращение,
- упрощение и
- унификация.
Минималисты считают эти характеристики сущностью архитектуры.
Минимализм устраняет несущественные детали, уменьшая и уплотняя содержимое проекта до минимума необходимых элементов, параметров и средств, таким образом определяя его форму.
Функционализм
Архитектурный стиль 20 века, который привёл в соответствие здания и сооружения с их функциями. Зародился в Германии, в школе «Баухауз», и Нидерландах. Хотя функционализм и не является исключительно современной концепцией, он тесно связан с современным стилем архитектуры, который сложился в течение второй четверти 20-го века.
Автор: Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0 , Ссылка
Прогрессивная строительная техника, необходимость в новых типах зданий, изменения культурных и эстетических идеалов повлияли на популярность этого направления. Главным лозунгом в архитектуре становится удовлетворение практических потребностей. Самое сильное влияние направления наблюдалось в Германии, Чехословакии, СССР и Нидерландах.
Брутализм
Модернизм в архитектуре Индии. Брутализм. Здание Текстильной ассоциации (Mill Owners’ Association Building), Ахмедабад Модернизм в архитектуре Брутализм представляет с 1950-х до середины 1970-х годов. Бруталистские здания имеют повторяющиеся модульные элементы функциональных зон, которые отчетливо сформулированы и сгруппированы в единое целое. Поверхности литого бетона сделаны, чтобы подчеркнуть основной материал конструкции с текстурой деревянной опалубки, используемой для литейных форм. Строительные материалы, используемые в этом стиле включают кирпичи, сталь, стекло, необработанный камень. Представляет резкий контраст с изысканными и орнаментированными зданиями, построенными в элитном стиле Beaux-Arts (Боз-Арт).
Как иллюстрацию путаницы в течениях Модерн и Модернизм, можно посмотреть короткое видео (скорее всего сделанное на основе англоязычных источников), в котором модернистские здания идут в одном ряду с Модерном.
Эти созвучные стили живописи часто путают между собой. Чтобы начинающий художник и любой другой человек, интересующийся искусством, мог свободно ориентироваться в направлениях, а так же уметь отличать их друг от друга, наша художественная школа предлагает Вам ознакомиться с данной статьей, а так же посетить увлекательные мастер-классы «Живопись Маслом». Вместе мы сможем не только рассмотреть разные стили живописи с их особенностями, но и самостоятельно реализовать свой потенциал в тех или иных течениях с применением специальных художественных техник.
Виктор Васнецов. После побоища Игоря Святославовича с половцами. 1848-1926.
Итак, начнем с модерна, который сегодня остается популярным и востребованным в мире за счет своей оригинальной эстетики.
МОДЕРН
Модерн в живописи – это сюжеты, наполненные характерными для символизма образами. Их сложный ритм сочетают в линейной композиции с оригинальными декоративными элементами.
Первым и главным признаком данного стиля является специфическая плавность форм. Мы видим вытянутые, растущие в высоту фигуры, с четкими выделенными контурами на одноцветной поверхности. Рассматривая работы известных художников модерна, стоит приглядеться, и вы заметите, что на них нет привычного эффекта глубины. Изображения выглядят плоскими, словно это настенные аппликации.
Изначально, когда модерн в живописи только набирал обороты, его представители использовали экзотические растительные мотивы, причудливые орнаменты и узоры. Не редко в их сплетении на холстах возникали женские фигуры или мистические существа. Это символ, некая аллегория на главную тему картины, например любви, греха, смерти или войны. Важно отметить, что язык стиля формировался долгие годы, во многом не без идей символистов из Франции и России. В каждой стране он именовался по-разному. Это вам и ар нуво, и югендстиль, и сецессион.
Модерн в живописи представлен работами таких культовых личностей как П. Гоген и П. Боннар, Г. Климт и Э. Мунк, М. Врубель и В. Васнецов.
Поль Гоген. Две таитянки
Михаил Врубель. Шестикрылый Серафим. 1904.
Не путайте живописцев модерна и художников-модернистов.
МОДЕРНИЗМ
Модернизм – это некая совокупность разных стилей, которые основаны на индивидуальности взгляда автора, на свободе его мысли и внутренних эмоций. В целом, модернизм в живописи позиционирует себя как отдельное крупное течение, которое отказалось от привычных классических традиций. Художники перечеркнули свой исторический опыт. Они пытались найти новое начало в искусстве, обновить восприятие и понимание живописи в социуме.
К наиболее известным модернистским течениям относятся такие стили, как авангардизм , примитивизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм и абстракционизм. Каждый из них преследует свою цель, имея в основе оригинальную философскую идею или мысль.
Авангардизм возник на почте модернизма в Европе в 1905-1930 годах. Цель этого течения — приобретения свободы по средствам художественных приемов. Работы авангардистов отличаются вызывающими, откровенными идеями и сценами.
Казимир Малевич
. Супрематизм
.
Примитивизм в живописи – это намеренное искажение образов, методом упрощения. В некотором смысле данный стиль подражает первичным, примитивным этапам развития живописи. Детская интерпретация человеческой сущности, обрисованная мелкими деталями, сделала этот стиль популярным среди художников самоучек. Однако наивное, легкое искусство без четких рамок и классических приемов серьезно повлияло на творчество маститых творцов. Примитивизм в живописи, в формах и образах отнюдь не связан с примитивностью содержания картины. Какие-то невзначай брошенные мелочи в сюжетах могут рассказать об очень важных внутренних эмоциях героя на холсте.
Нико Пиросмани. Актриса Маргарита. 1909.
Кубизм основывается на сдвиге форм образов, их деформации и разложении на геометрические элементы. Концепция картин стала доминировать над художественной ценностью. Именно это течение определило развитие искусства на ближайшие десятилетия.
Л. Попова. Портрет философа. 1915.
Сюрреализм в живописи возник в результате литературных трудов, посвященных формированию сознания человека. Мысль о существование разума и души за пределами реального мира, изучение бессознательного, а так же феномена сна и абсурдных явлений дало художникам новые темы для работ. Главный смысл этого стиля – отстранение от привычного осознанного творчества. Сюрреализм в живописи – это образы и сюжеты, взятые из глубин собственного подсознания. Посему картины этого плана полны причудливыми галлюцинациями.
Сальвадор Дали. Постоянство памяти. 1931.
Как и сюрреализм, футуризм в живописи берет свои идеи из литературы. Разрушение стереотипов и демонстрация урбанистического будущего – вот главная идея этого стиля. Стремительное движение в будущее, желание избавиться от старых норм, вырваться из пережитков прошлых столетий и попасть в мир более организованный и последовательный, видно в каждой работе художников данного течения. Футуризм в живописи русских авторов несколько отличается от картин европейских последователей этого направления. Главным образом слиянием с принципами кубизма.
Умберто Боччони. Состояния души II: Те, кто ушли. 1911.
Экспрессионизм
в живописи – это протест против мира. Это внутреннее острое восприятие окружения, отчуждение человека, его духовное крушение. Стиль возник в преддверии войны, поэтому не удивительно, что холсты насыщенны деформацией, особым колоритом и резкими диссонансами. Экспрессионизм в живописи не что иное, как передача конкретной эмоции, драматизм понимания своих переживаний.
Эдвард Мун. Крик. 1893.
Абстракционизм в живописи – полный отказ от действительной передачи образов направлен на создание своеобразных ассоциаций у зрителя, путем сочетания на холсте разных геометрических фигур конкретных оттенков. Абстракционизм в живописи нацелен на гармонию композиции, ведь любой предмет под разным углом может иметь разные формы и оттенки. Это течение — последняя стадия проявления модернизма, так называемое нефигуративное искусство.
Тео ван Дусбург. Контркомпозиция V. 1924
ПОСТМОДЕРНИЗМ
Уже из названия понятно, что постмодернизм пришел на смену модернизму, непонятному широким кругам и попавшему под руку скептических критиков. Он имеет уникальные типологические признаки. Во-первых, постмодернизм в живописи – это наличие готовой формы. Художники заимствуют образы из классических традиций, но дают им новую интерпретацию, свой эксклюзивный контекст. Не редко постмодернисты комбинируют формы из разных стилей, иронизируя над миром, а так же оправдывая тем самым свою вторичность.
Следующим важным отличием является отсутствие каких-либо правил. Данное течение не диктует автору критерии для самовыражения. Творец вправе выбрать любую форму и манеру исполнения своей работы. Обратите внимание, что такая свобода стала основой для свежих творческих идей и направлений в искусстве. Именно постмодернизм в живописи является предпосылкой к возникновению художественных инсталляций и перформансов. Данное течение не имеет четких особенностей в технике, и сегодня является наиболее крупным и популярным на мировой арене.
Paul Salvator Goldengreen. The Painter Prince.
Художественная школа «Живопись Маслом» активно содействует в поиске своего стиля начинающим художникам и любителям.
